环境艺术（Environmental art）是一系列的艺术实践，包括艺术中的自然历史观，以及最近出现的生态和政治动机类型的作品。环境艺术已经从形式化的关注点发展而来，与地球一起成为雕塑材料，与社会关注的系统，过程和现象之间的关系更深。在20世纪90年代出现了作为一种道德修复姿态而发展的综合社会和生态方法。十年来，随着气候变化的社会文化方面走向世界，环境艺术已成为世界各地展览的焦点。
在日益增长的世界中，以环境中的系统和互动为重点的艺术家的数量是生态的，地理的，政治的，文化的和生物的。本艺术中的许多作品都是由二维和三维元素组成的，在这些元素中可以融入视觉和声音效果，从而展示人类应该如何在社会，哲学，经济和精神上与人类自然世界相连接。
“环境艺术”一词通常包含“生态”关切，但并不特定于此。它主要用天然材料来庆祝艺术家与大自然的联系。这个概念是最好的理解关系到历史的地球/大地艺术和生态艺术的发展领域。这个领域是跨学科的，因为环境艺术家拥抱科学和哲学的观点。这种做法包括传统媒体，新媒体和批判社会生产形式。这项工作涵盖了从农村到郊区，城市以及城乡工业的各种景观/环境条件。
大多数艺术家都将环境中的人类超脱，并试图通过导致变化的四个主要动机来纠正它：
提高对自然脆弱性的认识和保护自然的需要。
探索各种自然现象，跟随变化，在艺术中表现。
从世界各地收集来自大自然的材料并分发。
防止地表环境恶化，恢复受损景观，恢复自然状态。
历史：
可以说，环境艺术始于我们祖先的旧石器时代的壁画。虽然还没有发现景观，但洞穴画代表了早期人类重要的自然界的其他方面，如动物和人物。 “它们是对自然的史前观察，无论如何，几个世纪以来的自然仍然是创造性艺术的优先主题。”环境艺术的更现代的例子来自山水画和表现。当艺术家在现场绘画时，他们与周围的环境和天气形成了深刻的联系，并将这些密切的观察结果带入了画布。约翰·康斯特勃（John Constable）的天空画“最接近地代表了天空中的天空”。莫奈的伦敦系列也体现了艺术家与环境的联系。 “对我来说，一个景观本身并不存在，因为它的外观在每一个时刻都在变化，但是周围的气氛使它活跃起来，空气和光线对我来说是不断变化的，只是周围的气氛给受试者真正的价值“。
环境艺术的基础始于浪漫主义艺术运动（1800-1850）。在工业革命之后，这场运动被称为“新浪漫主义”运动。主要艺术品包括崇拜自然之美，包括破坏和污染的形象，以强调不公正和环境不平等。
浪漫主义者崇拜自然的伟大与美丽，相信人性应该附于其上，不能脱离人性。艺术家们试图唤醒人类回归自然，主要集中在绘画，音乐和雕塑上，以揭露人类脱离人类自身的不正义，从而震撼和唤醒人类的行动。
随着极简主义艺术的诞生，特别是在美国，许多艺术家认为画廊或博物馆展示的界限已经不能满足他们的要求。极简主义雕塑处理的是装置和其他艺术活动的展示范围，体制空间的界限是其中许多人的一个明显的举动。到了20世纪60年代末，对土地艺术的记录和审美和批判思考开始了。
环境艺术运动的发展主要从1900年开始，以“土地艺术”的新趋势开始。这种艺术运动在1960年在美国发展起来，当时许多雕塑家和画家，如罗伯特·史密森（1973-1938）和他的着名作品“惠而浦码头”（1970年），对他所在的景观造成了不可逆转的重大损害。这个工程是由玄武岩和泥土建造而成的，史密森用推土机刮划了景观，直接影响了湖泊。
1912年Boccioni已经在他的“未来主义雕塑技术宣言”中提出理论，除了通过环境雕塑，能够塑造围绕它的氛围外，不可能有更新。
环境艺术的其他先例可以追溯到历史前卫：建筑主义者卢森堡的普朗（Proun）的环境是1923年为柏林伟大的展览创造的展览空间，其建筑元素，画家和模型是密不可分的;而达达主义者库尔特·施威特斯的默兹堡则是在汉诺威艺术家的工作室里进行了十年的日常物品的积累，在此期间他成为了艺术家生活的有机证明。
真实空间的介入从50年代末开始成为艺术作品的一个重要方面，然后继续影响主要的艺术潮流（新达达主义，程序艺术，极简主义，过程艺术，艺术Povera，概念艺术）到60年代，直到70年代初。最初，环境艺术与雕塑（尤其是作为特定地点的艺术，大地艺术和艺术Povera – ）的关系更为密切，考虑到越来越多的传统雕塑和实践的批评被认为越来越过时，可能与自然环境不协调。
当代画家，比如黛安·布尔科（Diane Burko），代表着自然现象 – 随着时间的推移而变化 – 传达生态问题，引起人们对气候变化的关注。亚历克西斯洛克曼的风景描绘了一个关于气候变化的讽刺视角，人类通过基因工程与其他物种进行干预。
当代美国艺术评论家哈尔·福斯特（Hal Foster）将环境艺术的作品定义为“特定地点的雕塑作品，利用从环境中摄取的材料创造新的形式或改变我们对环境的看法;将新的非自然物体一个类似目的的自然场景;时间因素起决定性作用的景观个体活动;协作和社会意识干预“。这句话表明了“环境艺术”这个术语是指艺术过程和结果是彼此截然不同的，但是在这个基础上，艺术作品的自主性概念已经被克服它被放置。
尽管环境艺术最初的愿望是与艺术体系作斗争，但是通过消除艺术对象本身，更普遍的是消除艺术作品的商品化，就必须在画廊和博物馆展出作品，他们作为艺术品的地位，并能够收集其实现所需的金融资本。这种需要导致许多艺术家为了照相和电影复制的目的而设想工作，例如理查德·朗和罗伯特·史密森这两个既具有纪实价值又具有市场价值的人。
运动：
环境艺术作为“运动”的发展始于20世纪60年代末和70年代初。在其早期阶段，与雕塑尤其是特定地点的艺术，土地艺术和艺术博物馆相关联最为密切，这是由于传统的雕塑形式和实践越来越多地被认为是过时的，可能与自然环境不协调。
1968年10月，罗伯特·史密森（Robert Smithson）在纽约的Dwan画廊举办了题为“土木工程”的展览。展览中的作品对传统的展览和销售概念提出了明显的挑战，因为它们要么过大，要么太笨重;大多数只是由照片代表，进一步强调了他们对收购的抵制。因为这些艺术家逃离了画廊的界限，现代主义理论是通过离开城市走出沙漠而实现的。
“他们没有描绘景观，而是参与其中;他们的艺术不仅仅是风景，而是风景。“20世纪60年代末和70年代的这种转变代表了前卫的雕塑概念，景观和我们与之的关系。这项工作挑战了传统的雕塑创作方式，同时也挑战了更多精英艺术传播和展览的模式，比如前面提到的黎明画廊。这种转变开辟了一个新领域，扩大了工作的记录和概念化方式。
在欧洲，自20世纪60年代以来，Nils Udo，Jean-Max Albert，Piotr Kowalski等艺术家一直在创作环境艺术作品。
城市：
“没有人确切知道什么时候幽灵船开始出现在小河口附近，但当地居民记得在二十世纪五十年代还在漂浮的时候玩过它们，其中一些人据说是老捕鲸船，船主不想支付他们妥善处理，他们会把他们拖到河边，把他们烧毁到水线，陆军工程兵已经在城市的其他地方，但不是在这里确定废弃的船只。扰乱沉船将释放危险的化学品洪流到水和空气。“ – 伊丽莎白·艾伯特（Elizabeth Albert），来自展览的壁纸“沉默的海滩，无数的故事，纽约市被遗忘的海滨”
1978年，巴里·托马斯和朋友非法占领了新西兰惠灵顿空置的中央商务区。他倾倒了一大堆表层土，然后以“白菜”一词的形状种植了180棵白菜苗，因为他的“白菜”空白。然后，该网站被贡献艺术家的工作淹没 – 整个事件持续了6个月，结束了一个为期一周的节日，庆祝本地树木和森林。 2012年，新西兰的Te Papa Tongarewa博物馆（该国最大的文化机构）购买了所有的白菜档案，称其为“我们的艺术和社会历史的重要组成部分”。
虽然早期的这项工作大部分是在美国西部的沙漠中完成的，但是在二十世纪七十年代末和八十年代初期，工程进入了公共领域。像罗伯特·莫里斯（Robert Morris）这样的艺术家开始让县级部门和公共艺术委员会在公共场所创作作品，如废弃的砾石坑。 Herbert Bayer使用了类似的方法，于1982年被选中创建他的Mill Creek Canyon土木工程。该项目的功能包括侵蚀控制，在高雨期作为水库的地方，以及旱季2.5英亩的公园。露西·利帕德（Lucy Lippard）的开创性着作“当代土地艺术与史前遗址之间的平行”，探讨了这些史前文化，形式和意象与当代艺术家如何与土地和自然系统共同工作的方式。
环境艺术的扩张期限还包括城市景观的范围。艾格尼丝·迪内斯（Agnes Denes）在曼哈顿市中心的一个“麦田 – 对抗”（1982年）中创作了一幅作品，在两英亩的土地上种植了一片覆盖着城市碎石和瓦砾的小麦场。该网站现在是炮台城和世界金融中心：从生态力量转变为经济力量。
艾伦•桑菲斯（Alan Sonfist）介绍了将自然带回城市环境中的关键环保主义思想，他的第一个历史性的时代风景雕塑，于1965年提交纽约市，并在纽约市格林威治村的休斯顿和拉瓜迪亚角落出现。今天，Sonfist正与广泛的公共当局和公民的环保绿色问题的热情联手，提出在大都市地区的这样的网站网络，这将提高自然界将在21世纪的挑战中发挥的关键作用的意识世纪。自然的神圣性和自然环境在环境艺术家的作品中经常可见一斑。
正如西方沙漠中的土木工程源于山水画的概念一样，公共艺术的发展也促使艺术家把城市景观作为另一种环境，也是一个将观念和环境概念吸引到更多观众的平台。 “现在许多环境艺术家不仅要求观众为他们的工作，而且要求公众，他们可以与他们相对应的艺术的意义和目的。安德烈亚·波利（Andrea Polli）的装置“粒子瀑布”（Particle Falls）使路人可以看到的空气中的微粒物质可见。对于HighWaterLine Eve Mosher和其他人走过纽约市和迈阿密等高危城市的社区，预计由于气候变化而可能发生的洪水灾害，并与居民讨论他们在做什么。
超级风暴桑迪发起了无数艺术家对纽约市被遗忘的海滨和历史水道的回应。 “沉默的海滩，无尽的故事：纽约市被遗忘的海滨”由圣约翰大学教授伊丽莎白·阿尔珀特（Elizabeth Alpert）策划，向纽约市的城市环境和复杂的生态系统展示了一系列艺术家的作品。
生态艺术：
生态艺术EcoArt是一个艺术实践或学科提出的范例可持续与我们星球的生命形式和资源。它由致力于生态艺术实践的艺术家，科学家，哲学家和活动家组成。历史先例包括土木工程，土地艺术和山水画/摄影。生态艺术的特点是关注我们环境中的系统和相互关系：生态，地理，政治，生物和文化。 Ecoart创造意识，刺激对话，改变人类对其他物种的行为，并鼓励长期尊重我们共存的自然系统。它表现为社会参与，活动家，基于社区的修复或干涉主义艺术。生态艺术家Aviva Rahmani认为，“生态艺术是一种艺术实践，通常与科学家，城市规划者，建筑师和其他人合作，导致对环境退化的直接干预。艺术家通常是这种实践的主要代理人。 EcoArt有多种方法，包括但不限于：
具有代表性的艺术品 – 主要通过图像制作和对象制作来展示信息和条件，以促进对话。
补救恢复或恢复受污染和中断环境的项目 – 这些艺术家经常与环境科学家，景观设计师和城市规划师合作
活动家项目从事，告知，激励和激活行为和/或公共政策的变化。
社会雕塑 – 社会参与，基于时间的艺术作品，让社区参与监测景观，并在可持续的实践和生活方式中发挥参与作用。
EcoPoetic方法启动对自然世界的重新构想和重新结合，激励愈合和与其他物种共存。
直接邂逅 – 引入水，天气，阳光，植物等自然现象的作品
教学或教学工作，分享有关环境不公平和生态问题，如水土污染和健康危害的信息。
生存关系美学涉及可持续的，离网，永续的存在。
生态艺术领域的女性贡献很大，很多都是在1995年由Jo Hanson，Susan Leibovitz Steinman和Estelle Akamine成立的WEAD，Women Environmental Artists Artists中进行编目的。
生态艺术的定义：生态艺术家如果把生态艺术或生态艺术视为艺术中的一门不同于环境艺术的离散学科，那么就有了讨论和争论。 EcoArtNetwork集体起草的“生态艺术”的定义是“生态艺术是一种艺术实践，它的内容和形式/材料都包含着社会公正的道德规范，EcoArt的创造激发了关爱和尊重，激发对话，鼓励我们生活的社会和自然环境的长期繁荣，它通常表现为社会参与，活动家，社区为基础的恢复或干涉主义艺术。“被认为在这个领域工作的艺术家通常认同一个或多个以下原则：
重点关注我们环境中的相互关系 – 生态系统的物理，生物，文化，政治和历史方面。
创作使用天然材料或与风，水或阳光等环境力量接触的作品。
回收，恢复和修复受损环境。
向公众介绍我们面临的生态动态和环境问题。
修改生态关系，创造性地提出共存，可持续性和治疗的新的可能性。
影响：
在环境艺术中，环境艺术家之间可以有一个关键的区别，他们不会考虑艺术品可能会对环境造成的可能的破坏，也不会对自然造成伤害。例如，美国艺术家罗伯特·史密森（Robert Smithson）的着名雕塑“螺旋码头”（1969年）虽然具有美学价值，但是他曾经在景观上造成永久性的破坏，使用推土机刮擦和切割土地，而螺旋本身也撞击在湖面上。同样，对欧洲雕塑家克里斯托（Christo）在1969年在澳大利亚悉尼南部的小湾（Little Bay）暂时包裹海岸线时，也提出了批评。环保人士的评论引起了国际社会的关注，并引导该地区的当代艺术家重新思考土地艺术和特定地点的艺术。
生产可持续艺术时考虑到工作及其对环境（社会，经济，生物物理，历史和文化）关系的广泛影响。一些艺术家选择尽量减少他们的潜在影响，而其他作品涉及到恢复当前景观自然状态。
英国雕塑家理查德·朗（Richard Long）几十年来通过重新整理现场发现的岩石，泥土和树枝等天然材料，进行了临时性的户外雕塑作品，因此没有挥之不去的不利影响。克里斯·德鲁里（Chris Drury）制作了一个名为“药轮”的作品，这是每天一次，每日一次的日常冥想行走的果实和结果。这项工作的成果是一个曼陀罗的发现对象：自然艺术作为过程艺术。作物艺术家斯坦·赫德（Stan Herd）表现出与土地类似的联系和尊重。
诸如荷兰雕塑家Herman de Vries，澳大利亚雕塑家约翰·戴维斯（John Davis）和英国雕塑家安迪·戈尔兹沃思（Andy Goldsworthy）等领先的环保艺术家也同样离开了他们未曾受过伤害的景观。在某些情况下，他们在开展工作的过程中使受损的土地具有适当的土着植物群。这样，艺术作品就是出于对生境的敏感性。也许20世纪后期最着名的环境艺术实例是7000 Oaks，这是1982年由Joseph Beuys在Documenta上演的一项生态行动，艺术家和他的助手在整个过程中通过种植7000棵橡树来突出当地环境的状况，环绕卡塞尔市。
转型：
其他艺术家，如生态女权主义艺术家Aviva Rahmani，则反思了我们与自然界的交往，并创作了以生态知识为重点的艺术作品，专注于转型或开垦。在过去的二十年里，罗莎莉·加斯科因（Rosalie Gascoigne）已经做出了重要的环保工作，她在垃圾和垃圾中塑造了她宁静的雕塑，在农村被丢弃。同样，Marina DeBris使用海滩上的垃圾制造垃圾，教育人们关于海滩和海洋垃圾。 Patrice Stellest用垃圾创造了大型装置，同时也收集了世界各地收集的相关物品和太阳能机制。约翰·沃尔斯利（John Wolseley）通过偏远地区远足，收集视觉和科学数据，然后将视觉和其他信息融入纸上复杂的墙面作品。华盛顿特区的玻璃雕塑家Erwin Timmers和Alison Sigethy的环保艺术或绿色艺术结合了一些回收利用最少的建筑材料;结构玻璃。生态艺术作家和理论家琳达·温特劳布（Linda Weintraub）创造了术语“循环 – 逻辑”来描述回收与心理学之间的关系。二十一世纪的艺术家与他们的材料的正确接触的概念，回到古代文明废弃的陶器和金属旧石器时代的中间堆。温特劳布引用了麦克阿瑟研究员莎拉·斯（Srah Sze）的着作，他把废弃物中的碎屑回收，重新使用和翻新成优雅的广阔装置。她自我反思的工作把我们的注意力吸引到了我们自己混乱的生活和与消费文化的联系上。 Brigitte Hitschler的能源领域从400多个红色二极管中汲取力量，使用艺术和科学揭示隐藏的物质文化。生态艺术家和活动家Beverly Naidus创建了应对环境危机，核遗留问题的设施，并在设想转型的纸张上创作作品。她的基于社区的永续栽培项目，伊甸园Reframed使用植物修复和蘑菇补救退化的土壤，导致公共场所种植和收获药用植物和食用植物。 Naidus是一位教育家，曾在华盛顿塔科马大学教书十多年，在那里她创建了社区课程中的跨学科工作室艺术，将艺术与生态学和社会实践相结合。 Naidus的书“改变艺术：框架外的教学”是教师，活动家和艺术家的资源。雕刻家兼装置艺术家Erika Wanenmacher受到了托尼·普赖斯（Tony Price）
可再生：
可再生能源雕塑是环境艺术的又一个新发展。 为了应对日益受到全球气候变化的关注，艺术家正在设计功能层面的明确干预措施，将审美反应与能源生产或储蓄的功能特性融为一体。 安德烈亚·波利的皇后桥风力发电项目是一个实验性建筑的例子，将风力涡轮机结合到桥梁结构中，重现原始设计的各个方面，并照亮桥梁和邻近区域。 拉尔夫·桑德（Ralf Sander）的公共雕塑 – 世界节能机器（World Saving Machine）在炎炎夏日的夏天，在首尔艺术博物馆外利用太阳能创造出冰雪。 这个新兴地区的从业人员经常按照符合生态设计标准的生态知识的道德和实践守则进行工作。的启发，她在创作，神话以及新墨西哥州的核能力方面的发展。包括Daniele Del Nero在内的许多艺术家都以不同的方式将生活模具作为一种艺术元素进行工作。