Ренессансная музыка

Ренессансная музыка – вокальная и инструментальная музыка, написанная и исполненная в Европе в эпоху Возрождения. Консенсус среди музыкальных историков состоял в том, чтобы начать эру около 1400 года, с окончанием средневековой эпохи, и закрыть ее около 1600 года, с началом периода барокко, поэтому начало музыкального Возрождения примерно через сто лет после начала Ренессанс, как это понимается в других дисциплинах. Как и в других искусствах, на музыку этого периода значительное влияние оказали события, которые определяют ранний современный период: подъем гуманистической мысли; восстановление литературного и художественного наследия Древней Греции и Древнего Рима; увеличение инноваций и открытий; рост коммерческих предприятий; подъем буржуазного класса; и протестантская реформация. Из этого изменяющегося общества появился общий, объединяющий музыкальный язык, в частности, полифонический стиль (это музыка с несколькими независимыми линиями мелодий, исполняемых одновременно) франко-фламандской школы, чей величайшим учителем был Хоскин де През.

Изобретение печатного станка в 1439 году сделало его более дешевым и легким для распространения текстов музыки и музыкальной теории в более широком географическом масштабе и для большего количества людей. До изобретения печати, песен и музыки, которые были записаны, и текстов теории музыки, нужно было скопировать вручную, трудоемкий и дорогостоящий процесс. Спрос на музыку как развлечение и как активность досуга для образованных любителей увеличился с появлением буржуазного класса. Распространение шансонов, мотетов и масс по всей Европе совпало с объединением полифонической практики в жидкий стиль, кульминацией которого стала вторая половина шестнадцатого века в творчестве композиторов, таких как Джованни Пьерлуиджи да Палестрина, Орланде де Лассус, Томас Таллис и Уильям Берд. Относительная политическая стабильность и процветание в Низких странах наряду с процветающей системой музыкального образования в многочисленных церквях и соборах области позволили обучить большое количество певцов, инструменталистов и композиторов. Эти музыканты были очень популярны по всей Европе, особенно в Италии, где церкви и аристократические суды нанимали их в качестве композиторов, исполнителей и учителей. Поскольку печатный станок облегчил распространение печатной музыки, к концу XVI века Италия поглотила северные музыкальные влияния с Венецией, Римом и другими городами, становящимися центрами музыкальной деятельности. Это изменило ситуацию сто лет назад. Опера, драматический поэтапный жанр, в котором певцы сопровождаются инструментами, возникла в это время во Флоренции. Опера была разработана как преднамеренная попытка воскресить музыку Древней Греции (OED 2005).

Музыка все больше освобождалась от средневековых ограничений, и больше разнообразия было разрешено в диапазоне, ритме, гармонии, форме и обозначениях. С другой стороны, правила контрапункта стали более ограниченными, особенно в отношении лечения диссонансов. В эпоху Возрождения музыка стала средством личного выражения. Композиторы нашли способы сделать вокальную музыку более выразительной из текстов, которые они устанавливали. Светская музыка (нерелигиозная музыка) поглощала техники из священной музыки и наоборот. Популярные светские формы, такие как шансон и мадригал, распространялись по всей Европе. Суды использовали виртуозных исполнителей, как певцов, так и инструменталистов. Музыка также стала более самодостаточной с ее доступностью в печатной форме, существующей ради нее самой. Прекурсорные версии многих знакомых современных инструментов (в том числе скрипки, гитары, лютневых и клавишных инструментов) в эпоху Возрождения превратились в новые формы. Эти инструменты были изменены, чтобы реагировать на эволюцию музыкальных идей, и они представили новые возможности для композиторов и музыкантов для изучения. Появились ранние формы современных духовых и латунных инструментов, таких как фагот и тромбон; расширяя диапазон звукового цвета и увеличивая звук инструментальных ансамблей. В течение 15-го века звучание полных триад (три нотных аккорда) стало обычным явлением, и к концу XVI века система церковных режимов начала полностью разрушаться, уступая место функциональной тональности (система, в которой песни и пьесы основаны на музыкальных «клавишах»), которые будут доминировать над западной художественной музыкой в ​​течение следующих трех столетий.

С эпохи Возрождения примечательная светская и священная музыка сохранилась в количестве, в том числе вокально-инструментальных произведениях и смешанных вокально-инструментальных произведениях. Огромное разнообразие музыкальных стилей и жанров процветало в эпоху Возрождения. Их можно услышать на записях, сделанных в 20 и 21 веке, включая массы, мотыты, мадригалы, шансоны, сопровождаемые песни, инструментальные танцы и многие другие. Начиная с конца 20-го века были сформированы многочисленные музыкальные ансамбли. Ранние музыкальные ансамбли, специализирующиеся на музыке эпохи Возрождения, дают концертные туры и делают записи, используя современные репродукции исторических инструментов и используя пение и исполнительские стили, которые, по мнению музыковедов, использовались в эпоху.

обзор
Одной из наиболее ярко выраженных особенностей европейской музыкальной музыки раннего Возрождения была все большая зависимость от интервала третьей и ее инверсии, шестой (в средние века, трети и шесты считались диссонансами, и только совершенные интервалы рассматривались как созвучия : совершенный четвертый совершенный пятый, октава и унисон). Полифония – использование нескольких независимых мелодических линий, исполняемых одновременно, становилось все более сложным на протяжении 14-го века, с очень независимыми голосами (как в вокальной музыке, так и в инструментальной музыке). Начало XV века показало упрощение, когда композиторы часто стремились к гладкости в мелодических частях. Это было возможно из-за сильно увеличенного вокального диапазона в музыке – в средние века узкий диапазон делал необходимые частые скрещивания частей, что требует большей контрастности между ними, чтобы различать разные части. Модальный (в отличие от тонального, также известный как «музыкальный ключ», подход, разработанный в последующую эпоху музыки в стиле барокко, около 1600-1750), характеристики музыки эпохи Возрождения начали разрушаться к концу периода с увеличением использования от корневых движений пятых или четвертых (подробнее см. «круг пятых»). Примером хордовой прогрессии, в которой корни хорды перемещаются на четвертый интервал, будет последовательность хорд в ключе до мажор: «D minor / G Major / C Major» (все эти триады, три примечания аккорды). Движение от аккорда D-минора до аккорда G Major – это интервал идеального четвертого. Движение от аккорда G Major до аккорда C Major также является интервалом совершенного четвертого. Это позже превратилось в одну из определяющих характеристик тональности в эпоху барокко.

Основные характеристики музыки эпохи Возрождения (Fuller 2010):

Музыка основана на режимах.
Более богатая текстура, с одновременным выполнением четырех или более независимых мелодических частей. Эти переплетенные мелодические линии, стиль, называемый полифонией, являются одной из определяющих особенностей музыки эпохи Возрождения.
Смешивание, а не контрастное, мелодические линии в музыкальной текстуре.
Гармония, которая вызывала большую озабоченность по поводу плавного потока музыки и ее прогрессирования аккордов.
Развитие полифонии вызвало заметные изменения в музыкальных инструментах, которые музыкально отражают эпоху Возрождения средневековья. Его использование поощряло использование более крупных ансамблей и требовало наборов инструментов, которые бы сливались во всем диапазоне вокала (Montagu nd).

Жанры
Основными литургическими (церковными) музыкальными формами, которые оставались в употреблении на протяжении всего периода Возрождения, были массы и мотыты, с некоторыми другими событиями к концу эпохи, особенно когда композиторы сакральной музыки начали принимать светские (нерелигиозные) музыкальные формы (например, мадригал) для религиозного использования. В массах 15-го и 16-го столетий использовались два типа источников, монофонические (единственная линия мелодии) и полифонические (множественные, независимые мелодические линии), с двумя основными формами разработки, основанные на практике кантуса, или, начиная некоторое время вокруг 1500, новый стиль «повсеместной подражания», в котором композиторы будут писать музыку, в которой разные голоса или части будут подражать мелодичным и / или ритмическим мотивам, исполняемым другими голосами или частями. Использовались четыре основных типа масс:

Cantus firmus mass (масса тенор)
Магическая музыка /
Масса парафраза
Имитационная масса (масса пародии)
Массы обычно назывались источником, из которого они заимствовали. Cantus firmus mass использует одну и ту же монофоническую мелодию, обычно нарисованную из песнопения и обычно в тенор и чаще всего в более длинных нотах, чем другие голоса (Burkholder nd). Другими священными жанрами были мадригальский дух и лауда.

В течение этого периода светская (нерелигиозная) музыка имела все большее распространение с широким спектром форм, но нужно быть осторожным в том, чтобы вступить в взрыв в разнообразии: поскольку печать сделала музыку более доступной, гораздо больше сохранилось с этой эпохи чем с предшествующей средневековой эпохи, и, вероятно, богатый магазин популярной музыки позднего средневековья теряется. Светская музыка была музыкой, независимой от церквей. Основными типами были немецкая ложь, итальянская пентола, французский шансон, итальянский мадригал и испанский villancico (Fuller 2010). Другие светские вокальные жанры включали caccia, rondeau, virelai, bergerette, ballade, musique mesurée, canzonetta, villanella, villotta и песню лютни. Появились смешанные формы, такие как монт-шансон и светский мотив.

Чисто инструментальная музыка включала музыку для рекордеров или виолов и других инструментов, а также танцы для различных ансамблей. Общими инструментальными жанрами были токката, прелюдия, рикеркар и кансона. Танцы, исполняемые инструментальными ансамблями (или иногда исполняемые), включали бас-данс (It. Bassadanza), турдион, солярило, паван, галлиард, алленманду, курант, бранс, канарейку, пиву и лавольту. Музыка многих жанров может быть организована для сольного инструмента, такого как лютня, виуэла, арфа или клавиатура. Такие механизмы назывались интабуляциями (It. Intavolatura, Ger. Intabulierung).

К концу периода слышны ранние драматические предшественники оперы, такие как монография, мадригальная комедия и посредничество.

Теория и обозначения
По словам Маргарет Бент: «Обозначение эпохи Возрождения недооценивается нашими [современными] стандартами, а при переводе в современную форму оно приобретает предписывающий вес, который завышает и искажает его первоначальную открытость» (Bent 2000, стр. 25). Ренессансные композиции были обозначены только в отдельных частях; оценки были крайне редкими, и барлинки не использовались. Значения примечаний обычно больше, чем используются сегодня; основной единицей удара была полубровка или целая нота. Как и в случае с Ars Nova (см. Средневековую музыку), для каждой из них может быть два или три из них (двойное целое примечание), которое можно рассматривать как эквивалентное современной «мере», хотя это само по себе значение ноты, а мера – нет. Ситуацию можно рассматривать так: это то же самое, что и правило, согласно которому в современной музыке четверть-нота может быть равна либо двум восьмым нотам, либо три, которые будут записаны как «триплет». По тому же подсчету, может быть две или три следующей маленькой заметки – «минимальная» (эквивалентная современной «половинной ноте») каждой полувечности.

Эти различные перестановки назывались «совершенный / несовершенный темпус» на уровне отношений между бреве-полувеком, «совершенной / несовершенной степенью» на уровне полубес-минимума и существовали во всех возможных сочетаниях друг с другом. «Три-к-одному» называли «совершенным», а «два-к-одному» «несовершенным». Также существовали правила, в соответствии с которыми отдельные ноты могли быть уменьшены вдвое или удвоены по значению («несовершенные» или «измененные» соответственно), когда предшествуют или следуют другие определенные ноты. Заметки с черными записными книжками (например, четвертные ноты) встречались реже. Эта разработка нотации белого цвета может быть результатом увеличения использования бумаги (а не веллума), поскольку более слабая бумага была менее способна выдерживать царапины, необходимые для заполнения твердых заглавных букв; нотация предыдущего времени, написанная на пергаменте, была черной. Другие цвета, а затем и заполненные заметки также использовались в обычном режиме, главным образом для обеспечения вышеупомянутых несовершенств или изменений и для вызова других временных ритмических изменений.

Случайности (например, добавленные острые предметы, квартиры и натуры, которые меняют заметки) не всегда указывались, как и в некоторых указательных нотах для гитарных инструментов (табулатур). Тем не менее, музыканты эпохи Возрождения были бы хорошо обучены диадическому контрапунктору и, таким образом, обладали этой и другой информацией, необходимой для правильного чтения оценки, даже если бы не были записаны случайности. Таким образом, «то, что современная нотация требует [случайностей], была бы тогда совершенно очевидно, без обозначения певца, разбирающегося в контрапункте ». (См. Musica ficta.) Певец интерпретирует свою часть, вычисляя каденционные формулы с другими частями в уме, и, когда они пели вместе, музыканты избегали бы параллельных октав и параллельных пятых или изменяли свои кадиальные части в свете решений других музыкантов ( Bent 2000, стр. 25). Через современные табулатуры для различных щипковых инструментов мы получили много информации о том, какие случайности выполнялись оригинальными практикующими.

Для получения информации о конкретных теоретиков см. Йоханнес Тинкторис, Франкинус Гаффуриус, Генрих Гларан, Пьетро Арон, Никола Висентино, Томас де Санта Мария, Джосеффо Зарлино, Висенте Луситано, Винченцо Галилей, Джованни Артуси, Йоханнес Нуциус и Пьетро Цероне.

Ранний период (1400-1470)
Ключевые композиторы эпохи раннего Возрождения также писали в позднем средневековом стиле, и поэтому они являются переходными фигурами. Leonel Power (около 1370-х или 1380-х – 1445) был английским композитором эпохи позднего средневековья и раннего Возрождения. Наряду с Джоном Данстаплом он был одним из главных фигур английской музыки в начале 15 века (Stolba 1990, стр. 140, Emmerson и Clayton-Emmerson 2006, 544). Власть – композитор, наиболее представленный в рукописи Старого Зала, один из единственных неповрежденных источников английской музыки с начала 15 века. Власть была одним из первых композиторов, которые установили отдельные движения Обычной мессы, которые были тематически унифицированы и предназначены для непрерывной работы. В рукописи Старого Зала содержится его масса, основанная на антифоне Мариан, Алма Редемторис Матер, в которой антифон звучит буквально в теноре в каждом движении, без мелодических украшений. Это единственная циклическая установка массового Ординарного, которая может быть отнесена к нему (Bent nd). Он писал Массовые циклы, фрагменты, отдельные движения и множество других священных произведений.

Джон Данстапл (или Данстебл) (около 1390-1453) был английским композитором полифонической музыки позднего средневековья и раннего эпохи Возрождения. Он был одним из самых известных композиторов, который был основан в начале 15 века, почти современником Силы, и был широко влиятельным не только в Англии, но и на континенте, особенно в развивающемся стиле Бургундской школы. Влияние Дантэплла на музыкальную лексику континента было огромным, особенно учитывая относительную малочисленность его (приписываемых) работ. Он был признан за то, что обладал тем, что никогда не слышал в музыке Бургундийской школы: la contenance angloise («английский язык»), термин, используемый поэтом Мартином ле Франком в его Le Champion des Dames. Ле Франк добавил, что стиль повлиял на Dufay и Binchois. Написав несколько десятилетий спустя примерно в 1476 году, фламандский композитор и теоретик музыки Тинкторис подтвердил мощное влияние Данстапле, подчеркнув «новое искусство», которое вдохновил Данстапл. Tinctoris приветствовал Dunstaple как фон и стиль стиля, его «источник и происхождение».

Конфенсация, хотя и не определяемая Мартином ле Франком, была, вероятно, ссылкой на стилистическую черту Дунстэпл, использующую полную триадическую гармонию (три нотных аккорда), а также симпатию к интервалу третьего. Предполагая, что он был на континенте с герцогом Бедфордом, Данстапл был бы представлен французскому fauxbourdon; заимствуя некоторые из звуков, он создал элегантные гармонии в своей собственной музыке с использованием третей и шестой (примером третьего интервала являются ноты C и E, примером шестого интервала являются ноты C и A). Взятые вместе, они рассматриваются как определяющие характеристики ранней ренессансной музыки. Многие из этих черт, возможно, возникли в Англии, укореняясь в бургундской школе примерно в середине века.

Поскольку многочисленные копии работ Данстапле были найдены в итальянских и немецких рукописях, его слава по всей Европе, должно быть, была широко распространена. Из произведений, приписываемых ему, выжило всего около пятидесяти, среди которых две полные массы, три связанные массовые секции, четырнадцать отдельных секций массы, двенадцать полных изоритмических мотетов и семь настроек антифонов Мариана, таких как Алма-Рептимутрис Матер и Сальве Регина, Mater misericordiae , Данстапл был одним из первых, кто сочинял массы, используя одну мелодию как кантуса. Хорошим примером этого метода является его Missa Rex seculorum. Считается, что он написал светскую (нерелигиозную) музыку, но никакие песни на народном языке не могут быть приписаны ему с какой-либо степенью определенности.

Освальд фон Волькенштейн (около 1376-1445) – один из самых важных композиторов раннегерманского Возрождения. Он известен своими хорошо написанными мелодиями и за использование трех тем: путешествия, бог и секс.

Жиль Бинхуа (около 1400-1460) был нидерландским композитором, одним из самых ранних членов бургундской школы и одним из трех самых известных композиторов начала 15 века. Несмотря на то, что современные современники Гийом Дюфай и Джон Данстапл часто занимали его современники, его произведения все еще цитировались, заимствовались и использовались в качестве исходного материала после его смерти. Бинхуа считается [кем?], Чтобы быть прекрасным мелодистом, написав тщательно сформированные строки, которые легко петь и запоминаться. Его мелодии появились в копиях десятилетий после его смерти и часто использовались в качестве источников для массовой композиции более поздних композиторов. Большая часть его музыки, даже его священной музыки, просты и понятны наброскам, иногда даже аскетическим (монашеским). Было бы трудно представить более высокий контраст между Бинхуа и крайней сложностью арс-сублиера предшествующего (четырнадцатого) века. Большинство его светских песен – это rondeaux, который стал самой популярной формой песни в течение века. Он редко писал в строфической форме, и его мелодии, как правило, не зависят от схемы рифм стихов, которые они задают. Бинхуа написал музыку для суда, светские песни о любви и рыцарстве, которые оправдали ожидания и удовлетворили вкус герцогов Бургундии, которые наняли его, и, очевидно, любили его музыку соответственно. Около половины его сохранившейся светской музыки находится в Оксфордской библиотеке Бодлея.

Гийом Дю Фей (около 1397-1474) был франко-фламандским композитором раннего Возрождения. Центральную фигуру в Бургундийской школе он считал своими современниками как ведущий композитор в Европе в середине XV века (Planchart nd). Du Fay состоит из большинства общих форм дня, включая массы, мотыты, Magnificats, гимны, простые настройки пения в fauxbourdon и антифоны в области сакральной музыки, и rondeaux, ballades, virelais и несколько других типов шансона в пределах царство светской музыки. Ни одна из его сохранившихся музыкальных инструментов не является инструментальной, хотя инструменты, безусловно, использовались для некоторых его светской музыки, особенно для нижних частей; вся его священная музыка вокальная. Инструменты, возможно, использовались для усиления голосов в реальных действиях практически для любых его работ. Семь полных масс, 28 отдельных Массовых движений, 15 настроек пения, используемых в Массовых движениях, три Магнификата, две настройки Бенедикамуса Домино, 15 антифонических установок (шесть из них – мафиозные антифоны), 27 гимнов, 22 мотыта (13 из этих изоритмических в более угловатый, строгий стиль 14-го века, который уступил место более мелодичным, чувственным высокоразвитым частным сочинениям с фразами, заканчивающимися в «под-третьей» каденции в юности Дю Фэй) и определенно с ним 87 шансонсов.

Средний период (1470-1530)
В начале 1470-х годов музыка начала печататься с использованием печатного станка. Музыкальная печать оказала существенное влияние на распространение музыки, так как не только печатная музыка была охвачена более крупным географическим регионом и аудиторией, чем любая рукописная рукопись или рукописная рукопись когда-либо, она делала это гораздо дешевле. Также в шестнадцатом веке традиция известных мастеров развивалась для многих инструментов. Эти создатели были мастерами своего ремесла. Примером может служить семья Нойшель Нюрнберга для их трубок.

К концу 15 века полифоническая духовная музыка (как показано в массах Йоханнеса Оккегема и Якова Обрехта) снова стала более сложной, что можно было бы рассматривать как корреляцию с более широким исследованием деталей в живописи на время. Ockeghem, в частности, любил канон, как контрапунктальный, так и менструальный. Он составил массу, Missa prolationum, в которой все части производятся канонически с одной музыкальной линии. Именно в первые десятилетия следующего столетия музыка, ощущаемая в тактике (думаю, современная подпись времени) двух полукругов-на-бреве, стала такой же общей, как и с тремя полукругами-в-бреве, как это имело место до этого времени.

В начале 16-го века существует еще одна тенденция к упрощению, что можно увидеть в некоторой степени в работе Йосин-де-Пре и его современников в франко-фламандской школе, а затем позже в деле Г.П. Палестрина. Палестрина частично реагировала на стрессы Совета Трента, что препятствовало чрезмерно сложной полифонии, поскольку считалось, что это препятствует пониманию слушателем текста. Франко-флемингские композиторы раннего 16-го века отошли от сложных систем канонической и другой музыкальной игры поколения Окегема, устремляясь к точкам подражания и дуэтам или трио-секциям в общей текстуре, которая выросла до пяти и шести голосов.

Поздний период (1530-1600)
В Венеции, примерно с 1530 года до 1600 года, появился впечатляющий полихоральный стиль, который дал Европе одну из самых грандиозных, самых звучных композиций, сочиненных до того времени, с несколькими хорами певцов, латуни и струнных в разных пространственных местах в базилике Сан Марко-ди-Венеция (см. Венецианскую школу). Эти многочисленные революции распространились по Европе в течение следующих нескольких десятилетий, начиная с Германии, а затем несколько позже переместились в Испанию, Францию ​​и Англию, разграничив начало того, что мы теперь знаем как музыкальную эпоху барокко.

Римская школа была группой композиторов преимущественно церковной музыки в Риме, охватывающей эпохи позднего Возрождения и раннего барокко. У многих композиторов была прямая связь с Ватиканом и папской часовней, хотя они работали в нескольких церквях; стилистически они часто контрастируют с Венецианской школой композиторов, параллельным движением, которое было гораздо более прогрессивным. Самым известным композитором Римской школы является Джованни Пьерлуиджи да Палестрина. Будучи наиболее известным как плодовитый композитор масс и мотивов, он также был важным мадригалистом. Его способность сочетать функциональные потребности католической церкви с преобладанием музыкальных стилей в период контрреформации дала ему его прочную славу (Локвуд, О’Реган и Оуэнс нд)

Краткий, но интенсивный цветение музыкального мадригала в Англии, в основном с 1588 по 1627 год, вместе с композиторами, которые их выпускали, известен как английская школа Мадригала. Английские мадригалы были cappella, преимущественно легкие в стиле, и обычно начинались как с копиями, так и с прямыми переводами итальянских моделей. Большинство из них были от трех до шести голосов.

Musica Reservata – это стиль или практика исполнения вокальной музыки капелла второй половины XVI века, в основном в Италии и на юге Германии, которая включает в себя изысканность, эксклюзивность и интенсивное эмоциональное выражение спета.

инструменты
Многие инструменты возникли в эпоху Возрождения; другие были вариациями или усовершенствованиями инструментов, которые существовали ранее. Некоторые выжили до наших дней; другие исчезли, только чтобы воссоздать, чтобы исполнить музыку периода на подлинных инструментах. Как и в современный день, инструменты могут быть классифицированы как латунь, струны, перкуссия и духовой ветер.

Средневековые инструменты в Европе чаще всего использовались отдельно, часто сопровождались беспилотным самолетом или иногда частями. По крайней мере с XIII века до XV века существовало разделение инструментов на громкие, пронзительные, наружные инструменты и бас (более тихие, более интимные инструменты) (Bowles 1954, 119 et passim). Только две группы инструментов могли свободно играть в обоих типах ансамблей: cornett и sackbut, а также табор и тамбурин (Burkholder nd).

В начале XVI века инструменты считались менее важными, чем голоса. Они использовались для танцев и сопровождали вокальную музыку (Fuller 2010). Инструментальная музыка оставалась подчиненной вокальной музыке, и большая часть ее репертуара была по-разному получена или зависела от вокальных моделей (OED 2005).

органы
Различные виды органов обычно использовались в эпоху Возрождения, от крупных церковных органов до небольших портовых и тростниковых органов, называемых королевскими.

Латунь
Латунные инструменты в эпоху Возрождения традиционно играли профессионалы. Некоторые из наиболее распространенных латунных инструментов, которые были сыграны:
Слайд-труба: Подобно тромбону сегодняшнего дня, за исключением того, что вместо части тела, скользящей, только небольшая часть тела рядом с мундштуком и сам мундштук неподвижен. Кроме того, тело было S-образным, поэтому оно было довольно громоздким, но было подходящим для медленной танцевальной музыки, для которой он наиболее часто использовался.
Корнетт: Сделано из дерева и играет как рекордер (дует в одном конце и перемещает пальцы вверх и вниз по наружной стороне), но использует кусочек мундштука, как труба.
Труба: Ранние трубы не имели клапанов и были ограничены тонами, присутствующими в обертонной серии. Они также изготавливались разных размеров.
Sackbut (иногда sackbutt или sagbutt): другое название для тромбона (Anon. Nd), которое заменило слайд-трубу к середине 15-го века (Besseler 1950, passim).

Струны
Как семья, струны использовались во многих случаях, как священных, так и светских. Несколько членов этой семьи включают:

Viol: Этот инструмент, разработанный в 15 веке, обычно имеет шесть струн. Его обычно играли с луком. Он обладает структурными качествами, подобными испанским щипам vihuela (так называемый альфа-да-мано в Италии); его основным отличительным признаком является его больший размер. Это изменило положение музыканта, чтобы прислонить его к полу или между ногами так же, как виолончель. Его сходство с vihuela были резкими сокращениями талии, подобными ладами, плоской спиной, тонкими ребрами и идентичной настройкой. Когда играли таким образом, его иногда называли «альтом да гамба», чтобы отличить его от виолов, играемых «на руке»: viole da braccio, который превратился в семейство скрипки.
Лира: его конструкция похожа на небольшую арфу, хотя вместо того, чтобы быть выщипанным, она плывет с плектром. Его ряды варьировались в количестве от четырех, семи и десяти, в зависимости от эпохи. Его играли правой рукой, а левая рука заставляла замолчать ноты, которые не были желательны. Новые лиры были изменены, чтобы играть с луком.
Ирландская арфа: также называлась Clàrsach в шотландском гэльском языке или Cláirseach на ирландском языке, в средние века это был самый популярный инструмент Ирландии и Шотландии. Из-за его значимости в истории Ирландии это видно даже на лейбле Guinness и является национальным символом Ирландии даже по сей день. Чтобы играть, он обычно выщипывается. [Требуется пояснение] Его размер может сильно варьироваться от арфы, которую можно играть на коленях до полноразмерной арфы, которая помещается на пол
Hurdy-gurdy: (Также известный как колесная скрипка), в котором строки звучат колесом, в котором проходят струны. Его функциональность можно сравнить с функциональной скрипкой, так как ее лук (колесо) поворачивается рукояткой. Его отличительный звук в основном из-за его «беспилотных струн», которые обеспечивают постоянный шаг, похожий по своему звучанию на звук волынок.
Gittern and mandore: эти инструменты использовались по всей Европе. Предшественники современных инструментов, включая мандолину и гитару.

перкуссия
Некоторые перкуссионные инструменты Ренессанса включают в себя треугольник, еврейскую арфу, бубен, колокола, цимбалу, грохот и различные виды барабанов.

Бубен: Бубен – барабан. Кожа, окружающая раму, называется веллом и производит удар, ударяя по поверхности пальцами, кончиками пальцев или рукой. Его также можно было сыграть, встряхивая инструмент, позволяя джеям или тамбуриным колоколам (если они есть), чтобы «clank» и «звон».
Еврейская арфа: инструмент, который производит звук, используя формы рта и пытаясь произнести разные гласные своим ртом. Петля на изогнутом конце язычка инструмента выщипывается в разных масштабах вибрации, создавая разные тона.

Деревянные духовые инструменты (аэрофоны)
Древесные духовые инструменты (аэрофоны) создают звук с помощью вибрационной колонны воздуха внутри трубы. Отверстия вдоль трубы позволяют игроку контролировать длину столбца воздуха и, следовательно, высоту тона. Существует несколько способов вибрации воздушной колонны, и эти способы определяют подкатегории деревянных духовых инструментов. Игрок может нанести удар по отверстию для рта, как на флейте; в мундштук с одним тростником, как в современном кларнете или саксофоне; или двойной тростник, как в гобои или фагот. Все три из этих методов производства тона можно найти в инструментах Ренессанса.

ШАМ: Типичный восточный [осветляющий] шалм без ключа и длиной около фута с семью отверстиями для пальцев и отверстием большого пальца. Трубы также чаще всего изготавливались из дерева, и многие из них имели резьбу и украшения на них. Это был самый популярный двуязычный инструмент эпохи Возрождения; он широко использовался на улицах с барабанами и трубами из-за его блестящего, пронзительного и часто оглушительного звука.Чтобы играть в шалфей, человек кладет весь тростник в рот, выдувает щеки и врывается в трубку, дыша через нос.

Труба тростника: изготовлена ​​из одной короткой длины тростника с мундштуком, четырьмя или пятью отверстиями для пальцев и тростником. Тростник делается, вырезая небольшой язык, но оставляя основание прикрепленным. Это предшественник саксофона и кларнета.
Hornpipe: То же, что и тростниковая труба, но с колокольчиком в конце.
Волынка / Bladderpipe: По мнению верных, которые были изобретены пастухами, которые думали, что использование сумки, сделанной из овечьей кожи или кожи козы, обеспечит давление воздуха, так что когда игрок переведет дыхание, игроку нужно будет сжать сумку, заправленную под их чтобы продолжить тон. Труба для рта имеет простой круглый кусок кожи, шарнирно соединенный с концом трубы и действует как обратный клапан. Тростник расположен внутри длинного мундштука, который был бы известен как бокал, если бы он был сделан из металла и имел тростник снаружи, а не внутри.
Panpipe: Использует несколько деревянных трубок с пробкой на одном конце и открытыми с другой. Каждая труба отличается по размеру (тем самым создавая другой тон), давая ей диапазон октавы и половины. Затем игрок может поместить свои губы в нужную трубку и нанести удар по ней.
Поперечная флейта: поперечная флейта похожа на современную флейту с отверстием для рта около закрытого конца и отверстиями пальцев вдоль тела. Игрок дует через отверстие в горле и удерживает флейту либо с правой, либо с левой стороны.
Регистратор: рекордер был обычным инструментом в эпоху Возрождения. Вместо тростника в качестве основного источника звукового производства используется рупорный свисток. Обычно это делается с семью отверстиями для пальцев и отверстием большого пальца.