Пейзаж

Пейзажная живопись, также известная как ландшафтное искусство, представляет собой изображение в искусстве пейзажей – таких природных ландшафтов, как горы, долины, деревья, реки и леса, особенно там, где основной объект – широкий вид – с его элементами, расположенными в виде когерентной композиции , В других работах пейзажные фоны для фигур все еще могут составлять важную часть работы. Небо почти всегда включено в представление, и погода часто является элементом композиции. Подробные пейзажи как отдельный субъект не встречаются во всех художественных традициях и развиваются, когда уже существует сложная традиция представлять другие предметы.

Две основные традиции проистекают из западной живописи и китайского искусства, и в обоих случаях прошло более тысячи лет. Признание духовного элемента в ландшафтном искусстве присутствует от его истоков в восточноазиатском искусстве, опираясь на даосизм и другие философские традиции, но на Западе становится явным с романтизмом.

Пейзажные виды в искусстве могут быть полностью мнимыми или копироваться из реальности с различной степенью точности. Если основной целью изображения является отображение фактического, конкретного места, особенно в том числе зданий заметно, оно называется топографическим видом. Такие взгляды, чрезвычайно распространенные как печатные издания на Западе, часто воспринимаются как уступающие ландшафтам изобразительного искусства, хотя различие не всегда имеет смысл; Подобные предрассудки существовали в китайском искусстве, где литературная живопись обычно изображала воображаемые взгляды, в то время как профессиональные художники-придворные рисовали реальные взгляды, часто включавшие дворцы и города.

Типы ландшафтов:
Из-за того, как обрабатывается тема ландшафта, можно выделить три основных типа:

«Космический» или «возвышенный» пейзаж, в котором природа представлена ​​диким образом, огромные ландшафты, которые не обязательно представляют действительно существующие места и в которых человек чувствует себя потерянным. Внутри этой линии будет «натуралистический ландшафт», отражающий грандиозную, обильную и дикую природу, в которой атмосферные явления появляются как бури. Это типично для художников из Северной Европы, особенно немецкой живописи, таких как Дюрер, Эльсхаймер или Фридрих.

Природа «доминирует» человеком, как в случае с фламандским или голландским пейзажем. Присутствие человека заставляет природу не казаться угрожающей. Часто это становится «топографическим ландшафтом», который обязательно представляет собой точное и идентифицируемое место с природой, представленной самым скромным образом. В этой строке можно привести Патинира, Питера Брейгеля Старшего или голландских мастеров семнадцатого века.

Природа «колонизирована» человеком, что характерно для итальянского пейзажа. Они представляют собой возделываемые поля рельефа, холмы, долины и равнины с домами, каналами, дорогами и другими человеческими сооружениями; Природа уже не является угрозой, но человек также сделал ее своей. В этом ландшафте можно говорить о «классическом пейзаже», где представлена ​​идеальная грандиозная природа. Представление не заслуживает доверия, но рекоммендуется сублимировать природу и представить ее совершенным. В этом типе пейзажа история обычно скрыта. Актуально наличие элементов римской архитектуры в сочетании с горой или холмом и с водным планом. Этот тип «идеального пейзажа» был создан Аннибале Карраччи, а затем Доменикино и француза Пуссена. В течение столетий итальянский пейзаж был академической моделью, являющейся также Италией, страной, к которой пришли художники со всей Европы.

С другой стороны, ссылаясь на субъект, который представлен и не столько на способ его обработки, можно различать:

Марины в композициях, которые показывают океаны, моря или пляжи.
Флювиальные ландшафтные композиции с реками или ручьями.

Природные ландшафты представляют собой ландшафты, такие как леса, джунгли, пустыни, рощи и другие состояния территории без присутствия человека.
Ландшафты Costumbristas – это те, которые символизируют обычаи и традиции определенных мест, например, типичные ландшафты колумбийских городов, которые представлены в популярной живописи.

Звездные ландшафты или облачные ландшафты представляют собой изображения облаков, климатических образований и атмосферных условий.
Лунные пейзажи показывают пейзажи видения луны на земле.

Городские пейзажи показывают города.
Тяжёлые пейзажи или твердые ландшафты, в которых представлены такие области, как мощеные улицы и крупные комплексы предприятий или отраслей.

Воздушный или воздушный ландшафт, показывающий наземную поверхность, видимую сверху, особенно с самолетов или космических аппаратов. Когда точка зрения очень выражена вниз, небо не ценится. Этот жанр можно сочетать с другими, как в облачном эфире грузинского О’Киффе, эфирного лунного пейзажа Нэнси Грейвс или эфирного городского пейзажа Ивон Жакет.

Мечтальный пейзаж, в композициях, подобных пейзажам (как правило, сюрреалистическим или абстрактным), которые стремятся выразить психоаналитическое видение ума как трехмерного пространства.

история
Самые ранние формы искусства во всем мире изображают мало, что действительно можно назвать ландшафтом, хотя включены наземные линии, а иногда и указания на горы, деревья или другие природные объекты. Самые ранние «чистые ландшафты» без человеческих фигур – фрески из Минойской Греции около 1500 г. до нашей эры.

Охотничьи сцены, особенно те, которые установлены в закрытой перспективе тростниковых слоев Дельты Нила из Древнего Египта, могут дать сильное чувство места, но акцент делается на отдельных растительных формах и фигурах человека и животных, а не на общей обстановке ландшафта. Знаменитый пример – фрески из Могилы Небамуна, ныне находящиеся в Британском музее (около 1350 года до нашей эры).

Для согласованного описания целого ландшафта необходима какая-то грубая система перспективы или масштабирование для расстояния, и из литературных доказательств кажется, что сначала они были разработаны в Древней Греции в эллинистический период, хотя массовые примеры не сохранились. Более древние римские пейзажи выживают, начиная с 1-го века до нашей эры, особенно в фресках, украшающих комнаты, сохранившиеся на археологических памятниках Помпеи, Геркуланума и в других местах, и мозаики.

Традиция китайской чернильной краски Шань-шуй («горная вода») или «чистый» пейзаж, в которой единственным признаком человеческой жизни обычно является мудрец или мельком хижины, использует сложные пейзажи для рисования предметов, и ландшафтное искусство этого периода сохраняет классический и сильно имитируемый статус в китайской традиции.

Как римская, так и китайская традиции типично показывают грандиозные панорамы воображаемых ландшафтов, как правило, поддерживаемые множеством захватывающих гор – в Китае часто с водопадами и в Риме часто включаются море, озера или реки. Они часто использовались, как показано в примере, для преодоления разрыва между сценой переднего плана с фигурами и далекой панорамной перспективой, постоянной проблемой для пейзажных художников. Китайский стиль обычно показывал только отдаленный вид, или использовал мертвую землю или туман, чтобы избежать этой трудности.

Основной контраст между пейзажной живописью на Западе и Восточной Азии состоял в том, что, хотя на Западе до XIX века он занимал низкую позицию в принятой иерархии жанров, в Восточной Азии классическая китайская картина с горными чернилами была традиционно самой престижная форма визуального искусства. Эстетические теории в обоих регионах дали наивысший статус работам, которые, как считается, требовали наибольшего воображения от художника. На Западе это была живопись истории, но в Восточной Азии это был мнимый ландшафт, где известные практикующие были, по крайней мере теоретически, любительскими литераторами, в том числе несколькими Императорами Китая и Японии. Они часто были поэтами, линии и изображения которых иллюстрировали друг друга.

Однако на Западе картина истории пришла к необходимости обширного ландшафтного фона, где это уместно, поэтому теория не полностью работала против развития пейзажной живописи – на протяжении нескольких веков ландшафты регулярно продвигались к статусу истории, добавляя небольшие чтобы сделать повествовательную сцену, как правило, религиозную или мифологическую.

Западная Пейзажная живопись:

Средневековая пейзажная живопись
В раннем западном средневековом искусстве интерес к пейзажу исчезает почти полностью, сохранился только в копиях позднеантичных произведений, таких как Утрехтский псалтырь; последняя переработка этого источника в ранней готической версии уменьшает ранее обширные ландшафты до нескольких деревьев, заполняя пробелы в композиции, без ощущения общего пространства. Возрождение в интересе к природе первоначально в основном проявлялось в изображениях небольших садов, таких как Hortus Conclusus, или в гобеленах millefleur. Фрески фигур на работе или игре на фоне плотных деревьев во Дворце пап, Авиньон, вероятно, являются уникальным выживанием того, что было общим предметом. Несколько фресок садов сохранились из римских домов, таких как Вилла Ливии.

В течение 14-ого столетия Джотто ди Бондоне и его последователи стали признавать природу в своей работе, все чаще вводя элементы ландшафта в качестве фона для действия фигур в их картинах. В начале 15 века пейзажная живопись была создана как жанр в Европе, как установка для человеческой деятельности, часто выражаемая в религиозном предмете, например, темы «Отдых на полет в Египет», «Путешествие волхвов» или Святой Иероним в пустыне. Роскошные осветительные рукописи были очень важны в раннем развитии ландшафта, особенно серии «Мелодии месяцев», таких как «Très Riches Heures du Duc de Berry», которые традиционно показывали небольшие жанровые фигуры во все более широких ландшафтных условиях. Особый прогресс проявляется в менее известных Турин-Миланских часах, которые в настоящее время в значительной степени разрушены огнем, чьи события отразились на ранней голландской живописи в течение остальной части столетия. Художник, известный как «Рука G», вероятно, один из братьев Ван Эйка, был особенно успешным в воспроизведении эффектов света и в естественном представлении от переднего плана до далекого. Это было то, что другие художники находили трудными в течение столетия или более, часто решая проблему, показывая пейзаж из-за верхней части парапета или подоконника, как будто на значительной высоте.

Ренессансная пейзажная живопись
Пейзажные фоны для различных видов живописи стали более заметными и искусными в течение 15-го века. Период около конца 15-го века видел чистые пейзажные рисунки и акварели от Леонардо да Винчи, Альбрехта Дюрера, Фра Бартоломео и других, но чистые пейзажные предметы в живописи и печати, все еще небольшие, были впервые созданы Альбрехтом Альтдорфером и другими Немецкая Дунайская школа в начале 16 века. В то же время Йоахим Патинир в Нидерландах разработал «мировой пейзаж» в стиле панорамного пейзажа с маленькими фигурами и с использованием высокой воздушной точки зрения, которая оставалась влиятельной на протяжении столетия, использовалась и совершенствовалась Питером Брейгелем Старшим. Итальянское развитие тщательной системы графической перспективы было теперь известно во всей Европе, что позволило очень красиво раскрасить большие и сложные виды.

В эту эпоху ландшафт служил для выражения городских утопий и новой политики. Часто «воспринимаемый» через рамку окон на фотографиях, которые представляли внутренние сцены, он становился все более важной ролью, пока не занимал всю поверхность холста. В то же время персонажи религиозных сцен снаружи «сжимались», пока их не только символизировали элементы пейзажа (например, Иисус из Назарета для горы). Но в синтезе пейзаж оставался лишь частью картины истории или портрета.

Ландшафты были идеализированы, в основном отражающие пасторальный идеал, сделанный из классической поэзии, который впервые был полностью выражен Джорджоне и молодым Тицианом, и оставался связанным прежде всего с холмистым лесистым итальянским ландшафтом, который был изображен художниками из Северной Европы, которые никогда не бывали в Италии, так же, как простые литераторы в Китае и Японии рисовали головокружительные горы. Хотя часто молодых художников приглашали посетить Италию, чтобы испытать итальянский свет, многие художники из Северной Европы могли бы зарабатывать на жизнь итальянскими пейзажами, даже не утруждая себя поездкой. Действительно, некоторые стили были настолько популярны, что стали формулами, которые можно было копировать снова и снова.

Публикация в Антверпене в 1559 и 1561 годах двух серий из 48 отпечатков (Малые пейзажи) после рисунков анонимного художника, называемого Мастером малых ландшафтов, означала переход от мнимых далеких ландшафтов с религиозным содержанием мирового ландшафта в сторону крупномасштабных визуализаций на уровне глаз идентифицируемых загородных имений и деревень, населенных фигурами, занятыми повседневной деятельностью. Отказавшись от панорамной точки зрения мирового ландшафта и сосредоточив внимание на скромных, сельских и даже топографических, Малые Пейзажи поставили почву для пейзажной живописи Нидерландов в 17 веке. После публикации «Маленьких пейзажей» художники-пейзажисты в Низких странах либо продолжили свой мировой пейзаж, либо следовали новому режиму, представленному Малыми пейзажами.

Барочная пейзажная живопись
В начале эпохи Барокко пейзаж все еще мало культивировался. Только немецкий Адам Элсхаймер выделяется для рассмотрения историй, как правило, священных, как аутентичных ландшафтов, в которых он часто делает захватывающие исследования по атмосферным эффектам, исследованиям света или рассвета и сумерек.

Именно в барокко пейзажная живопись была окончательно установлена ​​как жанр в Европе, с развитием коллекционирования, как развлечение для человеческой деятельности. Это типичное для Северной Европы явление, которое в значительной степени объясняется протестантской реформой и развитием капитализма в Нидерландах. Благородство и духовенство, до тех пор являвшиеся главными клиентами художников, утратили актуальность, были заменены купеческой буржуазией. Предпочтения этого не шли к сложным картинам истории, предметам классической античности, мифологии или Священной истории, а также к сложным аллегориям, но они предпочитали простые и повседневные предметы, причины, по которым они достигли независимости, до тех пор жанры, такие как натюрморт, пейзаж или жанровая сцена. Была такая специализация, что каждый художник был посвящен определенному типу ландшафта. Таким образом, были художники, которые воспринимали их как «низшие страны», то есть земли, которые были ниже уровня моря, с их каналами, польдерами и ветряными мельницами; выделялся в этом парне ван Гойен, Якоб Рюйшдал и Меиндерт Хоббема. Хендрик Аверкамп специализировался на зимних принтах с замороженными прудами и фигуристами.

Хотя на севере Европы разрабатывались все виды чистых ландшафтов, религиозный, мифический или исторический анекдот по-прежнему необходим на юге в качестве предлога для рисования пейзажей. Это был пейзаж под названием «классический», «классический» или «героический», идиллический характер, который не соответствовал какому-либо конкретному, который действительно существовал, но построен из разных элементов (деревья, руины, архитектуры, горы …). Название картины и маленькие персонажи, потерянные в природе, дают ключ к истории, представленной в том, что на первый взгляд кажется только пейзажем. Этот тип был создан римско-болонским классицизмом и, в частности, самым выдающимся из его живописцев Аннибале Карраччи, в Полет в Египет священные персонажи имеют меньшее значение, чем окружающий их пейзаж.

Живопись 17-го и 18-го веков
Популярность экзотических пейзажных сцен можно увидеть в успехе живописца Франса Поста, который всю оставшуюся жизнь рисовал бразильские пейзажи после поездки туда в 1636-1644 годах. Другие художники, которые никогда не пересекали Альпы, могли зарабатывать деньги на пейзажах Рейнланд, а третьи – на создание фантастических сцен для конкретной комиссии, таких как взгляд Корнелиса де Мена на Смейеренбург в 1639 году.

Были разработаны композиционные формулы с использованием таких элементов, как repoussoir, которые остаются влиятельными в современной фотографии и живописи, в частности Пуссена и Клода Лоррена, как французских художников, живущих в Риме 17 века, так и живописи в основном классической тематики, или библейских сцен, установленных в тех же ландшафтах. В отличие от своих голландских современников, итальянские и французские художники-пейзажисты по-прежнему чаще всего хотели сохранить свою классификацию в иерархии жанров как живопись истории, включив в нее небольшие фигуры, представляющие сцену из классической мифологии или Библии. Сальватор Роза дал живописное волнение своим пейзажам, показав более дикую южно-итальянскую страну, часто населенную бандитами.

Голландская золотая эпоха живописи XVII века ознаменовала резкий рост пейзажной живописи, в которой специализировались многие художники, а также разработка чрезвычайно тонких реалистичных методов изображения света и погоды. Существуют разные стили и периоды, а также поджанры морской и животной живописи, а также особый стиль итальянского ландшафта. Большинство голландских ландшафтов были относительно небольшими, но пейзажи на фламинской барочной живописи, которые обычно были населены, часто были очень большими, прежде всего в серии работ, которые Петр Пол Рубенс писал для своих домов. Ландшафтные отпечатки были также популярны, и те, что были у Рембрандта, и экспериментальные работы Геркулеса Сегера, как правило, считаются лучшими.

Голландцы, как правило, делали небольшие картины для небольших домов. Некоторые голландские ландшафтные специальности, названные в инвентаре периода, включают в себя Batalje или боевую сцену; Манештийнье, или сцену лунного света; Bosjes, или лесная сцена; Бодерия, или фермерскую сцену, и сцену Дорпье или деревни. Несмотря на то, что в то время не назывался особым жанром, популярность римских руин вдохновляла многих голландских пейзажистов того времени на краску руин своего региона, таких как монастыри и церкви, разрушенные после битвы.

В Англии пейзажи первоначально были в основном фоном для портретов, как правило, предлагая парки или поместья помещика, хотя в основном они рисовались в Лондоне художником, который никогда не посещал скаты. Английская традиция была основана Энтони ван Дейком и другими преимущественно фламандскими художниками, работающими в Англии, но в 18 веке работы Клода Лоррена были тщательно собраны и повлияли не только на картины пейзажей, но и на английские ландшафтные сады Capability Brown и другие.

18-й век также был большим возрастом для топографического отпечатка, изображающего более или менее точно реальный вид в том виде, в котором пейзажная живопись редко делала. Первоначально они были в основном сосредоточены на здании, но в течение века, с ростом романтического движения, стали более распространены чистые пейзажи. Топографический шрифт, часто предназначенный для обрамления и зависания на стене, оставался очень популярной средой в XX веке, но часто классифицировался как более низкая форма искусства, чем воображаемый пейзаж.

Пейзажи в аквареле на бумаге стали особым специализмом, прежде всего в Англии, где развилась особая традиция талантливых художников, которые только или почти полностью рисовали пейзажные акварели, как это было не в других странах. Это были очень часто реальные взгляды, хотя иногда композиции были приспособлены для художественного эффекта. Картины продавались относительно дешево, но их было гораздо быстрее производить. Эти профессионалы могли увеличить свой доход, обучая «армию любителей», которые также рисовали.

Пейзажная живопись XIX-XX веков
Романтическое движение усилило существующий интерес к ландшафтному искусству, а отдаленные и дикие пейзажи, которые были одним из повторяющихся элементов в более раннем ландшафтном искусстве, стали более заметными. Немецкий каспар Дэвид Фридрих отличался особым стилем, под влиянием его датского обучения, где развился особый национальный стиль, основанный на голландском примере 17-го века. К этому он добавил квазимистический романтизм. Французские художники были медленнее разрабатывать пейзажную живопись, но примерно с 1830-х годов Жан-Батист-Камиль Коро и другие художники в школе Барбизона создали французскую традицию пейзажа, которая станет самой влиятельной в Европе на протяжении столетия, с импрессионистами и пост- Импрессионисты впервые заставляют пейзаж рисовать главный источник общих стилистических нововведений во всех видах живописи.

Все, что обязательно ведет к пейзажу, пейзажной живописи было великим художественным творением девятнадцатого века. Люди «могли предположить, что оценка естественной красоты и пейзажной живописи является нормальной и постоянной частью нашей духовной деятельности. Основными европейскими способами преобразования сложности ландшафта в идею были четыре фундаментальных подхода: принятие описательных символов, любопытством к фактам природы, созданием фантазий, чтобы облегчить мечты о глубоких корнях в природе и верой в золотой век, гармонии и порядка, которые можно было бы восстановить.

В романтическую эпоху пейзаж становится актером или производителем эмоций и субъективных переживаний. Живописные и возвышенные тогда выглядят как два способа увидеть пейзаж. Первые туристические гиды Истории собирают эти точки зрения, чтобы сделать популярную память об объектах и ​​их ландшафтах. Английский Джон Констебль открыл путь, который был посвящен живописи ландшафтов сельской Англии, не затронутых Промышленной революцией, в том числе тех мест, которые были ему известны с детства, таких как Долина Дедхэм. Он делал это с помощью техники разложения цвета малыми штрихами, что делает ее предшественником импрессионизма; Он изучал атмосферные явления, особенно облака. Выставка его работ в Парижском салоне 1824 года была очень успешной среди французских художников, начиная с Делакруа. Англичанин Уильям Тернер, его современник, но с более продолжительной художественной жизнью, отражал современность, как и в своей самой известной работе: «Дождь, пар и скорость», в котором появился по-настоящему новый предмет, железная дорога и мост Мейденхед, вундеркинда техники в то время. С Тернером формы ландшафта, растворенные в вихрях цвета, которые не всегда позволяли распознавать то, что отражено в живописи.

В Германии Блехен продолжал отражать традиционный ландшафт по преимуществу итальянский, но совсем по-другому, чем раньше. Он представил Италию, которая была не очень живописной, а не идиллической, которая подвергалась критике. Филипп Отто Рунге и Каспар Давид Фридрих, два выдающихся художника немецкой романтической живописи, посвятили себя пейзажу своей страны. Воодушевленные пиетистским духом, они пытались создавать религиозные картины, но не представляли сцены с такой темой, а отражали величие ландшафтов таким образом, чтобы они перешли к набожности.

Переход от «классического пейзажа» к реалистическому ландшафту дает Камиль Корот, который, подобно Блечену или Тернеру, прошел свою стадию становления в Италии. С ним начался другой способ лечения пейзажа, отличный от пейзажа. Как и после школы Барбизона, а затем и импрессионизма, он придавал пейзажу совершенно другую роль, чем у романтиков. Они наблюдали это с тщательным и относительным образом с точки зрения света и цвета, с целью создания представления, верного восприятию, которое может иметь наблюдатель. Эта преданность, которая испытывается, например, в контрастах и ​​затрагивает «ярким» способом.

Страсть пост-импрессиониста Винсента Ван Гога к работе его предшественников привела его к рисованию провансальского пейзажа с 1888 года. Его работа, интенсивных цветов, в которых фигуры деформированы и изогнуты, отходит от реализма, является прецедентом экспрессионистских тенденций.

В Северной Америке национальные школы живописи в значительной степени возникли у огородников, которые рисовали землю. В Соединенных Штатах Фредерик Эдвин, художник великих панорам, сделал обширные композиции, которые символизируют величие и необъятность американского континента (Ниагарский водопад, 1857). Школа реки Гудзон во второй половине девятнадцатого века, вероятно, является самым известным проявлением коренных народов. Его живописцы создавали произведения колоссального размера, пытаясь захватить эпический масштаб ландшафтов, которые их вдохновляли. Работа Томаса Коула, который в целом признан основателем школы, имеет много общего с философскими идеалами европейской пейзажной живописи, своего рода светской верой в духовные блага, которые можно получить от созерцания красоты. естественно. Некоторые из более поздних художников Школы реки Гудзон, такие как Альберт Бирстадт, создали произведения романтического характера, которые подчеркивали более суровые, даже ужасные, силы природы.

Национализм новых Объединенных провинций был фактором популярности пейзажной живописи голландского 17-го века и в XIX веке, когда другие народы пытались развить отличительные национальные школы живописи, попытка выразить особый характер пейзажа родина стала общей тенденцией. В России, как и в Америке, гигантские размеры картин были сами собой националистическим заявлением.

В Соединенных Штатах школа реки Гудзон, известная в середине-конце 19-го века, является, вероятно, самым известным отечественным развитием ландшафтного искусства. Эти художники создали произведения мамонтового масштаба, которые пытались захватить эпический масштаб ландшафтов, которые вдохновляли их. Работа Томаса Коула, общепризнанного основателя школы, имеет много общего с философскими идеалами европейских пейзажных картин – своего рода светской верой в духовные выгоды, которые можно получить от созерцания естественной красоты. Некоторые из более поздних художников школы реки Гудзон, такие как Альберт Бирстадт, создали менее утешительные работы, которые делали больший акцент (с большим романтическим преувеличением) на сырой, даже ужасающей силе природы. Лучшие примеры канадского ландшафтного искусства можно найти в работах «Семерки», известных в 1920-х годах.

Исследователи, натуралисты, моряки, торговцы, которые колонизировали побережье Атлантики, оставили ряд наблюдений, иногда научных, иногда фантастических или экстравагантных, задокументированных на их картах и ​​картинах.

Несмотря на то, что в период после Первой мировой войны они были менее доминирующими, многие значимые художники все еще рисовали пейзажи в самых разных стилях, например Чарльз Берклифилд, Нил Велливер, Алекс Кац, Милтон Эйвери, Питер Дойг, Эндрю Уайет, Дэвид Хокни и Сидней Нолан.

Современная пейзажная живопись
Современная пейзажная живопись распустила существование жанров, но в разных авангардистских «измах» мы можем различать картины, в которых представленный пейзаж, всегда с собственным стилем автора. Сезанн, «отец современной живописи», посвятил целую серию картин на гору Сент-Виктуар. Дерен, Дюфи, Вламинк и Маркет рисовали пейзажи, а Брек, один из основателей кубизма, неоднократно пробовал пейзаж Л’Эстака. В Вене в начале века произведения такого рода производили модернист Густав Климт и экспрессионист Эгон Шиле.

Экспрессионисты передавали свои чувства и хроматические ощущения также через ландшафты, как и Эрих Хеккель или Карл Шмидт-Роттлуфф в своих картинах, написанных в рыбацкой деревне Дангаст.

Различные формы абстракции в конечном итоге подавляли важность ландшафта, ограничивая объем реализма и представления. Тем не менее, термин «абстрактная пейзажная живопись» часто используется в отношении нескольких нефигуративных художников (Bazaine, Le Moal или Manessier). Сицилийский пейзаж вдохновил творчество художника-реалиста Ренато Гуттузо.

В последние годы аргентинский художник Хельмут Дич выделялся картинами, вдохновленными экстремальными точками природы. Его работа называется Ярким реализмом, утверждая, что живопись Дича не подлежит никакому изобразительному, натуралистическому или реалистическому представлению, но рождается из виталистического и мистического опыта природы.

Ориентальная живопись:

Китайская пейзажная живопись
Пейзажная живопись была названа «величайшим вкладом Китая в искусство мира» и обязана своим особым характером традиции даосского языка (даосской) в китайской культуре. Уильям Уотсон отмечает, что «Было сказано, что роль ландшафтного искусства в китайской живописи соответствует роли обнаженной на западе, как самой темы, неизменной само по себе, но создавшего средство бесконечных нюансов зрения и чувства».

Все более изощренные пейзажные фоны, чтобы изобразить предметы, показывающие охоту, фермерство или животных из династии Хань и далее, с сохранившимися примерами в основном из каменных или глиняных рельефов из гробниц, которые, как предполагается, следуют преобладающим стилям в живописи, без сомнения, не захватывая полный эффект оригинальных картин. Точный статус более поздних копий известных произведений известных художников (многие из которых записаны в литературе) до 10 века неясен. Одним из примеров является знаменитая картина 8-го века из Имперской коллекции под названием «Император Мин Хуан», путешествующий по Шу. Это показывает окружение верхом через головокружительные горы типа, характерного для более поздних картин, но в полном цвете «создает общую картину, которая почти персидская», в том, что было очевидно популярным и модным придворным стилем.

Решающий переход к монохромному пейзажному стилю, почти лишенному фигур, приписывается Ван Вэй (699-759), также известному как поэт; в основном остаются только копии его произведений. С 10-го века все большее число оригинальных картин сохранилось, и лучшие произведения южной школы династии Сун (960-1279) остаются одними из самых уважаемых в том, что было непрерывной традицией и по сей день. Китайская конвенция ценила картины любительского ученого-джентльмена, часто и поэта, над произведениями профессионалов, хотя ситуация была более сложной. Если они включают в себя какие-либо цифры, они очень часто такие люди, или мудрецы, созерцающие горы. Знаменитые произведения накопили множество красных «благодарственных печатей», и часто стихи, добавленные более поздними владельцами – Император Цяньлун (1711-1799), были плодовитым сумматором его собственных стихов, следуя за ранее Императорами.

Традиция шан-шуй никогда не предназначалась для представления фактических мест, даже если их назвали в честь них, как в конвенции «Восемь представлений». Другой стиль, созданный мастерскими профессиональных придворных художников, расписал официальные взгляды на императорские гастроли и церемонии, причем основное внимание уделялось высоко детализированным сценам переполненных городов и торжественных церемоний с высокой точки зрения. Они были нарисованы на свитках огромной длины ярким цветом.

Китайская скульптура также достигает трудного подвига создания эффективных ландшафтов в трех измерениях. Существует давняя традиция оценки «смотровых камней» – естественно сформированные валуны, как правило, известняк с берегов горных рек, размытых в фантастические формы, были доставлены во дворы и сады литераторов. Вероятно, это связано с традицией вырезать гораздо более мелкие валуны нефрита или какого-либо другого полудрагоценного камня в форме горы, включая крошечные фигуры монахов или мудрецов. Китайские сады также разработали очень сложную эстетику гораздо раньше, чем на Западе; каренсансуйский или японский сухие сады дзен-буддизма забирает сад еще ближе к тому, чтобы быть скульптурой, представляющей собой сильно абстрагированный пейзаж.

Япония пейзажная живопись
Японское искусство первоначально адаптировало китайские стили, чтобы отразить их интерес к повествовательным темам в искусстве, со сценами, установленными в пейзажах, смешавшихся с теми, которые показывают дворцовые или городские сцены, используя ту же самую высокую точку зрения, отрезая крыши по мере необходимости. Они появились в очень длинных ямато-е свитках сцен, иллюстрирующих «Сказку о Гэндзи» и других предметах, в основном с XII и XIII веков. Концепция джентльменско-любительского живописца имела небольшой резонанс в феодальной Японии, где художники обычно были профессионалами с сильной связью с их мастером и его школой, а не с классическими художниками из далекого прошлого, из которых китайские художники имели тенденцию черпать вдохновение , Живопись изначально была полностью окрашена, часто ярко, поэтому пейзаж никогда не переполняет фигуры, которые часто довольно крупны.

С 15-го века сохранилось еще много чистых пейзажных предметов; несколько ключевых художников – дзэн-буддийское духовенство и работали в монохромном стиле с большим вниманием к мазкам кисти в китайской манере. Некоторые школы приняли менее изысканный стиль, с меньшими взглядами, придающими больший акцент на передний план. Тип изображения, имевший непреклонную привлекательность для японских художников и получивший название «японский стиль», на самом деле впервые встречается в Китае. Это сочетает в себе одну или несколько крупных птиц, животных или деревьев на переднем плане, обычно с одной стороны в горизонтальной композиции, с более широким ландшафтом за пределами, часто только покрывающим части фона. Более поздние версии этого стиля часто обходились без ландшафта.

Стиль ukiyo-e, который развивался с 16-го века, сначала в живописи, а затем в цветных гравюрах, которые были дешевыми и широко доступными, первоначально концентрировался на человеческой фигуре, индивидуально и в группах. Но с конца 18 века ландшафт ukiyo-e развился под Hokusai и Hiroshige, чтобы стать самым известным типом японского ландшафтного искусства.

Техника пейзажной живописи
Большинство ранних ландшафтов явно мнимы, хотя с самого раннего возраста городские пейзажи явно предназначены для представления реальных городов с разной степенью точности. Различные методы были использованы для моделирования случайности естественных форм в изобретенных композициях: средневековый совет Ценнино Ценнини, чтобы скопировать обшарпанные скалы из мелких необработанных пород, по-видимому, сопровождался как Пуссеном, так и Томасом Гейнсборо, в то время как Дега копировал облачные формы из смятого носового платка против света. Система Александра Козена использовала случайные чернильные пятна, чтобы придать основную форму изобретенного пейзажа, который будет разработан художником.

Отличительный фоновой вид на Женевское озеро до пика Le Môle в «Чудесном проекте рыб» Конрада Вица (1444) часто упоминается как первый западный сельский пейзаж, чтобы показать конкретную сцену. Ландшафтные исследования Дюрера четко представляют собой реальные сцены, которые можно идентифицировать во многих случаях и, по крайней мере, частично были сделаны на месте; рисунки Фра Бартоломео также кажутся явно нарисованными с натуры. Готовые работы Дюрера, похоже, обычно используют изобретенные ландшафты, хотя захватывающий вид с высоты птичьего полета в его гравировке Немезида показывает реальный вид в Альпах с дополнительными элементами. Известно, что некоторые ландшафтные художники сделали рисунки и акварельные эскизы с натуры, но доказательства ранней масляной живописи, сделанные снаружи, ограничены. Братство Pre-Raphaelite предприняло особые усилия в этом направлении, но только после введения готовых масляных красок в пробирках в 1870-х годах, за которым последовал переносной «коробчатый мольберт», широко использовалась живопись в плену.

Занавес гор в задней части пейзажа является стандартным в широких римских взглядах и тем более в китайских пейзажах. Относительно мало места уделяется небу в ранних работах в любой традиции; китайцы часто использовали туман или облака между горами, а также иногда показывают облака в небе гораздо раньше, чем западные художники, которые изначально в основном используют облака в качестве подставок или обложки для божественных фигур или небес. Как в картинах, так и в миниатюрах в рукописях обычно имелось узорчатое или золотое «небо» или фон над горизонтом до 1400 года, но фрески Джотто и других итальянских художников долго показывали простые голубые небеса. Единственный сохранившийся алтарь Мельхиора Бродерлама, законченный для Чаммола в 1399 году, имеет золотое небо, населенное не только Богом и ангелами, но и летающей птицей. На прибрежной сцене в Турине-Милан-часах небо пасмурно с тщательно наблюдаемыми облаками. В гравюрах на дереве большое пустое пространство может вызвать провисание бумаги во время печати, поэтому Дюрер и другие художники часто включают облака или squiggles, представляющие птиц, чтобы избежать этого.

Монохромная китайская традиция с самого начала использовала чернила на шелке или бумаге с большим вниманием к индивидуальному мазку, чтобы определить цюань или «морщины» в горных боках и другие особенности ландшафта. Западная акварель – более тональная среда, даже с видимым снижением.