在音乐中，和声考虑通过听觉分析个别声音的构成或声音的叠加的过程。 通常，这意味着同时发生的频率，音高（音调，音符）或和弦。

和谐研究涉及和弦及其构造和和弦进程以及管理它们的联系原则。

和谐通常被认为是指音乐的“垂直”方面，区别于旋律线或“水平”方面。

因此，有时将旋律线和复调之间的关系称为同时区别于和声，而复音是指同时发出独立的独立声音。

在流行和爵士和声中，和弦以其根源以及表示其品质的各种术语和字符命名。 在许多类型的音乐中，特别是巴洛克风格，浪漫风格，现代风格和爵士乐，和弦通常会增加“紧张感”。 张力是额外的和弦构件，其相对于低音产生相对不协调的间隔。

通常，在经典的常规练习期间，不和谐的和弦（带有张力的和弦）“解析”为辅音和弦。 当辅音和不和谐声音之间存在平衡时，协调通常听起来很悦耳。 简单来说，当“紧张”和“放松”时刻之间存在平衡时就会发生这种情况。

词源和定义
和谐一词来源于希腊语ἁρμονία和谐，意思是“联合，协议，和谐”，来自动词ἁρμόζωharmozō，“（Ι）fit together，join”。 在过去，和谐通常指的是整个音乐领域，而音乐通常指的是艺术。 在古希腊，这个术语定义了对比元素的组合：更高和更低的音符。 然而，目前尚不清楚同时发出的音符是否是古希腊音乐实践的一部分; harmonía可能仅仅提供了不同音高之间关系的分类系统。 在中世纪，这个术语被用来描述两个声音组合起来的声音，而在文艺复兴时期，这个概念被扩展为表示三个声音在一起发声。 Aristoxenus写了一部名为Harmonika Stoicheia的作品，这部作品被认为是欧洲历史上关于和谐主题的第一部作品。

直到1722年Rameau的和声特色（和谐论）出版之后，任何讨论音乐实践的文本都在标题中使用了这个术语，尽管这项工作并不是该专题理论讨论的最早记录。 这些文本背后的基本原则是，和谐通过遵循某些预先确定的构成原则来制裁和谐（听起来令人满意）。

当前的字典定义虽然试图给出简洁的描述，但经常强调该术语在现代使用中的模糊性。 模糊性往往源于美学考虑（例如，只有令人愉悦的和谐可能是和谐的观点）或者从音乐纹理的角度（区分谐波（同时发出声音）和“对位”（连续发声的音调）。阿诺德惠特尔的话：

虽然音乐理论的整个历史似乎仅仅依赖于和谐与对立之间的这种区分，但几个世纪以来音乐作品本质的发展已经假定相互依存 – 有时相当于整合，而在其他时候也是如此。音乐空间的垂直和水平尺寸之间持续张力的来源。[需要的页面]

西方音乐中现代音调和谐始于1600年的观点在音乐理论中是司空见惯的。 这通常是通过替换文艺复兴音乐中常见的水平（或对位）构图来解释的，并重新强调了复合音乐的垂直元素。 然而，现代理论家倾向于认为这是一种令人不满意的概括。 根据Carl Dahlhaus的说法：

并不是对位被和谐所取代（Bach的音调对位肯定不会比Palestrina的模态写作更复调），但是较旧类型的对位和垂直技术都是由较新的类型所取代。 和谐不仅包括和弦的（“垂直”）结构，还包括它们（“水平”）的运动。 就像音乐一样，和谐是一个过程。[需要的页面]

和声与和声练习的描述和定义可能表现出对欧洲（或西方）音乐传统的偏见。 例如，南亚艺术音乐（印度斯坦音乐和卡纳提克音乐）经常被引用为不太重视西方实践中的传统和谐; 大多数南亚音乐的潜在和谐基础是无人机，一个持续开放的第五音程（或第四音程），在整个乐曲的整个过程中不会改变音高。 特别是间距同时性很少是主要考虑因素。 尽管如此，音高的许多其他考虑因素与音乐，其理论和结构有关，例如Rāgas的复杂系统，它结合了旋律和模态考虑以及其中的编纂。

因此，在印度古典音乐中同时发出错综复杂的音高组合确实会发生 – 但它们很少被研究作为目的论调和或对位进步 – 就像西方音乐一样。 这种对比强调（尤其是印度音乐）体现在所采用的不同表演方式中：在印度音乐中，即兴创作在一个片段的结构框架中发挥了重要作用，而在西方音乐中，即兴创作从一开始就不常见。 19世纪。 如果它确实出现在西方音乐中（或过去曾经发生过），那么即兴创作既可以修饰预先标注的音乐，也可以从先前在标记作品中建立的音乐模型中进行绘制，因此使用熟悉的谐波方案。

尽管如此，强调欧洲艺术音乐中的预先组合以及围绕它的书面理论显示出相当大的文化偏见。 格罗夫音乐和音乐家词典（牛津大学出版社）明确指出：

在西方文化中，最依赖于即兴创作的音乐，例如爵士乐，传统上被认为不如艺术音乐，其中预组合被认为是最重要的。 生活在口头传统中的音乐概念，即使用即兴技术组成的东西，将它们与使用符号的高级作品区分开来。

然而，在西方艺术音乐中，和谐实践和语言本身的演变是由先前构成的过程促进的，这允许理论家和作曲家对个别预制作品进行研究和分析（在某种程度上）无论演出的性质如何，节奏都保持不变。

历史规则
西方音乐表演，作曲和理论的一些传统具有特定的和谐规则。 这些规则通常被描述为基于自然属性，例如毕达哥拉斯调整法则的整数比率（“和谐性”在感知或本身的比率中固有）或谐波和共振（“和谐”是声音质量固有的），允许的音高和和声从他们与这些属性的接近中获得美丽或简单。 该模型规定小七和（大）九不是不共振的（即，是辅音）。 虽然毕达哥拉斯比率可以提供感知谐度的粗略近似，但它们无法解释文化因素。

早期西方宗教音乐通常具有平行的完美间隔; 这些间隔将保持原始平原的清晰度。 这些作品是在大教堂中创作和演出的，并利用各自大教堂的共鸣模式来创造和声。 然而，随着复调的发展，并行间隔的使用逐渐被使用三分之六和六分之一的英语协和风格所取代。[何时？]英语风格被认为具有更甜美的声音，并且更适合于复音，因为它在部分写作中提供了更大的线性灵活性。 由于其不和谐，早期的音乐也禁止使用三音，并且作曲家经常通过音乐音乐作用相当长，以避免使用它。 然而，在较新的三元谐波系统中，三音调变得容许，因为功能不协调的标准化使其在主导和弦中的使用成为可取的。

大多数和声来自同时发出的两个或多个音符 – 但是通过使用琶音或小音调，作品可以暗示仅与一个旋律线的和谐。 巴洛克时期的许多独奏弦乐器 – 如巴赫的奏鸣曲和独奏小提琴和大提琴的韵律 – 通过推理而不是完整的和弦结构传达微妙的和声。 这些作品通过使用琶音和弦和隐含的低音线来创造和声感。 隐含的低音线是用短持续时间的低音符创建的，许多听众认为它是和弦的低音音符。

类型
Carl Dahlhaus（1990）区分了协调和从属和谐。 从属和谐是今天众所周知的等级色调或音调和谐。协调和谐是古老的中世纪和文艺复兴时期的古老音调，“这个术语意味着声音一个接一个地联系在一起而不会产生目标导向发展的印象。第一个和弦与第二个和弦形成’进步’和弦，第二个和第三个。但是前和弦进程独立于后者，反之亦然。“ 协调和谐遵循直接（相邻）关系而不是间接，如下属。 区间周期产生对称的和声，作曲家Alban Berg，George Perle，Arnold Schoenberg，BélaBartók和EdgardVarèse的Density 21.5广泛使用。

近距离和谐和开放和声分别使用近距离和开放位置和弦。 请参阅：发声（音乐）和闭合和开放的和谐。

其他类型的和声是基于和谐中使用的和弦的间隔。 西方音乐中的大多数和弦都是基于“三重奏”的和谐，或者以三分之一的间隔构建的和弦。 在和弦C Major7中，CE是主要的三分之一; EG是次要的三分之一; 而G到B是主要的三分之一。 其他类型的和谐包括四分之一和五分和谐。

同音被认为是一个谐波区间，就像五分之一或三分之一，但它的独特之处在于它是两个相同的音符。作为和谐的一部分，协调是重要的，特别是在编排中。 在流行音乐中，同声唱歌通常被称为加倍，这是甲壳虫乐队在其早期录音中使用的一种技术。 作为一种和声，一致唱歌或演奏相同的音符，经常使用不同的乐器，同时通常被称为单声道和声。

间隔

间隔是两个独立音乐节距之间的关系。 例如，在旋律Twinkle Twinkle Little Star中，前两个音符（第一个“闪烁”）和第二个两个音符（第二个“闪烁”）的间隔为五分之一。 这意味着如果前两个音符是音高C，则后两个音符将是音高“G” – 四音阶音符，或七个彩色音符（完美的五音符），高于它。

以下是常见的间隔：

根	第三名	小三	第五
C	Ë	Ë♭	G
d♭	F	˚F♭	一个♭
d	F♯	F	一个
Ë♭	G	摹♭	乙♭
Ë	G♯	G	乙
F	一个	一个♭	C
F♯	A♯	一个	C♯
G	乙	乙♭	d
一个♭	C	ç♭	Ë♭
一个	C♯	C	Ë
乙♭	d	d♭	F
乙	D♯	d	F♯

因此，音符与其特定音程的组合 – 和弦 – 创造和谐。 例如，在C和弦中，有三个音符：C，E和G.音符C是根音。 音符E和G提供和声，并且在G7（G显性第7）和弦中，根G与每个后续音符（在这种情况下为B，D和F）提供和声。

在音阶中，有十二个音高。 每个音高被称为音阶的“度”。 名称A，B，C，D，E，F和G是无关紧要的。 但是，间隔不是。 这是一个例子：

1°	2°	3°	4°	5°	6°	7°	8°
C	d	Ë	F	G	一个	乙	C
d	Ë	F♯	G	一个	乙	C♯	d

可以看出，没有任何音符始终对应于某种程度的音阶。 补品或一度音符可以是半音音阶的12个音符（音高等级）中的任何一个。 所有其他笔记都落实到位。 例如，当C是补品时，第四度或次优势是F.当D是补品时，第四度是G.虽然音符名称保持不变，但它们可以指不同的音阶，暗示不同的音程。滋补品。 这个事实的巨大力量是任何音乐作品都可以在任何键中播放或演唱。 只要间隔相同，它就是同一段音乐 – 从而将旋律转换成相应的键。 当间隔超过完美的八度音程（12个半音）时，这些音程称为复合音程，尤其包括第9,11和13个音程 – 广泛用于爵士乐和布鲁斯音乐。

形成复合间隔并命名如下：

第二+八度=第九
3 +八度= 10
4 + Octave = 11th
5 +八度= 12
6th + Octave = 13th
7th + octave = 14th
两个数字没有正确“添加”的原因是一个音符计数两次。 除了这种分类，间隔也可以分为辅音和不谐音。 如以下段落中所解释的，辅音间隔产生松弛感，而不协调间隔产生张力感。 在音调音乐中，辅音一词也意味着“带来分辨率”（至少在一定程度上，而不一致“需要解决”）。

辅音区间被认为是完美的同音，八度，五度，四度和主要和次要的第三和第六，以及它们的复合形式。 当在自然泛音系列中发现谐波关系时（即，1：1，倍频2：1，第5：3和第4：4），间隔被称为“完美”。 其他基本区间（第二，第三，第六和第七）被称为“不完美”，因为在泛音系列中数学上没有找到谐波关系。 在古典音乐中，当它的功能是对位时，低音之上的完美第四可能被认为是不和谐的。其他间隔，第二和第七（以及它们的复合形式）被认为是不协调的并且需要解决（产生的张力）并且通常准备（取决于音乐风格）。

注意，在音乐环境中相对地感知到不和谐的影响：例如，单独的主要第七区间（即，C到B）可能被认为是不和谐的，但是作为主要第七和弦的一部分的相同区间可能听起来相对辅音。 三音调（主要音阶的第四步到第七步的间隔，即F到B）听起来非常不协调，但在主导的第七和弦（在该示例中为G7或D♭7）的情况下则不那么重要。 。

和弦和紧张
在西方传统中，在十七世纪之后的音乐中，和声是用和弦操纵的，和弦是音高等级的组合。 在第三个和弦之间，以三分之一的间隔命名，和弦的成员通过第三个的堆叠间隔找到并命名，从“根”开始，然后在根上方的“第三个”，以及上面的“第五个”根音（高于第三个音阶的三分之一）等等（注意和弦成员是在它们在根音上方的音程之后命名的。）Dyads，最简单的和弦，只包含两个成员（参见电源和弦）。

带有三个成员的和弦被称为三合一，因为它有三个成员，不是因为它必须以三分之一构建（参见用其他间隔构建的和弦的四分之一和五分和谐）。 根据堆叠间隔的大小，形成不同质量的弦。 在流行和爵士和声中，和弦以其根源以及表示其品质的各种术语和字符命名。 为了使命名法尽可能简单，可以接受一些默认值（此处不列表）。 例如，和弦成员C，E和G形成C大调三重奏，默认情况下简称为C和弦。 在A♭和弦（发音为A-flat）中，成员是A♭，C和E♭。

在许多类型的音乐中，特别是巴洛克风格，浪漫风格，现代风格和爵士乐，和弦常常伴随着“紧张”。张力是额外的和弦构件，其相对于低音产生相对不协调的间隔。 在通过堆叠三分之一来构建和弦的第三次练习之后，最简单的第一张力通过堆叠在现有的根，第三和第五上方，三分之一上方的另外三分之一被添加到三元组中，从而给出一个新的，可能不和谐的成员。离根的第七个因此被称为和弦的“第七”，并产生一个四音符和弦，称为“七和弦”。

根据堆叠以构建和弦的各个三分之一的宽度，弦和弦的第七和第七之间的间隔可以是大的，次要的或减小的。 （增强的第七个的间隔再现根，因此被排除在弦的命名之外。）命名法允许默认情况下，“C7”表示带有根，第三，第五和第七个拼写的C，E的和弦。 ，G和B♭。 其他类型的第七和弦必须更明确地命名，例如“C大调7”（拼写为C，E，G，B），“C增强7”（此处增强词适用于第五个，而不是第七个，拼写为C ，E，G♯，B♭）等（有关命名的更完整说明，请参阅Chord（音乐）。）

继续在第七个和弦之上叠加三分之一会产生扩展，并带来“延伸张力”或“上部紧张”（当堆叠在三分之一时超过根音高八度），第九，第十一和第十三。 这会创建以它们命名的和弦。 （请注意，除了二元组和三元组之外，第三和弦类型是以堆栈中使用的最大大小和大小的间隔命名的，而不是和弦成员的数量：因此第九个和弦有五个成员[tonic，3rd，5th ，第7，第9，而不是9。）超过第13次的扩展再现现有的和弦成员，并且（通常）被排除在命名之外。 基于扩展和弦的复杂和声在爵士乐，晚期浪漫音乐，现代管弦乐作品，电影音乐等中得到广泛应用。

通常，在经典的常规练习期间，不和谐的和弦（带有张力的和弦）会解析为辅音和弦。 当辅音和不和谐声音之间存在平衡时，协调通常听起来很悦耳。 简单来说，当“紧张”和“放松”时刻之间存在平衡时就会发生这种情况。 出于这个原因，通常紧张是“准备好”然后“解决”的，其中准备张力意味着放置一系列辅音和弦，这些和弦顺利地通向不和谐的和弦。 通过这种方式，作曲家可以确保平稳地引入张力，而不会打扰听众。 一旦乐曲达到其次高潮，听众需要一个放松的时刻来消除张力，这是通过演奏一个能够解决先前和弦张力的辅音和弦来获得的。 清除这种紧张感通常听起来很愉快，尽管在19世纪晚期的音乐中并非总是这样，例如理查德瓦格纳的特里斯坦和伊索尔德。

知觉
和谐是基于协和，这一概念在西方音乐史上的定义发生了不同的变化。 在心理学方法中，协和是一个连续的变量。 协调可以在很大范围内变化。 由于各种原因，和弦可能听起来很协调。

一个是缺乏感知粗糙度。 当部分（频率分量）位于临界带宽内时会出现粗糙度，这是衡量耳朵分离不同频率能力的指标。 临界带宽在高频时介于2到3个半音之间，在低频时变得更大。 两个同时谐波复音的粗糙度取决于谐波的幅度和音调之间的间隔。 半音阶中最粗糙的间隔是次要的第二个，而它的反转是第七个。 对于中心范围内的典型频谱包络，第二个最粗的区间是主要的第二个和次要的第七个，其次是三音，第三个（第六个），第三个（第六个）和第四个（第五个）。

第二个原因是感知融合。 如果和弦的整体频谱类似于谐波系列，则和弦会在感知中融合。 根据这个定义，一个主要的黑社会比一个小三和更好地融合，一个主要的小七和弦融合比一个主要的七分之一或次要的小七分更好。 这些差异在调和的情境中可能不是很明显，但可以解释为什么主要三元组通常比小三元组更普遍，而主要的小七分体通常比主流音调音乐中的其他七分之一（尽管三音调间隔不一致）更普遍。 当然，这些比较取决于风格。

第三个原因是熟悉。 在音乐环境中经常听到的和弦往往听起来更有辅音。 这一原则解释了西方音乐谐波复杂性的逐渐历史性增长。 例如，大约1600个毫无准备的第七和弦逐渐变得熟悉，因此逐渐被认为是更辅音。

西方音乐以主要和次要三合会为基础。 这些和弦如此重要的原因在于它们在融合和缺乏粗糙度方面都是一致的。 它们融合因为它们包括完美的第四/第五间隔。 它们缺乏粗糙度，因为它们缺少主要的次要间隔。 在半音阶中没有三种音调的其他组合满足这些标准。

平衡中的协调和不和谐
十九世纪后期的音乐演变的方式是，与巴洛克时期或古典时期相比，紧张可能不那么经常准备，也不那么正式，因此产生了新的风格，如后浪漫和谐，印象主义，泛音，爵士和蓝调，其中不和谐没有按照“普通实践时代”和谐的方式做好准备。 在爵士乐或蓝调歌曲中，打开曲调的强音和弦可能是占主导地位的第七和弦。 爵士乐的歌曲可能会在古典音乐中以一种非常不和谐的和弦结束，例如改变的主导和弦以及尖锐的第十一音符。

谐波和“统计”张力的产生和破坏对于维持成分戏剧至关重要。 对我来说，任何保持一致和“正常”的构图（或即兴创作），相当于观看只有“好人”的电影，或者吃奶酪。

– Frank Zappa，“The Real Frank Zappa Book”第181页，Frank Zappa和Peter Occhiogrosso，1990年