中国画（Chinese painting）是世界上最古老的连续艺术传统之一。 传统风格的绘画在今天被称为guóhuà（中国：国画），意为“民族”或“本土绘画”，而不是20世纪在中国流行的西方艺术风格。 传统绘画基本上采用与书法相同的技术，并用蘸有黑色墨水或彩色颜料的画笔完成; 不使用油。 与书法一样，最受欢迎的绘画材料是纸和丝绸。 完成的作品可以安装在卷轴上，例如悬挂卷轴或手卷。 传统绘画也可以在专辑封面，墙壁，漆器，折叠屏幕和其他媒体上完成。
中国绘画的两个主要技巧是：
工笔（Gongbi），意思是“细致”，使用非常详细的笔触，非常精确地划分细节。 它通常是高度着色的，通常描绘人物或叙事主题。 它通常由为皇家宫廷或独立工作室工作的艺术家实践。
水墨画，“水墨”，也被称为水彩画或画笔，也被称为“文人画”，因为它是中国学者的“四艺术”之一 – 官方阶级。 从理论上讲，这是一种绅士所实行的艺术，这种区别开始于宋代艺术作品中，但事实上，主要指数的职业生涯可能会受益匪浅。 这种风格也被称为“xieyi”（写意）或写意风格。
山水画被认为是中国画的最高形式，一般来说也是如此。 从五代时期到北宋时期（907-1127）的时间被称为“中国风景的伟大时代”。 在北方，靖皓，李成，范宽，郭熙等艺术家用高强度的黑色线条，水墨画，以及尖锐的点缀笔触来描绘高耸的山脉。 在南方，董元，朱兰和其他艺术家在宁静的场景中绘制了他们原生乡村连绵起伏的丘陵和河流，用柔软的摩擦笔触完成。 这两种场景和技法成为中国山水画的经典风格。
具体和研究
中国书画与其他文化艺术的区别在于强调运动和动态生活的变化。 传统上，这种做法首先通过死记硬背来学习，其中大师展示了绘制物品的“正确方法”。 学徒必须严格和持续地复制这些项目，直到运动变得本能。 在当代，在现代艺术场景中出现了关于这种抄写传统的局限性的辩论，其中创新是规则。 改变生活方式，工具和颜色也会影响新的主人浪潮。
早期
最早的绘画不具有代表性，而是具有观赏性; 它们由图案或图案而不是图片组成。 早期的陶器上涂有螺旋，曲折，圆点或动物。 只有在战国时期（公元前475-221），艺术家才开始代表他们周围的世界。 在帝国时代（从东晋开始），中国的绘画和书法是法院中最受赞赏的艺术之一，他们经常由业余爱好者和学者 – 官员实践 – 他们有充足的休闲时间来完善伟大的笔触所需的技巧和敏感性。 书法和绘画被认为是最纯粹的艺术形式。 工具是用动物毛制成的刷笔，用松木烟灰和动物胶制成的黑色墨水。 在古代，写作和绘画都是在丝绸上完成的。 然而，在公元1世纪发明纸之后，丝绸逐渐被新的和更便宜的材料所取代。 着名书法家的原创作品在中国历史上受到了极大的重视，并以挂画的方式挂在墙上，挂在墙上。
汉族（公元前206年 – 公元220年）至唐朝（618-906）朝代的艺术家主要描绘了人物形象。 我们所知道的早期中国人物画大部分来自墓地，其中的画作保存在丝绸横幅，漆器和墓墙上。 许多早期的墓室绘画旨在保护死者或帮助他们的灵魂进入天堂。 其他人则阐述了中国哲学家孔子的教诲，或者展示了日常生活的场景。
在六朝时期（220-589），人们开始欣赏绘画为自己的美丽和写作艺术。 从这时起，我们开始了解个人艺术家，如顾恺之。 即使这些艺术家描绘了儒家的道德主题 – 例如妻子对丈夫或孩子对父母的正当行为 – 他们试图使这些人物优雅。
六项原则
“中国画的六大原则”是由中国五世纪作家，艺术史家和评论家谢鹤在“绘画六法评判时考虑的六点”中建立起来的，摘自他的书“ “古画品录”中的“老画家分类记录”。 请记住，这是写在大约公元550年，并指“旧”和“古老”的做法。 定义绘画的六个元素是：
“精神共鸣”，或活力，指的是包含主题，作品和艺术家的能量流。 谢赫说，没有精神共鸣，就没有必要进一步观察。
“风骨画法”，或者使用画笔的方式，不仅指纹理和画笔笔划，还指手写和个性之间的紧密联系。 在他的时代，书法艺术与绘画密不可分。
“对象对应”，或形式的描绘，包括形状和线条。
“合适构图”，或应用颜色，包括层数，价值和色调。
“规划划分”，或放置和安排，对应于构图，空间和深度。
“复制古典”，或模仿的复制，不仅仅来自生活，还来自古代的作品。
隋唐时期（581-907）
在唐代，人物画在皇家宫廷中蓬勃发展。 像周芳这样的艺术家描绘了皇帝，宫廷女士和帝国马的绘画中的宫廷生活的辉煌。 人物画在南唐朝廷（937-975）的艺术中达到了优雅现实主义的高度。
大多数唐代艺术家用精致的黑色线条勾勒出数字，并使用了绚丽的色彩和精致的细节。 然而，一位唐艺术家，吴道子大师，只使用黑色墨水和自由绘画的笔触来创作水墨画，这些画作非常令人兴奋，人们聚集在一起观看他的作品。 从他的时代开始，水墨画不再被认为是初步的草图或轮廓用颜色填充。 相反，它们被视为完成的艺术作品。
从唐代开始，许多画作都是风景画，经常是山水（山水，“山水”）的画作。 在这些单色和稀疏的风景中（一种统称为shuimohua的风格），其目的不是要完全重现自然的外观（现实主义），而是要抓住情感或氛围，就像捕捉自然的“节奏”一样。
辽，宋，金，元两代（907-1368）
宋代（960-1279）绘画进一步发展了山水画; 通过使用模糊的轮廓，山脉轮廓消失在雾中，以及对自然现象的印象主义处理来传达不可测量的距离。 山水风格的绘画 – “山”意为山，“水”意为河 – 在中国山水艺术中变得突出。 对景观的重视是以中国哲学为基础的; 道教强调人类在浩瀚而更大的宇宙中只是微小的斑点，而新儒家的作家经常追求他们认为引起所有社会和自然现象的模式和原则的发现。 肖像画和仔细观察的物体如鸟在树枝上的画作受到高度重视，但山水画是最重要的。 宋代初期出现了一种独特的景观风格。 艺术家掌握了放置在前景中的复杂逼真场景的公式，而背景保留了广阔无限空间的品质。 遥远的山峰从高云和薄雾中升起，而河流从远处流入前景。
北宋时期（960-1127）与南宋时期（1127-1279）之间的绘画趋势存在显着差异。 北宋官员的画作受到他们为世界带来秩序和解决影响整个社会的最大问题的政治理想的影响; 他们的画作经常描绘出巨大而广阔的风景。 另一方面，南宋官员更感兴趣的是自下而上以更小的规模改革社会，他们认为这种方法有更大的机会获得最终的成功; 他们的画作往往集中在较小的，视觉上更近，更亲密的场景，而背景往往被描绘为失去细节作为一个领域而不关心艺术家或观众。 这种从一个时代到下一个时代的态度转变很大程度上源于新儒家哲学的影响力上升。 新儒家的坚持者专注于自下而上改革社会，而不是自上而下，这可以从他们在南宋期间推动小型私立学院的努力中看出，而不是在北宋时期看到的大型国有学院。
自南朝和北朝（420-589）以来，绘画已经成为一种高度复杂的艺术，与士绅阶层有关，是其主要的艺术逍遥时光之一，其他是书法和诗歌。 在宋代，有狂热的艺术收藏家经常聚在一起讨论他们自己的画作，并评价他们的同事和朋友。 诗人和政治家苏轼（1037-1101）和他的同谋米芙（1051-1107）经常参与这些事务，借用艺术品来研究和复制，或者如果他们真的羡慕一件作品，那么经常提出交换。 他们创造了一种基于三种完美的新艺术，他们利用书法技巧（美丽的写作艺术）来制作水墨画。 从他们的时代开始，许多画家努力自由地表达他们的感受，并捕捉他们的主题的内在精神，而不是描述其外观。 南宋流行的小圆画经常被收集到专辑中，因为诗人会在旁边写诗以配合画的主题和情绪。
虽然他们是狂热的艺术品收藏家，但一些宋学者并不欣赏那些在商店或公共市场上发现的画家委托的作品，有些学者甚至批评了知名学校和学院的艺术家。 加州大学圣塔芭芭拉分校早期中国历史教授Anthony J. Barbieri-Low指出，宋代学者对同龄人创作的艺术的欣赏并没有扩展到那些以专业艺术家为生的人：
在北宋（公元960-1126）期间，出现了一类新的学者 – 艺术家，他们不具备学院画家的特有技能，甚至不具备普通市场画家的熟练程度。 文人的绘画更简单，有时甚至没有受过教育，但他们会批评其他两个群体仅仅是专业人士，因为他们依靠有偿佣金来维持生计，而不仅仅是为了享受或自我表达。 学者们认为，那些专注于现实描绘的画家，他们采用色彩缤纷的调色板，或者最糟糕的是，他们为工作接受了金钱支付并不比市场上的屠夫或者修补匠更好。 他们不被认为是真正的艺术家。
然而，在宋代期间，有许多着名的宫廷画家，他们受到皇帝和王室的高度尊重。 宋代宫廷赞助的最伟大的风景画家之一是张泽端（1085-1145），他在清明节期间画了原始的沿江画卷，这是中国视觉艺术最着名的杰作之一。 宋高宗（1127-1162）曾根据早期汉代女诗人蔡文骥（公元177-250），为一部游牧长笛的十八首歌创作了大量绘画艺术项目。 易元吉取得了高度现实主义的绘画动物，特别是猴子和长臂猿。 在南宋时期（1127-1279），马原和夏桂等宫廷画家用强烈的黑色笔触画树木，岩石和苍白的水洗，以暗示朦胧的空间。
在蒙古元朝（1271-1368）期间，画家通过在他们的画作上写诗来加入绘画，诗歌和书法艺术。 这三种艺术共同表达了艺术家的感受，而不仅仅是艺术可以独自完成。 元帝Tugh Temur（1328年，1329年至1332年）喜欢中国画，自己也成为了一位值得信赖的画家。
封建晚期（1368-1895）
从13世纪开始，绘画简单主题的传统 – 一个水果，一些花，或一两匹马的分支发达。 叙事绘画具有更广泛的色彩范围和比宋画更繁忙的构图，在明朝时期（1368-1644）非常受欢迎。
用彩色木刻画的第一本书出现在这个时候; 随着彩色印刷技术的完善，有关绘画艺术的插图手册开始出版。 Jieziyuan Huazhuan（芥菜种子园手册）是一本五卷的作品，于1679年首次出版，自此以来一直被用作艺术家和学生的技术教科书。
明朝的一些画家（1368-1644）延续了元代书画家的传统。 这群被称为吴学校的画家由艺术家沉周领导。 另一组被称为浙派的画家复兴并改变了宋朝宫廷的风格。
在清朝初期（1644-1911），被称为“个人主义者”的画家背叛了许多传统的绘画规则，并找到了通过自由笔触更直接表达自己的方法。 在18世纪和19世纪，扬州和上海等大型商业城市成为艺术中心，富有的商人 – 顾客鼓励艺术家们制作大胆的新作品。
在19世纪末和20世纪，中国画家越来越多地接触西方艺术。 一些在欧洲留学的艺术家拒绝了中国画; 其他人试图结合两种传统的优点。 在最受欢迎的现代画家中，齐白石开始作为一个贫穷的农民生活，并成为一个伟大的大师。 他最着名的作品描绘了鲜花和小动物。
现代绘画
从新文化运动开始，中国艺术家开始采用西方技术。 研究西方绘画的着名中国艺术家包括李铁夫，严文亮，徐悲鸿，林风眠，方干敏和刘海粟。
在中华人民共和国的早期，鼓励艺术家运用社会主义现实主义。 一些苏联社会主义现实主义是在没有修改的情况下进口的，画家被分配了主题，并期望大规模生产绘画。 这种养生方式在1953年相当宽松，在1956年至1957年的百花运动之后，中国传统绘画经历了重大的复兴。 随着专业艺术界的这些发展，农村艺术的泛滥在墙壁壁画和露天绘画展览中描绘了农村地区的日常生活。
自1978年以来
文化大革命后，艺术学校和专业组织得以恢复。 与外国艺术家团体建立了交流，中国艺术家开始尝试新的主题和技术。 一个特殊的写意风格（xieyi hua）可以在神童王亚尼（1975年出生）的作品中注意到，他在3岁时开始绘画，并从此为当代艺术作品的风格做出了相当大的贡献。
中国经济改革后，越来越多的艺术家大胆地进行了中国画的创新。 其创新包括：开发新的刷牙技巧，如垂直方向泼水和墨水，与代表艺术家谢天成，通过融合中国和西方绘画技术，如天堂风格绘画，与代表艺术家陈少强，和新的创作新风格表现当代主题的风格和丽江绘画风格等具有代表性的艺术家黄格生等特定地区的典型自然景观。 最近因使用迷幻色彩而闻名的蔡瑾2008年的一组画作，虽然画作是有机的抽象，但却显示出西方和中国传统资源的影响。