漫画家或漫画创作者（Cartoonist）是专门从事漫画的视觉艺术家。这项工作通常是为娱乐，政治评论或广告而创作的。插图，故事板，海报，衬衫，书籍，广告，贺卡，杂志，漫画，漫画，漫画，漫画，漫画，漫画，漫画，报纸和电子游戏包装。

漫画家或图形幽默主义者的主要职业是在报纸或杂志等印刷出版物上画漫画，幽默图画或漫画。幽默画家的漫画是为了娱乐和娱乐读者，并且/或者用幽默的方式来说明出版物中出现的时事。他的作品通常与简短的陈述相容，有时简化为一个单一的框架（一个小插曲），非常适合插入期刊。

图形幽默家的职业正在意识到当前的新闻，以激发他的绘画。定期在规定的期限内将您的作品发送到新闻编辑室进行审批。与编辑讨论他的作品应该遵循的思想和审美路线，并在此基础上修改或修改他的作品。

一个好的漫画家和幽默大师的漫画人来自全国各地，离奇诡异的情况下的政治，社会和文化事务的描绘，寻求挑起读者的笑容。一般而言，艺术家自己的角色具有一定的个性，很容易被读者认可。

图形幽默主义者可以专注于制作一个单独的小插曲或漫画，在几个小插曲代表一个简短的故事。一些幽默主义者只是为了出版而出版他们的作品，而另一些则是通过机构分发他们的作品，使他们出现在不同的媒体上，甚至属于不同的地区或国家。

图形幽默主义者在许多情况下超出了简单的娱乐和幽默。事实上，例如，如果伴随着合适的图形图片，则强调公众人物的不适当行为的新闻项目加强了所讨论的文章，​​并且在许多情况下导致所传输内容的本质在内存中渗透更长的读者。

18世纪出现的英国讽刺漫画家和编辑漫画家威廉·霍加斯（William Hogarth）被认为是开创性的西方连续艺术。他的作品从逼真的肖像画到漫画般的一系列名为“现代道德主题”的图片。他的大部分工作嘲笑当代政治和习俗;这种风格的插图通常被称为“Hogarthian”。在霍加斯的工作之后，政治漫画在十八世纪后半叶在英国的大发展，詹姆斯·吉利（James Gillray）和托马斯·罗兰森（Thomas Rowlandson）的指导下开始发展。吉利（Gillray）探索使用媒介讽刺和漫画，呼吁国王（乔治三世），总理和将领，并被称为政治漫画的父亲。

虽然从来没有一个专业的漫画家，本杰明·富兰克林相信有一个美国报纸上发表的第一个漫画。在19世纪，像托马斯·纳斯特（Thomas Nast）这样的职业漫画家引入了其他熟悉的美国政治符号，如共和大象。

在20世纪期间，许多杂志由Charles Addams，Irwin Caplan，Chon Day，Clyde Lamb和John Norment等自由漫画家进行单幅插画。虽然科利尔经常带着彩色卡通画，但几乎总是以黑白两色出版。 “花花公子”首次推出由杰克·科尔，埃尔登·德迪尼，罗伊·雷蒙德等人组成的全彩色漫画。联合报纸的单人漫画家包括Dave Breger，Hank Ketcham，George Lichty，Fred Neher，Irving Phillips和J. R. Williams。

漫画集团广泛分发给主流报纸的集团，如环球新闻集团，联合媒体，或国王的特点。星期天在出版之前去“美国色彩”这样的着色公司。

一些漫画创作者在另类媒体或互联网上发表。漫画艺术家有时也会以书的形式工作，创造图形小说。书本收藏中的复古和现在的小条都会收到重印。

主要的漫画出版商（例如Marvel或DC）利用漫画家团队来制作这些艺术品（通常是将彩色铅笔作品，墨水和字母分开，而彩色师则通过数字技术添加颜色）。当不同的漫画家（如阿奇漫画）需要一致的艺术风格时，可以使用人物模型表作为参考。

Calum MacKenzie在“苏格兰漫画家”（Glasgow Print Studio Gallery，1979）的展览目录序言中定义了选择标准：

漫画家和插画家之间的区别与喜剧演员和喜剧演员之间的区别是相同的 – 前者既表现出自己的观点，也表现出自己的观点，后者总是隐藏在事实上并不是他整个人创建。

动画是为短片，广告，故事片和电视而创作的。它也有时用于真人电影的梦幻片或开幕片头。动画艺术家通常被称为动画师，而不是漫画家。他们也创造电影。梦工厂动画公司，皮克斯公司，沃尔特迪斯尼动画工作室和蓝天工作室等动画工作室创造出更具立体感的CGI或电脑动画电影。

有许多平装本和精装本的漫画书籍，比如“纽约客”漫画集。在二十世纪六十年代之前，漫画大多被博物馆和艺术画廊忽略。 1968年，漫画家兼喜剧演员罗杰·普莱斯（Roger Price）开设了第一个专门致力于漫画的纽约市美术馆，主要由着名的杂志封面人物漫画家工作。今天，有几个博物馆致力于漫画，尤其是比利·爱尔兰卡通图书馆和博物馆，由俄亥俄州立大学的策展人珍妮·罗伯（Jenny E. Robb）经营。

漫画艺术家通常使用铅笔或画笔在印度墨水画图上画铅笔素描。艺术家也可以使用灯箱来创建最终的墨水图像。例如，一些艺术家布莱恩·博兰德（Brian Bolland）使用计算机图形，将已出版的作品作为艺术作品的第一个外观。通过很多定义（包括McCloud’s，以上），漫画的定义扩展到数字媒体，如网络漫画和移动漫画。

漫画创作的本质决定了从事创作工作的人数，成功的连环漫画和漫画书是通过工作室系统制作的，艺术家组装了一个助手团队帮助创作。然而，独立公司，自我出版商或更具个人特质的作品可以由一位创作者制作。

在北美的漫画产业中，演播室系统已经成为主要的创作方式。通过行业的使用，角色已经变得严重编纂，工作室的管理已成为公司的责任，由编辑来履行管理职责。编辑汇编了一些创作者，并监督着作出版。

任何数量的人都可以用这种方式帮助创作一本漫画书，从绘图员，摔跤艺术家，铅笔，墨水，剧作家，读者和调色师，一些角色由同一个人执行。

相比之下，连环漫画往往是唯一的创作者，通常称为漫画家的作品。然而，漫画家采用演播室的方法并不罕见，特别是当一个小条成功的时候。 Mort Walker雇佣了一个工作室，而Bill Watterson和Charles Schulz则没有。堵嘴，政治和编辑漫画家也倾向于单独工作，虽然漫画家可能会使用助手。

艺术风格：
虽然几乎所有的漫画艺术在某种意义上都是缩略的，而每一位制作漫画作品的艺术家都有自己独特的方法来承担，但也有一些更为广泛的艺术风格。漫画艺术家克里夫·斯特雷特（Cliff Sterrett），弗兰克·金（Frank King）和古斯·阿里奥拉（Gus Arriola）经常使用不同寻常的丰富多彩的背景，

基本的风格已被确定为现实和卡通，具有巨大的中间地带，佛罗里达州创造了自由的话。菲奥雷也表示厌恶现实和卡通的条款，分别喜欢字面和自由式的条款。

斯科特·麦克劳德创造了“大三角”作为思考漫画艺术的工具。他将真实的表现置于左下角，在右下角放置标志性表现或卡通艺术，在三角形的顶点放置第三个标识符，即图像的抽象。这允许通过三角测量来放置和分组艺术家。

卡通风格使用漫画效果和线宽的变化来表达。人物往往有圆形，简化解剖。这种风格的着名指数是卡尔·巴克斯（Carl Barks）和杰夫·史密斯（Jeff Smith）。
也被称为冒险风格的现实主义风格是在20世纪30年代的冒险乐园里使用的风格。他们需要较少的卡通外观，更注重逼真的解剖和形状，并使用纸浆杂志中的插图作为基础。这种风格成为超级英雄漫画风格的基础，因为乔·舒斯特和杰里·西格尔（Jerry Siegel）最初是为了出版作为冒险乐队而出版超人。
麦克劳德还指出，在一些传统中，倾向于让主要人物画得相当简单和卡通，而背景和环境却是真实的。因此，他认为，读者很容易识别人物（因为他们与自己的想法相似），同时沉浸在一个三维和纹理的世界。这个现象的很好的例子包括埃尔热的“丁丁历险记”（以他的“个人商标”Ligne claire风格），威尔·艾斯纳的精神和手冢治虫的大佛等等。

工具：
艺术家使用各种铅笔，画笔或纸张（通常为布里斯托尔板）和防水墨水。在着墨时，许多艺术家倾向于使用Winsor＆Newton Series 7，＃3刷子作为主要工具，其可以与其他刷子，蘸水笔，自来水笔和/或各种技术笔或标记。可以采用机械色调来为图像添加灰色调。艺术家可能用丙烯酸树脂，水粉，海报涂料或水彩画来绘画。颜色也可以通过蜡笔，蜡笔或彩色铅笔来实现。

橡皮擦，统治者，模板，集合正方形和丁字尺协助创造线条和形状。绘图台提供了一个有角度的工作表面，有时还附着在桌子上。一个灯箱允许艺术家在上墨时追踪他的铅笔作品，允许更宽松地完成。刀和手术刀满足各种需求，包括切板或刮掉错误。切割垫帮助修剪纸张。加工白色是一种用于掩盖错误的厚厚的不透明白色材料。胶粘剂和胶带帮助复合来自不同来源的图像。