瑞典斯德哥尔摩现代美术馆早年展览回顾

斯德哥尔摩现代艺术博物馆 (Moderna Museet) 是一座位于斯凯普斯霍尔门岛上的现代和当代艺术国家博物馆,拥有自然美景。该建筑于 1958 年开业,由西班牙建筑师 Rafael Moneo 设计。2009 年,博物馆在瑞典南部的马尔默开设了一个新的分馆——Moderna Museet Malmö。

Moderna Museet 是一个国家博物馆,拥有现代和当代艺术的国家使命。该系列在欧洲同类产品中处于领先地位。博物馆是人与艺术的交汇处,在社会和整个世界都具有强大的基础。 Moderna Museet 拥有世界一流的展览计划、基于收藏的项目和教育活动,在当地拥有广泛的影响力和国际影响力。与世界其他艺术机构的交流广泛。

斯德哥尔摩现代艺术博物馆是文化部下属的国家行政机构,根据其指示,承担收集、保存、展示和传播各种形式的 20 世纪和 21 世纪艺术的任务。 Moderna Museet 将通过与瑞典境外机构以巡回展览的形式合作促进国际联系,并负责瑞典参与国际艺术双年展。现代博物馆也是一个中央博物馆,在该地区负有国家责任。

Moderna Museet 于 1958 年 5 月 9 日在 Skeppsholmen 的练习室落成。认真地以及为这些藏品建造一座新建筑的想法。在他去世前不久,Otte Sköld 亲眼目睹了博物馆的实现,他对创建新博物馆的承诺具有决定性意义。他与成立于 1953 年的现代博物馆之友等一起,为国家博物馆的 20 世纪艺术收藏提供了自己的家。博物馆的驾驶负责人 Pontus Hultén 和 Olle Granathcame 与他们的联系和倡议在接下来的几十年里追求这些意图。

2004 年 2 月 14 日,博物馆大楼在庆祝活动中重新开放。除了维修外,还利用机会改善了一些空间,部分是为了让参观者更容易穿过博物馆,部分是为了更充分地利用上部入口空间。同时,更新了博物馆的图形简介。重新开放的另一个主要新特点是引入了博物馆东道主——他们拥有各种技能,从拯救生命到能够在永久和临时展览中向游客介绍艺术作品。引进新东道主的原因是为了迎合取消入场费后游客人数的大幅增加。

1901 年,建筑师 John Smedberg 在 Gasverksgatan 22 上建造了一座美丽的发电厂大楼。如今,将这座建筑改造成更合适的博物馆的使命交给了屡获殊荣的建筑师事务所 Tham & Videgård Hansson Arkitekter。他们选择建立一个新的附楼——对历史建筑的现代补充。并赋予室内全新的空间秩序。

Moderna Museet 热衷于为人们传播艺术。拥抱、挑战和激励人们,我们的志向是与许多人交谈。Moderna Museet 具有包容性,并通过认识到人们来自不同的起点来庆祝多样性。Moderna Museet 通过分享艺术奇迹吸引了更广泛的观众。

Moderna Museet 拥有接待国际艺术家的悠久历史,他们举办开创性的展览、表演和其他展示,以及通过其世界知名的收藏。体验从二十世纪到今天欧洲最重要的艺术收藏之一,其中包括毕加索、达利、德克特和马蒂斯等艺术家的作品。

艺术的非凡力量是我们的生命线。艺术产生于并反映它自己的时代。它使产生新观点的问题成为可能;艺术家是一股巨大的力量,可以激发更广泛的创造力。Moderna Museet 之所以拥护艺术,是因为它开辟了新的道路,并能够对历史和现在进行反思。

Moderna Museet 是一个激发人与艺术的平台,成为一个充满活力、开放和充满活力的博物馆,作为一种精神存在,为观众提供平等、引人入胜且直接的艺术体验方式。 Moderna Museet 是一个激发灵感的平台,让广大观众可以接触到世界一流的艺术,从而激发并为新思想创造空间。我们为全球艺术博物馆设立了新标准。

Moderna Museet 收集、保存、展示和调解现代和当代艺术。 Moderna Museet 以最高的卓越标准管理我们的文化遗产,并进行研究,从而实现高质量的国际合作和认可。 Moderna Museet 是我们领域内的领先机构,我们相信分享我们的知识。

Moderna Museet 的收藏、研究、展览、调解和传播必须相辅相成;这些活动不能孤立无援。 Moderna Museet 根据我们所处的环境来定义我们自己。我们的目标是将最伟大的艺术提供给尽可能多的人,这必须建立在考虑到环境和社会影响的可持续实践之上。 Moderna Museet 必须勇于尝试,敢于突破界限,并在我们管理任务的方式上走新路。

Moderna Museet(现代艺术博物馆)拥有超过 130,000 件艺术收藏品,是瑞典领先的现代和当代艺术博物馆。 Moderna Museet 拥有欧洲最好的现代和当代艺术收藏品之一。这些藏品包括 1900 年以后的当代绘画、雕塑、摄影和艺术电影,如果是照片,则也包括 1840 年左右。

通过将沃霍尔、毕加索和达利等艺术家的国际杰作与 20 世纪和 21 世纪著名艺术家的临时展览相结合,现代博物馆设法吸引了许多回头客,体验不断变化的艺术体验。最初的收藏主要是瑞典和北欧艺术、1950 年代和 60 年代的美国艺术以及面向法国的现代主义,但是,该收藏已经扩展到包括更多的女性艺术家,并创建了更多功能的收藏,其中包含来自世界各地的作品世界。

Moderna Museet 每年都会在斯德哥尔摩和马尔默举办几次大型展览,包括一些中小型展览。2012 年,斯德哥尔摩的博物馆约有 500,000 名参观者,而马尔默的博物馆则有超过 100,000 名参观者。

自 1958 年成立以来,博物馆一直以与艺术家的密切关系而闻名——例如,马塞尔·杜尚 (Marcel Duchamp) 在他生命的尽头在斯德哥尔摩签署了他的几幅作品,安迪·沃霍尔 (Andy Warhol) 在欧洲举办了他的第一次个人博物馆展览。 1968 年的现代博物馆。

Moderna Museet 收藏现在包括大约 6,000 幅绘画、雕塑和装置、25,000 幅水彩画、素描和版画、400 部艺术视频和电影以及 100,000 张照片。该系列涵盖了 20 世纪和 21 世纪瑞典和国际艺术家的绘画、雕塑、装置、电影、视频、素描和版画,以及 1840 年代至今的摄影作品。

由于集中的收藏举措,博物馆成功地增加了其收藏的广度和深度。早在 1963 年,我们的愿望博物馆成立,立即将博物馆转变为欧洲领先的艺术机构;政府出资 500 万瑞典克朗,用于收购 Giacomo Balla、Francis Picabia、Kurt Schwitters、Giorgio de Chirico 等人的标志性作品。几十年前,这种做法被重复,但这次只关注女性艺术家——路易丝·布尔乔亚、多萝西娅·坦宁、朱迪·芝加哥、苏珊·希勒等人的作品被添加到收藏中。

只有一部分收藏品可以展出。但它让我们通过展览中的新见解和不断变化来探索和重构标准的艺术历史叙事。这包括 Moderna Museet Malmö,自 2009 年开放以来,它在选择和展示收藏品方面的创新角度。

大型艺术收藏品是视觉和智力实验的最佳起点。Moderna Museet 作为一个开放的、有生命力的博物馆,通过频繁地以全新的方式重新悬挂其藏品,不断改写现代主义的标准历史。自 2009 年以来,博物馆有两个地点,斯德哥尔摩和马尔默,自开馆以来,该博物馆定期展出来自该系列的创新作品。一些标志性的作品,如亨利马蒂斯的摩洛哥风景(老鼠)、罗伯特劳森伯格的花押字和伊娃黑塞的雕塑无题,几乎总是可供检查。

爆炸!- 绘画作为行动
Explosion 探索了绘画、表演和概念艺术丰富而复杂的交叉融合和边界。它追溯了从 1940 年代末到今天的这种将绘画作为行动的扩展理念。此次展览将展出来自世界各地的约 45 位艺术家的不同媒介作品,例如重要的日本具体团体,其中包括岛本正三、元永贞政、村上三郎和白贺一夫,以及艾伦·卡普罗、杰克逊·波洛克、 Niki de Saint Phalle、Yves Klein、Ana Mendieta、Alison Knowles、Rivane Neuenschwander、Yoko Ono 和 Lawrence Weiner。

第二次世界大战后,世界不同地区的许多画家开始以既激进又俏皮的方式攻击绘画的基本假设。许多艺术家对创作行为本身的重视与对由此产生的绘画同样重视。在绘画和表演之间的这个边界上,机会或观众经常被招募为作品的共同创作者。这种对绘画和艺术的实验性、概念性态度随后启发了许多其他艺术家。近年来,人们对行为艺术的兴趣有所增加,随之而来的是对其根源的兴趣。

伊格纳西·阿瓦利 (1958)
伊格纳西·阿巴利 (Ignasi Aballí) 的作品《人物》(Persones) 由沿着墙壁的一长串肮脏的脚印组成。它们是由艺术家靠在墙上,一只脚懒洋洋地靠在墙上制作的。这部作品也可以作为一种编舞,因为观众被邀请靠在墙上,在通常一尘不染的白色博物馆墙上留下肮脏的脚印来完成它。Aballí 被缺席和消失的问题以及各种捕捉时间的方式所困扰。基于他作为画家的背景,他的实践通常是概念性的。

威廉·阿纳斯塔西 (1933)
早在 1970 年代初期,威廉·阿纳斯塔西 (William Anastasi) 就在纽约地铁上开始创作一系列盲人画。他经常去约翰凯奇下棋。他将画板放在膝上,双手各拿一支笔,戴上大耳机,闭上眼睛,集中精神,进入冥想状态。他的身体随着火车的颠簸、停止和加速而移动。像地震仪一样,阿纳斯塔西记录了他位置的变化。通过将自己变成记录火车运动的工具,他放弃了他对图纸的创作权。作品的标题是它的制作时间。

珍妮·安东尼 (1964)
Janine Antoni 用她的头发作为画笔,用 Loving Care 染发剂在画廊地板上涂漆。安东尼探索了我们对身体进行的日常仪式。她将日常活动,如吃饭、洗澡和拖地,转化为雕塑过程,模仿艺术仪式。她雕刻牙齿,用头发和睫毛作画。她使用的材料是通常用在身体上来定义社会的材料——肥皂、猪油、巧克力和染发剂。她声称,它们对女性的特殊意义意味着她的作品会因观众的性别而有不同的解读。

约翰·巴尔德萨里 (1931)
作为房东的儿子,John Baldessari 偶尔不得不重新装修公寓。他过去常常在画墙时假装自己在画画。这个令人愉快的概念练习帮助他摆脱了单调的家务。他也开始思考一种画家和另一种画家之间的区别。在《六彩缤纷的内幕》中,巴尔德萨里让一个人用六种主要和次要颜色重新粉刷房间六天,从上面拍摄。几小时的绘画变成了几分钟的电影。标题是双关语。Inside Job 暗指好莱坞侦探剧。该时间对应六个工作日。像上帝一样,画家在第七天休息。

琳达·本格里斯 (1941)
在 Lynda Benglis 的系列作品《Pours》中,油漆从大桶中倒出,然后留在地板上晾干。因此,油漆具有雕塑的特征,干燥的油漆没有帆布或面板形式的“支撑”。与波洛克不同的是,这幅画没有挂在墙上,而是直接安装在地板上。孟格里斯的作品除了具有绘画性和雕塑性外,也是对波洛克的一种评论,在1970年美国杂志《生活》上发表的图片中,再加上一张波洛克画作的小图,这种评论得到了进一步的加强。

奥勒·邦尼耶 (1925)
Olle Bonniér 于 1947 年在斯德哥尔摩的一个传奇群展中首次展示了他的作品。两年后的 1949 年,他创作了作品 Plingeling,这幅作品既是一幅抽象画,也是一部乐谱。这幅白色的画可以被视为一个彩虹色的宇宙。这个宇宙中出现的点,有着无理的轨道,偶尔会相互碰撞,发出叮叮当当的声音。Plingeling 不包含任何关于它应该如何播放的明确说明,并且每次执行的结果都不同。Bonniér 的作品是表演性绘画的早期例子,这是一种作为绘画创作的作品,但结合了可以转化为音乐的说明。

乔治·布莱希特 (1926–2008)
Water Yam 是乔治·布莱希特 (Georg Brecht) 最初于 1963 年出版的一本艺术家书籍,装在一个由写了激浪派宣言的乔治·马修纳斯 (George Maciunas) 设计的盒子里。这个盒子有时被称为 Fluxbox 或 Fluxkit,包含不同大小的卡片,这些卡片是各种事件的事件分数或 Flux 分数。乐谱往往给机会或巧合留有余地,迫使用户或如果乐谱公开演出的观众做出自己的解释,从而成为作品的共同创作者。布莱希特说他的分数是为了确保“日常生活的细节,我们周围物体的随机星座,不再被忽视”。

托尼康拉德 (1940)
1960 年代,托尼·康拉德 (Tony Conrad) 来到纽约时,他对艺术界持怀疑态度,但发现了充满活力的电影界,因为它独立于艺术机构之外,所以觉得它更有趣。康拉德想将电影与令人兴奋的绘画新发展相结合。他的策略之一是制作超长电影。安迪沃霍尔制作的电影持续了 24 小时。康拉德的作品《黄色电影》是一部已经上映了 40 年的电影!这个想法是廉价的油漆随着时间的推移逐渐改变颜色。没有人可以衡量“电影”中发生的变化,但这无关紧要,因为它发生在你自己的想象中,康拉德说。

Öyvind Fahlström (1928–1976)
Öyvind Fahlström 是一位多才多艺的艺术家,他在多个领域从事实验工作。他是一位视觉艺术家、作家、电影制作人和作曲家。他在 1960 年代初期在纽约遇到波普艺术和漫画文化,对他的艺术产生了根本性的影响,他开始以棋盘游戏的形式创作可变画作。游戏是他展示政治、社会和经济权力星座的方式。观众被有意地移动画作的标记和元素以形成新的组合。

Ceal Floyer (1968)
Ceal Floyer 的主要关注点是光、影和色彩,以及我们如何用感官感知和解释世界。通过大量使用现代技术,她创作了以创意为基础的作品,将优雅与明显的简约相结合。在这里,监视器屏幕完全充满了互换的颜色。这些实际上是一杯水的特写镜头,蘸有不同颜料的刷子。颜料对应于视频技术的基本颜色。因此,Floyer 将模拟和数字色彩结合在一起。

加利齐奥皮诺 (1902–1964)
1959 年,Pinot Gallizio 发表了工业绘画宣言。工业艺术将被机械地生产出来,并提供给每个人。艺术应该在人民中间进行,或者根本不进行。这个想法是,将大量生产数千公里的画布,然后分发给人民,将他们从导致金融投机并助长阶级鸿沟的资产阶级艺术中解放出来。数量和质量将成为一回事,从而结束艺术品作为奢侈品的地位。加利齐奥还是被称为情境主义的激进左翼艺术运动的创始成员,该运动希望将艺术从其作为资本主义拜物教商品的角色中解放出来。

蔡国强 (1957)
蔡国强用火药和烟花在空中画画。有时这些作品会持续几秒钟,有时爆炸会在纸或画布上留下痕迹。从1989年开始,国强就直接在地面上制作“外星人计划”巨大的爆炸性作品,以便从其他星球上可以看到它们。1998年,郭强在现代博物馆和瓦萨博物馆之间的冰冻水域进行了一个项目:一串引信和火药使两岛之间的水域一度分开,就像圣经中的红海,当摩西带领犹太人前往应许之地。

堀尾贞治 (1939)
堀尾贞治于 1966 年首次与具体台展示他的作品。每年有超过 100 场展览和表演,他强调展览不是一个单独的情况,而是生命的延伸,日常活动基本上是一种表演. 每个时刻都是不同的,不可替代的。堀尾以孩子般的开放性,致力于探索当下的可能性。在一个连续的仪式中,他每天用油漆覆盖他周围的日常物品。为了避免选择颜色,他坚持盒子里颜料的顺序,从而避免任何个人痕迹。这种绘画仪式可以被任何人接管并永远延续下去。

伊夫·克莱因 (1928–1962)
对于 Yves Klein 来说,蓝色代表着空虚、天空和大海——无形的。他的几乎所有作品都是他的标志性颜色国际克莱因蓝的单色。他使用了一种特殊的粘合剂,不会影响颜料的光泽和强烈特性。克莱因的人体测量学是用观众创作的绘画,就像表演一样。模特们直接在彼此的身体上作画,然后将自己压在画布上,或者像活的画笔一样相互拖过画布。据说克莱因在看到广岛的一块石头上有被原子弹烧毁的人的影子时,有了将绘画作为身体的直接印记的想法。这一景象也可能启发了他的火画。

金山明
Akira Kanayama 是具体组的秘书。他开玩笑说,这个职位工作量太大,没时间画画,就让遥控玩具车给他画画。由此产生的作品(1957)可以被视为对杰克逊波洛克滴画的批评,它们与它们有一些相似之处。在金山,用颜料表达感情的男性天才被一辆玩具车所取代,玩具车在纸上随机缩放,留下油漆的痕迹,或者像作品《脚印》那样,艺术家的鞋底在纸上留下了痕迹。因此,金山挑战了艺术家与作品质量和独创性的个人相关性。

保罗麦卡锡
黑白磁带是 1970 年代早期 13 场演出的汇编。这个选择展示了主题的萌芽发展,残酷的肉体,以及已经成为他全部作品的表演角色。与 Hermann Nitsch 和维也纳行动主义者一样,Paul McCarthy 探索了失控,但没有仪式元素,并且与好莱坞的肤浅和物质丰富有直接联系。Nitsch 和 McCarthy 的共同点是液体形式(油漆)不直接局限于画布,而是以类似于体液的方式溢出,突然和灾难性地出现在整个地方。

安娜·门迭塔
1970 年代初期,Ana Mendieta 开始主要用血、土、火和水创作剪影和“地球身体雕塑”。她以身体为工具,在大自然中留下人类的印记。她的表演被记录在电影中。Ana Mendieta 是第一个将大地艺术和人体艺术这两种当代运动结合起来的人,其作品涉及生命、死亡、地方和归属等主题。门迭塔对血、火药、泥土和火的仪式性使用也与古巴的 Santería 宗教有关。十三岁时,门迭塔被从古巴送到美国,在孤儿院长大。她对身份认同和归属感的追求贯穿了门迭塔的全部作品。

村上三郎
村上三郎是具体集团的联合创始人,也是其最具开创性的成员之一。他制定了该团体的户外展览概念,并创造了表演行为,通过移动边界并探索该流派是否可以超越画布上的绘画来挑战绘画。作品六孔是对绘画的字面和理论上的打击。这位艺术家利用他身体的各个部位,在一个框架上拉伸的多层牛皮纸上打了几个洞。他的实验结果是新的“绘画”,这是重新协商表演与对象之间关系的第一次艺术尝试。

里瓦娜·诺伊恩施万德
Rivane Neuenschwander 称她的艺术为“空灵的唯物主义”。她用日常材料来表达时间的流逝、生命的脆弱和人际关系,经常让机会和解释过程来决定最终的结果,比如她请两位厨师根据她在购物清单上找到的购物清单制作一顿饭。超市的一层。在作品《Second Stories》(2006 年)中,色彩鲜艳的薄纸圆圈在带有风扇的内部天花板上方飘荡。不时地,它们随机掉落到地板上,形成像油漆滴一样的新图案。

赫尔曼·尼奇
维也纳行动主义者的戏剧性和侵略性绘画表演和人体艺术将艺术与仪式和宗教相结合。赫尔曼·尼奇的作品在很多方面都像古典戏剧一样,力求宣泄,一种通过痛苦来治愈净化的形式。他们反对这样一个事实,即现代西方人远离那些以其净化和再生效果而引起狂喜的仪式。根据这些想法,除非我们也能体验到痛苦、悲伤和恐惧,否则我们就无法体验到极大的快乐。维也纳行动主义者的做法可以被视为奥地利表现主义传统的一部分,其中包含天主教、精神分析和反抗资产阶级等级社会秩序的元素。

妮基·德·圣法勒
在 1960 年代初期,妮基·德·圣法勒 (Niki de Saint Phalle) 凭借她的 Shooting Pictures (Tirs) 彻底撼动了男性主导的艺术界。在这些作品中,她在木板上用厚厚的石膏层覆盖油漆容器。然后她从远处向他们开了一枪。当子弹击中容器时,灰泥上的油漆随机耗尽。射击行为变成了一种非常有意的行为,也可以看作是一种表演。在描述这一行为时,妮基·德·圣法勒 (Niki de Saint Phalle) 说她向所有男人、她的兄弟、社会、教会和学校开枪。

杰克逊波洛克
当杰克逊波洛克在 1947 年取得突破时,他已经转变为一种全新的革命性绘画方式。将大画布直接放在地板上,他将刷子和棍棒浸入盛有液体颜料的罐子中,并在他在画布的四个侧面四处移动时让它滴在画布上,同时聆听响亮的 bebop 或其他爵士音乐。他说,这种方法与美洲原住民印第安仪式沙画有关,这些沙画是用散布着美丽图案的彩色沙子制成的。对于波洛克来说,绘画本身与完成的作品一样重要。他的绘画方式被称为动作绘画,被认为是开创性的抽象表现主义画家之一。

罗伯特·劳森伯格,妮基·德·圣法勒
1961年5月,艺术运动展览在一场派对中开幕。妮基·德·圣法勒 (Niki de Saint Phalle) 将无数装满颜料的袋子贴在剧院背景上,上面放了一张塑料布和一张地毯,形成了一个舞池。当客人开始跳舞时,袋子爆裂,形成一幅抽象画。派对结束后,罗伯特·劳森伯格和比利·克鲁弗(EAT 艺术与技术实验的创始人)是唯一剩下的客人。那幅画还躺在舞台上。他们把它带到外面,Rauschenberg 建议他们可以改进工作,也许可以通过将它铺在马路上来吸引出租车司机的注意。几辆路过的汽车在帆布上留下了轮胎印,最后一辆出租车停了下来。

卡罗莉·施尼曼
Carolee Schneemann 是表演艺术和女权主义艺术的先驱。在 1960 年代初期,她以自己的身体作为艺术素材,成为第一位从事“人体艺术”工作的美国艺术家。在 Eye Body 中,她全身赤裸,全身涂满颜料、油脂和粉笔。施尼曼将绘画从画布转移到她的身体上,挑战当代女性角色和艺术中对女性身体作为被描绘和观看的对象的普遍态度。她被批评为过激,但她壮观的作品总是有目的的。作为她绘画的主题和客体,她重新获得了对女性身体和性欲的控制权。除了表演,施尼曼还制作组合、电影、视频和装置。

Eclipse – 黑暗时代的艺术
日食,太阳变暗,既描述了启蒙运动的许多理想似乎被抛弃的社会情况,也描述了一种艺术方法。本次国际当代艺术展的艺术家们都对具有启发性的文化缺乏信心;因此,标题中的隐喻。

艺术家们以装置、雕塑、表演、视频投影和绘画为媒介,探索和表述黑暗或非理性的主题。他们中的许多人对生活的荒诞感有一种特殊的感觉,从而产生一种令人耳目一新的幽默感。有关人类状况的生存问题是出发点。展览追求两条主线:一条是阴郁、神秘和简洁,另一条则更加无政府主义和滑稽。

Eclipse 既是关于当今艺术的陈述,也是一个问题。如果说 90 年代的艺术家专注于现实,一种可以表达的立场,例如纪录片策略和关系美学,那么今天的许多艺术家更感兴趣的是投机,反映不可理解的东西。说我们生活在一个黑暗的时代,这听起来可能有些激烈。但在 9 月 11 日之后,在一个政治动荡的时代,我们看到不容忍现象有所增加。展览以简单的方式突出了非政治性的艺术,但坚持说错话的权利,使用小说的许可进行实验的艺术。

迈克尔·博雷曼斯
比利时艺术家 Michaël Borremans(生于 1963 年,居住在根特)以其绘画和素描而闻名,他的许多作品都具有他独特的新超现实主义风格。主题是那些似乎属于棕褐色过去的人,专注于一些神秘的任务。作品的标题增加了我们正在看什么样的场景的不确定情绪,比如优势,展示一个穿着紧身衣的年轻人。

安里萨拉
Borremans 画作中的神秘品质与 Anri Sala(生于 1974 年,住在柏林)的视频作品有对应关系,通常在半黑暗中拍摄。在他的一部作品 Ghostgames 中,两个人在黑暗中的海滩上进行游戏,他们使用手电筒光束引诱或压迫螃蟹在对手的腿之间爬行——从而进球. 图像中信息的缺乏暗示了问题并增强了感官。

娜塔莉·朱尔伯格
Nathalie Djurberg(生于 1978 年,居住在柏林)在一个由造型粘土制成的怪诞人物世界中创作视频作品。电影的格式就像儿童电视,但角色——通常是令人痛苦的肥胖女性——卷入了残酷的袭击。Djurberg 目前正在米兰的 Fondazione Prada 举办个展。

达娜·舒茨
Dana Schutz(生于 1976 年,居住在纽约)的画作还让人联想到一个奇怪的、可能是后世界末日的世界,居住着怪诞的幸存者,例如互相进行手术的“汽车人”,“重力狂热者” ‘或那些只是’进入耶稣’的人。形式上,她在艺术史上的各种风格之间轻松地导航。她的绘画通常基于具有挑战性的想法,显然是不可能的绘画主题。

艾伦·加拉格尔
Ellen Gallagher(生于 1965 年,居住在鹿特丹和纽约)的作品 De Luxe 混合了历史和神话人物,这些人物由针对非裔美国读者的旧广告图片制成。她的一些水彩画来自水狂喜系列也有特色。该系列基于一个关于海底人类的神话——一种特殊的物种,由在奴隶贸易的大西洋通道上淹死的怀孕奴隶发展而来。

汤姆麦卡锡
汤姆麦卡锡(生于 1969 年,居住在伦敦)是国际尸检协会的秘书长,该协会是对 20 世纪早期前卫艺术家团体的模仿。INS 的特色是一份报告——召集所有特工——来自该组织在奥地利的一次会​​议,认为艺术包含政治炸药的颠覆性信息。麦卡锡的新的、特定于站点的音频作品将在通常用于引导参观者浏览馆藏的音频指南中以瑞典语呈现。

卢卡斯·阿杰米安
Lucas Ajemian(生于 1975 年,住在纽约)的作品暗示艺术是编码信息的承载者。他和他的兄弟爵士音乐家杰森·阿杰米安 (Jason Ajemian) 在 Skeppsholmen 的教堂里创作了一场表演,该表演将被拍摄并在展览中展出;他们与一个十人管弦乐队一起演奏了 1971 年的黑色安息日经典《Into the Void》,并参考了声称这会揭示隐藏的撒旦信息的神话。

迈克纳尔逊
Mike Nelson(生于 1967 年,居住在伦敦)还与一个团体合作——在他的案例中,是虚构的摩托车团伙 The Amnesiacs,该团伙由患有失忆症的海湾战争老兵组成。成员“帮助”纳尔逊创作了能够重建他们记忆的作品,例如 Amnesiac Shrine——一个大型空间装置,由 Moderna Museet 之友资助,作为 50 周年礼物为 Moderna Museet 收藏而购得。

保罗麦卡锡
保罗·麦卡锡(Paul McCarthy,生于 1945 年,居住在洛杉矶)在他基于表演的视频作品中描绘了既危险又可悲的父亲形象;一个类似于阿尔弗雷德·E·诺依曼的娃娃头,或者一个血腥、冷笑的海盗,在某种疯狂的迪斯尼世界中。Magnus af Petersens 与 Paul McCarthy 于 2006 年在 Moderna Museet 的回顾展上的合作是激发 Eclipse 概念的一个事件。