学术艺术
学术艺术，或学术主义，是在欧洲艺术学院的影响下产生的绘画，雕塑和建筑风格。具体而言，学术艺术是受法国新古典主义和浪漫主义运动实践的法国艺术学院标准影响的艺术和艺术家，以及跟随这两个运动以试图综合两种风格的艺术，这在威廉·阿道夫·布格罗（William-Adolphe Bouguereau），托马斯·库蒂（Thomas Couture）和汉斯·马卡特（Hans Makart）的绘画中得到了最好的体现。在这种情况下，它通常被称为“学术主义”，“学术主义”，“艺术庞培”（贬义）和“折衷主义”，有时与“历史主义”和“合体主义”联系在一起。
学术艺术包括在欧洲学术界的影响下创作的绘画和雕塑，当时的许多艺术家都接受了正规的培训。学术艺术致力于以文学，神话和历史为动机的关于允许或期望主题的经典。她的艺术家对描绘日常或亵渎毫无兴趣。因此，学术艺术不是现实的，而是理想的。
在风格方面，学术艺术培养了亚里士多德完美而有选择性地模仿现实（模仿）的理想。完美地掌握了颜色，光线和阴影，以准照片般逼真的方式绘制了形状。一些画作显示出“抛光的效果”，在该效果中您无法再看到完成的作品上的笔触。摄影术的发明在19世纪中叶动摇了这一艺术理想。
受新古典主义和浪漫主义影响的法国Écoledes Beaux-Arts对这种风格特别有影响力。后来的学术艺术综合了这两种风格，在威廉·阿道夫·布格罗，托马斯·库蒂和汉斯·马卡特的画作中都可以很好地看到。
随着后来的艺术风格的出现，特别是印象派的出现，学术艺术被鄙视并被视为“折衷主义”。从20世纪初开始，到大多数艺术专家都认为它没有什么意义，因此几乎没有提到它，并消失在博物馆的仓库中。有时他们被贬低为“艺术庞然大物”。绘画的学术风格也因国家社会主义艺术政治将其提高到绝对标准而受到损害。直到1960年代，只有少数几位年长的艺术家仍然忠于她。
直到1990年代，finsiècle的学术艺术才逐渐被“重新发现”，此后逐渐受到人们的赞赏。尽管绘画通过反思和质疑自己的先决条件而走了自己的路，但历史电影，特别是凉鞋电影，继续延续了学术主义对重建过去的欲望。
法国学术
法国名字“庞培”的起源-意大利语是“消防员”-尚不确定：它可能源自经典神灵和英雄人物的头盔，类似于消防员头盔，或表示展览期间出现安全任务的同一名消防员在官方沙龙中开放，或者参考Charles Gleyre圈子的画家，模仿庞贝绘画的支持者，或者最后解决许多浮夸和修辞的绘画作品。
新古典主义的艺术潮流始于18世纪，并延伸到19世纪上半叶，在其风格的严格意义上，它首先具有在学校中进行教学的必要条件，并在其内容上提出了建议。模仿之路，已经不是社会可见的自然和现实生活，而是艺术产品，遥远的过去希腊和罗马的历史和神话，它被认为是和谐与理想之美的典范。在法国，戴维艺术的启发性例子-个人与任何一所学院相反-然后是学生英格里斯的例子，将传达共识并产生模仿者。
皇家绘画雕塑学院于1648年在法国成立，目的是确保艺术家获得质量证明，赋予他们以朴素，宏伟，和谐与纯正的风格。为此，有必要遵守以下原则：
裸体与解剖学研究
模仿古人和理想化的自然
在工作室而不是在空气中实现作品
设计胜于色彩
工作的完整性
这些培训标准在过去的几个世纪中没有改变，由Écoledes Beaux-Arts的教授，David的学生以及Ingres的学生维持，他们遵循了老师制定的原则：要被录取，学生必须通过竞争包括以裸体作为生活模型的处决。
历史上的学院
第一家艺术学院是由科西莫·德·美第奇（Cosimo I de’Medici）在1563年1月13日由意大利建筑师科西莫·德·美第奇（Cosimo I de’Medici）在意大利佛罗伦萨创立的，建筑师乔治·瓦萨里（Giorgio Vasari）将该学院称为Accademia e Compagnia delle Arti del Disegno（图）分为两个不同的执行部门。虽然该公司是托斯卡纳的每位在职艺术家都可以加入的公司，但该学院仅包括科西莫宫廷中最杰出的艺术人物，并负责监督整个美第奇国家的艺术创作。在这所医疗机构中，学生学习了“ arti del disegno”（瓦萨里（Vasari）创造的一个术语），并听取了有关解剖学和几何学的讲座。大约十年后在罗马成立了另一所学院，圣卢卡学院（以画家的守护神圣卢克的名字命名）。圣卢卡学院发挥教育作用，比佛罗伦萨更关注艺术理论。 1582年，安妮巴列·卡拉西（Annibale Carracci）在博洛尼亚开设了极具影响力的德塞德罗西学院，而没有官方的支持。在某些方面，这更像是传统艺术家的工作室，但他觉得有必要将其标记为“学院”，这在当时表明了这种想法的吸引力。
后来，圣卢卡学院（Accademia di San Luca）成为1648年在法国成立的皇家美术学院和雕塑学院的样板，后来成为美术学院。皇家美术学院和雕塑学院的建立是为了区分“从事文艺的绅士”和从事手工劳动的工匠。对艺术创作的智力成分的强调对学术艺术的学科和风格产生了重大影响。
在路易十四于1661年对皇家美术学院雕塑进行重组之后，路易十四的目的是控制法国的所有艺术活动，在本世纪余下的时间里，主导艺术态度的成员之间发生了争议。这场“风格之战”与彼得·保罗·鲁本斯还是尼古拉斯·普桑是一个合适的榜样发生了冲突。普桑的追随者，被称为“ poussinistes”，认为线条（disegno）应主导艺术，因为它对智力具有吸引力；而鲁本斯的追随者，被称为“ rubenistes”，认为色彩（colore）应主导艺术，因为它诉诸情感。
辩论在19世纪初复活，当时以让·奥古斯特·多米尼克·英格里斯（Jean Auguste Dominique Ingres）为代表的新古典主义运动和以欧仁·德拉克鲁瓦（EugèneDelacroix）为代表的浪漫主义运动恢复了活力。关于通过观察自然来学习艺术还是通过观察过去的艺术大师来学习是更好的争论。
在整个欧洲形成使用法国模式的学院，并模仿了法国学院的教学和风格。在英国，这是皇家学院。成立于1754年的丹麦皇家美术学院可以作为一个较小国家的成功典范，该较小国家实现了建立一所国立学校并减少对进口艺术家的依赖的目标。大约在1800年至1850年左右的丹麦黄金时代的画家几乎都在那接受培训，许多人回国任教，与其他国家相比，丹麦艺术史上学术艺术与其他风格之间的张力远没有那么明显。 。
迁入学院的一个作用是使女艺术家的培训更加困难，这些女艺术家直到19世纪下半叶才被大多数学院排斥（皇家学院为1861年）。部分原因是由于对裸露不当行为的担忧。直到20世纪，经常为女学生做出特殊安排。
学风的发展
自从Poussiniste-Rubeniste辩论开始以来，许多艺术家就在两种风格之间进行创作。 19世纪，在辩论的复兴形式中，艺术界的注意力和目标变成了将新古典主义的路线与浪漫主义的色彩综合起来。评论家声称一位又一位艺术家已经实现了合成，其中包括蒂奥多·夏塞劳，阿里·谢弗，弗朗切斯科·海兹，亚历山大·加布里埃尔·迪彭斯和托马斯·库蒂。后来的学术艺术家威廉·阿道夫·布格罗（William-Adolphe Bouguereau）评论说，成为一名优秀画家的诀窍是看到“色彩和线条相同”。汤玛斯·库厄特（Thomas Couture）在他写的关于艺术方法的书中提出了同样的想法-认为每当有人说一幅画具有更好的色彩或更好的线条时，那是胡说八道，因为每当色彩显得鲜艳时，它就依赖于线条来传达，反之亦然。这种颜色确实是谈论形式“价值”的一种方式。
在此期间的另一项发展包括采用历史风格，以展示这幅画所描绘的历史时代，称为历史主义。这在男爵扬·奥古斯特·亨德里克·莱伊斯（Jan August Hendrik Leys）的作品中最为明显，后者后来对詹姆斯·天梭（James Tissot）产生了影响。在新希腊风格的发展中也可以看到这一点。历史主义也意指与学术艺术相关的信念和实践，即人们应该融合和调和过去不同艺术传统的创新。
艺术世界也越来越多地关注艺术寓言。关于线条和色彩的重要性的理论认为，通过这些元素，艺术家可以控制媒体以创造心理效果，在其中可以表现出主题，情感和思想。当艺术家尝试在实践中综合这些理论时，强调了对艺术品作为寓言或象征手段的关注。人们认为，绘画和雕塑中的表现应该唤起柏拉图式的形式或理想，在普通的绘画背后，人们会瞥见抽象的，永恒的真理。因此，济慈的名言“美是真理，真理是美”。人们希望这些画作是一个“完整”的想法。众所周知，布格罗曾说过他不会画“战争”，但会画“战争”。学术艺术家的许多画作都是简单的自然寓言，标题包括“黎明”，“黄昏”，“看见”和“品尝”，其中这些创意是通过一个裸露的人物形象来体现的，其构成方式体现了创意的本质。
艺术的趋势也趋向于更大的唯心主义，这与现实主义相反，因为所描绘的人物变得更简单，更抽象，更理想化，以便能够代表他们所代表的理想。这将涉及概括自然界中看到的形式，并将它们服从艺术品的统一性和主题性。
因为历史和神话被认为是观念的戏剧或辩证法，所以重要寓言的沃土，利用这些主题的主题被认为是最严肃的绘画形式。最初在17世纪创建的流派等级受到重视，其中历史绘画（古典，宗教，神话，文学和寓言题材）被放在顶部，其次是流派绘画，然后是肖像画，静物和风景。历史绘画也被称为“大体裁”。汉斯·马卡特（Hans Makart）的画通常比生活中的历史戏剧还要大，他将这与历史主义装饰相结合，以统治19世纪维也纳文化的风格。保罗·德拉罗什（Paul Delaroche）是法国历史绘画的典型代表。
所有这些趋势都受到哲学家黑格尔理论的影响，黑格尔认为历史是相互竞争的思想的辩证法，这些思想最终得以综合解决。
到19世纪末，学术艺术已渗透到欧洲社会。展览经常举行，最受欢迎的展览是巴黎沙龙，始于1903年的d’Automne沙龙。这些沙龙是轰动性的活动，吸引了国内外的游客。一个社交活动与一个艺术活动一样多，一个星期天可能有50,000人参观，在为期两个月的展览中，多达500,000人可以参观该展览。显示了成千上万张图片，这些图片从眼平以下一直悬挂到天花板，并以一种现在称为“沙龙风格”的方式悬挂。在沙龙的一次成功展览是对艺术家的认可，这使他的作品可以被越来越多的私人收藏家所接受。布格罗（Bouguereau），亚历山大·卡巴内尔（Alexandre Cabanel）和让·莱昂·杰罗姆（Jean-LéonGérôme）是这个艺术界的领军人物。
在学术艺术统治期间，洛可可时代的绘画一直受到人们的青睐，这些绘画以前一直受到人们的青睐，后来又重新流行起来，而洛可可艺术中经常使用的主题，如爱神（Eros）和普赛克（Psyche），再次受到欢迎。学术艺术界也将拉斐尔（Raphael）的作品理想化，以此为偶像，事实上他比米开朗基罗更喜欢他。
波兰的学术艺术在扬·马捷科（Jan Matejko）的领导下蓬勃发展，后者建立了克拉科夫美术学院。其中许多作品可以在克拉科夫Sukiennice的19世纪波兰艺术画廊中看到。
学术艺术不仅在欧洲和美国具有影响力，而且还将其影响力扩展到其他西方国家。对于拉丁美洲国家而言尤其如此，因为拉丁美洲的革命以法国大革命为原型，因此试图效仿法国文化。墨西哥的ÁngelZárraga是拉丁美洲学术艺术家的一个例子。
学术主义的失败与演变
1897年证实了学术主义的失败。爱德华·马奈特（Edouard Manet），埃德加·德加（Edgar Degas），卡米尔·毕沙罗（Camille Pissarro），克劳德·莫奈（Claude Monet），奥古斯特·雷诺阿（Auguste Renoir），希思黎（Sisley）和保罗·塞尚（PaulCézanne）进入了官方的机构，卢森堡博物馆，保留政府命令。印象派的赞助人，收藏家和画家本人古斯塔夫·卡耶伯特（Gustave Caillebotte）的遗产在经过三年的激烈战斗后才被接受（仅承认德加的画作）。国务委员会决定，认为这些作品实际上是法国绘画历史的一部分。实际上，梨被切成了两半：在67幅画布中，有29幅被拒绝。杰罗姆扬言要辞去美术教授一职，称这些画作为“垃圾”，并在进入卢森堡时看到“国家灭亡”的迹象。
前卫电流成倍增加。克莱尔·巴比永（Claire Barbillon）指出，学院和美术学院本身变得更加折衷。她写道，在第二帝国时期遭到拒绝之后，除了某些淡化形式外，自然主义被第三共和国最官方的画家采用。至于象征主义，它汇集了古斯塔夫·莫罗（Gustave Moreau）等相当传统的艺术家，以及高更（Gauguin）或奥迪隆·雷顿（Odilon Redon）等具有创新精神的画家。
奥赛博物馆（Muséed’Orsay）于1986年开幕，这是法国引起激烈争议的时刻。许多人会从中看到“消防员”甚至是“修正主义”的康复。然而，安德烈·查斯泰尔（AndréChastel）早在1973年就认为，只有一项优势可以取代全球对停业的判决，旧战的遗留，冷静而客观的好奇心。
学术训练
年轻艺术家在严格的培训上度过了四年。在法国，只有通过考试并附有著名艺术教授的推荐信的学生才能在学院的Écoledes Beaux-Arts学校接受。裸体的绘画和绘画被称为“académies”，是学术艺术的基本组成部分，并且清楚地定义了制作它们的程序。首先，学生在古典雕塑之后复制版画，从而熟悉轮廓，光线和阴影的原理。该副本被认为对学术教育至关重要。从模仿过去的艺术家的作品中，人们会吸收他们的艺术创作方法。为了继续进行下一步，以及随后的每一步，学生们提出了用于评估的图纸。
如果获得批准，他们将使用著名古典雕塑的石膏模型进行绘画。只有掌握了这些技能后，艺术家才可以进入现场模型制作的课程。直到1863年之后，才在Écoledes Beaux-Arts教授绘画。要学习用画笔绘画，学生首先必须表现出绘画方面的熟练程度，这被认为是学术绘画的基础。只有这样，学生才能加入院士的工作室，学习如何绘画。在整个过程中，以预定主题和特定分配时间进行的竞赛衡量了每个学生的进步。
测试的困难意味着，学生通常只有在私人工作室里参加了长期的学徒课程后，才必须参加比赛，在那儿他遵循了严格的学习路线。首先，必须复制图纸或印刷品，经过几个月的练习，我们开始进行阴影和勒索，然后进行着色。随后的重要步骤包括粉笔的复制，胸像的复制品或整个古典作品，伴随着对艺术史，文学和神话学的研究，这些都是绘画和雕塑中经常出现的主题。
在这一阶段之后，学生可以开始“自然研究”，并按照从简单的草图-随想曲-构图的骨架-到草图的更大定义-ébauche-的步骤绘制生活模型。在其中阴影被半阴影和光线分开的地方，一直到对细节的关注-现场布置-以及完成的设计。但是，仍然必须对“生活模式”进行“校正”，消除“自然缺陷”，并根据贵族和礼节的理想模式对其进行校正。
最著名的学生美术比赛是罗马大奖赛。罗马大奖得主获得了一项奖学金，可以在罗马的Villa Medici的法兰西学院的学校学习长达五年。为了竞争，一位艺术家必须是法国国籍，男性，年龄在30岁以下，并且是单身。他必须满足École的入学要求，并得到一位著名艺术老师的支持。比赛十分艰苦，在决赛之前分几个阶段进行，其中10名选手被隔离在工作室中72天，为他们的最后历史绘画作画。从根本上保证了冠军的成功职业生涯。
如前所述，在沙龙的成功展览是对艺术家的认可。艺术家请悬吊委员会“在线”或在视线水平最佳放置。展览开幕后，艺术家抱怨他们的作品是否“高空”或悬挂得太高。专业艺术家的最终成就是当选法国书院的院士，并获得了成为院士的权利。
同时，小学生继续使用croquis练习练习日常生活中的瞬间，以激发个人的想象力，并将其翻译成自己的笔记本carnets de poche。
该学院的学生重复了工作室已经遵循的绘画课程，最终达到了绘画课程，类似于绘画课程。素描非常重要，在学院里专门开设了课程，随后举办了比赛：这是学生创造力的一种表达方式，他忽略了细节，但对自己的构图概念给出了一般形式。但是，这种创造力必须由硕士的学习加以纪律和规范。因此，从小松鼠开始到用木炭制成的ébauche，上面放了酱油，上面是淡红砖。然后揉合透明材料，并稀释阴影以使其几乎透明。
因此，学术课程的重点在于复制品：活人模型，复制古代雕像的粉笔和文艺复兴时期大师的画作。通过这种方式，学生不仅掌握了手工技术和组织作品的方式，而且还以面向过去的思维方式为出发点，不断从中汲取发明的灵感，这通常是经典作品的引用：因此，诱使离开学院的画家重做已完成的作品或更改已发明的作品或伪装所使用的来源。
学术背景证明了艺术家的专业水平，从而可以向社会展示自己的“有序论文”。为了获得最终的认可并保证官方的国家委员会和私人收藏家的委员会，有必要在罗马大奖赛和巴黎沙龙上公开表示成功。
批评与遗产
学术艺术首先受到古斯塔夫·库尔贝特（Gustave Courbet）等现实主义者的批评，因为它使用了理想主义，因为它是基于理想主义陈词滥调，代表了神话和传奇动机，而当代社会的关注却被忽略了。现实主义者的另一种批评是绘画的“虚假表面”，即所描绘的物体看起来光滑，光滑且理想化，没有表现出真实的质感。现实主义者ThéoduleRibot通过在他的绘画中尝试粗糙的，未完成的纹理来解决这个问题。
从风格上讲，印象派画家提倡在室外准确地画出眼睛能看到的东西和手放下的东西，并批评完成和理想化的绘画风格。尽管学术画家通过先画图然后画主题的油画素描来开始绘画，但印象派认为他们对画作的高修饰度是在撒谎。在绘制油画后，艺术家将用学术界的“ fini”制作最终绘画，将绘画更改为符合风格标准，并尝试使图像理想化并添加完美的细节。同样，透视图是在平面上以几何形状构造的，并不是视觉的真正产物，印象派人士不赞成机械技术。
现实主义者和印象派主义者也将静物和风景置于流派层次的最底层。重要的是要注意，大多数反现实主义的现实主义者和印象主义者以及早期先锋派中的其他人最初都是学术工作室的学生。克劳德·莫奈（Claude Monet），古斯塔夫·库尔贝（Gustave Courbet），爱德华·马奈（ÉdouardManet）甚至亨利·马蒂斯（Henri Matisse）都是来自学术艺术家的学生。
随着现代艺术及其前卫力量的增强，学术艺术被进一步贬低，并被视为感性，陈词滥调，保守，非创新，资产阶级和“无风格”。法国人嘲讽学术艺术风格，称其为L’art Pompier（“庞培”意为“消防员”），暗指雅克-路易·大卫（Jacques-Louis David）的画作（该画院受到学院的推崇），经常描绘士兵戴着类似于消防员头盔的士兵。这些画被称为“大机器”，据说是通过做工和技巧制造了虚假的情感。
学术评论家克莱门特·格林伯格（Clement Greenberg）的著作达到了对学术艺术的贬低，他指出所有学术艺术都是“媚俗的”。其他艺术家，例如象征主义画家和一些超现实主义者，对这种传统更为友善。作为寻求将想象的视觉带入生活的画家，这些艺术家更愿意向具有强烈代表性的传统学习。一旦把这种传统看成是老式的，寓言般的裸体和戏剧化的姿势就使一些观众感到奇怪和梦幻。
为了实现后现代主义的目标，以对历史进行更全面，更社会学的和多元化的描述，学术艺术已被带回到历史书籍和讨论中。自1990年代初以来，学术艺术甚至在古典现实主义工作室运动中经历了有限的复兴。此外，艺术在广大公众中得到了越来越广泛的欣赏，而学术画作曾经只能在拍卖中获得几百美元，而现在有些则可以达到数百万美元。