东方绘画

东方绘画的历史包括来自不同文化和宗教的广泛影响。 东方绘画的发展历史上与西方绘画的发展相似,一般在前几个世纪。 非洲艺术,犹太艺术,伊斯兰艺术,印度艺术,中国艺术,韩国艺术和日本艺术都对西方艺术产生了重大影响,反之亦然。

中国画是世界上最古老的连续艺术传统之一。 最早的绘画不具有代表性,而是具有观赏性; 它们由图案或意象而不是图片组成。 早期的陶器上涂有螺旋,曲折,圆点或动物。 只有在战国时期(公元前403-221),艺术家才开始代表他们周围的世界。 日本绘画是日本艺术中最古老,最精致的绘画之一,涵盖了各种类型和风格。 日本绘画的历史是日本本土美学与进口思想的适应之间的综合和竞争的悠久历史。 韩国绘画作为一种独立的形式,始于公元前108年左右,围绕着Gojoseon的秋天,使其成为世界上最古老的绘画之一。 那个时期的艺术作品演变成了韩国三国时期的各种风格,最着名的是装饰高句丽皇室墓葬的画作和壁画。 在三国时期和高丽王朝时期,韩国绘画的主要特征是韩国风格的景观,面部特征,以佛教为中心的主题,以及韩国天文学迅速发展促进的天体观测。

东亚绘画
中国,日本和韩国在绘画方面有着悠久的传统,这种传统也高度依赖于书法和版画艺术(因此通常被视为绘画)。 远东传统绘画的特点是水基技术,不太现实主义,“优雅”和风格化的主题,图形化的描绘方式,白色空间(或负空间)的重要性和对景观(而不是人类形象)的偏好学科。 除了丝绸或纸卷上的墨水和颜色外,漆上的金色也是东亚彩绘艺术品的常见媒介。 虽然丝绸在过去是一种有点昂贵的油漆媒介,但是汉族宫廷太郎在公元1世纪发明的纸张不仅提供了廉价而广泛的书写媒介,而且还提供了廉价而广泛的绘画媒介。 (使公众更容易获得)。

儒家,道教和佛教的思想在东亚艺术中发挥了重要作用。 中世纪的宋代画家,如林廷贵和他的罗汉洗礼(位于12世纪的史密森尼弗里尔艺术馆),是融入中国古典艺术品的佛教思想的极好例子。 在后一幅关于丝绸的画作(链接中提供的图像和描述)中,秃头佛教罗汉在河边洗衣服的实用场景中被描绘出来。 然而,这幅画本身在视觉上令人惊叹,罗汉描绘了丰富的细节和明亮,不透明的色彩,与朦胧,棕色和平淡的树木繁茂的环境形成鲜明对比。 此外,树顶被旋涡雾笼罩,提供了东亚艺术中常见的“负空间”。

在Japonisme,像梵高和亨利德图卢兹 – 洛特雷克这样的19世纪后期印象派画家,以及像詹姆斯麦克尼尔惠斯勒这样的调性主义者,钦佩19世纪早期的日本浮世绘艺术家,如北斋(1760-1849)和广重(1797-) 1858年)并受到他们的影响。

中国画
最早存在的中国彩绘艺术品的例子可以追溯到战国时期(公元前481 – 221年),在岩石,砖块或石头上用丝绸或墓壁画作画。 它们通常采用简单的程式化格式,或多或少的基本几何图案。 他们经常描绘神话中的生物,家庭场景,劳动场景,或充满法庭官员的富丽堂皇的场景。 在此期间和随后的秦朝(公元前221 – 207年)和汉朝(公元前202年 – 公元220年)的艺术作品本身并不是作为一种手段或更高的个人表达; 相反,艺术品的创作是为了象征和纪念丧葬仪式,神话神灵或祖先精神的代表等。在汉代可以找到宫廷官员的丝绸和国内场景的绘画,以及男人在马背上狩猎或参与的场景。阅兵。 还有三维艺术作品的绘画,如雕像和雕像,如覆盖士兵的原始颜色和兵马俑的马雕像。 在南方南京的东晋(公元316 – 420年)的社会文化氛围中,绘画成为儒家官僚官员和贵族的官方逍遥时光(伴随着古琴古筝演奏的音乐,写出奇幻的书法,写作和背诵诗歌)。 绘画成为艺术自我表达的一种常见形式,在此期间,在宫廷或精英社交圈中的画家被同行评判和排名。

中国古典山水画的建立主要归功于东晋艺术家顾恺之(公元344 – 406年),这是中国历史上最着名的艺术家之一。 像唐朝开斋(公元618 – 907年)的拉伸卷轴场景一样,中国艺术家如吴道子在长水平手卷(在唐代非常受欢迎)上绘制了生动而高度详细的艺术作品,如他的八十七天体。 唐代时期的彩绘艺术品涉及理想化的景观环境的影响,物体,人物或活动的数量稀少,以及单色性质(例如:干陵陵的价格伊德墓的壁画)。 还有一些人物,如唐代早期画家詹子谦,他描绘了一流的山水画,在现实主义的描写中远远领先于他。 然而,直到五代十国时期(公元907 – 960年),景观艺术才达到更高的成熟度和现实性。 在这段时间里,有一些特殊的风景画家,如东苑(参考这篇文章作为他的艺术作品的一个例子),以及那些画出更加生动逼真的家居场景描绘的人,如顾鸿忠和他的韩熙宰夜族。

在中国宋朝(公元960 – 1279年),不仅改善了山水艺术,而且肖像画比以前更加规范和复杂(例如,参考宋徽宗),并在此期间达到了古典时代的成熟。明朝(公元1368 – 1644年)。 在13世纪末和14世纪上半叶,蒙古控制的元朝的中国人不允许进入更高级别的政府职位(保留给蒙古人或来自中亚的其他民族),并且科学考试停止了暂时的。 许多受过儒家教育的中国人现在缺乏职业,转而采用绘画和戏剧艺术,因为元朝时期成为中国艺术作品中最具活力和丰富的时代之一。 一个例子就是钱玄(公元1235-1305),他是宋朝的官员,但出于爱国主义,拒绝为袁朝廷服务并致力于绘画。 这一时期精湛的艺术作品包括永乐宫的丰富而细致的壁画,或公元1262年的“大春洋长寿宫”,这是联合国教科文组织世界遗产。 在宫殿内,画作占地面积超过1000平方米,主要是道教主题。 正是在宋代,画家们还聚集在社交俱乐部或会议上讨论他们的艺术品或其他人的艺术作品,赞美这些作品往往导致说服贸易和销售珍贵的艺术品。 然而,也有许多对其他艺术的严厉批评,表现出不同画家在风格和品味上的差异。 公元1088年,博学家和政治家沉国曾写过一个李成的艺术作品,他批评如下:

……然后是李成,他描绘了山中的亭子和小屋,有层的建筑物,宝塔等,从下面看,它总是用来画屋檐。 他的想法是“一个人应该从下面向上看,就像一个人站在平地上,望着宝塔的屋檐可以看到它的椽子和它的悬臂檐椽”。 这都错了。 一般来说,绘制景观的正确方法是从大型观点看到小景观……正如人们在花园中观察人工山一样(一个人走来走去)。 如果将(李的方法)应用于真实山脉的绘画,从下面看它们,人们一次只能看到一个轮廓,而不是它们众多的斜坡和轮廓的财富,更不用说所有的东西了。在山谷和峡谷中,以及在他们的住所和房屋的车道和庭院中。 如果我们站在山的东边,它的西部将位于远距离的消失边界,反之亦然。 当然,这不能称为成功的绘画? 李先生不明白“从大的角度看小”的原则。 他在准确地缩小高度和距离方面确实非常出色,但是应该如此重视建筑物的角度和角落?

虽然高度的程式化,神秘的吸引力和超现实的优雅往往优于现实主义(例如山水风格),但从中世纪的宋代开始,当时和之后有许多中国画家描绘了生动逼真的自然景观。 后来的明代艺术家将在宋代之后强调对自然物体的错综复杂的细节和现实主义,尤其是对鲜艳的花朵和灌木丛中的动物(如鸭子,天鹅,麻雀,老虎等)的描绘。和木头(一个很好的例子是匿名的明代绘画鸟和梅花,住在华盛顿特区史密森尼博物馆的弗里尔画廊)。 有许多着名的明代艺术家; 邱莹是着名的明代画家(即使在他自己的时代也很出名)的一个很好的例子,利用他的作品家庭场景,繁华富丽堂皇的场景,以及雾蒙蒙的云雾笼罩的河谷和山峦的自然景观。 在明朝期间,还有与绘画有关的不同的艺术学派,如吴学派和浙派。

中国古典绘画一直延续到清代早期,具有17世纪晚期明代的高度逼真的肖像画。 康熙皇帝,雍正皇帝和干隆皇帝的肖像画是中国现实肖像画的典范。 在干隆年间和19世纪的持续时期,欧洲巴洛克风格的绘画对中国肖像画产生了明显的影响,特别是对于灯光和阴影的彩绘视觉效果。 同样,自16世纪初接触以来,东亚绘画和其他艺术品(如瓷器和漆器)在欧洲备受推崇。

日本画
日本绘画(日画)是日本艺术中最古老,最精致的作品之一,涵盖了各种风格和风格。 与日本的艺术一样,日本绘画是通过日本本土美学与进口思想的适应之间的综合和竞争的悠久历史而发展起来的。 浮世绘(Ukiyo-e)或“漂浮世界的照片”是日本木刻版画(或“木刻画”)的类型,以及17世纪和20世纪之间的绘画作品,以风景,戏剧和妓女区为主题。 它是日本木版印刷的主要艺术流派。 日本版画,尤其是江户时代的版画,在19世纪对法国绘画产生了巨大的影响。

韩国画
韩国绘画作为一种独立的形式,始于公元前108年左右,围绕着Gojoseon的秋天,使其成为世界上最古老的绘画之一。 那个时期的艺术作品演变成了韩国三国时期的各种风格,最着名的是装饰高句丽皇室墓葬的画作和壁画。 在三国时期和高丽王朝时期,韩国绘画的主要特征是韩国风格的景观,面部特征,以佛教为中心的主题,以及韩国天文学迅速发展促进的天体观测。 直到朝鲜王朝,儒家主题才开始在韩国绘画中扎根,与土着方面相协调。

韩国绘画的历史特点是使用黑色笔触的单色作品,通常在桑树纸或丝绸上。 这种风格在“Min-Hwa”,或丰富多彩的民间艺术,墓室绘画,仪式和节日艺术中都很明显,两者都融合了大量的色彩。

南亚绘画

印度绘画
印度绘画历史上围绕宗教神灵和国王。 印度艺术是印度次大陆存在的几个不同艺术流派的集体术语。 这些画作从阿anta陀的大型壁画到错综复杂的莫卧儿微型画作,再到Tanjore学校的金属装饰作品。 Gandhar-Taxila的画作受到西方波斯作品的影响。 东方绘画风格主要是在那烂陀艺术学院附近发展起来的。 这些作品大多受到印度神话中各种场景的启发。

历史
最早的印度绘画是史前时期的岩画,在Bhimbetka的岩石避难所等地方发现的岩画,其中一些比公元前5500年还要古老。 这些作品持续了几千年,在7世纪,阿哈达塔的雕刻柱子,马哈拉施特拉邦呈现出印度绘画的一个很好的例子,颜色,主要是各种色调的红色和橙色,来自矿物。

印度马哈拉施特拉邦的阿anta陀石窟是可追溯到公元前2世纪的岩石洞穴古迹,其中包含被认为是佛教宗教艺术和全球绘画艺术杰作的绘画和雕塑。

马杜巴尼绘画
Madhubani绘画是一种印度绘画风格,在印度比哈尔邦的Mithila地区实行。 Madhubani绘画的起源笼罩在古代。

拉杰普特画
Rajput绘画,一种印度绘画风格,在18世纪,在印度拉杰普塔纳的皇家宫廷中进化和繁荣。 每个拉其普特王国都演变成一种独特的风格,但具有某些共同特征。 拉杰普特的绘画描绘了许多主题,史诗般的事件,如罗摩衍那和摩诃婆罗多,克里希纳的生活,美丽的风景和人类。 微缩模型是拉杰普特绘画的首选媒介,但是一些手稿也包含拉杰普特画作,甚至在宫殿的墙壁,堡垒的内室,havelies,特别是Shekhawait的havelis上进行绘画。

从某些矿物质,植物来源,海螺壳中提取的颜色,甚至是通过加工宝石,金和银得到的颜色。 所需颜色的制备是一个漫长的过程,有时需要数周。 使用的刷子非常好。

莫卧儿绘画
莫卧儿绘画是一种特殊的印度绘画风格,通常局限于书中的插图,并以微缩模式进行,并在莫卧儿帝国16至19世纪期间出现,发展和成形。

坦焦尔绘画
Tanjore绘画是南印度古典绘画的一种重要形式,原产于泰米尔纳德邦的Tanjore镇。 艺术形式可以追溯到9世纪初,这一时期由乔拉统治者主导,他们鼓励艺术和文学。 这些画作以其优雅,丰富的色彩和对细节的关注而闻名。 大多数这些绘画的主题是印度教神和女神以及印度教神话中的场景。 在近代,这些画作在印度南部的节日期间成为备受追捧的纪念品。

制作Tanjore绘画的过程涉及许多阶段。 第一阶段涉及在基础上制作图像的初步草图。 底座由粘贴在木质底座上的布料组成。 然后将粉末粉末或氧化锌与水溶性粘合剂混合并施加在基底上。 为了使底座更光滑,有时会使用温和的磨料。 绘制完成后,图像中的珠宝和服装的装饰用半宝石完成。 花边或线也用于装饰珠宝。 最重要的是,金箔被粘贴。 最后,染料用于为绘画中的人物添加颜色。

马德拉斯学校
在英国统治印度期间,王室发现马德拉斯拥有世界上最具才华和智慧的艺术思想。 由于英国人还在马德拉斯及其周围建立了一个巨大的定居点,乔治城被选中建立一个能满足伦敦王室艺术期望的学院。 这已经被称为马德拉斯学校。 起初,传统艺术家被雇用来制作精美的家具,金属制品和古玩品,他们的作品被送到皇后宫殿。

与孟加拉学校不同,“复制”是教学的标准,马德拉斯学校在“创造”新的风格,论点和趋势方面蓬勃发展。

孟加拉学派
孟加拉艺术学院是一种颇具影响力的艺术风格,在20世纪初的英国拉吉时期在印度蓬勃发展。 它与印度民族主义有关,但也受到许多英国艺术管理者的推动和支持。

孟加拉学校是一个前卫和民族主义运动,它反映了以前在印度推广的学术艺术风格,包括Raja Ravi Varma等印度艺术家和英国艺术学校。 随着印度精神思想在西方的广泛影响,英国艺术教师欧内斯特宾菲尔德哈维尔试图通过鼓励学生模仿莫卧儿微缩模型来改革加尔各答艺术学院的教学方法。 这引起了巨大的争议,导致学生罢工和当地媒体的投诉,包括民族主义者认为这是一个倒退的举动。 哈维尔得到了艺术家Abanindranath Tagore的支持,他是诗人Rabindranath Tagore的侄子。 泰戈尔画了许多受莫卧儿艺术影响的作品,他和哈维尔认为这种作品表达了印度独特的精神品质,而不是西方的“唯物主义”。 泰戈尔最着名的画作“巴拉特·马塔”(Bharat Mata)描绘了一位年轻女子,她以印度神灵的方式描绘了四个手臂,拿着象征着印度民族愿望的物品。 泰戈尔后来试图与日本艺术家建立联系,作为构建泛亚洲艺术模式的愿望的一部分。

随着20世纪20年代现代主义思想的传播,孟加拉学派在印度的影响力下降。 在独立后时期,印度艺术家表现出更多的适应性,因为他们从欧洲风格中自由借用,并将印度图案自由地融合到新的艺术形式中。 虽然像Francis Newton Souza和Tyeb Mehta这样的艺术家在他们的方法中更加西方,但还有其他人,如Ganesh Pyne和Maqbool Fida Husain,他们开发了彻底的土着风格的作品。 今天,在印度市场自由化进程之后,艺术家们正在更多地接触国际艺术界,这有助于他们在印度出现迄今为止尚未见过的新形式的艺术。 Jitish Kallat在20世纪90年代后期以其绘画作品而闻名于世,他的画作既现代又超出了通用定义的范围。 然而,虽然新世纪的印度艺术家正在尝试新的风格,主题和隐喻,但如果没有现在进入艺术领域的商业机构的帮助,就不可能获得如此快速的认可。 。

现代印度绘画
Amrita Sher-Gil是印度画家,有时被称为印度的Frida Kahlo,今天被认为是20世纪印度的重要女画家,其遗产与孟加拉文艺复兴大师的遗产相当; 她也是印度“最​​贵”的女画家。

今天,她是九大师之一,1976年和1979年,她的作品被印度考古调查宣布为艺术珍品,她的100多幅作品现在在新德里国家现代艺术画廊展出。

在殖民时代,西方的影响开始对印度艺术产生影响。 一些艺术家开发了一种风格,使用西方的构图,视角和现实主义思想来说明印度主题。 其他人,如Jamini Roy,有意识地从民间艺术中汲取灵感。

到1947年独立时,印度的几所艺术学院提供了现代技术和思想。 建立画廊是为了展示这些艺术家。 现代印度艺术通常表现出西方风格的影响,但往往受到印度主题和图像的启发。 主要艺术家开始获得国际认可,最初是印度侨民,也是非印度观众。

印度于1947年独立后不久成立的进步艺术家团体,旨在建立在后殖民时代表达印度的新方式。 创始人是六位杰出的艺术家–KH Ara,SK Bakre,HA Gade,MF Husain,SH Raza和FN Souza,虽然该团体于1956年解散,但它在改变印度艺术的成语方面具有深远的影响力。 几乎所有印度20世纪50年代的主要艺术家都与该集团有关。 今天众所周知的一些人是Bal Chabda,Manishi Dey,Mukul Dey,VS Gaitonde,Ram Kumar,Tyeb Mehta和Akbar Padamsee。 其他着名画家如Jahar Dasgupta,Prokash Karmakar,John Wilkins,Narayanan Ramachandran和Bijon Choudhuri丰富了印度的艺术文化。 它们已成为现代印度艺术的象征。 像Rai Anand Krishna教授这样的艺术史学家也提到了反映印度精神的现代艺术家的作品。 Geeta Vadhera在将复杂的印度精神主题翻译成Sufi思想,奥义书和Bhagwad Geeta等画布时备受赞誉。

自20世纪90年代初以来,印度艺术受到该国经济自由化的推动。 来自各个领域的艺术家现在开始引入各种风格的作品。 在后自由化印度,许多艺术家已经在国际艺术市场上建立了自己,如抽象画家Natvar Bhavsar,具象艺术家Devajyoti Ray和雕塑家Anish Kapoor,他们庞大的极简主义艺术品因其庞大的尺寸而备受关注。 许多艺术家和画廊也在美国和欧洲开设,以展示印度艺术品。

菲律宾绘画
菲律宾绘画作为一个整体可以看作是许多文化影响的融合,尽管它在东方根源的当前形式中往往更为西方。

早期的菲律宾绘画可以在菲律宾的仪式陶器上点缀的红色滑动(粘土与水混合)设计中找到,例如广受好评的Manunggul Jar。 早在公元前6000年的菲律宾制陶的证据就发现在卡加延的Sanga-sanga Cave,Sulu和Laurente Cave。 事实证明,到公元前5000年,全国各地都在制作陶器。 早期的菲律宾人开始在他们的柬埔寨邻居之前制作陶器,并且几乎与泰国人同时制作陶器,这是冰河时代普遍发展的陶器技术的一部分。 早期菲律宾人的纹身传统体现了绘画的进一步证据,葡萄牙探险家称之为Pintados或米沙鄢群岛的“彩绘人物”。 各种各样的设计引用了动植物和天体,以各种颜色的颜料装饰它们的身体。 也许,早期菲律宾人所做的一些最精致的绘画,可以存活到今天,可以在马拉诺的艺术和建筑中体现出来,他们以NāgaDragons而闻名,而Sarimanok则在他们的Torogan美丽的Panolong中雕刻和绘画或国王之家。

菲律宾人在17世纪的西班牙时期开始创作欧洲传统的绘画。 最早的这些画作是教堂壁画,圣经来源的宗教图像,以及以基督教偶像和欧洲贵族为特色的雕刻,雕塑和石版画。 19世纪和20世纪之间的大多数绘画和雕塑都融合了宗教,政治和风景艺术作品,具有甜美,黑暗和光明的特质。 早期的现代主义画家,如DamiánDomingo,与宗教和世俗绘画有关。 Juan Luna和FélixHidalgo的艺术表现出政治声明的趋势。 费尔南多·阿莫索洛(Fernando Amorsolo)等艺术家利用后现代主义制作了描绘菲律宾文化,自然和和谐的画作。 而其他艺术家如费尔南多·佐贝尔则在他的作品中使用了现实和抽象。

伊斯兰绘画
在伊斯兰教中禁止描绘人类,动物或任何其他具象主体,以防止信徒进行偶像崇拜,因此穆斯林文化中没有宗教动机的绘画(或雕塑)传统。 图示活动减少为阿拉伯式花纹,主要是抽象的,具有几何构型或花卉和植物样图案。 与建筑和书法密切相关,它可以被广泛地看作用于清真寺中的瓷砖绘画或古兰经和其他书籍周围的照明。 事实上,抽象艺术并不是现代艺术的发明,而是在它之前几个世纪就存在于前古典,野蛮和非西方文化中,并且本质上是一种装饰或应用艺术。 着名插画家MC Escher受到这种几何和基于图案的艺术的影响。 新艺术运动(Aubrey Beardsley和建筑师AntonioGaudí)将抽象花卉图案重新引入西方艺术。

请注意,尽管形象化可视化的禁忌,一些穆斯林国家确实培养了丰富的绘画传统,虽然不是本身,但作为书面文字的伴侣。 伊朗或波斯艺术,广为人知的波斯缩影,集中于史诗或浪漫文学作品的插图。 波斯插画家故意避免使用阴影和视角,虽然在他们的前伊斯兰历史中熟悉它,以便遵守不创造任何逼真的现实幻想的规则。 他们的目标不是描绘世界,而是创造一个永恒美丽和完美秩序的理想世界的图像。

在当今,阿拉伯和非阿拉伯穆斯林国家的艺术学生或专业艺术家的绘画遵循西方文化艺术的相同倾向。

伊朗
东方历史学家巴兹利格雷认为“伊朗为这个世界提供了一种特别独特的艺术品”。 伊朗洛雷斯坦省的洞穴展示了动物和狩猎场景的彩绘图像。 像法尔斯省和锡亚尔克这样的一些人至少有5000年的历史。 在帖木儿时代,伊朗的绘画被认为已达到高潮,当时杰出的大师如Kamaleddin Behzad创造了一种新的绘画风格。

卡扎尔时期的绘画是欧洲影响和Safavid微型绘画学校的结合,如Reza Abbasi介绍的绘画和Mihr’Ali的经典作品。 Kamal-ol-molk等大师进一步推动了欧洲在伊朗的影响力。 正是在Qajar时代出现了“咖啡屋绘画”。 这种风格的主题通常是宗教性质的,描绘了什叶派史诗等的场景。