艺术比对

艺术中的比对(Paragone)是激发文艺复兴时期艺术主题辩论的主题。 Paragone(比较)是意大利的一个术语,它被称为是哪一种艺术会成为高级艺术的争议,在文艺复兴和矫饰主义的艺术家之间变得特别活跃,留下了很长的后代。

艺术之间的竞争是古老的,而在中世纪期间,关于这个问题的文献很多。 最初,与视觉艺术,被认为是简单的机械技术以及与理性世界和着名的希腊传统相关的智力艺术,如诗歌和音乐所面临的争议,都被缪斯的保护所覆盖,而没有视觉艺术被纳入监护神。

发展
从十五世纪后半叶在意大利Naturalis历史上所报道的轶事出发,从工匠的美学角度和技巧出发,就艺术形式是主要的问题进行了辩论。 整个十六世纪发展起来的这场辩论出席了当时的人文主义者,文人,诗人,音乐家和所有最伟大的具象艺术家。 例如,列昂纳多达芬奇作为“所有艺术的天才倾倒者”,支持绘画的首要地位,宣称它优于音乐和诗歌,因为它是“科学”,代表“更多的真理和更确定的自然的作品”而模仿等同于重现,画家比其他任何人更接近神圣的创作行为。

米开朗基罗和其他人支持雕塑的首要性,尤其是“levare”材料(如大理石雕塑,不像“兵马俑”像陶土),因为雕塑作品是唯一允许在多个视角欣赏主题的作品随便走走。

对于这种反对意见,画家回答说,即使是绘画的东西,也允许“观点的所有命运”和“没有散步”:典型的例子是在镜子附近表示的数字,其中可以同时看到对象的多个观点。 例如,Lorenzo Lotto为Giorgione的一幅失去作品的Gorg Girolamo Savoldo描绘了金色三重肖像(前面,侧面和四分之三)和Gian Girolamo Savoldo,在两面镜子旁边描绘了一名身着盔甲的男子, 。

“比较”问题在法院和威尼斯和佛罗伦萨等艺术中心尤为重要。 后者在1547年对Benedetto Varchi的贡献尤为重要,他通过信函向所有在科西莫一世的法庭上活跃的主要艺术家发表意见,而不仅仅是:在这些大部分保留的信件中,可以从Pontormo,Vasari,Cellini,Bronzino等人的立场中读到这个问题。 举例来说,Bronzino画了矮人Morganton在画布两侧的双重肖像。 除了双重,正面和tergal意见,绘画也显示了时间的流逝:事实上,如果在正面,男子即将离开狩猎,在后面他骄傲地展示捕获的猎物。

条约和辩论
列奥纳多·达·芬奇在他的“绘画条约”中提出了大量的论点,在那里他定义了以绘画和雕塑之间的比较为重点的典范的主要构成线。 他以普通科学的姐妹身份建立了艺术,并且指出了他的分析,宣称他在绘画和雕塑之间没有发现本质区别,但是后来他接着说,这位画家的作品更清洁,更复杂,更完整和更智慧,因为雕塑家的一个更肮脏,简单,有限和手动。 他还认为自然的模仿比雕塑所产生的更加令人兴奋和令人兴奋的方式,它自然地模仿了自然呈现的数量,因此不需要大量的心理准备:]像绘画幻象或深刻的知识数学和视角,将其与文科绘画联系起来。 他还捍卫对诗歌和音乐的绘画,表明艺术只能通过感官,灵魂激发观众。 虽然他的着作没有印刷出来,但他的观点是由卡斯蒂廖内露出的,他评论了他的埃尔科尔特萨。

这场辩论在16世纪中期达到了第一个最高点,它成为了风格主义艺术批评的主流主题,当时1547年诗人Benedetto Varchi在佛罗伦萨设计艺术学院进行了两场讲座,后者印刷并出版具有很大的宣传。 在第一届Varchi会议上,他提出这个想法或概念优于物质实现,突出了修辞学在视觉艺术中所扮演的中心角色。 其次,他邀请了杰出的艺术家发表他们的观点,三位画家–Pontormo,Bronzino和Vasari-,以及三位雕塑家 – 切利尼,Tribolo和米开朗基罗 – 担任裁判,尽管他们对雕塑的偏好显然受到米开朗基罗的巨大威望的影响被视为同时代人无与伦比的天才。

另一方面,关于哪种艺术最能代表自然的问题,对于批评家在界定每种艺术特征方面具有重要意义,但他们每个人同时都会通过寻求扩展其潜力,模仿其他类别的影响。 作为一个例子,他开发了一种巨大的立体幻觉Trompe l’Oeil的绘画技法,该雕塑寻求绘画和光影特征的影响,诗歌中充满了绘画和视觉图像,寻求赋予视觉形式到口头描述。 也从道德的角度来看,因为对他们来说,大自然的艺术模仿必须是忠实的,并且能够传达真正的知识。 这引发了另一场关于什么才是最好的知识来源的争论,这次是艺术与自然本身之间的关系,因为人类的智慧和相信创造出来的人在上帝的形象中,艺术将更接近神的理想化它表现在自然界中,有明显的缺陷,不规则性和局限性。 另外,艺术家可以超越自然,创造出新的东西,此时宇宙的静态概念是无法实现的。

着名的职位
许多艺术理论家和艺术家都将自己与作品和艺术作品混在一起。 一些引人注目的干预措施:

莱昂巴蒂斯塔阿尔贝蒂在所有的艺术形式写论文,但选择绘画。
在扬·范艾克的画作中,同一个身体经常被反映出来,这也是他用雕塑来衡量自己的方式之一。
Benedetto Varchi为佛罗伦萨学院(1546)做了演讲,他在其中审查了雕塑家与画家的论点,并引用了米开朗基罗,Bronzino,Cellini和Vasari等人的调查。
Vincenzo Borghini在他的手稿Selva di Notizie(1564)中将画家放在雕塑家之上。
Lucas d’Heere为安特卫普修辞室De vintieren(1565)辩护。
Giorgio Vasari在Le vite中指出,绘画是所有其他人的父亲,但在介绍中已经暗示了他的真实偏好:他将画家的Apelles和Campaspe的传奇描述为一件美妙的事情,并将Pygmalion的雕刻家神话描述为一种耻辱。 他在佛罗伦萨房子的萨拉阿尔阿尔迪创作的壁画也可以被看作是绘画的颂词。
Gotthold Ephraim Lessing(1766)向Laocoöng集团的雕塑作出请求。

当前
在过去的几个世纪里,parangone及其各个分支的话题产生了大量的文学作品,激发了许多艺术家和审美潮流,而且没有任何一方能够确保其至高无上的地位。 虽然原始术语很少应用于当代艺术,并且仍然更多地属于艺术史的主题,但直到今天这个问题仍未解决。 许多艺术家继续表现出对超越每种艺术模式极限的极大兴趣,而另一些艺术家则通过设定不应克服的限制来进行辩护,否则这些体裁会破坏稳定,伪造并剥夺它们的焦点和特征力量,以及其他人关注艺术应如何模仿自然,重复或变更长时间的争论,并将新出现的艺术和知识学科纳入讨论。