Театральная живописная живопись включает в себя широкие дисциплины, охватывающие практически весь спектр техники живописи и ремесла. Опытный живописный художник (или живописный художник) будет обладать навыками пейзажной живописи, фигуративной живописи, тромпеля и искусственной отделкой и быть универсальным в различных средах, таких как акриловая, масляная и темперная краска. Художник также может быть выполнен в трехмерных навыках, таких как скульптура, штукатурка и позолота.

Живописный художник подчиняет свои навыки дизайнеру театра. В некоторых случаях дизайнеры рисуют свои работы.

Методы и специализированные знания живописного живописца копируют изображение в более крупном масштабе из макета дизайнера, возможно, с сопутствующими фотографиями и оригинальными исследованиями, а иногда с образцами краски и стиля.

Живописная краска
Живописная краска традиционно смешивалась художником с использованием цвета порошка пигмента, связующего вещества и среды. Связующее прилипает порошок к себе и к поверхности, на которую он наносится. Среда — это тоньше, что позволяет легче обрабатывать краску, исчезая по мере высыхания краски. Сегодня принято использовать марки готовой сценической краски или пигмент, взвешенный в среде, к которой добавляется связующее.

Происхождение и история
Театральная картина, вероятно, так же стара, как и сам европейский театр, который был построен в Древней Греции в VI веке до нашей эры. Chr.

Плиний Младший и Витрувий сообщали в это время картин в театрах и римских аренах.

В эпоху Возрождения, например, на перспективной стадии Театрального Олимпа, использовались неподвижные, окрашенные декоративные декорации в виде покрытых бельем рамок за архитектурно неизменным фасадом. В этой стадии формы использовалось высокое искусство перспективного представления художников эпохи Возрождения, чтобы обмануть зрителя иллюзией пространственного сценографического пейзажа. Здесь эталонные проходы между передней и задней ступенями были снабжены расписными тканями на деревянных рамах для завершения пространственного эффекта перспективы для зрителя. Как в эпоху Возрождения, так и в эпоху барокко, античные декоративные элементы были заново открыты, тщательно разработаны и функционально расширены.

Предпочитаемая центральная перспектива живописи с эпохи Возрождения была включена в настоящее время неудержимое быстрое развитие декораций сцены. В результате Филиппо Бунеллески (1377-1446) также называют пионером театральной живописи. Результатом стали крупномасштабные картины, которые никоим образом не уступают современным масляным рисункам в технике и совершенстве. Целью этой центральной точки исчезновения была иллюзия исчезающей точки в бесконечности, например, часто используемая для представления впечатляющих каньонов и превосходящих по своему эффекту.

В начале барокко Джованни Баттиста Алеотти разработал мобильные сцены под открытым небом в 1606 году, чтобы сделать сценическое оформление изменчивым. Эти жесткие декоративные элементы, конечно же, были написаны живописными, живописными или архитектурными представлениями. Также использовались для трансформации сцены были окрашены Телари, которые были смоделированы на древнем Periakten. Эти трехсторонние, вертикальные компоненты призмы можно было ощущать бок о бок с фронта как однородная поверхность, которая благодаря повороту быстро и несложно меняла дизайн сцены.

Окрашенные отделочные детали
техника окраски
Поскольку театральный художник рисует множество сцен на сцене, его техника столь же разнообразна и специфична, как и материалы и другие материалы, над которыми ему нужно работать.

Долгое время — и все же — были и есть методы, которые невысказаны и принадлежат к профессиональным секретам театральных художников и их трудно изучить; В то время люди часто говорили: «Их нужно было украсть глазами». Известными методами являются также техники живописи, обычно используемые в свободном искусстве, такие как живопись Alla-prima (окрашенная в один слой) и техника глазури (многослойная живопись). Последнее очень часто используется в театральной живописи; Не зря театральный художник рисует свои огромные «холсты» на полу.

В технике остекления подразумевается разбавленная среда, при которой даже самый нижний слой краски светит до конца до конца, применяют слои краски.

Традиционно это делается следующим образом: мотив, который впоследствии должен украсить перспективу как живопись, сначала нарисован углем — с помощью угольного прута (кусок угля на длинном стержне), стоящего на загрунтованном тканевом субстрате. Затем предшественник углерода наносится разбавленным цветом (часто это сепия или коричневый тон); но не только контуры, но уже обширная разработка. Здесь вы уже можете достичь пластичности картины путем остекления над областями, которые должны быть более темными несколько раз. Этот процесс, который служит для конкретизации его предварительного рисования и «удерживания» поверхности краски, называется спеканием. Что касается спекания, то лакокрасочные работы затем застекляются, спекание по-прежнему просматривается. В конце свет и темнота становятся немного более непрозрачными. В ходе крупномасштабных картин, которые в основном встречаются в оперных театрах, целесообразно зафиксировать предварительную вытяжку угля с помощью очень негабаритной глазури с помощью пистолета-распылителя. В этой технологической технологии зернистая текстура впечатления, которая также сохраняется в последующей полупрозрачной живописи, сочетается с распылителем, если она обрабатывается распылителем.

Театральный художник — помимо его художественных способностей — также художник-подражатель, из мрамора, камня, дерева, ржавчины, патины и т. Д. Для каждого подражания есть различные техники и трюки; над пивной глазурью к мраморной структуре «обертывание» или «Кольцёрнер» «избили». Здесь, однако, приоритет отдается отдаленному эффекту, как и во всех театральных картинах; потому что следующий зритель, который смотрит на работу на сцене, обычно сидит не менее чем в восьми футах от него.

Занятость и деятельность
Профессия сценарной живописи по-прежнему называется театральной живописью в лингвистическом использовании. Его учебный курс был официально признан в бывшей Западной Германии с февраля 2000 года. Обучение этой профессии происходит в основном в рамках профессиональной подготовки и обычно составляет три года. Сегодня большинство учебных курсов находятся в двойной системе (например, на базе школ и на предприятиях), а также в отдельных случаях только в оперативном режиме. В Германии есть три известные профессиональные школы: одна в Берлине, одна в Эссене и одна в Баден-Бадене. Единственный университет в Германии, предлагающий театральную живопись, расположен в Дрездене. Для программы обучения и для большинства учебных компаний портфель художественных произведений как приложения является необходимым предварительным условием. На сегодняшний день для учебного курса не существует степени магистра; Все режиссеры — неквалифицированные, опытные подмастерья или аспиранты.

Театральные живописцы в основном работают в государственных и муниципальных драматических и оперных театрах, их рабочее место — живопись. Тем не менее, растет количество независимых отделочных компаний или студий; в котором работают художники-постановщики на внешнем рынке, а также художники или декоративные художники. В кинопроизводствах также работают художники-постановщики, которые создают комплект своими картинами.

Коллекции
Большие коллекции исторической театральной живописи были сохранены в Германии в Театре Музея Майнингена (декорации из периода майнингерского тура, 1874-1890) и в Концертном зале Равенсбург (декорации придворного художника Штутгарта Вильгельма Плапперта, 1902-1910).