中国艺术是一种视觉艺术，无论是古代还是现代，都源于中国或中国艺术家。 早期的“石器时代艺术”可以追溯到公元前10000年，主要由简单的陶器和雕塑组成。 在这个早期阶段之后，中国艺术与中国历史一样，通常被中国皇帝统治王朝的继承所分类，其中大部分历时数百年。
中国艺术可以说是世界上最古老的连续传统，其特点是传统的内在和意识的不同程度，缺乏与西方的崩溃和古典风格的逐渐恢复。 自文艺复兴以来通常被归类为西方的媒体作为装饰艺术在中国艺术中非常重要，而大部分最好的作品都是在大型工作室或工厂中由本质上不为人知的艺术家制作的，特别是在中国陶瓷中。
陶瓷，纺织品，雕刻漆和其他技术的大部分最佳工作都是由帝国各种工厂或工厂长期生产的，并且法院使用的这些工作在国内外大规模分发以展示皇帝的财富和权力。 相比之下，水墨画的传统主要由学者 – 官员和宫廷画家，尤其是风景，花卉和鸟类实践，根据艺术家的个人想象和客观观察，发展出美学价值，与西方，但很久以前他们的发展在那里。 从19世纪开始，与西方艺术的接触变得越来越重要，近几十年来，中国参与了全球当代艺术的日益成功。
绘画
中国传统绘画基本上采用与中国书法相同的技术，用蘸有黑色或彩色墨水的画笔完成; 不使用油。 与书法一样，最受欢迎的材料是用纸和丝制成的。 完成的作品可以安装在卷轴上，例如悬挂卷轴或手卷。 传统绘画也可以在专辑封面，墙壁，漆器，折叠屏幕和其他媒体上完成。
中国绘画的两个主要技巧是：
Gong-bi（工笔），意思是“细致”，使用非常详细的笔触，非常精确地划分细节。 它通常是高度着色的，通常描绘人物或叙事主题。 它通常由为皇家宫廷或独立工作室工作的艺术家实践。 鸟与花的画作往往是这种风格。
水墨画，中国水墨或水墨也被称为水彩画或画笔，也被称为“文人画”，因为它是中国学者 – 官方阶级的“四艺术”之一。 从理论上讲，这是一种绅士所实行的艺术，这种区别开始于宋代艺术作品中，但事实上，主要指数的职业生涯可能会受益匪浅。 这种风格也被称为“xie yi”（写意）或写意风格。
汉族（公元前202年）至唐朝（618-906）朝代的艺术家主要描绘了人物形象。 中国早期人物画的大部分内容来自墓地，其中的画作保存在丝绸横幅，漆器和墓墙上。 许多早期的墓室绘画旨在保护死者或帮助他们的灵魂进入天堂。 其他人则阐述了中国哲学家孔子的教诲，或展示了日常生活的场景。 大多数中国肖像都展示了正式的正面正面视图，并在祖先的崇拜中用于家庭。 帝国肖像更灵活，但一般不在法庭外看到，肖像画不像其他文化那样构成帝国宣传的一部分。
许多评论家认为风景是中国画的最高形式。 从五代时期到北宋时期（907-1127）的时间被称为“中国风景的伟大时代”。 在北方，靖皓，李成，范宽，郭熙等艺术家用高强度的黑色线条，水墨画，以及尖锐的点缀笔触描绘了高耸的山脉。 在南方，董元，朱兰和其他艺术家在宁静的场景中绘制了他们原生乡村连绵起伏的丘陵和河流，用柔软的摩擦笔触完成。 这两种场景和技法成为中国山水画的经典风格。
雕塑
来自商周和西周的中国仪式青铜器来自c。一千多年的时期。 1500年，并对中国艺术产生了持续的影响。 它们采用复杂的图案和变形装饰，但避开了人形，不像最近在三星堆发现的巨大数字。 壮观的兵马俑是为公元前221-210统一中国的第一位皇帝秦始皇墓而组建的，作为长期放置在坟墓中的人物的大帝国版，使死者能够享受同样的生活方式。来世时就像活着一样，取代了早期的实际牺牲。 几个世纪以来，陶器或木头中较小的数字被放置在墓葬中，达到了唐代的质量高峰。
中国本土宗教通常不使用神灵的崇拜图像，甚至不代表它们，大型宗教雕塑几乎都是佛教徒，大多数时间是从4世纪到14世纪，最初使用通过丝绸之路抵达的希腊佛教模型。 佛教也是所有大型肖像雕塑的背景; 与中世纪中国的其他一些地区形成鲜明对比的是，即使是皇帝的彩绘图像也被认为是私人的。 帝王陵墓拥有壮观的道路，上面有真实和神话中的动物，与埃及相匹配，较小的版本装饰了寺庙和宫殿。 在各种媒体中，小型佛教人物和团体的制作质量非常高，各种物品的浮雕装饰，尤其是金属制品和玉器。 各种雕塑家都被视为工匠，记录的名字很少。
陶器
中国陶瓷器皿自前王朝时期以来不断发展，是中国艺术最重要的形式之一。 中国拥有丰富的陶瓷制造原料。 第一类陶瓷是在旧石器时代制造的，后来的时期包括砖和瓦等建筑材料，以及用篝火或窑炉烧制的手工制造的陶器，以及为朝廷制作的精致的中国瓷器。 大多数后来的中国陶瓷，即使是最优质的陶瓷，也是以工业规模制造的，因此很少有个人陶艺家或画家知道。 许多最着名的工作室都是由皇帝拥有或保留的，大量的陶瓷作为外交礼品或贸易从早期出口。
装饰艺术
除了瓷器之外，各种更有价值的材料都经过精心设计和装饰，具有广泛的用途或仅用于展示。 中国的玉石被赋予了神奇的力量，并被用于石头和青铜时代，用于日常武器和工具的大型和不切实际的版本，以及双盘和通用船。 后来，一系列物品和小型雕塑被雕刻成玉石，这是一项艰难而耗时的技术。 青铜，金银，犀牛角，中国丝绸，象牙，漆器和雕漆，景泰蓝珐琅和许多其他材料都有专业的艺术家。
折屏（中文：屏风）经常装饰着美丽的艺术品; 主题包括神话，宫廷生活场景和自然。 木板，纸和丝等材料用于制作折叠屏。 他们被认为是许多画家展示他们的绘画和书法的理想装饰品。 许多艺术家用纸或丝绸绘画并将其应用到折叠屏幕上。 在这个时代的历史文献中提到了两个截然不同的艺术折叠屏幕。
公元前221年的历史发展
新石器时代的陶器
新石器时代仰韶文化中可以找到中国早期的艺术形式，其历史可以追溯到公元前六千年。 像半坡那样的考古发现揭示了仰韶制陶; 早期的陶瓷没有涂漆，大多数都是带有标记的。 第一个装饰品是鱼和人脸，但最终演变成对称的几何抽象设计，有些是彩绘的。
仰韶文化最显着的特点是大量使用彩陶，特别是人脸，动物和几何设计。 与后来的龙山文化不同，仰韶文化在陶器制作中没有使用陶轮。 挖掘发现孩子们被埋在彩绘的陶罐里。
玉文化
良渚文化是长江三角洲最后一座新石器时代的玉文化，间隔时间约为1300年。 这种文化中的翡翠的特点是精美的大型仪式玉器，如丛圆柱，铋圆盘，粤轴，以及凿刻的开放式工作板，板和小鸟，乌龟和鱼的表现形式的吊坠和装饰品。 良渚玉由于其透闪石岩石起源和埋藏地点水基流体的影响而具有白色乳状骨状外观。
青铜铸造
中国的青铜时代始于夏朝。 这一时期的例子已经从山西的二里头文化遗址中找到，并包括复杂但朴实的实用物品。 在下面的商代，制作了更精致的物品，包括许多仪式的器皿。 商人因其青铜铸造而闻名，因其清晰的细节而闻名。 尚青铜匠通常在城外的铸造厂工作，制作仪式船只，有时还制造武器和战车配件。 青铜器皿是用于储存或供应用于表现神圣仪式的各种固体和液体的容器。 某些形式如ku和jue可以非常优雅，但最强大的部分是ding，有时被描述为具有“凶猛威严的气息”。
所有可用空间都是经过开发的商业风格的典型装饰，最常见的是真实和想象动物的风格化形式。 最常见的图案是taotie，它展示了一个神话般的正面呈现，就好像压扁到一个水平面上，形成一个对称的设计。 taotie的早期意义尚不清楚，但有关它的神话存在于周末。 它被认为是一个贪婪的人，被驱逐出天对抗邪恶的怪物; 或者是一个只装有头部的怪物，它试图吞噬男人但只会伤害自己。
青铜器的功能和外观逐渐从商周变为周。 他们从宗教仪式中使用转向更实际的目的。 在战国时期，青铜器皿已成为审美享受的对象。 有些装饰有社交场景，例如宴会或狩猎; 而其他人则展示了镶有金色，银色或宝石和半宝石的抽象图案。
商代青铜器被认为是宋代的艺术品，当时它们的收藏和珍贵不仅仅是因为它们的形状和设计，还因为化学作用所产生的各种绿色，蓝绿色甚至红色的花纹，因为它们埋藏在地面。 中国早期青铜铸造研究是一个专业的艺术史领域。
楚南文化
中国早期丰富的艺术资源是在长江流域发展起来的楚国。 楚墓的挖掘发现了木制雕塑，玉盘，玻璃珠，乐器和各种各样的漆器。 许多漆器都是精细涂漆的，黑色为红色，红色为黑色。 湖南省长沙市的一处遗址透露了迄今为止发现的一些最古老的丝绸画作。
早期帝国中国（公元前221年 – 公元220年）
秦雕塑
兵马俑位于秦始皇陵内，由公元前210 – 209年自称为秦始皇（秦始皇）的傀儡和马匹组成，共有7000多个真人大小的兵马俑。 。 这些数字在被放入金库之前被涂上了颜料。 首次出土时，原始颜色可见。 然而，暴露在空气中导致颜料褪色，因此今天出土的数字显示出赤土陶器的颜色。 这些数字有几个姿势，包括站立步兵和跪式弓箭手，以及有马匹的战车。 每个人物的头部看起来都是独一无二的，展示了各种面部特征和表情以及发型。
陶器
瓷器由粘土高岭土和称为petuntse的长石制成的硬膏制成，它可以粘合容器并密封任何毛孔。 中国已成为高品质瓷器的代名词。 大多数瓷器来自中国江西省景德镇市。 景德镇以其多种名称，至少从汉初就一直是中国瓷器生产的核心。
瓷器与其他陶瓷粘土之间最显着的区别在于它很快“润湿”（也就是说，添加水对瓷器的可塑性的影响明显大于其他粘土），并且它往往会继续“移动”比其他粘土更长，需要处理经验才能获得最佳效果。 在欧洲的中世纪时期，瓷器非常昂贵，并且对它的美丽有很高的要求。 TLV镜子也可以追溯到汉代。
汉代艺术
汉代以玉葬服而闻名。 最早的中国艺术景观描绘之一来自于公元前60年在郑州附近的西汉王朝墓葬的一对空心砖门板。 连续深度衰退的场景由代表道路和花园墙壁的曲折线传达，给人的印象是一个人从山顶俯视。 这个艺术景观场景是由粘土上标准邮票的反复印象而制作的，同时它仍然柔软而尚未发射。 然而，古代绘画中最古老的已知风景艺术场景传统是隋朝的詹子谦（581-618）的作品。
分割期（220-581）
佛教的影响
佛教在公元1世纪左右抵达中国（尽管有一些关于僧人在阿育王统治时期访问中国的传统），直到8世纪，它在佛教艺术的发展中变得非常活跃和富有创造性，特别是在雕像领域。 。 中国接受了这种遥远的宗教，很快就在其艺术表现中融入了强烈的中国特质。
在五世纪到六世纪，北方王朝与原始的灵感来源相去甚远，倾向于用示意线来发展相当象征性和抽象的表现方式。 他们的风格也被称为庄严和庄严。 这种艺术的缺乏，以及它与原始佛教目的的距离，以一种易于理解的方式表达纯粹的启蒙理想，逐渐导致对更多自然主义和现实主义的研究，导致唐代佛教艺术的表达。
书法
在中国古代，绘画和书法是法院界最受赞赏的艺术，几乎完全由业余爱好者，贵族和学者官员制作，他们独自休闲地完善了笔触所需的技巧和敏感性。 书法被认为是最高最纯粹的绘画形式。 工具是用动物毛制成的刷子，用松木烟灰和动物胶制成的黑色墨水。 写作和绘画都是在丝绸上完成的。 但是在1世纪发明纸张之后，丝绸逐渐被新的和更便宜的材料所取代。 着名书法家的原创作品在中国历史上受到了极大的重视，并以挂画的方式挂在墙上，挂在墙上。
王羲之是一位住在公元4世纪的着名中国书法家。 他最着名的作品是兰亭徐，这是一系列诗歌的序言。 这部剧本经常被誉为中国书法史上半草书“奔跑风格”的高潮。
魏朔是东晋着名的书法家，他对楷书建立了相应的规则。 她的着名作品包括着名的虞姬铭铭（和尉帖明姬帖）和魏氏河南（卫氏和南帖尉氏河南铁）的铭文。
绘画
顾恺之是无锡出生的中国古代着名画家。 他写了三本关于绘画理论的书：论绘画（绘论），魏晋名画记（魏晋名画记）和绘画云台山记（绘画云台山记）。 他写道，“在人物画中，衣服和外表并不是很重要。眼睛是精神和决定性因素。” 顾的三幅画仍然存在于今天：教官们向法院女士，罗河女（洛神赋），以及智者和仁慈女人的告诫。
从墓葬中还有其他金代画作的例子。 这包括竹林七贤，画在现代南京附近的墓穴砖墙上，现在在陕西省博物馆中找到。 每个图都标记并显示饮用，书写或播放乐器。 其他的墓画也描绘了日常生活的场景，例如男人用牛群耕田。
隋唐时期（581-960）
佛教建筑和雕塑
在隋朝的过渡之后，唐代的佛教雕塑演变为一种非常逼真的表达。 由于王朝对外贸易的开放和丝绸之路的影响，唐代佛教雕塑呈现出一种相当古典的形式，受到中亚的希腊佛教艺术的启发。
然而，在唐朝末期，外来的影响被认为是负面的。 公元845年，唐朝皇帝武宗禁止所有“外国”宗教（包括基督教景教，琐罗亚斯德教和佛教），以支持土着道教。 他没收了佛教财产并强迫信仰进入地下，从而影响了中国宗教及其艺术的不可思议的发展。
釉面或彩绘陶器唐代墓葬人物闻名遐迩，在世界各地的博物馆中有很好的代表性。 尽管唐代国际风格的代表性仍然可以在日本奈良看到，但大多数木制唐代雕塑都没有幸存下来。 石雕的长寿证明要大得多。 一些最好的例子可以在洛阳附近的龙门，大同附近的云冈和甘肃的炳灵寺看到。
最着名的佛教中国宝塔之一是巨型大雁塔，建于公元652年。
绘画
从唐代（618-907）开始，绘画的主要题材是山水（山水）绘画。 在这些通常是单色和稀疏的景观中，目的不是要完全重现自然的外观，而是要掌握情感或氛围，以便捕捉自然的“节奏”。
传统风格的绘画基本上采用与书法相同的技术，并用蘸有黑色或彩色墨水的画笔完成; 不使用油。 与书法一样，最受欢迎的绘画材料是纸和丝绸。 然后将完成的工作安装在卷轴上，卷轴可以悬挂或卷起。 传统绘画也在专辑，墙壁，漆器和其他媒体上完成。
董元是南唐王国的活跃画家。 他以人物和山水画而闻名，并以优雅的风格为例，这将成为未来900年中国画笔的标准。 和中国的许多艺术家一样，他的职业是作为一名官员，他研究了李思舜和王伟的现有风格。 然而，他增加了一些技巧，包括更复杂的视角，使用点彩画和交叉影线来建立生动的效果。
詹子谦是隋朝时期的画家。 他现存的唯一一幅画就是“在春天漫步”。 由于直到17世纪在欧洲几乎看不到纯净的山水画，因此漫步于春天可能是世界上第一幅山水画。
宋元时期（960-1368）
宋代绘画
在宋朝（960-1279），出现了更微妙的表达景观; 通过使用模糊的轮廓，山脉轮廓消失在雾中，以及对自然现象的印象主义处理来传达不可测量的距离。 重点放在绘画的精神品质和艺术家根据道教和佛教观念所揭示的人与自然的内在和谐的能力。
梁凯是一位生活在13世纪（宋代）的中国画家。 他称自己为“狂人梁”，他一生都在喝酒和画画。 最终，他退休并成为一名禅宗僧侣。 Liang因发明中国艺术禅宗而受到赞誉。 文彤是一位生活在11世纪的画家。 他以竹子水墨画而闻名。 他可以用一只手握住两把刷子，同时画两个不同距离的竹子。 他画画时不需要看竹子，因为他看过很多竹子。
张泽端是一位着名的画家，他在横清河边清明节时的风景和都市风景画。 它被称为“中国的蒙娜丽莎”，在中国历史上有许多着名的重拍。 其他着名画作包括“南诏之夜”，最初由南唐艺术家顾鸿忠于10世纪绘制，而他的着名版画则是宋代12世纪的翻版。 这是一个国内场景的大型水平手卷，显示士绅阶层的男人在享受由女仆提供的食物，饮料和洗手盆时受到音乐家和舞者的娱乐。 2000年，现代艺术家王庆松用一张长长的水平照片描绘了这幅画的模仿，这张照片描绘了现代服装中的人们，他们将原始绘画作为相似的面部表情，姿势和手势。
元代绘画
随着宋朝在1279年的垮台，以及随后由蒙古征服者建立元朝所造成的错位，许多宫廷和文学艺术家退出了社会生活，通过山水画回归自然，并通过更新唐代时代的“蓝绿”风格。
王蒙就是这样一位画家，他最着名的作品之一就是森林石窟。 赵孟俯是元朝时期的中国学者，画家和书法家。 他拒绝接受他那个时代的精致，温柔的笔触，支持8世纪的粗俗风格，被认为带来了一场革命，创造了现代中国山水画。 钱轩（1235-1305）曾为宋朝服务，也有生动而细致的艺术作品，出于爱国主义拒绝为蒙古人服务，而是转向绘画。 他也因复兴和复制唐代更为绘画风格而闻名。
元朝后期的特点是所谓的“四大大师”的作品。 其中最值得注意的是黄公望（1269-1354），他的冷静和克制的风景被同时代人和后来几个世纪的中国文人画家所钦佩。 另一个影响很大的是Ni Zan（1301-1374），他经常安排他的作品具有强烈而独特的前景和背景，但是将中间地带留作空地。 这个计划经常被后来的明清画家采用。
封建晚期（1368-1911）
明代绘画
明朝时期，中国文化蓬勃发展。 与宋代绘画相比，叙事绘画具有更广泛的色彩范围和更繁忙的构图，在当时非常受欢迎。
文征明（1470-1559）在苏州发展了吴派的风格，在16世纪主导了中国画。
在此期间，欧洲文化开始对中国艺术产生影响。 耶稣会牧师利玛窦（Matteo Ricci）带着许多西方艺术品访问了南京，这些作品在展示不同的透视和阴影技术方面具有影响力。
清初绘画
清初在两个主要方面发展：东正教派和个人主义画家，两者都遵循董其昌的理论，但强调不同的方面。
个人主义画家包括Bada Shanren（1626-1705）和Shitao（1641-1707）。 他们从超越传统的革命思想中汲取更多，以达到原始的个人主义风格; 通过这种方式，他们更加忠实地追随董其昌的方式，而不是东正教学校（他是他的官方直接粉丝）。
除文人学者和贵族传统之外的画家也获得了声望，一些艺术家创作的画作是为了卖钱。 其中包括马泉（17至18世纪晚期），他们描绘了普通的花，鸟和昆虫，这些都不是学者们的典型主题。 然而，这些画家并没有与正式的绘画学派分开，而是通常精通艺术风格和技巧。 例如，马泉将她的笔法模仿宋代的例子。 同时，被认为是在唐代绘画金线图像时起初作为准备步骤的无骨技术，由于守寿平（1633-1690）和他的后代云冰等画家继续进行。
随着彩色印刷技术的完善，有关绘画艺术的插图手册开始出版。 Jieziyuan Huazhuan（芥菜种子园手册）是一本五卷的作品，于1679年首次出版，自此以来一直被用作艺术家和学生的技术教科书。
晚清艺术
Nianhua是中国的一种彩色木版画，描绘了农历新年期间的装饰图像。 在19世纪，年华被用作新闻媒介。
上海学校
上海学派是清朝和20世纪非常重要的中国传统艺术学校。 在这所学校的大师的努力下，中国传统艺术达到了另一个高潮，并以“中国画”（简称“国画”）的形式延续至今。 上海学校挑战和打破了中国艺术的文人传统，同时也向古代大师们致敬，并改进现有的传统技法。 这所学校的成员本身就是受过教育的文人，他们已经开始质疑他们的地位和艺术目的，并预见到了中国社会即将实现的现代化。 在社会快速变化的时代，上海学派的作品具有广泛的创新性和多样性，并且经常包含深思熟虑但微妙的社会评论。 这所学校最着名的人物是任雄，任伯年，赵志谦，吴昌硕，沙孟海，潘天寿，傅抱石，何天健，谢志留。 其他着名画家包括王震，徐谷，张雄，胡元和杨伯伦。
新中国艺术（1912-1949）
转型
随着中国最后一个王朝的结束，新文化运动开始并藐视传统主义的各个方面。 萧有梅，蔡元培，丰子恺，王光启等20世纪新文化哲学家的新品种，希望中国文化能够现代化，反映新中国。 中国内战将导致国民党与中国共产党之间的激烈分裂。 以下是第二次中日战争。 上海之战将使主要文化艺术中心处于人道主义危机边缘。
绘画
Ong Schan Tchow（中国：翁占秋）（1900-1945），蔡元培的艺术家和朋友完成了西方艺术技巧和观点与中国传统绘画的巧妙融合。 Ong是20世纪初在法国学习的最初几批中国学者和艺术家之一。
西式油画是由肖涛生等画家传入中国的。 20世纪40年代另一位重要的有影响力的艺术家是太平美景，他将自然融入他的所有艺术中，将传统的亚洲艺术与现实主义相结合。
重建（20世纪80年代中期 – 90年代）
当代中国艺术完全融合了绘画，电影，视频，摄影和表演。
当代艺术
当代中国艺术（Contemporary art）经常被称为中国前卫艺术，自20世纪80年代以来，作为文革后现代艺术发展的产物，不断发展。