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巴洛克音乐

巴洛克音乐(Baroque music)是西方艺术音乐的一种风格,由大约1600年至1750年组成。这个时代紧随文艺复兴时期的音乐时代,随后是古典时代。 巴洛克音乐构成了“古典音乐”佳能的主要部分,现在已广泛研究,演奏和聆听。 巴洛克时代的主要作曲家包括约翰塞巴斯蒂安巴赫,安东尼奥维瓦尔第,乔治弗里德里克亨德尔,克劳迪奥蒙特威尔第,多梅尼科斯卡拉蒂,亚历山德罗斯卡拉蒂,亨利赛尔,格奥尔格菲利普泰勒曼,让 – 巴蒂斯特卢利,让 – 菲利普拉莫,马克 – 安托万夏蓬蒂耶,Arcangelo Corelli,Tomaso Albinoni,FrançoisCouperin,Giuseppe Tartini,HeinrichSchütz,Giovanni Battista Pergolesi,Dieterich Buxtehude和Johann Pachelbel。

巴洛克时期创造了音调,这是一种写作音乐的方法,其中一首歌或一首作品是用特定的关键词写成的; 几乎所有西方流行音乐都继续使用这种安排。 在巴洛克时代,专业音乐家有望成为独奏旋律曲线和伴奏部分的即兴演奏者。 巴洛克音乐会通常伴随着一个低音连奏组(包括和弦演奏乐手,如大键琴演奏者和琵琶演奏员即席演奏低音部分的和弦),而一组低音乐器 – 提琴,大提琴和低音提琴演奏了低音提琴。 一个典型的巴洛克形式是舞蹈套房。 虽然舞蹈套件中的作品受到实际舞蹈音乐的启发,但舞蹈套装纯粹是为了倾听而设计的,而不是为伴舞者设计的。

在此期间,作曲家和表演者使用了更精细的[需要澄清的]音乐装饰(通常由表演者即兴创作),改变了音乐符号(发音的低音作为快速表达一首歌或一首乐曲的进程),并开发出新的乐器演奏技巧。 巴洛克音乐扩大了器乐演奏的大小,范围和复杂性,并且建立了歌剧,康塔塔和清唱剧的混合声乐/器乐形式以及作为音乐流派的独奏协奏曲和奏鸣曲的乐器形式。 许多来自这个时代的音乐术语和概念,如toccata,fugue和协奏曲grosso在2010年仍在使用。 密集复杂的复调音乐,其中多个独立的旋律线同时进行(这是一个流行的例子是神游),是许多巴洛克合唱和器乐作品的重要组成部分。

“巴洛克”一词来自葡萄牙文barroco,意思是“畸形珍珠”。 这个词的负面内涵首先发生在1734年,批评了由Jean-Philippe Rameau创作的一部歌剧,后来(1750年)由Charles de Brosses描述了罗马Pamphili宫殿的装饰华丽而重重装饰的建筑。 虽然这个词在19世纪仍然被应用于建筑和艺术评论,但直到20世纪,HeinrichWölfflin的艺术史词汇才采用“巴洛克”这个词来指定音乐的历史时期。

词源
音乐历史学家通常使用“巴洛克”这个词来描述广泛的地理区域,主要是在欧洲,大约有150年的时间。 虽然长期以来认为该词作为一个关键术语首先应用于建筑,但实际上早在1733年10月在Rameau的Hippolyte et Aricie首次公开发表的匿名, 1734年5月,这位评论家暗示这部歌剧的新颖性是“du barocque”,抱怨音乐缺乏连贯的旋律,充满了不懈的不和谐,不断变化的关键和米,并迅速通过每一个组成设备。

历史学家对这一时期的音乐“巴洛克式”的系统应用是一个相对较新的发展。 1919年,Curt Sachs成为第一个将Heinrich W?lfflin的巴洛克理论的五个特征系统地应用于音乐的人。 然而,批评家很快质疑将沃尔夫林的类别转换为音乐的尝试,而在20世纪第二季度,Manfred Bukofzer(在德国和他的移民之后,在美国)以及Suzanne Clercx-Lejeune (比利时)使用自主技术分析而不是比较抽象,以避免将基于造型艺术和文学的理论与音乐相适应。 所有这些努力都导致了对该时期的时间界限的明显分歧,特别是关于何时开始。 在英语中,这个术语仅在20世纪40年代才在Bukofzer和Paul Henry Lang的着作中获得。

直到1960年,学术界,特别是法国和英国,仍然存在着相当大的争议,是否有意义地将雅各布佩里,多梅尼科斯卡拉蒂和约翰塞巴斯蒂安巴赫等音乐混合在一个单一的标题下。 尽管如此,这个词已被广泛使用并被广泛的音乐所接受。 将巴洛克与前面(文艺复兴)和后面(古典)音乐史的时期区分开来可能会有帮助。

历史
巴洛克时期分为三个主要阶段:早期,中期和晚期。 虽然它们在时间上重叠,但它们通常是从1580年到1630年,从1630年到1680年,从1680年到1730年。

早期巴洛克音乐(1580-1630)
Florentine Camerata是佛罗伦萨文艺复兴后期的一群人文主义者,音乐家,诗人和知识分子,他们在Giovanni de’Bardi伯爵的赞助下聚集在一起,讨论和引导艺术潮流,尤其是音乐和戏剧。 关于音乐,他们的理想是基于对古典(尤其是古希腊)音乐剧的看法,即重视话语和演说。 因此,他们拒绝了他们的同时代人使用复音(多重独立的旋律线)和器乐,并讨论古希腊音乐装置为monody,其中包括由kithara(一种古老的弦乐器乐器)伴奏的独唱。 这些创意的早期实现,包括Jacopo Peri的Dafne和L’Euridice,标志着歌剧的开始,这是巴洛克音乐的催化剂。

关于音乐理论,较为广泛使用的数字低音(也被称为彻底低音)代表了和声作为复调的线性基础的发展重要性。 和声是对位的最终结果,而低音是对音乐表演中常用的和声的视觉呈现。 通过键盘乐器演奏者(如大键琴演奏者或管风琴手(或lutenist))读取的低音提琴上面放置有数字低音,数字,偶然音符或符号。 向键盘播放器指示的数字,偶然事件或符号在每个低音音符上应播放的时间间隔。 键盘播放器将为每个低音音符即兴发声。 作曲家开始关注自己的和谐进程,并且使用被认为是不稳定音程的三音调来创造不协调(它被用于主导的第七和弦和减弱的和弦中,对文艺复兴时期的某些作曲家也有着和谐的兴趣,特别是Carlo Gesualdo;然而,用于调性的和声(注重成为一首乐曲的“主音符”)而不是形式,标志着从文艺复兴到巴洛克时代的转变。认为某些和弦序列,而不仅仅是音符,可以在一个片段的末尾提供一种闭合感 – 一种被称为调性的基本思想之一。

通过整合这些作曲的新方面,克劳迪奥·蒙特维迪进一步从文艺复兴风格的音乐转变为巴洛克时期。 他开发了两种独特的作品风格 – 文艺复兴时期的复调(早期的普拉蒂察)的遗产和巴洛克式(seconda pratica)的新basso连续技术。 随着低音连续,一小部分音乐家将演奏低音和和弦,这些和弦形成了旋律的伴奏。 basso连续组通常使用一个或多个键盘演奏者和一个琵琶演奏者来演奏低音线,并且即兴演奏和弦以及将演奏低音线的几个低音乐器(例如,低音提琴,大提琴,低音提琴)。 随着L’Orfeo和L’poponazione di Poppea等歌剧的创作,Monteverdi引起了对这一新类型的大量关注。

中间巴洛克音乐(1630-1680)
集权法庭的兴起是经常被法国路易十四塑造的绝对主义时代的经济和政治特征之一。 宫廷风格以及他养成的礼仪和艺术的法院体系成为欧洲其他国家的典范。 教堂和国家赞助人数的增加创造了对有组织的公共音乐的需求,因为越来越多的乐器提供了对室内乐的需求,这对于一小部分乐器演奏者来说是一种音乐。

意大利中间的巴洛克时期是由16世纪30年代出现的歌剧,清唱剧和歌剧的声乐风格,以及一种将音乐的地位提升为与音乐平等的旋律和和谐的新概念以前曾被视为卓越。 早期巴洛克风格的华丽,coloratura monody让位于更简单,更精致的旋律风格。 这些旋律是从短暂的,自发划界的想法建立的,这些想法通常基于从sarabande或courante绘制的程式化的舞蹈模式。 和谐也可能比早期的巴洛克式的僧侣更简单[需要澄清],伴随的低音线与旋律更加融合,产生了部分对位的对等,后来导致了初始低音预期咏叹调旋律。 这种调和的简化也导致了一种新的形式化的叙述手段(歌剧的更多口头部分)和咏叹调(使用歌唱旋律的歌剧的一部分)。 这种风格的最重要的创新者是罗曼路易吉罗西和贾科莫卡里西米,他们分别主要是曲奇和清唱剧的作曲家,还有主要是歌剧作曲家的威尼斯人弗朗切斯科卡瓦利。 后来这种风格的重要修炼者包括Antonio Cesti,Giovanni Legrenzi和Alessandro Stradella。

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中间的巴洛克对约翰福克斯的理论着作完全没有影响,约翰福克斯在他的格拉多斯和帕纳西姆(Gradus ad Parnassum,1725年)中将早期时代的严格对立特征系统化了[需要澄清]

法庭风格作曲家的一个杰出范例是Jean-Baptiste Lully。 他从君主制度购买了专利,成为法国国王歌剧的唯一作曲家,并阻止其他歌剧进入舞台。 他完成了15首抒情悲剧,并留下了未完成的Achille etPolyxène。 Lully是一个指挥的早期例子, 他会用大量的工作人员来打败他们的队伍。

在音乐上,他并没有确立由意大利歌剧继承的弦乐主导规范,而法国五部曲的特色(小提琴,中提琴,中音和尾巴小提琴)则有从路易十三时代开始用于芭蕾舞。 然而,他确实将这个乐团介绍给了歌剧院,其上部通常是录音机,长笛和双簧管以及低音贝司的两倍。 小号和kettledrums经常被添加为英雄的场景。

Arcangelo Corelli被认为对他在音乐技术另一方面的成就非常有影响力 – 作为一个组织小提琴技巧和教学法的小提琴手 – 以及纯粹的器乐音乐,特别是他对协奏曲的倡导和发展。 鉴于Lully在法庭上受审,Corelli是首批广泛发布的作曲家之一,他的音乐在欧洲各地都有演出。 与Lully的歌剧风格和组织结构一样,协奏曲grosso建立在强烈的对比之上 – 整个管弦乐队演奏的乐曲与小乐队演奏的乐曲之间有所不同。 动力学是“梯田式”的,即从大声到柔和,再回到剧烈转变。 快速部分和缓慢部分相互并置。 他的学生中有编号的Antonio Vivaldi,后来根据Corelli的三重奏奏鸣曲和协奏曲中的原则创作了数百部作品。

与这些作曲家相反,Dieterich Buxtehude并不是法庭的生物,而是教堂音乐家,在吕贝克的Marienkirche举办风琴师和Werkmeister的职位。 他作为Werkmeister的职责包括担任教会的秘书,司库和业务经理,而他作为风琴演奏家的职位包括参与所有主要服务,有时与其他乐器演奏家或歌唱家合作,他们也由教会付款。 完全不在他的官方教会职责范围内,他组织并指导了一场名为Abendmusiken的系列音乐会,其中包括他的同时代人认为的戏剧作品相当于歌剧的表演。

晚期的巴洛克音乐(1680-1730)
乔治·弗里德里克·亨德尔,约翰·塞巴斯蒂安·巴赫及其同时代人的作品,包括多梅尼科·斯卡拉蒂,安东尼奥·维瓦尔第,让 – 菲利普·拉莫,格奥尔格·菲利普·泰勒曼等人将巴洛克时代推向高潮。 通过Johann Fux的工作,文艺复兴风格的复调成为未来音乐时代作曲研究的基础。 巴洛克式晚期的作曲家早在约翰福克斯的作品之前就已经确定了他们的作品。

一位连续的工作人员,亨德尔从其他作曲家那里借来的,经常“回收”他自己的材料。 他还以重修作品而闻名,比如着名的弥赛亚,于1742年首映,为可用的歌手和音乐家。

样式和形式

舞蹈套房
一个典型的巴洛克形式是舞蹈套房。 巴赫的一些舞蹈套房被称为partitas,尽管这个术语也被用于其他收藏品。 舞蹈套件中的作品灵感来自于实际的舞蹈音乐,但舞蹈套件则专为聆听而设计,而不是伴随舞者。 作曲家在他们的舞蹈套房中使用了各种不同的舞蹈动作。 舞蹈套件通常由以下动作组成:

序曲 – 巴洛克风格的套曲通常以法国序曲(法语为“Ouverture”)开始,这是一种缓慢的运动,接着是一系列不同类型的舞蹈,主要有以下四种:
Allemande – 通常是乐器套件中的第一支舞曲,这首歌曲是一个非常受欢迎的舞蹈,起源于德国的文艺复兴时期。 这个表演节奏适中,可以在任何节拍上开始。
Courante – 第二场舞蹈是courante,一场活泼的法国三米跳舞。 意大利版本被称为corrente。
Sarabande – 西班牙舞蹈sarabande是四种基本舞蹈中的第三种,是巴洛克舞蹈中速度最慢的舞蹈之一。 它也在三米范围内,并且可以从任何节奏开始,尽管强调第二节拍,创造了sarabande特有的“停顿”或iambic节奏。
Gigue – gigue是复合音乐表演中乐观活泼的巴洛克式舞蹈,通常是乐器套装的最后动作,也是其基本舞蹈类型的第四种。 乐队可以从任何节奏的酒吧开始,并可以通过节奏感轻松识别。 这个古杰尔起源于不列颠群岛。 它在民间音乐中的对手是夹具。
这四种舞蹈类型(allemande,courante,sarabande和gigue)构成了17世纪的大部分套房; 后来的套件在sarabande和gigue之间插入一个或多个额外的舞蹈:

加沃特 – 加沃特可以通过各种特征来识别; 它在4
4次,总是从第三拍开始,尽管在某些情况下这可能听起来像是第一拍,因为第一拍和第三拍在四倍时间内是强拍。 加沃特以适中的速度进行,尽管在某些情况下可能会更快地播放。
Bourrée – Bourrée与2中的加沃特相似
2次,尽管它开始于酒吧最后一拍的后半部分,为舞蹈创造了不同的感觉。 虽然对于一些作曲家来说,如汉德尔,它可以以更快的速度拍摄。
小步舞曲 – 小腿舞也许是三米内巴洛克舞蹈中最着名的舞蹈。 它可以从酒吧的任何节拍开始。 在一些套房中,可能会有一个Minuet I和II连续播放,Minuet I重复播放。
Passepied – passepied是一种二进制形式和三重奏的快速舞蹈,起源于布列塔尼的宫廷舞蹈。 例子可以在后来的套房中找到,例如巴赫和亨德尔的套房。
Rigaudon – rigaudon是一个双人舞台上活泼的法国舞,类似于bourrée,但节奏更简单。 它起源于一个与法国南部法国民间舞蹈密切相关的家庭,传统上与​​Vavarais,Languedoc,Dauphiné和普罗旺斯等省相关。

其他特性
前奏曲 – 一套套装可能由一首前奏曲开始,一首以即兴风格写成的慢片。 一些巴洛克式的前奏曲没有完全写出来; 相反,指出了一系列和弦,期望乐器演奏者能够使用所指示的谐波框架即兴演奏旋律声部。 前奏不是基于一种舞蹈。
Entrée – 有时一个主题是作为一个套件的一部分组成的; 但在那里纯粹是器乐音乐,没有舞蹈表演。 这是一个介绍,在舞蹈团入场时演奏的类似行军的作品,或在芭蕾舞剧前演奏。 通常在4
4次。 它与意大利的“intrada”有关。
低音连奏 – 一种连续伴奏,用新的音乐符号系统表示,通常用于一个或多个持续低音乐器(例如大提琴)和一个或多个和弦演奏乐器(例如键盘乐器,如大键琴,管子器官或琵琶)
协奏曲(与管弦乐伴奏的独奏曲)和协奏曲
Monody – 歌曲的产物
同音 – 音乐中有一个旋律声音和有节奏的相似(和从属)和弦伴奏(这个和monody与典型的文艺复兴时期的纹理,复调形成鲜明对比)
戏剧音乐形式,如歌剧,每音乐剧的戏曲
组合的器乐声乐形式,如清唱剧和狂欢节,两者都使用歌手和管弦乐队
新的乐器技巧,如颤音和拨弦
da capo咏叹调“享受安定”。
ritornello唱腔 – 重复短暂的乐器中断声乐段落。
音乐会风格 – 各组乐器之间声音的对比。
广泛的装饰通常由歌手和乐器演奏者(例如颤音,蜕变等)

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