Categories: искусство

Итальянская ренессансная живопись

Итальянская живопись эпохи Возрождения — это живопись периода, начинающегося в конце 13-го века, и процветающего с начала 15-го по конец XVI века, произошедшего на итальянском полуострове, который в то время был разделен на многие политические области. Художники эпохи Возрождения Италии, хотя часто были привязаны к конкретным судам и с привязанностью к конкретным городам, тем не менее блуждали по длине и ширине Италии, часто занимая дипломатический статус и распространяя художественные и философские идеи.

Город Флоренции в Тоскане известен как место рождения Ренессанса и, в частности, живопись эпохи Возрождения. Подробный фон приведен в сопутствующих статьях архитектуры эпохи Возрождения и Ренессанса.

Итальянскую ренессансную живопись можно разделить на четыре периода: прото-ренессанс (1300-1400), ранний ренессанс (1400-1475), Высокий ренессанс (1475-1525) и маньеризм (1525-1600). Эти даты являются приблизительными, а не конкретными точками, потому что жизни отдельных художников и их личные стили перекрывают разные периоды.

Прото-ренессанс начинается с профессиональной жизни живописца Джотто и включает Таддео Гадди, Орканья и Альтихьеро. Ранний ренессанс был отмечен работами Мазаччо, Фра Анджелико, Паоло Учелло, Пьеро делла Франческа и Верроккио. Период высокого ренессанса был периодом Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэля и Тициана. Маньеристский период включал Андреа дель Сарто, Понтормо и Тинторетто. Маньеризм рассматривается в отдельной статье.

Влияния
Влияние на развитие ренессансной живописи в Италии — это те, которые также затрагивают философию, литературу, архитектуру, теологию, науку, правительство и другие аспекты общества. Ниже приводится краткое изложение пунктов, более подробно рассмотренных в основных статьях, которые приводятся выше.

философия
Ряд классических текстов, которые были потеряны западноевропейским ученым на протяжении веков, стали доступными. К ним относятся Философия, Поэзия, Драма, Наука, диссертация на искусство и раннехристианское богословие. Полученный интерес к гуманистической философии означал, что отношения человека с человечеством, вселенной и с Богом уже не были исключительной областью Церкви. Возрожденный интерес к классикам вызвал первое археологическое исследование римских останков архитектором Брунеллески и скульптором Донателло. Возрождение стиля архитектуры, основанного на классических прецедентах, вдохновило соответствующий классицизм в живописи, который проявился уже в 1420-х годах в картинах Мазаччо и Паоло Учелло.

Наука и технология
Одновременно с получением доступа к классическим текстам, Европа получила доступ к передовой математике, которая имела свое происхождение в работах византийских и исламских ученых. Появление печатной печатной продукции в XV веке означало, что идеи могут быть легко распространены, и все большее число книг было написано для широкой общественности. Разработка масляной краски и ее внедрение в Италию оказали продолжительное влияние на искусство живописи.

общество
Создание банка Медичи и последующая торговля, которую оно произвело, привели к беспрецедентному богатству в одном итальянском городе Флоренции. Cosimo de ‘Medici установил новый стандарт патронажа искусств, не связанный с церковью или монархией. Впечатляющее присутствие в регионе Флоренции некоторых людей художественного гения, особенно Джотто, Мазаччо, Брунеллески, Пьеро делла Франческа, Леонардо да Винчи и Микеланджело, сформировало этос, который поддерживал и поощрял многих меньших художников к достижению необычайного качества. Подобное наследие художественных достижений произошло в Венеции через талантливую семью Беллини, их влиятельную интонацию Мантеньи, Джорджоне, Тициана и Тинторетто.

Темы
Большая картина эпохи Возрождения была заказана Католической церковью или для нее. Эти работы часто были масштабными и часто повторялись на фресках Жизни Христа, жизни Богородицы или жизни святого, особенно святого Франциска Ассизского. Было также много аллегорических картин на тему Спасения и роль Церкви в ее достижении. Церкви также заказали алтарей, которые были окрашены в темпери на панели, а затем в холсте. Помимо больших алтарей, маленькие преданные картины были изданы в очень большом количестве, как для церквей, так и для частных лиц, самой распространенной темой была Мадонна с младенцем.

В течение всего периода важны также гражданские комиссии. В зданиях местного правительства были украшены фрески и другие произведения, светские, такие как «Аллегория хорошего и плохого правительства» Амброгио Лоренцетти и религиозные, такие как фреска Симоны Мартини из Маэсты в Палаццо Паблико, Сиена.

Портреты были необычными в 14-м и начале 15-го веков, в основном, были ограничены гражданскими памятными картинами, такими как конные портреты Guidoriccio da Fogliano Симоны Мартини, 1327 год, в Сиене и в начале 15 века, Джон Хоквуд Уччелло во Флорентийском соборе и его компаньон, изображающий Никколо да Толентино Андреа дель Кастаньо.

В течение 15-го века портрета стала распространенной, изначально часто формализованные портреты портретов, но все чаще три четверти лица, портреты бюста. В сценах часто присутствовали меценаты, такие как алтарные и фресковые циклы, ярким примером которых является включение семейств Сассетти и Медичи в цикл Доменико Гирландайо в Часовне Сассетти. Портреты должны были стать основным предметом для художников высокого ренессанса, таких как Рафаэль и Тициан, и продолжиться в маньеристский период в произведениях таких художников, как Бронзино.

С ростом гуманизма художники обратились к классическим темам, в частности, чтобы выполнить поручения за украшение домов богатых покровителей, самым известным из которых является рождение Вентури в Боттичелли для Медичи. Все чаще классические темы также рассматривались как предоставление подходящего аллегорического материала для гражданских комиссий. Гуманизм также повлиял на то, как изображались религиозные темы, особенно на потолке Микеланджело в Сикстинской капелле.

Другие мотивы были сделаны из современной жизни, иногда с аллегорическим смыслом, иногда иногда чисто декоративными. Инциденты, важные для конкретной семьи, могут быть записаны так же, как в Camera degli Sposi, которые Мантенья написала для семьи Гонзага в Мантуе. Все чаще нарисованы натюрморты и декоративные сцены из жизни, такие как Концерт Лоренцо Коста примерно в 1490 году.

Важные события часто записывались или отмечались в картинах, таких как битва Учелло в Сан-Романо, а также важные местные религиозные фестивали. История и исторические персонажи часто изображались таким образом, который отражался на текущих событиях или на жизни нынешних людей. Портреты часто рисовали современников под видом персонажей из истории или литературы. Важными источниками тем послужили труды Данте, «Золотая легенда» Ворагина и Декамерон Боккаччо.

Во всех этих предметах, все чаще и в работах почти всех живописцев, разрабатывались определенные основные живописные практики: наблюдение за природой, изучение анатомии, света и перспективы.

Прото-ренессансная живопись

Традиции тосканской живописи 13 века
В области искусства Тосканы в конце 13-го века доминировали два мастера византийского стиля: Симабуэ Флоренции и Дуччо из Сиены. Их поручения были в основном религиозными картинами, некоторые из которых были очень большими алтарями, показывающими Мадонну с младенцем. Эти два живописца со своими современниками: Гвидо из Сиены, Коппо ди Марковалдо и таинственный художник, чей стиль школы, возможно, был основан, так называемый Мастер Святого Бернардино, все работали так, что были очень формализованы и зависели от древняя традиция иконописи. В этих картинах темперамента многие детали были жестко закреплены предметом, точное положение рук Мадонны и Христа-ребенка, например, продиктовано характером благословения, которое нарисовала на зрителя. Угол головы и плеч Девы, складки в ее вуаль и линии, с которыми были определены ее черты, были повторены в бесчисленных таких картинах. Симабуэ и Дуччио предприняли шаги в направлении большего натурализма, как и их современники, Пьетро Каваллини из Рима.

Джотто
Джотто, (1266-1337), по традиции пастух с холмов к северу от Флоренции, стал учеником Симабуэ и стал самым выдающимся живописцем своего времени. Джотто, возможно, под влиянием Пьетро Каваллини и других римских художников, не основывал рисунки, которые он нарисовал на какой-либо живописной традиции, но на наблюдении за жизнью. В отличие от своих византийских современников фигуры Джотто прочно трёхмерны; они стоят прямо на земле, имеют заметную анатомию и одеты в одежду с весом и структурой. Но больше всего, что отличает фигуры Джотто, кроме тех, что были у его современников, — это их эмоции. В лицах фигур Джотто есть радость, ярость, отчаяние, стыд, злоба и любовь. Цикл фресок Жизни Христа и Жизни Богородицы, который он написал в Часовне Скровеньи в Падуе, установил новый стандарт для повествовательных картин. Его маска Огниссанти висит в Галерее Уффици, Флоренция, в той же комнате, что и Мадонна Санта Тринита Симабуи и Руччеллайская Мадонна Дуччо, где можно легко сделать стилистические сравнения между тремя. Одной из особенностей, очевидной в работе Джотто, является его наблюдение за натуралистической перспективой. Он считается вестником эпохи Возрождения.

Современники Джотто
У Джотто было несколько современников, которые либо обучались, либо под влиянием его, или чье наблюдение за природой привело их в аналогичном направлении. Хотя несколько учеников Джотто усвоили направление своей работы, ни один из них не стал таким успешным, как он. Таддео Гадди совершил первую крупную картину ночной сцены в Благовещенье перед пастухами в часовне Барончелли церкви Санта-Кроче, Флоренция.

Картины в Верхней церкви базилики Святого Франциска, Ассизи, являются примерами натуралистической живописи того периода, часто приписываемого самому Джотто, но, скорее, работа художников, окружающих Пьетро Каваллини. Поздняя картина Чимабуэ в Нижней церкви в Ассизи, Мадонны и Святого Франциска также ясно показывает больший натурализм, чем его панельные картины и остатки его ранних фресок в верхней церкви.

Смертность и выкуп
Общей темой в оформлении средневековых церквей был Страшный суд, который в северных европейских церквях часто занимает скульптурное пространство над западной дверью, но в итальянских церквях, таких как Часовня Скровегни Джотто, расписана на внутренней западной стене. Черная смерть 1348 года заставила оставшихся в живых сосредоточиться на необходимости приближаться к смерти в состоянии покаяния и отпущения грехов. Неизбежность смерти, награды за кающийся и наказание за грех были подчеркнуты в ряде фресок, замечательных для их мрачных изображений страдания и их сюрреалистических образов мучений Ада.

К ним относятся «Триумф смерти» ученика Джотто Орканьи, теперь в фрагментарном состоянии в Музее Санта-Кроче и Триумф смерти в памятнике Кампосанто в Пизе неизвестным художником, возможно, Франческо Трайни или Буонамико Буффалмакко, которые работали над другим три из серии фресок на тему Спасения. Неизвестно точно, когда эти фрески были начаты, но обычно считается, что они датируются 1348 годом.

В Падуе в конце 14 века активно работали два живописца-фреска: Альтихьеро и Джусто де Менабуи. Шедевр Джусто, украшение Баптистерия Собора, следует теме создания, падения и спасения человечества, также имеющего редкий цикл Апокалипсиса в маленькой алтаре. Несмотря на то, что вся работа является исключительной по своей широте, качеству и неповрежденному состоянию, лечение человеческих эмоций является консервативным по сравнению с распятием Альтихьеро в базилике Сант-Антонио, также в Падуе. Работа Джусто опирается на формализованные жесты, где Альтихьеро связывает инциденты, связанные с смертью Христа, с великой человеческой драмой и интенсивностью.

Во Флоренции, в испанской часовне Санта-Мария-Новелла, Андреа Бонайути было поручено подчеркнуть роль Церкви в искупительном процессе и, в частности, Доминиканского ордена. Его фресковая Аллегория Активной и Триумфальной церкви примечательна своим изображением Флорентийского собора, в комплекте с куполом, который не был построен до следующего столетия.

Международная готика
В течение более позднего 14-го столетия, Международная готика была стиль, который доминировал тосканской живописи. Это можно увидеть в работе Пьетро и Амброджо Лоренцетти, которая характеризуется формализованной сладостью и изяществом фигур, а также поздней готической грацией в драпировках. Стиль полностью развит в работах Симоны Мартини и Джентиле да Фабриано, которые отличаются элегантностью и богатством деталей и идеализированным качеством, не совместимым с резкими реалиями картин Джотто.

В начале 15-го века преодоление разрыва между международной готикой и эпохой Возрождения — картины Фра Анджелико, многие из которых, будучи алтарями в темпе, показывают готическую любовь к разработке, золотому листу и блестящему цвету. Именно в его фресках в своем монастыре Сант-Марко Фра Анджелико показывает себя художественным учеником Джотто. Эти преданные картины, украшающие клетки и коридоры, населенные монахами, представляют эпизоды из жизни Иисуса, многие из которых являются сценами Распятия. Они совершенно просты, сдержанны по цвету и интенсивны в настроении, поскольку художник стремился сделать духовные откровения визуальной реальностью.

Ранняя ренессансная живопись

Флоренция
Самые ранние поистине ренессансные образы во Флоренции датируются 1401 годом, первым годом столетия, известным на итальянском языке как Quattrocento, синонимом раннего Возрождения. В этот день было проведено соревнование, чтобы найти художника, чтобы создать пару бронзовых дверей для Баптистерия Св. Иоанна, старейшей оставшейся церкви в городе. Баптистерия — это большое восьмиугольное здание в романском стиле, истоки которого были забыты и которые, как считалось, считаются датированными римскими временами. Интерьер его купола украшен огромным мозаичным рисунком Христа в величестве, который, как полагают, был спроектирован Коппо ди Марковалдо. Он имеет три больших портала, центральный из которых был заполнен в то время множеством дверей, созданных Андреа Пизано восемьдесят лет назад.

Related Post

Двери Пизано были разделены на 28 отсеков quatrefoil, в которых были изображены сцены из жизни Иоанна Крестителя. Конкуренты, из которых было семь молодых художников, каждый из них проектировали бронзовую панель аналогичной формы и размера, представляющую Жертву Исаака.

Две из панелей сохранились, что Лоренцо Гиберти и Брунеллески. Каждая панель показывает некоторые сильно классифицирующие мотивы, указывающие направление движения искусства и философии в то время. Гиберти использовал голую фигуру Исаака, чтобы создать небольшую скульптуру в классическом стиле. Он стоит на коленях на гробнице, украшенной свитками акантуса, которые также относятся к искусству Древнего Рима. В панели Брунеллески одна из дополнительных фигур, включенных в сцену, напоминает известную римскую бронзовую фигуру мальчика, вытаскивающего шип из его ноги. Создание Брунеллески сложнее в динамической интенсивности. Менее элегантный, чем Гиберти, это больше о человеческой драме и надвигающейся трагедии.

Гиберти выиграл конкурс. Его первый комплект дверей для баптистов занял 27 лет, после чего ему было поручено сделать еще один. В общей сложности 50 лет, когда Гиберти работал над ними, двери служили местом подготовки многих художников Флоренции. Будучи повествованием по предмету и используя не только умение в компоновке фигуративных композиций, но и растущее мастерство линейной перспективы, двери должны были иметь огромное влияние на развитие флорентийского изобразительного искусства. Они были объединяющим фактором, источником гордости и товарищества как для города, так и для его художников. Микеланджело должен был называть их Вратами Рая.

Часовня Бранкаччи
В 1426 году два художника начали роспись фрескового цикла «Жизнь Святого Петра» в часовне семьи Бранкаччи, в церкви Кармелитов во Флоренции. Оба они были названы по имени Томмазо и получили прозвище Мазаччо и Масолино, словенский Том и Маленький Том.

Машаччо, более чем любой другой художник, признал последствия в работе Джотто. Он переносил практику рисования с натуры. Его картины демонстрируют понимание анатомии, ракурса, линейной перспективы, света и изучения драпировки. Среди его работ фигуры Адама и Евы, высланные из Идена, написанные на стороне арки в часовню, славятся своим реалистическим изображением человеческой формы и человеческих эмоций. Они контрастируют с нежными и красивыми фигурами, написанными Масолино на противоположной стороне Адама и Евы, получая запретный плод. Картина Часовни Бранкаччи осталась незавершенной, когда Мазаччо умер в 26. Работа была позже завершена Филиппином Липпи. Работа Мазаччо стала источником вдохновения для многих более поздних художников, включая Леонардо да Винчи и Микеланджело.

Развитие линейной перспективы
В первой половине XV века достижение эффекта реалистического пространства в живописи путем использования линейной перспективы было главной заботой многих художников, а также архитекторов Брунеллески и Альберти, которые оба теоретизировали о предмете. Известно, что Брунеллески провел ряд тщательных исследований на площади и восьмиугольном баптистерии за пределами Флорентийского собора, и считается, что он помог Мазаччио создать свою знаменитую нишу тромпелевской ниши вокруг Святой Троицы, которую он написал в Санта-Мария-Новелла.

По словам Вазари, Паоло Уччелло был настолько одержим перспективой, что он думал о другом и экспериментировал с ним во многих картинах, наиболее известными из которых были три картины битвы за Сан-Романо, которые использовали сломанное оружие на земле и поля на далеких холмах чтобы создать впечатление перспективы.

В 1450-х годах Пьеро делла Франческа в таких картинах, как «Флагеляция Христа», продемонстрировала свое мастерство над линейной перспективой, а также над наукой о свете. Другая картина существует, городской пейзаж неизвестного художника, возможно, Пьеро делла Франческа, который демонстрирует такой эксперимент, который делал Брунеллески. С этого времени линейная перспектива понималась и регулярно использовалась, например, Перуджино в его Христе, дающем ключи от Святого Петра в Сикстинской капелле.

Понимание света
Джотто использовал тональность для создания формы. Таддео Гадди в своей ночной сцене в часовне Барончелли продемонстрировал, как свет может быть использован для создания драмы. Паоло Уччелло, сто лет спустя, экспериментировал с драматическим эффектом света в некоторых его почти монохромных фресках. Он сделал несколько из них в терра-верде или «зеленой земле», оживляя свои композиции с прикосновениями к крапивнице. Наиболее известным является его конный портрет Джона Хоквуда на стене собора Флоренции. И здесь, и в четырех главах пророков, которые он рисовал вокруг внутреннего часового пояса в соборе, он использовал сильно контрастные тона, предполагая, что каждая фигура освещена естественным источником света, как будто источник был фактическим окном в соборе ,

Пьеро делла Франческа продолжала изучать свет. В «Flagellation» он демонстрирует знание о том, как свет пропорционально распространяется с места его происхождения. В этой картине есть два источника света: один — внутри здания, а другой — внешний. Из внутреннего источника, хотя сам свет невидим, его положение можно вычислить с математической определенностью. Леонардо да Винчи должен был перенести работу Пьеро на свет.

Мадонна
Пресвятая Дева Мария, почитаемая католической церковью во всем мире, особенно была вызвана во Флоренции, где был чудесный образ ее на колонне на кукурузном рынке и где и собор «Богоматерь с цветами», и большой доминиканец церковь Санта-Мария-Новелла была названа в ее честь.

Ранняя ренессансная живопись в других частях Италии

Андреа Мантенья в Падуе и Мантуе
Одним из самых влиятельных художников Северной Италии был Андреа Мантенья из Падуи, которому посчастливилось быть в подростковом возрасте в то время, когда там работал великий флорентийский скульптор Донателло. Донателло создал огромную конную бронзу, первую со времен Римской империи, кондотьеро Гаттемелату, все еще видную на цоколе на площади у базилики Сант-Антонио. Он также работал над главным алтарем и создал серию бронзовых панно, в которых он достиг замечательной иллюзии глубины, с перспективой в архитектурных условиях и видимой округлостью человеческой формы, все в очень мелком рельефе.

Космия Тура в Ферраре
В то время как Мантенья работала в Гонзагасе в Мантуе, для разработки еще более амбициозной схемы семьи Эсте Феррары применялся совсем другой художник. Живопись Cosmè Tura очень своеобразна, как странно готическая, но и классицистическая. Тура представляет классические фигуры, как если бы они были святыми, окружал их светящимися символическими мотивами сюрреалистического совершенства и одевал их в одежды, которые, как представляется, были изготовлены из сложной складчатой ​​и эмалированной меди.

Антонелло да Мессина
В 1442 году Альфонсо V из Арагона стал правителем Неаполя, принеся с собой коллекцию фламандских картин и создание Академии гуманистов. Художник Антонелло да Мессина, похоже, имел доступ к коллекции короля, которая, возможно, включала работы Яна ван Эйка. Кажется, он был выставлен фламандской живописи на дате раньше, чем флорентийцы, чтобы быстро увидеть потенциал масел в качестве среды, а затем больше ничего не рисовал. Он проводил технику к северу до Венеции, где он вскоре был принят Джованни Беллини и стал привилегированным средством морской республики, где искусство фрески никогда не было большим успехом.

Высокий ренессанс

Патронаж и гуманизм
Во Флоренции, в более позднем 15-ом столетии, большинство произведений искусства, даже те, которые были сделаны в качестве украшения для церквей, обычно были заказаны и оплачены частными меценатами. Большая часть покровительства происходила из семьи Медичи или тех, кто был тесно связан с ними или связан с ними, таких как Сассетти, Ручеллай и Торнабуони.

Фламандское влияние
Примерно в 1450 году, с приходом в Италию фламандского живописца Рожье ван дер Вейдена и, возможно, раньше, художников познакомили с масляной краской. В то время как как темперга, так и фреска поддавались описанию рисунка, ни один из них не представлял собой успешный способ реалистично представлять естественные текстуры. Высоко гибкая среда масел, которая могла быть сделана непрозрачной или прозрачной, а также позволяла менять и дополнять в течение нескольких дней после того, как она была заложена, открыла новый мир возможностей для итальянских художников.

Папская комиссия
В 1477 году Папа Сикст IV заменил заброшенную старую часовню в Ватикане, в которой находились многие папские службы. Интерьер новой часовни, названный Сикстинской капелла в его честь, по-видимому, был запланирован с самого начала, чтобы иметь серию из 16 больших фресок между своими пилястрами на среднем уровне, с серией нарисованных портретов пап над ними.

Леонардо да Винчи
Леонардо, из-за сферы его интересов и исключительной степени таланта, который он продемонстрировал во многих разных областях, рассматривается как архетипический «человек эпохи Возрождения». Но в первую очередь он был художником, которого восхищал в свое время, и, как художник, он опирался на знание, которое он получил от всех своих других интересов.

Микеланджело
В 1508 году Папа Юлий II добился того, чтобы скульптор Микеланджело согласился продолжить декоративную схему Сикстинской капеллы. Потолок Сикстинской капеллы был построен таким образом, что было двенадцать наклонных подвесок, поддерживающих свод, которые образовывали идеальные поверхности, на которых можно было изобразить Двенадцати Апостолов. Микеланджело, уступивший требованиям Папы с небольшой грацией, вскоре разработал совершенно другую схему, гораздо более сложную как в дизайне, так и в иконографии. Масштабы работы, которую он выполнял единолично, за исключением ручной помощи, были титаническими и заняли почти пять лет.

Рафаэль
С Леонардо да Винчи и Микеланджело имя Рафаэля является синонимом Высокого Возрождения, хотя он был моложе Микеланджело на 18 лет, а Леонардо почти на 30. Нельзя сказать о нем, что он значительно продвинул состояние живописи, так как его два знаменитых современника сделал. Скорее, его работа была кульминацией всех событий Высокого Возрождения.

Живопись высокого ренессанса в Венеции

Джованни Беллини
Джованни Беллини был точным современником своего брата Джентиле, его зятя Мантеньи и Антонелло да Мессины. Работая большую часть своей жизни в студии своего брата, и сильно под влиянием хрустящего стиля Мантеньи, он, похоже, не создавал независимо подписанную картину, пока не был в конце 50-х годов. За последние 30 лет своей жизни он был необычайно продуктивным и влиятельным, руководствуясь как Джорджоне, так и Тицианом. Беллини, как и его более молодой современник, Рафаэль, произвел множество маленьких мадонн в богатом светящемся цвете, обычно более интенсивного тональности, чем его флорентийский коллега. Эти Мадонны умножились многократно, поскольку они были воспроизведены другими членами большой студии Беллини, одной крошечной картины «Обрезание Христа», существующей в четырех или пяти почти одинаковых версиях.

Джорджоне и Тициан
Хотя стиль картины Джорджоне четко относится к живописи его предполагаемого мастера, Джованни Беллини, его предмет делает его одним из самых оригинальных и заумных художников эпохи Возрождения. Одна из его картин, пейзаж, известный как «Буря», с полуобнаженной женщиной, кормящей ребенка, одетым человеком, классическими колоннами и вспышкой молнии, возможно, представляет Адама и Еву в их послеэдемские дни или, возможно, Это не. Другая картина, приписываемая ему и традиционно известная как «Три философа», может представлять волхвов, планирующих свое путешествие в поисках младенца Христа, но это тоже не обязательно.

Влияние итальянской ренессансной живописи
Жизнь Микеланджело и Тициана значительно расширилась во второй половине XVI века. Оба увидели их стили и стили Леонардо, Мантеньи, Джованни Беллини, Антонелло да Мессины и Рафаэля, адаптированные более поздними художниками, чтобы сформировать разрозненный стиль, известный как маньеризм, и неуклонно двигаться к большому излиянию воображения и живописной виртуозности периода барокко.

Художник, который больше всего развивал тенденции в крупных фигуративных композициях Тициана, — Тинторетто, хотя его личная манера была такова, что он длился только девять дней, как ученик Тициана. Знания Рембрандта о работах Тициана и Рафаэля очевидны в его портретах. Прямым влиянием Леонардо и Рафаэля на собственных учеников было создание поколений художников, в том числе Пуссена и школ классических художников XVIII и XIX веков. Работа Антонелло да Мессины оказала непосредственное влияние на Альбрехта Дюрера и Мартина Шонгауэра, а также на его гравюры, бесчисленные художники, в том числе немецкие, голландские и английские школы производителей витражей, простирающиеся на начало 20 века.

Потолок Сикстинской капеллы Микеланджело и позднее «Последний суд» оказали прямое влияние на образные композиции, в первую очередь Рафаэля и его учеников, а затем почти каждый последующий художник XVI века, который искал новые и интересные способы изобразить человеческую форму. Можно проследить его образ образной композиции через Андреа дель Сарто, Понтормо, Бронзино, Пармиджанино, Веронезе, Эль Греко, Карраччи, Караваджо, Рубенса, Пуссена и Тьеполо, как для классических, так и для романтических художников XIX века, таких как Жак-Луис Дэвид и Делакруа.

Под влиянием итальянской ренессансной живописи было создано много современных академий искусств, таких как Королевская академия, и было специально собрать произведения итальянского Возрождения, что некоторые из самых известных в мире художественных коллекций, таких как Национальный Галерея, Лондон, были сформированы.

Share