哥特式艺术（Gothic art）是中世纪的一种艺术风格，它是在哥特式建筑的同时发展下，于12世纪从罗马式艺术发展到法国北部的。它蔓延到整个西欧以及南欧和中欧的大部分地区，在意大利从未出现过更多的古典风格。在14世纪后期，国际哥特式的精致宫廷风格得到发展，并一直持续发展到15世纪后期。在许多地区，尤其是德国，晚期哥特式艺术一直延续到16世纪，之后才被纳入文艺复兴时期的艺术。哥特时期的主要媒体包括雕塑，面板绘画，彩色玻璃，壁画和照明手稿。从罗马式到哥特式，再到哥特式到文艺复兴时期的建筑，都可以轻松识别出变化，
最早的哥特式艺术是纪念性雕塑，出现在大教堂和修道院的墙上。基督教艺术在本质上通常是类型学上的（参见中世纪寓言），并排展示了新约和旧约的故事。圣徒的生活经常被描绘。圣母玛利亚的形象从拜占庭式的标志性形象变成了一个更加人性化和亲切的母亲，抱着婴儿，从臀部摇曳，并表现出一位出身高贵的贵族礼貌女士的精致举止。
在这一时期，随着城市的兴起，大学的建立，贸易的增长，以货币为基础的经济的建立以及资产阶级的建立，世俗艺术开始应运而生。绘画和手稿的泛滥。读写能力的提高和世俗白话文学的不断发展鼓励了世俗主题在艺术中的表现。随着城市的发展，成立了行业协会，并且经常要求画家成为画家协会的成员。因此，由于保存得更好，在这个时期，我们的名字比以前任何时候都广为人知。一些艺术家甚至大胆地签字。
起源
哥特式艺术在12世纪初期在由Abbot Suger建造的圣丹尼斯修道院教堂中出现在法国法兰西岛。这种风格迅速地从建筑的起源传播到了具有纪念意义和个人意义的雕塑，大小的纺织艺术和绘画，并采取了多种形式，包括壁画，彩色玻璃，手稿和面板绘画。修道院的命令，特别是西多会和迦太基人，是重要的建造者，他们在整个欧洲传播了这种风格并开发了独特的变体。即使在14世纪后期，一种被称为国际哥特式的连贯的普遍风格不断演变，直到15世纪后期，甚至在许多地区，建筑的区域差异仍然很重要。
尽管世俗的哥特式艺术远比当今人们普遍认为的要多，但由于宗教艺术的成活率总体上高于世俗的同类艺术，因此，在此期间生产的艺术品中有很大一部分是宗教性的，无论是由教堂委托还是由宗教团体委托。懒惰。哥特式艺术通常是类型性的，反映出一种信念，即旧约的事件预示了新约的事件，而这确实是其主要意义。
新旧约场景并列显示在诸如人类的救赎观和教堂的装饰等作品中。哥特时期恰逢玛丽安虔诚的复兴，视觉艺术在其中发挥了重要作用。圣母玛利亚的形象从拜占庭的等级主义类型发展到处女座加冕，再到更多的人类和亲密类型，并且圣母的生命周期非常流行。意大利的Giotto，Fra Angelico和Pietro Lorenzetti等艺术家以及早期的荷兰绘画为艺术带来了现实主义和更加自然的人性。西方艺术家及其支持者对创新的肖像学变得更加自信，并且可以看到更多的原创性，尽管大多数艺术家仍然使用复制的公式。
图像学受到神学变化的影响，对《圣母升天》的描写在年长的圣母升天之后，以及在虔诚的实践中如《现代信徒》（Devotio Moderna）等，在诸如《悲伤的人》，沉思的基督和皮耶塔（Pietà）强调了人类的痛苦和脆弱性，这与对处女的描绘是平行的。即使在最后的审判中，基督现在也通常被显示出暴露他的胸部，以显示他受难的伤口。圣徒的出现频率更高，而祭坛上的圣徒则与特定的教堂或捐助者有关，参加被钉十字架或上位的维尔京和儿童，或自己占据中央空间（通常是为小礼拜堂设计的）。
表征
一般说来，在罗马式教堂和修道院前面，哥特式建筑作为其标志性建筑而崛起，是一座充满光彩且高度很高的出色大教堂，这是其主要的技术贡献，这在哥特式建筑中得到了证明。 Pseudo Dionisio Aeropagita的著作，尽管还开发了重要的民用建筑。它的另一个特点是，其他造型艺术（例如绘画和雕塑）开始独立于其从属于建筑的支持。
但是，也有许多连续性元素：这仍然是主要的宗教艺术。修道院作为一个机构，除了形式细节和适应新要求外几乎没有变化，但是其布局没有变化，并且教堂（主要是大教堂）的平面图仍然主要是一个拉丁十字架，其后殿顶朝东，尽管它是复杂的还是变化的（基础植物，中间部分的变种虫放置，中殿，教堂和救护车的并发症）。毫无疑问，连续性的主要要素是永恒的作品概念：在大多数建筑中，风格相互遵循，并融合了几个世纪的节奏，同时代人知道他们所做的工作是看不到完成的，或者也许子孙，但是这些建筑物的建造意味着我工作了好几代人。在其中许多国家中，甚至开始技术或经济挑战的勇气也受到重视，有时是由于政治竞争，在项目启动时尚未充分计划，因此不知道如何完成该项目，情况就是如此。锡耶纳和佛罗伦萨的大教堂。
光
新的宗教建筑的特征是定义了一个空间，该空间希望以一种体验式的，几乎可触及的方式带给忠实的时代宗教和象征价值。以人为本的人使人摆脱了黑暗的黑暗，并邀请他进入光明。这一事实与新柏拉图哲学流的传播有关，新流在哲学的观念与光场之间建立了联系。由于新的建筑技术使墙壁几乎不需要开孔，教堂的内部充满了光线，光线将塑造新的哥特式空间。这将是物理的光，不会包含在绘画和马赛克中；普通光和漫射光，不集中在点上，而是像焦点一样定向；同时，这是一盏通过彩色玻璃和玫瑰窗经过变形和着色的光，将空间变成了虚幻和象征性的空间。颜色将变得至关重要。
光被理解为神性的升华。符号学在当时的艺术家中占主导地位，沙特尔学校认为光是自然现象中最崇高的元素，最少的物质元素，是对纯形式的最接近的近似。
哥特式建筑师组织了一个结构，该结构使他可以通过使用技术来使用变形的光线，从而使建筑物的各个要素变得非物质化，从而获得清晰的高度感和失重感。
建筑
哥特式建筑最原始的新颖之处是消失了典型的罗马式建筑。结构的重量不再由墙吸收，而是分配在立柱和一系列放置在建筑物外部的辅助结构上。这样就诞生了被宏伟的窗户所覆盖的光墙，在外面对应着用于释放力的复杂元素网络。飞行的支柱，尖峰和卸载拱门都是结构性元素，包含并引导屋顶的横向推力到地面，而填充墙则失去了重要性，由窗户代替。哥特式建筑师的非凡能力并不止于新的静态结构：不受砖石墙限制的建筑物具有垂直动力，
在英格兰，交叉穹顶得到了进一步的发展，首先是六段穹顶，然后是径向或扇形穹顶：解决方案可实现更好的重量分配。哥特式大教堂被认为是天堂的隐喻，因此《最后审判》经常刻在入口处。
晚期哥特式建筑
在第十四和第十五世纪，哥特式相对于前两个世纪的形式朝着新的方向发展。
十四和十五世纪的建筑的特点是中央殿堂高，而中央殿堂则低得多。这意味着光线首先集中在天窗处。
另一方面，在哥特式晚期，最常见的内部布局遵循大厅教堂的模式，即，与中央大厅相比，侧走廊的高度相同。这意味着光线不再从上方发出，而是从侧壁发出，均匀地照亮了整个环境。传统的方向性也被修改，失去了其先前轴的强烈内涵，转而支持多中心空间。这种对空间的新认识还与15世纪更世俗的宗教信仰有关。
这种新感觉的地理位置呈现出与古典哥特式不同的地图：最具创新性的地区是德国，波西米亚，波兰，英国和阿尔卑斯地区。
在十五世纪至十六世纪，伊比利亚半岛看到了一些大型大教堂的建造，其灵感来自前几个世纪的法国和德国模式。在葡萄牙，自主趋势导致了所谓的Manueline艺术。
绘画
直到1200年，即哥特式建筑和雕塑的起源将近50年之后，才出现所谓的哥特式绘画。从罗马式到哥特式的过渡非常不精确，而且一点也不清晰，在人们看到人物或构图样式本身没有太大变化之前，通常先引入哥特式装饰性细节。这样，人物的姿势和面部表情就会变得更加生动活泼，相对于场景背景而言往往更小，并且在有空间的图片空间中更自由地排列。这种过渡首先发生在英国和法国（大约在1200年左右），德国在1220年左右和意大利在1300年左右。哥特时期的绘画主要在四种主要媒介中进行：壁画，面板绘画，手稿照明和彩色玻璃。
与其他艺术相比，哥特时期的绘画经历了可观的时差，由于意大利的流派（特别是托斯卡纳和罗马人），其更新延后了三到四十年。仅在十三世纪下半叶，由于乔托的作品，这幅画迅速燃烧起来，才得以完全更新。
延迟的原因可能与绘画和雕塑的模型不同有关：在罗马时代，雕塑已经被更新，在某些情况下重新发现了仍然存在的古典主义作品，而绘画的主要参考模型却是拜占庭式的。学校。随着在第四次十字军东征（1204年）君士坦丁堡的征服以及东方拉丁王国的形成，拜占庭的绘画和马赛克作品的流通量甚至进一步增加。
十三世纪下半叶，在尼古拉·皮萨诺（Nicola Pisano）时代，叙事活泼，自然主义渲染和雕塑与绘画之间的表现力之间的脱节达到了高潮，画家们在雕塑家提出的非凡创新面前脱颖而出。然而，在两代人之内，画家就能烧毁舞台，更新模型和语言，甚至达到绘画艺术的水平，以恢复空间感，叙事的生动性，可信的人物以及合理的建筑或景观环境。由于价格便宜得多，因此绘画的更新也受益于拥有更多客户，因此受益匪浅。
从罗马式绘画开始，尤其是在意大利中部，继承了彩绘板的传播，并受到了可移植性命令的支持。主要主题并不多：
异形的耶稣受难像，挂在教堂中殿的尽头，以引起信徒的骚动。
带有孩子的圣母像，教会的象征和象征着人性化的宗教的母子关系；
圣徒的描写，其中与阿西西圣弗朗西斯雕像有关的新肖像画尤为突出。
在意大利十三世纪的大师当中，柏林吉耶罗·柏林吉里（Bergghiero Berlinghieri）和玛格丽特·达雷斯（Margaritone d’Arezzo）仍然完全是拜占庭，但开始表现出一些典型的西方人物。后来，Giunta Pisano达到了拜占庭艺术可能性的极限，触及了典型的“意大利”风格。乔治·瓦萨里（Giorgio Vasari）认为，这一限制也被第一个人Cimabue克服了，他摆脱了“愚蠢而又不太敏捷和普通的希腊方式”。最后，在阿西西大教堂的建筑工地上形成了一种新的现代西方风格，其中著名的壁画应归功于乔托。但是，最近的研究部分地减少了意大利学校的创新范围，
除了Giotto学校（Taddeo Gaddi，Giottino，圣德拉塞西莉亚艺术大师，Maso di Banco等）之外，拥有Duccio di Buoninsegna，Pietro和Ambrogio Lorenzetti和Simone Martini等大师的Sienese学校也非常重要。与彼得罗·卡瓦利尼（Pietro Cavallini），雅各布·托里提（Jacopo Torriti）等人一起建立罗马学校的重要性也很新。更多独立的人物是博洛尼亚的Buonamico Buffalmacco或Vitale。
壁画
壁画继续被用作欧洲南部教堂墙上的主要图像叙事手工艺品，是早期基督教和罗马式传统的延续。幸存的事故使丹麦和瑞典成为了现存最大的Biblia pauperum风格的教堂壁画，通常延伸到最近建造的十字保险库。宗教改革之后，在丹麦和瑞典，几乎都用石灰洗水覆盖了它们，保留了它们，但是自创建以来，其中一些仍然保持原样。来自丹麦的最好的例子是丹麦的Møn岛的Elmelunde大师的雕像，装饰了Fanefjord，Keldby和Elmelunde的教堂。Albertus Pictor可以说是该时期在瑞典工作的最著名的壁画艺术家。
彩绘玻璃
在北欧，彩色玻璃是一种重要而有名望的绘画形式，直到15世纪被面板绘画所取代。哥特式建筑极大地增加了大型建筑物中的玻璃量，部分原因是允许使用大范围的玻璃，例如玫瑰窗。在此期间的早期，主要使用黑色涂料和透明或色泽鲜艳的玻璃，但在14世纪初期，使用了银化合物，先将其涂在玻璃上，然后将其烧成，使颜色多种多样，以黄色，可以与透明玻璃一起使用。到本阶段末期，设计越来越多地使用大块的玻璃进行喷漆，以黄色为主要颜色，而相对较少的其他颜色的小块玻璃。
十二至十四世纪绘画的发展受到哥特式建筑系统的迅速兴起的制约。在大多数新大教堂中，与砖石建筑相比，玻璃表面现在占主导地位，因此装饰墙壁的需求变得越来越微不足道。正是由于这个原因，古老而巩固的马赛克和壁画技术正面临着不可避免的衰落。这种下降与当代玻璃绘画和面板绘画的完善相呼应，这种绘画在罗马时代已经开始取得成功并取得了一些成功。它的实现不服从任何建筑要求，这使艺术家可以绝对自由地表达自己。玻璃绘画在于将彩色窗户应用于大教堂的窗户和花环。
由于在中世纪无法获得大平板，因此每个窗户必须由几块拼在一起组成。因此，决定使用通过“ H”形引线条形成的框架连接在一起的有色玻璃。首先，按照先前制作的图纸，用炽热的金属尖端切割玻璃，然后将各种玻璃块安装在铅条的两个翼片之间。每个条带都焊接到相邻的条带上，以重新构成硬纸板提供的设计。最终将整个物体插入铁架中并围墙。这种技术有可能获得很高的形象。
为了绘制图形，必须具有可以直接附着在玻璃上的颜色。在法国，实验了grisaille（在意大利grisaglia中），该物质是从玻璃粉和氧化亚铁的混合物中研磨并与水和动物胶混合而成的。菜刀的使用非常简单：将其撒在要装饰的各种玻璃上，一旦干燥，它就具有使它们变得不透明的特性。然后用木制的触控笔刮擦杂物，使下面的玻璃透明。为了修复油漆，有必要重新蒸煮单个玻璃，以使薄烤饼在玻璃浆本身中完成熔化和混合。这样一来，所描绘的轮廓变得不透明，
历史，社会和经济状况的变化影响着绘画主题的处理方式。现在，城市资产阶级被一种更加具体的精神所鼓舞，它对世界和生活的看法也发生了根本变化。
神圣叙事有一个逐步的更新，其中神圣经文的人物穿着当时的衣服，而这些地方与现有的地方相对应。
在意大利，与法国，英国，德国和荷兰不同，壁画以及部分镶嵌的壁画继续非常广泛地传播。在宗教符号中，窗户允许超自然的形而上学的光通过。根据基督教的末世论，彩色玻璃窗让人回想起天启耶路撒冷的辉煌。光是上帝的灵，窗户是玛丽的象征，它以神圣的光芒发光。通常，彩色玻璃窗的数量具有象征性的宗教价值：它们分为三组（三位一体），四组（传教士），七个组（七个圣礼，圣灵的七个礼物，创世七日（根据创世纪）。
手稿和版画
发光的手稿代表了哥特式绘画的最完整记录，为没有纪念性作品幸存的地方提供了风格记录。最早的带有法国哥特式插图的完整手稿可追溯到13世纪中叶。许多这类照亮的手稿是皇家圣经，尽管诗篇也包括插图；圣路易斯的巴黎诗篇（可追溯至1253年至1270年）具有78张整页的蛋彩画颜料和金箔照明。
在13世纪后期，抄写员开始为俗人创建祈祷书，由于在一天中的规定时间使用祈祷书，通常被称为小时手册。最早的已知例子似乎写给一位不知名的外行妇女，该妇女居住在牛津附近的一个小村庄，大约在1240年。其中最著名的创作者是让·普塞勒（Jean Pucelle），他的《珍妮·德·埃夫勒的时光》是查理四世国王委托给他的女王珍妮·德夫勒的礼物。这些作品中的法国哥特式元素包括使用装饰性的页框，使人联想到当时建筑的细致和细致。
从14世纪中叶开始，文字和图像都被刻成木刻的活页簿似乎在低地国家的教区牧师中负担得起，那里最受人们欢迎。到本世纪末，繁荣的中产阶级很快就可以买到带有插图的印刷书籍，其中大部分仍是宗教题材的书籍，而像Israhel van Meckenem和Master ES的印刷厂也可以得到相当高质量的版画。在15世纪，廉价的版画（大多是木刻版）的引入使农民甚至有可能在家中制作虔诚的图像。这些图像在市场底部很小，通常是彩色的，已成千上万售出，但现在已极为稀有，大部分已粘贴到墙上。
祭坛和壁画
直到15和16世纪，在画布上绘画油画才开始流行，这是文艺复兴时期艺术的标志。在北欧，早期的荷兰绘画的重要创新派基本上具有哥特式风格，但也可以看作是北文艺复兴的一部分，因为意大利对古典主义的兴趣的复兴在很大程度上影响了意大利的复兴。北部。像Robert Campin和Jan van Eyck这样的画家利用油画技术创作出细微的作品，透视正确，在这些作品中，明显的现实主义与丰富的复杂象征主义相结合，而这些象征主义正是源于他们现在可以包括的现实细节，甚至是很小的东西。作品。
在早期的荷兰绘画中，来自北欧最富有的城市的一种新的现实主义油画与微妙而复杂的神学典故相结合，正是通过高度详细的宗教场景来表达的。例如罗伯特·坎宾（Robert Campin）的《祭坛祭》（MérodeAltarpiece）（1420年代），以及华盛顿·范·艾克（Washington Van Eyck）天使报喜或罗琳总理的麦当娜（两者都是1430年代，由扬·范·艾克（Jan van Eyck）设计）。对于富有的小型板画，甚至油画中的息肉也变得越来越流行，经常在旁边展示供体肖像，尽管通常比所描绘的圣母或圣徒小得多。这些通常显示在家里。
雕塑
哥特式雕塑摆脱了罗马时期的角色，即通过创建所谓的石圣经来装饰建筑并教育信徒。
逐渐地，雕塑在建筑结构中的布置变得更加复杂和场景化。与罗马时代一样，雕塑中最重要的事件是大教堂的门廊，通常代表旧约和新约的人物。
一个基本的事实是，在哥特时期，雕塑开始不再完全融入建筑空间（门廊或首都的门框……），但是他们开始靠靠在地板上而自由了。各种承重元素。这样就出现了第一个全能雕像，尽管尚不可能独立和孤立地使用它。抵制异教徒的斗争的遗产可能仍然潜伏着，但在意大利文艺复兴时期，这些雕像始终被靠在墙壁上，在壁，中，在under下，在car架下或作为女象柱和龙舌兰。 。
从文体角度来看，哥特式雕塑的创新特征不及建筑引入的特征明显，但对艺术史后续发展的影响也不少。如果一方面人物的身躯伸展得很长，并且模型生活在全新的游戏中，例如技艺高超的游戏，有时甚至是不可能的帷幕，另一方面，他又回到了身体运动，面部表情，个人面貌的合理表现形式，艺术家对自然主义的关注在以前的时代中从未见过，而在最好的例子中（如兰斯大教堂的门户，大约在1250年，或者在尼古拉·皮萨诺的作品中），可以与罗马肖像相提并论。这一点尤为重要，因为它在绘画领域的相同成就要领先几十年。
然而，与古典主义相比，应注意不同的表现性躁动，形式和帷幕一定的棱角感，明暗对比效果的躁动。
纪念性雕塑
哥特时期基本上是由哥特式建筑定义的，无论从开始还是结束，都不完全符合雕塑风格的发展。大型教堂的外墙，尤其是门的周围，继续有大的鼓膜，但周围还分布着成排的雕刻人物。
沙特尔大教堂的西方（皇家）门上的雕像（约1145年）表现出优雅但夸张的柱状伸长，而南半透明门（1215–20）上的雕像则表现出更加自然主义的风格，并与后面的墙壁越来越分离，并对古典传统有所了解。几年后，这些趋势在兰斯大教堂的西门处得以延续，那里的数字几乎是完整的，就像哥特式在整个欧洲的传播一样。班贝格大教堂也许是13世纪雕塑中最大的组合，并在1240年达到了“班贝格骑士”，这是自6世纪以来西方艺术中第一个真人大小的马术雕像。
在意大利，尼古拉·皮萨诺（Nicola Pisano，1258–78年）和他的儿子乔瓦尼（Giovanni）开发了一种通常被称为原始文艺复兴时期的风格，受到罗马石棺的明显影响，以及复杂而拥挤的构图，包括对裸体的同情处理，在其讲坛的浮雕板上。锡耶纳大教堂（1265-68），佩鲁贾的Fontana Maggiore和1301年的皮斯托亚的乔瓦尼讲坛。
克劳斯·斯劳特（Claus Sluter）及其追随者在1400年左右在勃艮第和法兰德斯（Burlanddy and Flanders）的追随者的国际哥特式作品中也看到了古典风格的另一种复兴。北方晚期的哥特式雕塑继续发展，流行着大型木雕祭坛的艺术品，越来越多的艺术雕刻和大量的鼓动富有表现力的数字；幸存下来的大多数例子是在德国，在其他地方经历了许多偶像破坏之后。蒂尔曼·里门施耐德（Tilman Riemenschneider），威特·斯托斯（Veit Stoss）等人一直将这种风格延续到16世纪，逐渐吸收了意大利文艺复兴时期的影响。
真人大小的石头或雪花石膏陵墓对于有钱人来说很流行，而大型多层坟墓也随之发展，维罗纳的卡利卡利墓（Scaliger Tombs）如此之大，不得不搬到教堂外。到15世纪，在欧洲大部分地区，有一种工业以成组的面板出口诺丁汉雪花石膏祭坛浮雕，以供无法负担石桌的经济堂区使用。
便携式雕塑
在巴黎和其他一些中心地区，小型雕刻品通常是一个外行且通常为女性的市场，已成为相当可观的行业。象牙的类型包括小型灵巧的息肉，单身人物，尤其是圣母像，镜盒，梳子以及带有浪漫史场景的精美棺材，用作订婚礼物。非常富裕的收藏家世俗的和宗教的金属珠宝和珐琅首饰极富精巧，像德贝里的圣棘圣物仓库一样，直到他们的钱都用光了，之后又融化了，以换取现金。
独立于建筑装饰物的哥特式雕塑主要是作为家庭的虔诚物品或为当地教会的捐赠而创建的，尽管象牙，骨头和木头的小浮雕覆盖了宗教和世俗主题，并且供教堂和家庭使用。这些雕塑是城市工匠的作品，而三维小雕像最典型的主题是独自一人或带着孩子的圣母玛利亚。巴黎是象牙作坊的主要中心，尽管意大利的产量也很高，但仍出口到北欧大部分地区。
这些独立雕塑的典范是圣丹尼斯修道院教堂的藏品。银色镀金的《圣母子》可追溯至1339年，其特征是玛丽被包裹在一个披着流苏的斗篷中，抱着一个婴儿基督像。斗篷的简洁性和孩子的青春，都预示着北欧在14世纪和15世纪初发现的其他雕塑。这样的雕塑展现了从早期的僵硬和细长的风格（仍部分为罗马式）到12世纪末和13世纪初的空间感和自然主义感的演变。其他法国哥特式雕塑题材包括当时流行文学中的人物和场景。装腔作势者的诗歌中的图像在镜盒和小盒子的工匠中特别流行，大概是供女性使用的。
神社朝圣的纪念品，如粘土或铅制徽章，奖章和带有图像印章的壶腹也很受欢迎，而且价格便宜。他们的世俗象征-涂装徽章，是封建和政治忠诚或同盟的标志，在混蛋封建制度下，它们被视为英格兰的社会威胁。便宜的表格有时是免费赠送的，例如1483年英格兰国王理查德三世订购了13,000枚徽章，上面涂着白色公猪，用白公猪的徽记将其儿子爱德华（Edward）任命为威尔士亲王（Prince of Wales）。当时的人口。邓斯特布尔天鹅珠宝（Dunstable Swan Jewel）以珐琅金全轮造型，是一种更为独特的版本，将被赠送给与捐赠者非常接近或重要的人。
艺术和艺术家的社会考虑
羊毛和布料业务的蓬勃发展，与从北到南穿越欧洲的展览会和贸易路线（从佛罗伦萨，热那亚和威尼斯到香槟和法兰德斯，而没有忘记麦地那德尔坎波）相关联，产生了一种奇异的艺术：挂毯织物，具有非常重要的社会声望。不是给他们的作者（他们从来没有超出单纯的工匠考虑范围），而是给他们的所有者。在工艺美术与我们今天认为的美术之间没有明确的区分，对于大师级建筑商，画家和雕塑家也可以这样说，尽管我们保留了其中许多的名称，但他们也没有一一运用卑鄙的和机械的行业，甚至不能与自由职业相比。