时尚插图（Fashion Illustration）是以视觉形式传达时尚观念的艺术，起源于插图，绘画和绘画，也被称为时尚素描。它主要由时装设计师用他们的想法集成到纸或计算机，使用数字软件，如Adobe Photoshop和插画，这有助于他们与他们的团队轻松沟通。时尚素描在设计预览和展示设计师思想方面起着重要作用，并在进行实际服装之前作出决定，以减少浪费。除了时装设计师，时装插画师也被委托在时尚杂志上进行复制，作为编辑功能的一部分，或者是为了广告和推广时装店，时尚精品店和百货公司的目的。
时尚插图是一种艺术活动，包括旨在出版的时尚服装的绘画设计，例如时尚杂志或海报。出现在十九世纪初，由画家和设计师制作。与高级时装非常密切相关的时尚插画自二十世纪初以来已经有数十年的辉煌，当时1908年，首次出版的保罗·波列特（Paul Poiret）首次出版，标志着从静态和日期的插图向插图的过渡。现代，创意，创新。她知道，从20世纪30年代到20世纪50年代末，她的杂志和广告的荣耀时间：插画家是公认的艺术家。取而代之的是时代摄影历史的完成，它最终在20世纪60年代初几乎完全消失，除了代表人物雷内·格鲁（OréedeRénéde Roe Gruau）还是像安东尼奥·洛佩斯（Antonio Lopez）这样的一些复兴之外，如今，时尚插画在广告或杂志上是非常罕见的，但是在2000年左右的新一代插画师中，永恒和更新这种艺术。
时尚插画已经有近500年了。自从衣服已经存在以来，需要将想法或图像转化为时尚插图。时尚插图不仅展示了服装的代表或设计，而且还作为一种艺术形式。时尚插图显示了手的存在，据说是一种视觉奢华。
时尚插图已经成为时尚传播的唯一手段之一，起着非常小的作用。 Vogue的第一个照片封面是时尚插画历史上的一个分水岭，也是其衰落的流域标志。照片，无论改变或修饰，将永远与现实和协会真相有一些联系。我喜欢把他们（时尚插图）看作是散文，并有更多的虚构叙事。他们通过个人愿景比照片更明显地过滤。插图生活在一个穷人相对于时尚的位置。
设计师从素描本草图开始，以粗略的草图为灵感和头脑风暴。将这些粗略的草图随后转移到草坪上，并在艺术材料的帮助下呈现出采用纹理，颜色，图案和细节的时尚素描。
时尚插画，由雕刻或蚀刻组成，日期可追溯到十六世纪，具有极大的探索和新领域的发现：收藏品随后由世界上几个国家制作。
十七世纪末，第一批报纸出版，特别是在路易十四统治时期的法国，也被认为是“第一时尚杂志”。这些出版物的演变，最终达到十八世纪末。革命后，重要出版物的中心从巴黎转到德国，然后转到英国。最初由匿名艺术家开始的现代时尚画像大概是从十九世纪初开始的。从本世纪中叶开始，巴黎再次成为时尚的首都，仍然是插图的参考。最近的时尚摄影，新出现的是受到人造装饰冻结时间的时尚插图的启发，在十九世纪末，插图的创造力超过了摄影的创造力;但时尚的这两种表示仍处于转向过去，用严格的着装规定在二十世纪的开头：查尔斯·达纳·吉布森之外，时尚插画是“垂死在地图上美学“。当时，时尚插画被视为一种手艺，而不仅仅是图形艺术的形式。
意大利肖像画家乔瓦尼·博尔迪尼（Giovanni Boldini）被同行认为是时尚的第一个插画家之一，其名字得到承认;他将是下一代插画师与萨金特的显着影响。 “精品杂志”杂志“杂志”组合在一起作为画家，合作者和作家，留下了充足的空间;后者则是从模板的图案技术开发出来的：油漆逐层应用，颜色逐渐通过切割金属板。野兽派出现在本世纪初，其次是立体派，在时尚插图中迅速发现的潮流将会更新。同时，在J.C.Leyendecker的特征下，创建了“人类箭头领”（Man Arrow Collar）。
在第一次世界大战之前，巴黎是时尚的首都，也是艺术：画家，诗人，装饰家，作曲家，戏剧人物，在那里擦肩而过。高级定制和时装设计是不可分割的，像保罗·波雷特（Paul Poiret）为自己提供保罗·艾里斯（Paul Iribe）的服务，他创造性地说明了保罗·波雷特（Paul Poiret）在保罗·伊里（Paul Iribe），三年后的乔治·莱皮为保罗·波雷特的事情。 Iribe的实现给了艺术等级的插图，奠定了二十世纪图画的基础。在Poiret几年后，Jeanne Paquin问Iribe，Lepape和Barbier创作了她的作品组合。在这个冒泡中创造了许多期刊。 Lucien Vogel和Michel de Brunhoff创立了新一代的艺术家，作家和插画家Bon Bon，当时的装饰艺术，如新艺术运动，立体派，装饰艺术等等进入时间的反映图;插画师的灵感来自剧院。
最近，时尚界在二十世纪三十年代后期开始出现衰落，当时，Vogue开始用摄影图像代替其着名的封面。这是时尚界的一大转折点。时尚插图作者Laird Borrelli现在说，
“法国学派”优先于美国插画师。一些插画师，如Drian，Benito，Erté或ChristianBérard，变得特别公认，美国杂志Harper’s Bazar或Vogue，法国Femina或L’Officiel出版了当时最大的名字。杂志成为传播时尚的必需品。时尚设计变得不那么静止，不仅具有艺术手法，而且具有描述性，并且面向报告：时尚表演，日常生活，鸡尾酒…是常见的，如RenéBouët-Willaumez的作品。在20世纪30年代初，颜色在时尚插图上更广泛地出现，首先在美版Vogue的封面，然后在内页。超现实主义运动进入时尚杂志;这个例证也从演示形式向埃里克代表的更具艺术性的方向演变成了一种“新现实主义”。但时尚摄影的革命将逐渐改变插画的地方，每个人逐渐得到自己喜欢的领域：摄影到时尚和插画到广告。然而，时尚杂志的传播和影响力的进步，吸收了时代的艺术潮流，摄影与插图并行将从这些演变中获益。
在战争之前开始的趋势，这个时期看到图形预算的限制对于摄影的利益：插画家，大部分都是广告或演出，都是，或返回，越来越多地到这些地区。二十世纪五十年代中期，肯尼思·保罗·布里奇（Kenenne Paul Block）以他的木炭技术，加入了六位“女装日报”插画师队伍;他将留在那里42年，直到专业杂志“插图”部门关闭。 20世纪60年代，时尚界正在全面革新：时尚之都从巴黎迁往伦敦，即将上市的服装将会使未来几年的服装受到影响，流行艺术和希腊运动影响时尚插画… 1963年RenéBouché的死亡，没有人试图取代，象征性地标志着杂志中无所不在的时尚插图的结束。这是一个瘦牛的时代，时尚画面似乎保留给广告，内衣和配饰。摄影完全统治;例如Richard Avedon或Irving Penn的时尚摄影师是主人。错误的插图将在青少年杂志上躲避：替代摄影比较便宜，它有助于启发或建议，远离不适应这些出版物读者的高级时尚的原则。仍然会有一些时尚杂志，特别是专业人士出版设计师的作品：国际纺织品，官方时尚，WWD或Sir保留最佳插画师的服务。一些罕见的艺术家，包括格鲁，还有年轻的安东尼奥，在死后被认为是“时装设计师的精髓”，仍然非常明显。
从20世纪80年代起，时装画似乎在出版物中找到了一点空间。多伦多的安东尼奥·洛佩斯（Antonio Lopez）的风格总是领先于时尚和各种各样的技术，在职业生涯中处于领先地位38，托尼·维拉蒙特斯（Tony Viramontes）注意到，绘画时尚，前卫时尚杂志，以及在美国的新版本的名利场，或接下来的十年精英远见者（每月V），并将打开他们的页面到插图，就像壁纸*在更广泛的背景下比时尚。一些插画家，如前身杰森布鲁克斯，他们的电脑创作。
在二十世纪二十年代，这个例证似乎在世界上找到了重要的地位。大卫·唐顿（David Downton），最初是一个插画大师，拥有多种多样的主题，1966年开始使用高级定制，然后放弃了这个主题，然后回到了主题，被其经典而现代的时尚插图方法所认可。