瓷器绘画，或陶瓷绘画，是釉面瓷器的装饰，如盘子，碗，花瓶或雕像。物体可以是7世纪或8世纪在瓷器开发的硬膏瓷器，也可以是18世纪欧洲开发的软膏瓷器（通常是骨瓷）。更广义的陶瓷绘画包括铅釉陶器上的彩绘装饰，如奶油器皿或锡釉陶器，如maiolica或彩陶。

通常，首先在窑中烧制该主体以将其转化为硬多孔饼干或浓汤。然后可以施加釉下装饰，然后施加釉料，将其煅烧以使其与身体结合。然后可以将釉面瓷器涂上釉面装饰并再次烧制以将涂料与釉料粘合。大多数作品只使用釉下彩或釉上彩之一，后者通常被称为“珐琅”。可以通过刷涂或模板印刷，转印，平版印刷和丝网印刷来施加装饰。

瓷器画在瓷器开发，后来在韩国和日本开始使用。中东地区发现了9世纪的瓷器瓷器。与该地区进行贸易的瓷器通常具有伊斯兰图案。与欧洲的贸易始于16世纪。到18世纪初，欧洲制造商已经发现了如何制作瓷器。萨克森州的迈森瓷器工厂紧随其后的是德国，法国，英国和其他欧洲国家的其他工厂。技术和风格发展。 19世纪的一些手绘板和花瓶的装饰类似于油画。在19世纪后期，瓷器绘画成为北美和欧洲中产阶级女性的一种受人尊敬的爱好。最近，瓷器绘画作为一种艺术形式的兴趣重新燃起。

原理
传统上，艺术家在与介质混合后，使用釉上刷子，然后在700°C和850°C之间烧制，以面食制备的粉末形式涂抹颜色;这种烹饪也称为“第三火”，因为它是在烹饪烹饪后进行，然后在超过1200°的电子邮件或饼干烹饪。装饰可能有多个烹饪，但由于膨胀会削弱瓷器，因此不建议烹饪超过两到三次。太多的烹饪也会损害最终爆裂的颜色。重要的是始终从烘焙颜色或支持最高温度的产品开始，继续使用在较低温度下烹饪的颜色。

有几种趋势：

传统绘画，一种笔触作品：最古老的例子是barbeau（由于其“胡须”外观而指明蓝莓的旧表达）。烹饪工作超过一次或两次通常没有帮助。这种技术主要用于欧洲，特别是瑞士;
美国技术或瓷器绘画：与其他技术相反，颜色从不干燥，烹饪后的效果仍然柔和。这通常需要多次点火，因此可以叠加不同的阴影而不会损坏第一次触摸。地球上大约80％的瓷器画家使用这种技术;
斯堪的纳维亚技术 – 或现代技术 – 创造了包含沙子，玻璃珠，纤维的套装，所有这些都经常通过浮雕和贵金属增强。这种技术已被许多画家采用，他们将其融入到传统技术和美国技术的工作中。

在工业中，除了定制和价格昂贵的稀有碎片外，刷子的使用只是非常特殊。很长一段时间，瓷器都装饰着一种名为chromo的贴花。浸泡在水中后将其手工放置，使其与纸张支撑物分离。它就像孩子的贴花一样简单，速度也快得多。

最近的方法再现了彩色印刷技术：通过在瓷器表面上加热掩模来沉积热熔颜色，而无需人工干预。对于网络，自动机器也取代了艺术家。

技术方面

糊
瓷器人将瓷器定义为一种坚硬，紧凑和细粒度的陶器，不会被刀刮伤，并且在击中时会产生清晰的音符。它不一定是白色或半透明的。这种瓷器由硬膏制成，主要由高岭土或瓷土粘土组成。粘土与petuntse或瓷石混合。釉料由petuntse与液体石灰混合制成，在较高质量的釉料中含有较少的石灰。石灰赋予釉料一丝绿色或蓝色，明亮的表面和深度感。硬膏瓷的烧制温度为1,260至1,300°C（2,300至2,370°F）。

软膏瓷是在欧洲发明的。大约在1745年在英国制造的软膏瓷器使用了白色粘土，并添加了玻璃料。玻璃料是一种助焊剂，当它在窑中烧制时会使该块玻璃化。软膏瓷的烧制温度为1,000至1,100°C（1,830至2,010°F）。必须将窑炉提升到精确的温度，在这个温度下，窑片会玻璃化，但不得高，否则窑片会下垂和变形。软膏瓷是半透明的，可以做成薄的盆栽。烧制后它具有与硬膏瓷相似的外观和性质。

1689年在德国建议在瓷器中使用煅烧的动物骨，但骨瓷仅在英国生产，第一项专利于1744年取得。骨瓷由斯托克的乔赛亚斯波德（1733-1797）完善。特伦特在英格兰。基本配方是50％煅烧牛骨，25％康沃尔石和25％瓷土。石头和粘土都来自花岗岩。石头是一种长石熔剂，熔化并将其他成分粘合在一起。骨骼赋予器具强度并有助于在烧制过程中保持其形状。由此产生的材料结实，白色和半透明，并在击中时产生共振。它在中等温度下烧制，最高温度可达1,200°C（2,190°F），与玻璃质玻璃料的软质物体相比，它具有更好的性能。烧制温度低于真正的瓷器，因此更多的金属氧化物可以保持其组成并粘合到表面上。这为装饰提供了更广泛的色彩。

陶器陶器包括锡釉陶器，维多利亚时代的珐琅器，Delftware和彩陶，由粘土或泥土制成，可以产生柔软的糊状物。陶器是不透明的，具有相对粗糙的质地，而瓷器是半透明的，具有细微纹理的微小晶体悬浮在透明的玻璃状地面中。陶器陶瓷饼干的工业制造商 – 将粘土成熟到粘土的成熟范围，通常为1,100至1,160°C（2,010至2,120°F），然后在约1,060至1,080的较低温度下涂上釉料和釉料。 °C（1,940至1,980°F）。

制造商可以在玻璃上喷涂非常玻璃状（玻璃状）的物体。以这种方式处理骨瓷，在饼干烧制至约1,240℃（2,260°F）后在较低温度下进行釉料烧制。使用粗陶器和瓷器时，通常将饼干烧成950至1000°C（1,740至1,830°F），然后将烧焦或釉料烧制至1,220至1,300°C（2,230至2,370°F）。由于胶水温度高于饼干温度，因此釉料会与身体发生反应。身体还释放出通过釉料冒泡的气体，影响外观。

使用相同的技术来涂覆各种类型的瓷器和陶器，包括釉下和釉面，但是由于不同的身体特征和烧制温度，使用不同的颜料。一般来说，陶器绘画使用更大胆，更简单的设计，而瓷器绘画可能更精细和更细腻。

釉下彩绘
瓷器的传统瓷器包括在釉下涂漆以及在釉上涂漆。釉下彩绘，顾名思义，将油漆涂在未上釉的物体上，然后用釉料覆盖并烧制。使用与用于釉面涂漆的不同类型的涂料。釉必须经受非常高的温度才能粘合到浆料上，并且只有非常有限数量的颜色可以经受这个过程。蓝色通常用于釉料和其他颜色的釉料，无论是在瓷器还是在欧洲，与英国皇家伍斯特商品一样。大多数作品只使用釉下彩或釉上彩绘画中的一种。

釉下彩绘需要比釉彩更多的技巧，因为绘画中的缺陷通常只有在射击后才能看到。在烧制过程中，即使是耐火涂料也会在高温下改变颜色。淡紫色可变成深蓝色，淡粉色变成棕色深红色。艺术家必须预见到这些变化。随着mazarine蓝色釉下，装饰通常相当简单，使用轮廓广泛和宽广的阴影。日本人以釉下彩绘描绘花卉，植物和鸟类的技巧而闻名，这些绘画使用了尽可能少的笔触。

釉上彩绘画
釉上彩瓷器涂料是由与助熔剂混合的磨碎矿物质化合物制成。涂料可能含有昂贵的元素，包括黄金。助焊剂是一种精细研磨的玻璃，类似于瓷釉。粉末涂料与介质（通常是某种类型的油）混合，然后刷到上釉的物体上。该技术类似于水彩画。与油或水彩相比，釉上彩瓷的一个优点是可以用略微润湿的刷子去除油漆，同时颜色仍然是湿润的，带回原始地面。具有釉上彩绘画的作品通常被称为“珐琅”。

开放式介质不会在空气中干燥，而封闭介质则会干燥。艺术家可能更喜欢一种保持流动一段时间的媒介，可能想要一种干硬的媒介，或者可能想要一种保持一定粘性的媒介。如果介质干硬，艺术家可以建立多层颜色，这将在一次射击中融合在一起。这可以产生不寻常的强度或颜色深度。如果介质保持粘性，艺术家可以通过在表面上撒上更多颜色来添加到设计中，或者可以在釉上粉末上粉化以产生高光泽表面。

艺术家可以先用瓷笔铅笔勾画他们的设计。当在窑中烧制被涂物时，瓷标记线和介质蒸发。有色颗粒在釉面上熔化并变平，并且助焊剂将它们粘合到釉料上。在足够的热量下，下面的釉料软化或“打开”。颜色与釉料牢固粘合，成品表面有光泽。

机械方法
Stenciling在17世纪使用。从纸张上切下图案，将其放在陶瓷上。然后将油漆涂在模板上。从雕刻或蚀刻的铜板或木板转移印刷的日期可达1750年左右。该板涂有油和珐琅颜料。清洁表面，将油漆留在切槽中。然后使用压力机将涂料转移到“陶瓷组织”（一种薄但坚韧的薄纸）上。然后将组织面朝下放置在陶瓷上并摩擦以将涂料转移到表面。这种技术是在17世纪50年代中期在伍斯特的釉下和釉面转移中引入的。

光刻技术于1797年被发现，最初用于打印纸张图像。在光滑的石头或锌表面上用油腻的蜡笔绘制图像，然后将其润湿。水仍留在石头上，但被油脂排斥。墨水在水中散布并被水排斥，但仍留在油脂上。然后将纸压在板上。它从油脂中汲取墨水，从而再现图纸。可以重复该过程以制作许多副本。可以使用不同的块来制作多色印刷品以用于不同的颜色。对于陶瓷，印刷品是在双面纸上制作的，薄薄的薄纸层面向较厚的纸层。在陶瓷表面上涂上弱清漆，可以略微弯曲，然后将双面纸压在表面上。在烧制之前将薄纸浸透。后来的技术被开发用于将图像照相复制到平版印刷版上。该技术具有传递精细细节的能力，被认为最适合釉面装饰，尽管它已用于釉下彩图像。

天然海绵的根源在苏格兰用于制作原始邮票，以便在19世纪和20世纪初装饰陶器陶器。橡皮图章是在20世纪引入的，用金色的边框装饰瓷器和骨瓷。

丝网印刷于18世纪初在日本首次推出，据称是Yutensai Miyassak的发明。日本的早期版本是对模板的改进，它使用人的头发将模板的一部分固定在一起，例如圆的外部和中心，以便可以消除可见的桥梁。最终，该技术演变为使用精细的屏幕，一些区域被胶片遮挡，一些线条或区域保持打开以允许涂料通过。开发了技术以将图像以照相方式传输到屏幕。这个过程在20世纪中叶被用于陶瓷，现在是装饰陶瓷的主要方式。它可用于打印弯曲的形状，如釉下，釉面，釉，防蜡和加热的热塑性颜色的杯子。贴花提供了另一种将图像转移到陶瓷物体的机械方法。

技术实现
必须首先在瓷器上复制要制作的图案。为此，模板技术用于几个相同的部件，否则可以使用特殊的碳在瓷器上描绘图案，或者直接用在瓷器和玻璃上标记的油脂笔绘制图案。

如果图案具有轮廓，则使用羽毛来产生最精细的线。

烹饪或烘干后，设置为彩色。瓷漆尚未准备好使用。它是颜料和软糖的粉末，都是精细研磨的。这种粉末必须用含有培养基（松节油）的玻璃砖稀释，并使混合物大量加工，使其完全均匀。然后我们可以询问颜色，并在瓷器上使用不同的技术。

在不同的炉子中进行烹饪，陶瓷温度范围为690至1100℃。同一房间需要进行几次点火。烹饪时间取决于所使用的技术和颜色。

亚洲瓷器

中国
可能正如一些作者所声称的那样，在汉代（公元前206年 – 公元220年），瓷器已经制造出来，试图制造类似于当时从叙利亚和埃及进口的玻璃器皿的船只。当然，唐代（公元618 – 907年）在中国制造瓷器。多年来，随着瓷器的质量，设计和装饰变得非常精致。这些作品很薄，制作精细，有微妙的釉面，后来还有精美的彩绘装饰。中国人在9世纪开始向亚洲和近东出口瓷器。到了宋朝时期（960-1279），中国制造者已经达到了很高的技术水平。一些专家认为他们的工作在设计纯度方面是无与伦比的。

中国北方的丁窑早在8世纪就开始生产，生产精致美丽的瓷器，并开发了创新的窑堆放和烧制技术。丁洁具有白色的身体，通常有象牙白釉。然而，一些丁洁具有单色的黑色，绿色和红褐色釉料。一些用sgraffito方法装饰，其中表面层被刮开以暴露具有不同颜色的地面。景德镇是瓷器南方最早的瓷器制造中心之一，随时可以买到高岭土和旋风。在这一天，它是世界上最重要的瓷器生产中心。景德镇陶器包括着名的装饰青白件和阴影蓝釉。在元朝时期，釉下钴蓝装饰的使用开始流行。明朝（1369-1644）期间，蓝白，红白陶瓷的生产达到顶峰。景德镇工匠在15世纪下半叶开发并完善了釉上釉的使用。他们在花卉，抽象或书法设计方面表现出色。

韩国
瓷器陶瓷在3世纪开始出口到韩国。在高丽时期（918-1392），对瓷器瓷器的需求很高，而韩国陶工则以进口为模型。 12世纪末出现了独特的韩国设计，朝鲜世宗大王统治的白瓷非常​​独特。 1424年，韩国有139个窑炉生产瓷器。 1592年，日本入侵朝鲜，并将400名陶工作为囚犯带到日本。日本工业蓬勃发展，韩国瓷器业遭到破坏。 1636年满族入侵造成了进一步的破坏。该行业恢复并生产出白色或白色和蓝色釉料的新形式。在19世纪后期，国家对该行业的支持的丧失和印刷转移装饰的引入导致传统技能的丧失。

日本
日本人在17世纪早期开始制作瓷器，向瓷器和韩国工匠学习如何开火，制作釉下蓝钴装饰和釉上釉画。在17世纪中期，日本人发现了一个由欧洲商人组成的市场，这些商人由于政治动荡而无法获得瓷器瓷器。在Arita镇附近制作的鲜艳的日本出口瓷器被欧洲人称为伊万里瓷器，位于航运港口之后。仅涂有釉下蓝色的瓷器传统上称为有田陶器。工匠Sakaida Kakiemon开发了一种独特的釉面釉彩装饰风格，通常使用铁红色，黄色和柔软的蓝色。 Kakiemon风格的装饰包括鸟类和树叶的图案，以及欧洲工厂使用的受影响的设计。非常精致的Nabeshima洁具和Hirado洁具直到19世纪才出口，但用于日本封建精英中的展示品。

其他远东和近东国家
一些作家怀疑瓷器可能是在波斯与瓷器一起独立发明的，在那里它已经制造了许多世纪，但波斯语中的chini含蓄地承认它起源于瓷器。其他人说，在中东地区开发了使用钴蓝作为涂料陶器的颜料，并在瓷器采用了瓷器绘画。然而，这是有争议的，因为最早的中东陶器与钴蓝色装饰，来自9世纪在伊拉克的萨马拉，具有瓷器形状。当时该地区的陶艺家没有制造高火釉下瓷器的技术。看来，蓝色装饰的白色釉面陶器仿制来自瓷器的进口瓷器。

从唐代开始，瓷器瓷器就被中东的富人所珍视。来自奥斯曼帝国苏丹塞利姆一世和苏莱曼大帝的大型藏品由伊斯坦布尔的托普卡帕宫博物馆举办。 1607 – 08年由波斯的阿巴斯一世捐赠给阿尔达比勒神殿的805件瓷器瓷器的另一大集合现在在德黑兰的伊朗国家博物馆举行。在叙利亚的农民房屋中也发现了14至16世纪的蓝白色瓷器瓷器。瓷器通常是为市场设计的，其装饰设计包括阿拉伯语或波斯语中的古兰经的祈祷和引用。在伊拉克和埃及以及东南亚，斯里兰卡，印度和东非也发现了大量的明瓷。

欧洲出口
在16世纪，葡萄牙人开发了一种在瓷器生产的普通蓝白陶器的有限贸易。 1604年，荷兰人用大约10万件瓷器捕获了一辆葡萄牙卡车。这些产品于1604年8月在阿姆斯特丹拍卖给来自欧洲各地的买家。在1604年至1657年期间，荷兰人可能已经向欧洲带来了300万件瓷器。然后政治动荡将大部分瓷器贸易从瓷器切断，直到1695年。日本人于1660年开始生产出口商品，但供应不确定。与瓷器的贸易在17世纪末重新开放，但荷兰人已经失去了垄断地位。一艘法国船于1698年抵达广州，1699年成为英国船。在随后的几年中，为了贸易目的在瓷器制造的大量瓷器被输入欧洲，其中大部分用于英国船只。

景德镇产量扩大，以满足出口瓷器的需求。 JesuitFrançoisXavierd’Entrecolles在1712年写过景德镇，“在一个夜间入口，人们认为整个城市都在燃烧，或者它是一个有许多通风口的大型熔炉。”欧洲贸易商开始提供模型，向制造商展示他们对瓷器人不熟悉的餐具产品所需的形式和装饰。法国耶稣会士向皇宫提供绘画，雕刻师，珐琅甚至画家本身，这些设计进入了瓷器装饰。用于德国锡釉陶器的彩色珐琅涂料产生了新技术，如瓷器瓷器中的粉彩色素。欧洲起源的设计在瓷器出口到欧洲的许多瓷器上找到了自己的方式。 18世纪，至少有6000万件瓷器瓷器进口到欧洲。

欧洲制造
16世纪晚期，意大利佛罗伦萨首次尝试在欧洲制造瓷器，由托斯卡纳大公弗朗西斯科·德美第奇赞助。 “美第奇瓷器”不含瓷土，只是少量制作。 17世纪后期，路易斯·波特拉特（Louis Poterat）试图在法国鲁昂制造瓷器。这一点很少幸免于难。在18世纪初，饮茶在欧洲变得流行，并且对东方瓷器的需求日益增加。

德国
位于萨克森州德累斯顿附近的迈森瓷器厂是第一家在欧洲成功制造硬质瓷器的工厂。模仿东方设计的彩绘瓷器于1715年后制作。约翰·约阿希姆·卡德勒（1706-75）是迈森最着名的雕塑家，创造了充满活力的人物和群体模型。这些作品有明亮的釉料，并涂有强烈色彩的珐琅。迈森的流程得到了竞争对手的谨慎保护。秘密逐渐泄露，17世纪20年代在普鲁士和维也纳建立了工厂。萨克森在七年战争（1756-63）中被击败后，制造瓷器的方法广为人知。到18世纪末，德国有23家瓷器工厂。慕尼黑的Nymphenburg瓷器制造厂以其精致的造型和精美的装饰而闻名。

法国
工厂也在法国和英国开业，瓷器开始以较低的价格生产。在法国，从19世纪90年代开始在Saint-Cloud生产软膏瓷器。圣云画家获得了创新许可，并制作了生动活泼的原创设计，包括瓷器风格的蓝白相间和怪诞的装饰品。 1730年左右，Chantilly成立了一家白色锡釉软瓷工厂。它的许多作品都是基于Kakiemon的设计，采用了铁红色，淡黄色，透明蓝色和绿松石色的Kakiemon颜色。 Mennecy-Villeroy和Vincennes-Sèvres也制作了软膏瓷器，并在斯特拉斯堡制造了硬质瓷器。

Vincennes-Sèvres在18世纪后期成为欧洲最着名的瓷器工厂。它以其精细建模和色彩鲜艳的人造花而闻名，用于装饰钟表和烛台等物品。塞弗尔的工厂在法国大革命后于1793年被国有化。在1800年之后，它停止生产软膏，并使用来自利摩日附近Saint-Yrieix的瓷土粘土进行标准化的异常坚硬的硬膏。工厂生产了许多不同的装饰涂漆设计。 19世纪后期，艺术总监ThéodoreDeck（1823-91）介绍了硅质软膏片的制造。工厂可以生产没有裂缝或裂缝的大型物体，由于烧制温度低，可以用丰富的颜色装饰。

英国
英国生产的第一种软膏瓷器来自伦敦的工厂，紧接着是斯塔福德郡，德比和利物浦的工厂。画家和mezzotintist托马斯弗莱（1710-62）在伦敦东部的弓瓷工厂生产精美的骨瓷。骨瓷也是在洛斯托夫特（Lowestoft）制作的，最初主要以釉下蓝色装饰，后来还有瓷器式的过度釉，包括粉红色和红色。 Josiah Spode（1733-97）于1776年在特伦特河畔斯托克（Stoke-on-Trent）拥有一家工厂，是使用蒸汽动力机械制造陶器的先驱。他完善了铜版转印的工艺。他的儿子，年轻的约西亚斯波德，在18世纪末开始制作精美的骨瓷，为瓷器的身体增添了长石。 Spode瓷器经常以东方图案浮雕和装饰。 “柳树图案”被认为是由Shropshire的Caughley陶器作品的托马斯·特纳于1780年引入的。它采用了各种瓷器设计元素，包括柳树，一对鸽子，一个亭子和一座湖上桥上的三个人物。 Spode和Thomas Minton都用这种图案制作了印刷的蓝白陶器。

伍斯特瓷器公司成立于1751年，主要生产高品质的蓝色釉下彩绘瓷器。起初装饰是手绘的。 1755年左右工厂推出釉面转印，并于1757 – 58年推出釉下蓝转印。罗伯特汉考克（1730-1817）执行铜板并开发了转印印刷工艺。日本风格的设计于1750年代后期推出。釉上彩的手绘彩色装饰也是由“切尔西等最好的画家”制作的，或者由James Giles（1718-80）等独立装饰店制作。在1770年代，设计经常受到洛可可风格的早期Sèvres作品的启发，包括在实心或图案背景上的异国情调的鸟类或鲜花。该公司在1796年之后推出了一种更硬的糊状和更硬，更亮的釉料。在1804-13之间，合作伙伴Martin Barr，Jr。负责生产具有风景或天然物体设计（如贝壳或花朵）的精美彩绘装饰花瓶。

Josiah Wedgwood（1730-95）来自一个陶工家庭。 1754年，他与陶器陶器建立了伙伴关系，并开始对着色产生兴趣。他发明了一种富含绿色的釉料，用于叶子和水果图案。他于1759年在Burslem建立了自己的陶器，繁荣昌盛。他的碧玉器皿通常被归类为精美的粗陶器，但类似于硬瓷器。 1805年，他的公司开始少量制作精美的硬质瓷器。其中一些是丰富的花卉图案和镀金。 1836年，约翰马丁先生在英国下议院艺术与制造委员会作证。他认为瓷器绘画在他的国家已经衰落，并没有制作原创设计。法国的工作质量要高得多，也许是因为政府的支持。他确实承认，用最常见的材料制作的Wedgwood器皿可能是一件美丽的艺术品。然而，他更喜欢用于装饰不良的洁具。

在英国后来的维多利亚时代，艺术和手工艺运动推广了独一无二的手工制作的物品。诸如皇家道尔顿（Royal Doulton）和明顿（Mintons）等商业陶器雇佣了具有艺术才能的年轻女性，以制作手绘或手工彩色艺术陶器。直到1939年，英国陶瓷行业的女性大多只限于装饰，因为她们被认为具有重复性细节工作的特殊才能。这些行业的工会尽其所能阻止女性，即使在这些职业中也是如此，例如拒绝允许她们使用扶手。这些女性通常被用于从属任务，例如填写轮廓或添加装饰性枝条。

其他欧洲国家
瓷器于18世纪在意大利威尼斯，佛罗伦萨和Capodimonte瓷器工厂制造，该工厂于1743年在那不勒斯和那不勒斯的国王查理四世建立。当查尔斯成为西班牙国王时，后者工厂于1759年被转移到马德里。模型人物通常没有装饰，或者用柔和的柔和色彩绘制。瓷器在丹麦，瑞典，荷兰和俄罗斯制造。圣彼得堡的皇家瓷器厂制作了软瓷和硬瓷，并在凯瑟琳大帝的统治下蓬勃发展。它采用新古典主义设计，深色底色和古董风格的客串画，包括俄罗斯农民版画的复制品。 1803年，工厂由亚历山大一世重组，亚历山大一世推出了新产品，如大花瓶，精美的珐琅彩绘，往往与油画非常相似。

在瓷器绘画热潮期间，大约在1880年至1920年间，为英国和美国的业余爱好者出版了许多关于绘画的陶艺制作书籍，例如，约翰·查尔斯·刘易斯的“陶艺绘画实践手册” Sparkes，国家艺术培训学院校长和兰贝斯艺术学院院长。 Sparkes提到了Moors和Gubbio的锡珐琅和光泽洁具（不是业余爱好者）和William de Morgan的作品。他的书由艺术家材料供应商出版，刊登了许多关于颜色和陶器空白，画笔和陶器绘画教师的广告。

惠勒的纽约装饰艺术协会教学生们在陶瓷餐具上绘制简单的花卉图案。更有才华和经验丰富的瓷器画家可以继续画肖像画。一些女性能够作为独立的瓷器画家发展职业生涯。 Rosia Emmet（1854-1948），Lydia Field Emmet的姐妹，因其陶瓷肖像斑块而闻名，具有独特的美学风格处理。肖像画是由现场保姆或照片制作的。一幅幸存下来的年轻女孩的肖像画在Josiah Wedgwood＆Sons的白色釉面陶器上。从图案壁纸的背景到花边和单根头发的细节，它的细节非常细致，给英国传统带来逼真的效果。

法国，德国，英国和美国的瓷器工厂生产用于瓷器画家装饰的盘子，碗，杯子和其他物品。 1877年，McLaughlin推荐了坚硬的法国瓷器坯料。 “空白”是纯白色，有明亮的釉料，可以多次点火。它们的价格取决于物体成型的尺寸和复杂程度，从几美分到几美元不等。瓷器画家可以购买商业化生产的粉末颜色的矿物氧化物与低温助熔剂混合。一些制造商出售预先混有油的涂料。

美国玛丽·路易斯·麦克劳林在其1877年“硬质瓷器装饰中使用业余爱好者的实用手册”中驳斥了这样一种观念，即当作品包括各种颜色时，需要进行几次射击。她承认，这在瓷器工厂是可取的，但对业余爱好者来说并不实用。 McLaughlin总是准备她的作品进行一次射击，使用类似于水彩画的技术完成绘画。那时业余爱好者可以获得一个可以用于小块的小马弗炉。然而，她建议由专业人员完成射击，这可能会更安全，更快捷，更便宜。业余艺术家通常可以将他们的工作带到同一个商店，在那里他们买了颜色和空白。

1887年，马萨诸塞州Monson的陶瓷艺术家Luetta Elmina Braumuller推出了The China Decorator，一本专门针对这一艺术的月刊。该杂志找到了一个现成的市场，在美国，欧洲和其他国家拥有许多用户。它被公认为瓷器绘画各方面的权威，并一直发表到1901年。1891年瓷器装饰师的一篇社论感叹不合格教师的数量，他们未能花费六年或一年所需的艺术家掌握瓷器绘画技法的合理知识。作者估计，在美国成千上万的专业和业余瓷器画家中，最多有500名有能力的装饰师。

瓷器的业余装饰在1860年到1920年之间在美国流行。随着实践的下降，鼓励艺术家们自己设计并学会扔壶。那些成功的人是美国第一批工作室陶艺家。

不断变化的风格和态度
陶器，彩陶或瓷器的釉面装饰传统上采用精心勾勒的设计制成，然后涂上颜色。后来的设计代表鲜花，风景或肖像，几乎没有涂色或混合颜色。在20世纪，瓷器绘画技术变得更像油画，混合色彩和设计，其中注意光线提供三维效果。最近，更像水彩画的风格变得更加普遍。

多年来，瓷器绘画被归类为手工艺，但在20世纪70年代，像朱迪·芝加哥这样的女权主义艺术家将其重新塑造为美术。 1979年芝加哥写道，

在1971年夏天在西北海岸旅行期间，我偶然发现了俄勒冈州的一家小古董店，然后进去了。在一个锁着的柜子里，坐在天鹅绒上，是一块漂亮的手绘盘子。店主把它从箱子里拿出来，我盯着玫瑰的柔和色彩和柔和的色调，这似乎是他们被涂上的瓷器的一部分。我对它是如何完成感到非常好奇。第二年，我第一次去了欧洲，发现自己对彩绘瓷器的情况几乎比挂在发霉的博物馆墙壁上的无尽画作中更感兴趣。

芝加哥花了一年半的时间研究瓷器画。她对业余女性在被低估的艺术形式中所付出的努力感到好奇。她写道：“瓷器绘画世界，以及女性画的家居用品，似乎是女性家庭和琐碎情境的完美隐喻。观看极具天赋的女性在茶杯上浪费自己的创造才能是一种难以忍受的经历。”芝加哥受到其他女权主义者的批评，因为她对“女性手工艺”的观点居高不下。有人写道：“芝加哥女权主义者希望给瓷器画家带来历史性的应有。芝加哥艺术家对他们所做的美学感到冒犯。”

着名的瓷器画家
托马斯巴克斯特（1782-1821），英国瓷画家，水彩画家和插画家
威廉比林斯利（1758-1828），英国陶瓷艺术家，吉尔德和波特。他的绘画技巧引发了“比林斯利玫瑰”。
Franz Bischoff（1864-1929），美国艺术家，以其美丽的瓷器画，花卉画和加州风景画而闻名。
朱迪芝加哥（生于1939年），美国女权主义艺术家和作家
Philipp Christfeld（约1796-1874），德国瓷器画家。
Susan Stuart Frackelton（1848-1932），美国画家，专门从事陶瓷绘画。
Louis Gerverot（1747-1829），法国瓷器画家和商人
Lynda Ghazzali（出生于马来西亚沙捞越），企业家和瓷器画家
詹姆斯吉尔斯（1718-1780），伍斯特，德比，弓和切尔西瓷器以及玻璃的装饰
Gitta Gyenes（1888-1960），匈牙利画家，以匈牙利瓷器画的早期创新着称
Alice Mary Hagen（1872-1972），来自新斯科舍省哈利法克斯的加拿大陶瓷艺术家
约翰哈斯勒姆（1808-84），英国瓷器和珐琅画家，作家
Samuel Keys（1750-1881），英国皇家德比和明顿的瓷器画家
Mary Louise McLaughlin（1847-1939），美国陶瓷画家和工作室陶艺家
Jean-Louis Morin（1732-87），法国瓷器画家，曾在Sèvres工作
Clara Chipman Newton（1848-1936），美国艺术家，最着名的瓷器画家
Henrietta Barclay Paist（1870-1930），美国艺术家，设计师，教师和作家
托马斯·帕多（Thomas Pardoe，1770-1823），英国珐琅师以花卉画而闻名
JosefKarlRädler（1844-1917），来自奥地利的瓷器画家
AdelaïdeAlsopRobineau（1865-1929），美国画家，陶艺家和陶艺家
约翰斯廷顿（1854-1956），英国’皇家伍斯特’画家，因其“高地牛”场景而闻名
Maria Longworth Nichols Storer（1849-1932），俄亥俄州辛辛那提市Rookwood Pottery的创始人
Karol Stricker（1959），美国精美瓷器画家
LouisJeanThévenet（1705- c.1778），法国瓷器画家，活跃于1741年至1777年
Johann Eleazar Zeissig（1737-1806），德国流派，肖像和瓷器画家，以及雕刻师
Debbi Good，英国/澳大利亚画家，肖像画，动物，瓷器艺术家

今天的职位描述
制造瓷器画家是经典瓷器画家的现代名称，在德国是全国公认的职业教育法学徒。制造瓷器画家的培训期通常为三年半。培训在学习场所公司和职业学校进行。这是一个Monoberuf。制造业瓷器画家在瓷器行业的公司找到工作，部分地，他们也与瓷砖制造商或圣诞装饰品的制造商合作。