当代艺术

当代艺术(Contemporary art)是当今的艺术,产生于20世纪下半叶或21世纪。当代艺术家在一个受全球影响,多元文化和技术进步的世界中工作。他们的艺术是材料,方法,概念和主题的动态结合,继续挑战20世纪早已发生的边界。总体而言,当代艺术具有多种多样且折衷的特点,就是缺乏统一的组织原则,意识形态或“ -ism”。当代艺术是文化对话的一部分,该对话涉及更大的上下文框架,例如个人和文化身份,家庭,社区和国籍。

在白话英语中,现代和当代是同义词,导致非专业人士对现代艺术和当代艺术这两个术语产生混用和混淆。

在其他学科中,这种形容词是独特的:现代文学和当代文学代表不同的含义。更清楚的是,现代音乐的概念通常保留给现代流行音乐(来自大众消费音乐行业)。虽然当代音乐是为20世纪的学术音乐而制作的-尽管找到与这两种派别同化并谈论“现代和当代艺术”的出版物和机构也是很普遍的。

除了艺术实践本身,当代艺术还包括艺术批评和理论,其教育机构和艺术学校进行艺术教育,策展人,当代艺术出版物,媒体和媒体,公共和私人收藏,画廊和集市等领域。构成了当代艺术市场,当代艺术生产行业以及当代艺术品的展示,保存和记录场所。

术语
术语“当代艺术”用于避免使用术语“现代艺术”或“前卫艺术”。在日常用语中,现代代表“当代,按照当代口味,是现代的”,因此可以被视为当代的代名词。从技术上讲,在艺术和文化历史的背景下,现代性的概念或多或少地与尚未结束但已经具有历史性的艺术历史时期紧密相关。特别是与“后现代主义”一词的出现有关,另请参见“后现代建筑”,这里不再将“现代”视为当代或当代。

术语“当代艺术”与任何概念,艺术风格,技术,形式或艺术潮流,运动或团体均不相关。当代艺术可以是绘画,但也可以是最近几十年才确立的形式,例如录像艺术,表演,概念艺术或抽象金属雕塑。

当代艺术这一术语不仅可以针对个人艺术品,而且可以针对难以界定的文化和经济艺术生产体系,该体系与艺术品行业部分重叠,部分针对艺术品市场。今天,许多博物馆和定期的艺术展览都将自己视为相关当代艺术的所在地。当代艺术最重要的展览是每五年举行一次的卡塞尔文献展。 2007年文献展的展览组织者在谈到当代艺术和当前艺术时都强调“当前”并不意味着这些作品是昨天创作的。对于今天的我们来说,它们必须具有重要意义。 ”

范围
一些人将当代艺术定义为“我们的一生”中产生的艺术,因为他们认识到一生和寿命的不同。然而,已经认识到该通用定义受到专门的限制。

将“当代艺术”分类为一种特殊类型的艺术,而不是将其作为一般形容词短语,这可以追溯到现代英语在英语世界的起源。在伦敦,当代艺术协会由评论家罗杰·弗莱(Roger Fry)等人于1910年成立,是一个私人团体,旨在购买艺术品并存放在公共博物馆中。 1930年代成立了许多其他使用此术语的机构,例如1938年成立了澳大利亚阿德莱德当代艺术协会,1945年以后数量也在增加。波士顿的许多机构,例如当代艺术学院,均使用在这一时期,由于现代主义被定义为历史艺术运动,因此“现代艺术”不再是“当代的”艺术,而是许多“现代”艺术。当代性的定义自然总是在变化中,并以开始日期为起点固定在当前中,而当代艺术协会在1910年购买的作品不再被描述为当代性。

那些被视为标志着艺术风格变化的特殊观点包括第二次世界大战的结束和1960年代。自从1960年代以来,也许一直缺乏自然的突破点,而在2010年代,关于什么构成“当代艺术”的定义各不相同,而且大多是不精确的。很有可能会包含过去20年的艺术,而且定义通常包括可追溯到1970年左右的艺术; “ 20世纪末至21世纪初的艺术”; “ 20世纪末和21世纪初的艺术,既是现代艺术的产物,也是对现代艺术的排斥”; “严格来说,“当代艺术”一词是指当今生活的艺术家制作和制作的艺术”; “从1960年代或70年代直到这一刻的艺术”;有时甚至更远,尤其是在博物馆环境中,因为形成永久性当代艺术收藏的博物馆不可避免地会发现这种老化。许多人使用“现代和当代艺术”这一表述来避免这个问题。较小的商业画廊,杂志和其他资料来源可能会使用更严格的定义,可能会限制“当代”作品从2000年开始使用。经过漫长的职业生涯和不断发展的艺术运动仍然富有成效的艺术家可能会提出一个特定的问题。画廊和评论家通常不愿在当代和非当代之间划分他们的作品。

社会学家纳塔莉·海尼希(Nathalie Heinich)区分了现代和当代艺术,将它们描述为两种不同的范例,这些范例在历史上部分重叠。她发现,虽然“现代艺术”挑战了代表作法,但“当代艺术”却挑战了艺术品的概念。她将杜尚的《喷泉》(这是1910年代在现代艺术的胜利中完成的)作为当代艺术的起点。二战后,古泰的表演,伊夫·克莱因(Yves Klein)的单色画和劳森伯格(Rauschenberg)的《擦除的库宁素描》(Erased de Kooning Drawing)成为了当代艺术的动力。

定义
“当代性”概念首先是一个历史性概念。按照这种方法,当代时期将从1945年开始,直到第二次世界大战结束,为了方便起见,大多数研究都针对从1945年开始直到今天的时期。

“同时性”也表示“同时性”。同期是当代的。因此,“当代”将是今天的方式。在概念上,由于演员没有有效欣赏作品所需的距离,这种观念在美学上会引起争议。因此,“当代艺术”的名称不仅必须按时间顺序使用,因为所有当代作品都不属于当代方法,也不声称它们是当代方法。

新的参考文献可以定义什么是现代方法。首先是对上一个时代的侵犯。因此,“当代艺术”的概念不仅要在所谓的“古典”艺术概念,在“美术”方面及其类别(绘画,雕塑等)方面主张其独立性,但也以“现代”方式与概念相关。因此,当代方式本身具有排除性。它是“现代艺术”延续的一部分,并希望结束它。

此外,今天的“当代方式”一词用于仍然活着,活跃或仍然能够生存的艺术家,在这种情况下,这将成为当代方法在1960年代的发源地,波普艺术,概念艺术,Fluxus等都应运而生。或视频艺术。正是随着这些艺术潮流,现代艺术的时期和克莱门特·格林伯格的理论(将其定义为对技术的特殊性的探索)将结束。

在不断寻求当代定义的过程中,艺术批评和制度起着重要作用。因此通常被排除在当代的“贴标签”方法艺术形式之外,这些艺术形式的问题并不反映“当代”批评所推动的趋势。

从地理角度出发,从主要是西方的主要媒体(巴黎,伦敦,纽约)开始,到1989年柏林墙倒塌,然后中国在同一时间崛起。当代艺术已成为全球性的潮流,非洲和拉丁美洲未能逃脱这种发展。

主题
许多人在处理当代艺术品时遇到的困难之一是其多样性-材料,形式,主题甚至时间段的多样性。它“由于缺乏统一的组织原则,意识形态或主义而被区别开”,我们在其他(通常是更熟悉的)艺术时期和运动中经常看到这种现象。从广义上讲,我们认为现代主义是在看现代主义原理-作品的重点是自我参照,研究其自身的材料(对线条,形状,颜色,形式的研究)。同样,印象派通过光和色彩看待我们对片刻的感知,而不是尝试形成鲜明的现实主义(现实主义也是一种艺术运动)。

另一方面,当代艺术没有一个单一的目标或观点。相反,它的观点尚不清楚,也许反映了当今世界。因此,它可能是矛盾的,混乱的和开放的。但是,当代作品中出现了许多共同的主题。尽管这些内容并不详尽,但值得注意的主题包括:身份政治,身体,全球化与移民,技术,当代社会与文化,时间与记忆以及制度与政治批判。后现代,后结构主义,女权主义和马克思主义理论在当代艺术理论的发展中发挥了重要作用。

历史

起源
摄影术的出现影响了十九世纪的许多艺术家,例如德加(Degas),并催生了现代艺术。艺术不再仅仅具有忠实地代表现实的重要功能,摄影更能做到这一点,艺术现在可以尝试其他形式,打破美的经典,并提供新的实验和概念性想法。

当代艺术为现代艺术(二十世纪初)的实验奠定了基础,尤其是渴望将艺术带离传统和制度性场所。从这个意义上讲,艺术正在逐渐失去其代表性功能。当代创造仍然是浸入冲突和这些对理性的攻击所导致的权力夺取的现实的一面镜子。艺术反映了社会的危机,仍然是价值表达的场所。艺术与历史之间的关系既没有定性也没有定量地评估,但是它们导致了更加制度化的艺术观念:收藏家,总部,美术馆,博物馆等向更多的观众开放。但是,现代艺术的参与者希望在体制框架之外表达自己的艺术见解以向公众表达意见时,仍然与机构保持联系。他们的方法是反对意识形态(反对纳粹主义的心脏地带)或相反地参加政治思想的传播。

尽管现代艺术中的意识形态终结了,但当代艺术家仍在表达自己对机构的坚定承诺,从而继承了这一传统。特别是当它们的敏感性受到干扰时。

如今,当代艺术正经历着现代意识形态的衰落(在1960年代,然后从1990年随着共产主义的衰落)。它基于新的行为:风格更新,艺术融合,起源多样,技术艺术(获得计算机的数学能力和软件的人机工程学),接近现实的方式。技术总是为艺术带来了工具。今天,艺术家将其用作媒体工具,并发明了新的工具。它基于列出的历史文化;阅读,访问,理解,搜索,专门研究,专注于该主题,超越了已完成的工作。他有时会站出来,想表现出示范或震惊,无论如何他都寻求媒体报道。

从“美术”到造型艺术
当代艺术是基于现代艺术的实验而来的,并经常声称由马塞尔·杜尚(Marcel Duchamp)和其他使艺术实践从代表性的古典约束中解放出来的人提出的违约行为。

后现代主义思想摆脱了意识形态潮流(共产主义和资本主义),解决了当代艺术固有的大多数问题,但是并没有阻止坚定的艺术家批评政治或意识形态的滥用。

在法国,造型艺术学院的创建构成了对美术学术教学提出质疑的基础;以前对艺术教育,社会学,人种学,美学等领域不熟悉的学科,将根据其最新发展来指导艺术研究。

正式寻求“美”之后是新的美学研究路径,其中最根本的是概念艺术,极简主义,行为艺术,人体艺术,它们永久地改变了艺术的含义和感知,有时对初学者而言,这是第一种封闭的观点。

但是,某些新潮流,例如新现实主义者,自由形象和超前卫派,以及某些狙击手,并没有离开传统媒体,而是从根本上改变了他们的创作方式。

媒介类型的细分(绘画常常被废弃,而倾向于装置,表演或其他),而作品的内容深刻地改变了艺术中介的网络;除了新的画廊,还有新的展览背景和新的传播媒体的出现。

在巴黎,1954年,巴黎市现代艺术博物馆的沙龙比较会是所有这些趋势参展商的汇聚点,在同一空间中与具象和抽象绘画的画家面对面。画架。

全球化时代的当代艺术
从1980年代开始,具有强烈“技术”成分的艺术出现了,包括视频艺术,传播美学,计算机艺术,然后是数字艺术,生物艺术等。此列表并不详尽,并且紧随其后。工业研究。

在1990年代,西方当代艺术将其“标签”授予了来自所谓“发展中国家”的许多艺术家,而这些艺术家在过去几乎没有。全球化的范式和经典时空参考的缺失都重视个人方法,或者在工作过程中重视传记,社会学甚至宗教成分。

在展览本身的上游,与互联网链接的通信在当代艺术的接收和调解中起着越来越重要的作用,这些展览越来越融合了国家调解结构。它让位给“当代艺术顾问”,后者免费提供有关未来价值的建议。在最发达国家中发生的变化(尤其是第三产业所占份额的增加)引起了对艺术的日益普遍的需求,但这并没有使艺术家的任务(危机的负担)变得容易。

在公众眼中通常晦涩难懂的当代艺术通常被认为是官方艺术的产物。然而,今天它比以前被接受和广泛传播。数量不等的作品激增使它变得混乱,并且通常需要公众方面的个人投资(请参阅现代艺术理论)。

在互联网上列出的当代艺术作品也是潜在的财源滚滚,不排除时尚特效而以真正的原创作品为代价。

在中介与调解之间
除了经典的媒介(油画,粉彩,鲜红色,青铜,大理石等)之外,当代艺术还特别喜欢新媒介,甚至是“非媒介”。特别是,许多作品的短暂或“进行中”的职业对媒介的概念提出了质疑,媒介的概念通常成为中介的简单载体,而不是稳定的支持。这与1980年代开始的信息媒体的转变是一致的,信息媒体的转变正逐渐取消,以支持“关系”的逻辑:

“有形”媒介
镜子(艺术和语言镜子)
废物(Daniel Spoerri的早餐),各种材料(混凝土,泥土,沙子等)
粪便(Piero Manzoni的胡扯艺术家),尿液,血液
聚苯乙烯,聚氨酯,硅树脂,塑料等(凯撒扩展公司)
杂物或多或少地发生了转化或退化(Arman和GérardDeschamps的积累)

“无形”媒介
环境(特别是对于陆地艺术,詹姆斯·特瑞尔的光芒)
Hic et nunc的情况(社会学著作)
当前项目(RomanOpałka正在进行的工作)
新闻经验(太空媒体弗雷德·森林)

“技术”媒介
缩微胶卷(艺术与语言)
传真(汉斯·哈克)
电脑软件(艺术与语言没人打破的控制论艺术作品)
网络艺术
机械系统(Stelarc)
活着的基因(生物艺术)

某些媒介,例如摄影-成为“视觉艺术家”(乔尔-彼得·维特金),电影-成为“实验性”(马修·巴尼的Cremaster系列),已经获得了艺术地位(以同样的方式)而不是绘画,雕塑或音乐),如今已构成自治类别。

如今,多媒体艺术的概念受到了广泛的质疑,它质疑装置作品(通常是混合表演)在1950年代出现的状态。

机构
艺术世界的运作取决于艺术机构,从大型博物馆到私人画廊,非营利性空间,艺术学校和出版商,以及个别艺术家,策展人,作家,收藏家和慈善家的行为。尽管近年来,营利性私人机构与非营利性公共机构之间的界限变得越来越模糊,但艺术界的一个主要部门位于营利性和非营利性部门之间。最著名的当代艺术作品是由专业艺术家在当代商业画廊,私人收藏家,艺术品拍卖,公司,政府资助的艺术组织,当代美术馆或艺术家自己在艺术家经营的空间中展出的。当代艺术家得到了赠款,奖励和奖品以及他们作品的直接销售的支持。职业艺术家在艺术学校接受培训或从其他领域涌现。

公共资助的当代艺术组织与商业部门之间有着密切的关系。例如,2005年,《了解国际艺术市场与管理》一书报道说,在英国,有少数经销商代表着领先的,由政府资助的当代艺术博物馆中的艺术家。商业组织包括画廊和艺术博览会。

公司还融入了当代艺术世界,在其场所内展示当代艺术,组织和赞助当代艺术奖,并建立了广泛的企业收藏。企业广告商经常使用与当代艺术和酷猎相关的声望来吸引消费者对奢侈品的关注。

批评艺术机构管制所谓的当代艺术。例如,局外人艺术实际上是当代艺术,因为它是当今产生的。但是,一个批评家认为这不是因为艺术家是自学成才的,因此被认为是在艺术历史背景之外工作的。尽管展览吸引了大量观众,但工艺品设计活动(例如纺织品设计)也被排除在当代艺术领域之外。艺术评论家彼得·蒂姆斯(Peter Timms)表示,人们注意到工艺对象必须遵循特定的价值观才能被接纳为当代艺术领域。 “陶瓷作品旨在对美的本质进行颠覆性的评论,而不仅仅是简单的美,更可能符合当代艺术的定义。”

在任何时候,特定位置或一组艺术家都可以对随后的当代艺术产生强烈影响。例如,Ferus画廊是洛杉矶的一家商业画廊,并在50年代和60年代后期重新激发了加利福尼亚当代艺术的活力。

公众态度
有时,当代艺术可能与公众并不矛盾,后者认为艺术及其机构没有共同的价值观。在1990年代的英国,当代艺术成为大众文化的一部分,艺术家成为明星,但这并没有导致人们希望的“文化乌托邦”。像朱利安·斯伯丁(Julian Spalding)和唐纳德·库斯皮(Donald Kuspit)这样的批评家认为,怀疑甚至拒绝是对许多当代艺术的合法合理回应。布赖恩·阿什比(Brian Ashbee)在一篇名为“艺术博洛克(Art Bollocks)”的文章中批评“很多装置艺术,摄影,概念艺术,录像带和其他通常被称为后现代的实践”,因为它们过于依赖于理论话语形式的口头解释。然而,由于人们对构成艺术品的观点的改变,博物馆对非传统艺术的接受程度有所提高。

顾虑
自20世纪初期以来,人们普遍关注的是艺术的构成问题。在当代时期(1950年至今),前卫的概念可能会在确定画廊,博物馆和收藏家注意到哪些艺术方面起作用。

当代艺术的关注也受到批评。安德里亚·罗森(Andrea Rosen)表示,一些当代画家“绝对不知道成为当代艺术家意味着什么”,而且他们“出于所有错误的原因而加入其中”。

对概念的批评
但是,全球化进程对统一当代的概念提出了质疑。 “当代艺术”是后现代主义的集体写照。根据语言逻辑,这种词语组合声称包含或多或少的全球当代社区。在现实中,它作为具有接纳功能的价值概念:它决定什么是艺术,什么不是艺术。由于这种差异,否定了不符合既定的“当代艺术”概念的当代艺术的艺术品质。

以下五节摘录总结了对所谓的“当代”艺术提出的批评的实质:

吉恩·蒙纳雷特(Jean Monneret)的小册子愿景,他从本质上看到一种不负责任的公务员支持的浪费浪费纳税人钱财的国家艺术;
菲利普·勒吉恩(Philippe Lejeune)的分析,他通过证明他们对美的观念的否定来结束当代艺术支持者的辩证法;
弗雷德·佛瑞斯特(Fred Forest)采取行动,通过在行政法庭上袭击该州,捍卫接近让·蒙纳雷特(Jean Monneret)的信念。
造型师丹尼尔·布伦(Daniel Buren)指出当代艺术中的思想破产是一种空虚的艺术。
弗兰克·莱佩奇(Franck Lepage)在他的一次示意性演讲中引用了《谁带领舞蹈》一书。弗朗西斯·斯托纳·桑德斯(Frances Stonor Saunders)撰写的《中央情报局和文化冷战》(谁付了吹笛者?:中央情报局和文化冷战),他描述了在冷战的背景下,中央情报局如何资助诸如文化自由大会等组织促进当代艺术在西欧,将其作为美国艺术来展示,并剥夺其社会和政治意义。

让·蒙纳雷特
在1999年独立沙龙展览的目录中,沙龙主席让·蒙纳雷特(Jean Monneret)发起暴力宣传手册,反对公认的当代艺术定义,此前长期批评负责视觉艺术教学和选择的官员国家和地方当局购买的作品:

“当代艺术?所有在世艺术家都是当代艺术的一部分。是创造艺术的艺术家。所有艺术家。自由!
但是,国家希望公众相信只有一种值得关注的艺术,即所谓的“当代”艺术,即国家艺术。就像装置,表演或未经加工的艺术-只要伴随传奇的传说一样-本身就是艺术传统的历史,线性,无可争议的延续。的确,在所谓的“当代”艺术中,看的越少,说的越多!在当代艺术展览中,通风管道,应急设备或卫生设施的瓷砖经常与所展示的作品融合在一起。那么问题是,工作在哪里?容器与内容物之间的和谐是完美的。
实际上,历史沙龙的艺术。民主将要求关注纳税人钱财的国家不加排斥地说明当代现实的所有多样性。

菲利普·勒吉恩
在泰勒(Taylor)2006年7月的道德报告中,对副总统,画家兼记者菲利普·勒吉恩(Philippe Lejeune)泰勒男爵(Baron Taylor)基金会的回顾,将美术的概念与当代的艺术区分开来。

“我们实践一种称为“绘画”的艺术,该活动曾被视为美术的一部分。关于现代性,最重要的是要摆脱对美的沉重负担,最重要的是要摆脱对美的依赖。在上个世纪的半个世纪的经历之后,他们不再能够进一步改变传统的艺术价值,他们决定始终以相同的外观标签提供完全不同的商品。他们是诚实的,让我们面对现实,以改变自己的名字。当代沙龙不再是绘画沙龙,它们是当代艺术沙龙。

在“绘画”被展出的地方进行当代艺术展览,这自然会造成混乱。但是,我们没有定义一种新的艺术形式,而是对其应用了另一门学科的规则,例如玩家,厌倦了桥梁,适应了贝洛特规则……当代艺术拒绝所有规则,但排除规则除外。您知道一个著名的口号是禁止所有禁令。当代艺术只能靠乌斯卡住。除表示形式外的任何内容。

当代艺术自称为概念性的,也就是说,从概念开始,我们设法提供一种感动。
美术的目标完全不同,程序也完全不同。从业已证明的出发,他们以集体记忆面对它,以精确地得出一个想法,也就是说可以比较的一个要素。 ”

弗雷德·森林
在针对MNAM(乔治·蓬皮杜中心)的审判之后,弗雷德·弗雷斯特(Fred Forest)在他的著作《当代艺术的机能与功能障碍》(巴黎哈马丹,2000年)的封底上写道:

“这本书倾向于揭示一种制度的局限性和矛盾性,这种制度和局限不再以当前的精英形式继续存在,而是要从少数自以为是的特权人民的利益中受益,这些特权人民自满自足,并从公众意外中受益。铁锅上的铁锅,这是我的诉讼菜单上的描述,直到国务委员会反对乔治·蓬皮杜中心,并通过他反对当代艺术的公共机构,因为它们拒绝收购的透明性和失败为了遵守有关公共会计的78号法律。除艺术之外,这里采取的方法首先是公民方法,询问使用公共资金和民主制文化的真正问题。”

丹尼尔·布伦
2011年9月,丹尼尔·布伦(Daniel Buren)在一次L’Œil评论中指出,“当代艺术”一词的丧失能力,混乱和破产:

“总的来说,我要说的是,归因于他的压倒一切的健康状况-世界各地的双年展,各个转折点的集市和拥挤的拍卖场-从某种意义上说,这个领域几乎处于悖论状态不再是历史的时刻,而是日常的方式。“当代”这个词完全没有意义,但是它是有史以来最强大的发现之一,它可以消灭一切萌芽。艺术家可能会以丝毫新颖和令人不安的形式呈现。”