Внутренний портрет (портрет d’intérieur) или, на немецком языке, Zimmerbild (картина комнаты) — это живописный жанр, появившийся в Европе в конце 17-го века и пользовавшийся большой популярностью во второй половине XIX века. Это предполагает тщательное, детальное представление жизненного пространства, без каких-либо людей. Эти картины обычно представляли собой акварели и требовали большого технического мастерства, если мало творчества. К середине 20-го века, хотя такие сцены все еще создавались, фотография изменила этот стиль живописи на форму преднамеренного архаизма.

Термин «Внутренний портрет» относится к жанру живописи, который касается представления — в основном частных — интерьеров и почти исключительно в культурную эпоху Бидермейера.

Внутренний портрет не следует путать с тем, что называется «разговорной частью» в Англии; термин, который обозначает сцену с группой людей, занимающихся какой-то деятельностью и часто размещаемой на открытом воздухе. Настоящая внутренняя часть показывает только комнату и декор, хотя предыдущая деятельность может быть предложена путем размещения предметов в комнате.

Были картины как рисунки, акварели и гуаши, а также в различных методах смешивания. Они были относительно небольшими, их средний размер ландшафта составлял около 32,5 × 22,5 см, большие отклонения вверх или вниз имели место, но были редкими. Иллюстрации в большинстве случаев сопровождались принципом набора ящиков. Фокус был часто слегка смещен от центра влево. Эти работы не были работой любителей, а профессиональных художников, отчасти специализированными «комнатными живописцами». Ярким примером признательности, которую жанр пользовался на некоторое время, является серия из девяти акварелей, которую знаменитый архитектурный художник Эдуард Гертнер поручил королевской семье создать интерьеры в Берлинском городском дворце.

Состояние определенного интерьера было описано с большой точностью в определенное время — внешний вид и расположение мебели, цвета и узоры обоев, штор и ковров, дизайн комнат с произведениями искусства, предметы быта или украшения. Это детальное воспроизведение интерьеров показывает, насколько интенсивно современники занимались объектами своей частной среды и в то же время ясно давали понять, что они также хотели документировать это. На этих картинах редко показывали людей, и если да, то едва ли с их индивидуальными особенностями, а с небольшими масштабами и в деятельности, которая соответствовала назначению каждой комнаты. Прежде всего, индивид косвенно присутствовал через точное описание его частной среды.

Фотографии комнат обычно заказывались как личные подарки в определенных случаях. Прусская принцесса Елизавета дала родителям картину своего берлинского питомника, когда она пошла в Дармштадт, вышла замуж за молодого человека. И акварель изучения великого князя Людвига II Гессен-Дармштадта была копией после его смерти и была отпущена посмертно. Листья, возможно, были переданы, по крайней мере, не публично выпущены и не проданы. Они были собраны в альбомы — занятость, популярная среди женщин в обществе, — и посмотрела на них в домашней обстановке. Помимо их эмоционального значения, эти антологии были также образностью понимания искусства, уровня образования и социального статуса их владельцев.

Ранний портрет интерьера
Интерьер долгое время присутствовал в графических работах немцев и ранних Нидерландов в XVI веке, в картинах голландцев в 17 веке, используемых в качестве фона в передней и интимных портретах. В XVII веке Голландия образ интерьеров стал ранним жанром национального искусства.

Во времена европейского средневековья внимание уделялось не только интерьерам романских и готических церквей и соборов, но и частным жилищам. Монастырские и светские интерьеры (романские и готические) отличались аскетизмом и минимальной мебелью. Но даже тогда есть перераспределение помещений по назначению — кухни, залы, столовые, спальни для владельцев, комнаты для гостей и их спальни, жилые помещения для слуг, арсеналов, опекунов. Ограниченное количество средневековых интерьеров или их углов отражено в современных миниатюрах, на рисунках покойного язычника, в произведениях ранней голландской живописи, последние долгое время основывались на опыте национальных средневековья. Изображение интерьеров медленно эволюционировало от схематического изображения

Шедевром ранней голландской живописи был портрет молодоженов Арнольфини, Ян ван Эйк (1434, Национальная галерея (Лондон)). Художник представил момент свадебной клятвы в доме бюргера, где женился на итальянском купце, который долгое время поселился в Нидерландах. Ян ван Эйк также осмелился расширить границы обычного портрета, не скрывая разницы в возрасте и характере молодоженов, точно воспроизвел необычную одежду сейчас. Молодожены в комнате, освещенные мягким, мерцающим светом из окна. Следуя средневековой традиции, Ян ван Эйк поместил в комнату ряд вещей, которые имели как практическое, так и символическое значение: зажженная свеча — намек на свадьбу, оранжевый на окне — намек на удовольствие, комната собачка — аллегория лояльности, топор или упряжь — знак благочестия и так далее. Но специфика образа бытовых вещей возвращает зрителя реальности и взаимосвязи вещей в повседневной жизни, стремления правителей к чистоте, удобству, благополучию и комфорту, такие неотъемлемые и приятные в домах в Нидерландах, и это обычно не бывает для шумных и кочевых итальянцев, которые затем могут превратить даже дворцы на кочевой площади. Неудобства и непоследовательность итальянских интерьеров тогда жаловались голландским и немецким путешественникам.

Многочисленные изображения интерьеров были созданы мастерами немецкой графики. Среди них — религиозные сцены («Благовещение», «Растяжение»), а также образ отцов-основателей («Св. Иероним в камере»). Образ святого Иеронима в камере был практически канонизирован и логически преобразован из средневековых мастеров в мастера эпохи регенерации и маньеризма, где каждый из них представил свою собственную интерпретацию ячейки богослова.

Среди светских историй внимание обращается на редкие образы людей во время досуга (Izrael van Mekenem Jr. (1440-1503), гравюра «Танец в кольцевой развязке») или цикл гравюр с изображениями ремесленников в их собственных мастерских (гравер Йост Амман, «Брюер», «Ткач Килимар», «Типография», «Аптека», «Парикмахерская», «Витражное стекло»). Интерьеры не отделены от людей или домашних ситуаций — и они не будут но хозяева свободно воспроизводили особенности современной мебели, предметов домашнего обихода, станков, инструментов и одежды того времени. В цикле гравюр с ремесленниками именно эти ремесла характеризуются техническими особенности, особенности и даже особенности технологии.

Внутренний портрет 17-го века
Этот тип сцены впервые появляется в конце 17-го века. В то время цель была полностью описательной. Их обычно делали специально, чтобы показать содержимое художественной галереи, личной библиотеки или кабинета курьезов. Один из первых известных примеров изображает библиотеку Сэмюэля Пеписа в Лондоне, датируемую с 1693. Они по-прежнему ценятся сегодня исследователями и декораторами. В случае с Пеписом, из первых рук видно, как ученый того времени устраивает свои книги в книжном шкафу (новшество того времени), использует лекцию, кладет подушки на свой комфорт, висит карты и т. Д.

Искусство Нидерландов логически выросло в искусстве всех регионов, которые были частью территории Исторических Нидерландов в XV-XVI веках, когда они вместе с Фландрией были членами единого государственно-политического образования. С XVII века существовало государственное и художественное подразделение, в результате которого образовались две национальные художественные школы, уникальные по происхождению, но отличающиеся по своему характеру. Конфессиональные различия также способствовали художественному различию. Юг Нидерландов и Фландрии оставались в лоне католицизма, где в 17 веке религиозное искусство получило новое цветение. в стиле барокко. Голландия стала преимущественно протестантским государством с реалистическими проводниками в культуре и ограниченным использованием стилей барокко.

В начале 17 века Голландия испытала много лет самоутверждения и бодрости. Потому что борьба за независимость от могучей империи Испании закончилась успешно. Была долгая работа по признанию молодого государства, которое только что появилось на политической карте Западной Европы. Самоутверждение и жизнерадостность были присущи как поведению жителей, так и национальному искусству, которое активно лишалось религиозных ограничений, которые происходили из католической Италии. Доминирование протестантизма, которое не признавало религиозной живописи католической модели и проходило стадию иконоборчества, привело к значительному сокращению заказов на религиозные картины. И, наоборот, это приведет к взрывному распространению светских тем в жанрах. Именно в искусстве Голландии необычайная сила и развитие приобрели портрет, пейзаж, повседневный жанр, натюрморт, интерьер как жанр, о котором даже не знали знаменитые центры современного искусства в Италии или Франции.

Голландские художники рады рисовать интерьеры своих и иностранных домов. Почти все композиции знаменитого Яна Вермера представлены в уютных, бюргерских интерьерах. Необычными мастерами интерьеров с фигурами были Ян Стэн, Питер де Ху, Жерар Тербор. Пустынные после лет иконоборчества, аскетические интерьеры церквей, написанные Петром Санремадом, Антонием де Лормом. Более теплые чувства — священные интерьеры в картинах Эммануэля де Витте, освещенных солнцем и не загроможденных деталями. Пол-крестьянские дома бедных ткачей, художников, барритов, нотариусов, мелких ремесленников, кузнечных кузнецов были записаны Питером Кодде, Корнелисом Бигом, Мишелем ван Мюхером, Адрианом ван Габекком, Корнелисским поясом. Доля композиций была с обязательным углом интерьера — это «Ученый в своем кабинете». Рембрандт, Соломон Коринк, Бартоломеус Матон, Константин Нетчер, Доминик ван Толь создали свои варианты со взрослым или серым персонажем, либо как теолог, либо как астролог (с книгами, земной шар). Интерьеры в картинах голландских мастеров сопровождают человека от рождения до смерти или к «уроку анатомии» (который посещают все, кто любит), особым жанром голландского искусства 17 века.

Голландское искусство XVII века стало своеобразным явлением в художественной обстановке Европы в XVII веке. Художники, основанные Нидерландами, поедут художники из других европейских художественных школ Европы.

Только в последней четверти XVIII века появился новый тип внутреннего портрета с другим намерением. Этот тип впервые возник в архитектурных фирмах и был сделан в интересах своих клиентов. Великие архитекторы, такие как Джеймс Адам и его брат Роберт Адам из Шотландии и Франсуа-Иосиф Белангер, будут выполнять акварели своих предыдущих проектов, чтобы привлечь потенциальных клиентов. Это создало причуду среди богатых и дворян, чтобы делать картины своих комнат, демонстрировать и сохранять для потомства. Эти картины часто собирались в альбомы. Это увлечение было особенно распространено в Англии. Оттуда он широко распространился по всей Европе.

Особенностью Бидермейера было развитие простоты и скромности — не как этическое отношение, а как вопрос стиля. Вместо переполненных форм и обильного применения золота простые, формально уменьшенные объекты и простые, но мастерски обработанные материалы считались доказательством эстетического качества. Эта особая скромная скромность была дорогостоящей. Благородство и все более богатая буржуазия могли себе это позволить — и у них были достижения, записанные на фотографиях.

Периодизация в 18 веке
Некоторое время искусство XVIII века. во Франции, были разделены на два основных периода: рококо и классицизм (или неоклассицизм конца 18 века) или короли, которые были непродуктивными. Этот упрощенный подход, который преобладал в искусстве Франции, довольно схематичен и не зависит от исторических моделей и их отпечатка в действительности. Упрощенный подход игнорировал реальные изменения с акцентом на другие события, подтолкнул жар антифеодальной борьбы и важность такого периода, как революционный классицизм, уникальный феномен западноевропейского искусства.

Реальная картина борьбы идей и изменений стилей была намного сложнее, противно, многоэтапно.

Первые десятилетия XVIII века. — это академический классицизм, очень своеобразный и более похожий на «барочный» классицизм.
Стилистическим направлениям предшествовал период pre-coco, слабые проростки которого прорвались через работу нескольких разных мастеров, не обязательно французских (голландец Николай Берчем, итальянский Rosalba Career из Венеции)
Рококо (которая царила между академическим классицизмом XVII века и неоклассицизмом конца века).
Просвещение развивалось параллельно и синхронно с рококо и практически готовило антифеодальную революцию 1789-1793 гг.
Классицизм конца 18 века. в сосуществовании с сентиментализмом, кратковременном революционном классицизме и навязываемом искусству Франции (Наполеон и его сторонники маршала) Империи.
Классицизм (и империя) продолжался до 1830-х и 1850-х годов и сосуществовал с романтизмом.
Почти во все времена историческая живопись, объявленная президентским жанром, лишилась своих руководящих должностей, уступая жанру портрета. Практически все известные художники века, сторонники рококо Франции и Италии, были портретистами, а портрет был в центре борьбы идей, практически направлялся на художественные поиски. ,

Интерьер в рококо
Начало XVIII века в Париже ознаменовалось рождением стиля рококо. К формированию нового стиля в живописи участвовали художники француз Антуан Ватто и итальянец из Венеции Розальба Карьера, активно поддерживаемые богатыми и покровителями Педро Крозом. Жермен Бофран стал первой значимой фигурой среди дизайнеров интерьеров, которые инициировали рококо во дворцовом убранстве многочисленных отелей (частных городских усадеб французских аристократов). Овальный зал отеля Subiz стал образцом нового стиля — с его отказом от классической тектоники и столбчатых пилястр, с арочными окнами, украшением овощей, которые застряли на вставках для картин и перешли к потолку. Обычные здания заменяются деревянными панелями, картины и зеркала вплетены в странные извилистые украшения, легкие и капризные. Важной особенностью интерьеров является легкая и удобная мебель, которая вытеснила пышную и тяжелую мебель в стиле барокко.

Искусство как таковое остается аристократическим и служит потребностям привилегированных государств. Искусство рококо (с его легкомыслием, культом удовольствия, флиртом) существует, как если бы угодить аристократии и легко развлекать ее досуг. Он остался бы одним из модных страниц, если бы не обращение к стилистике рококо рядом чрезвычайно талантливых художников, в том числе Жермен Боффран. Впервые со времен готики интерьеры отказались от ордена, заменив его вегетативным или волновым декором. Изменения в моде, ремонте и перепланировке помещений в других стилях не способствовали сохранению интерьеров рококо. Понятие их значимой художественной ценности придет позже. Именно в XIX веке они были записаны в серии акварелей (написанных Хау Эдуардом Петровичем, интерьерами Большого Гатчинского дворца), на фотографиях и фотографиях 20-го века. Значительная художественная ценность рококоритов в скалах Великобритании заставляет историков перейти к уникальному декору дворца Норфолк-Ноу в Музее Виктории и Альберта (музыкальный зал Норфолк-Наваса), где он станет важным экспонатом прошлого.

Апогей в XIX веке
Первый исторически важный пример внутреннего портрета представляет собой небольшую художественную галерею, созданную императрицей Жозефиной в Мальмезоне в 1812 году. В этой аквареле Огюста-Симеона Гарнерай мы можем увидеть ее арфу, коллекцию произведений искусства и ее платок, оставленную на кресле , Таким образом появляется новый элемент: психологические элементы декора и ощутимое человеческое присутствие. Можно почувствовать эмоции и мысли владельца. В этом смысле картины действительно стали «портретами».

В девятнадцатом веке будет наблюдаться мода этих живописных представлений, что объясняется многими факторами. В высоких социальных классах феномен совпадает с растущим значением, придаваемым дому как месту комфорта, близости, семьи. Функции монет становятся все более и более специализированными: например, концепция столовой теперь стандартная6. С другой стороны, развитие новых средних классов, стремящихся скопировать аристократический вкус, усиливает движение: по мере развития века мебель становится более доступной благодаря промышленным технологиям, которые производят ее последовательно, в самых разнообразных выбор. Наконец, декоративные режимы быстро обновляются, предыдущие стили пересматриваются: неоготические, неоклассические, нео-людони XV и т. Д. Поэтому для домовладельцев обычно обыскивать взгляды на их интерьер, чтобы помнить, предлагать или завещать им ,

Огромную популярность этих картин в XIX веке можно объяснить многими факторами. Среди нуворишей и буржуазии большое значение придавалось дому как месту комфорта, близости и семьи. Этот период также видел специализацию (например, отдельные столовые), которые когда-то были известны только очень богатым. Эти новые «средние классы» также стремились скопировать аристократические вкусы, а индустриализация сделала гораздо более широкий выбор мебели, доступной по цене. Наконец, декоративные стили постоянно менялись и возрождались, поэтому внутренние портреты были способом сохранить свои воспоминания и завещать их следующему поколению.

Королева Виктория очень любила эти портреты, так как они позволяли ей публично взглянуть на ее любящую семейную жизнь и комфорт дома со вкусом. Таким образом, увлечение распространилось по всей королевской семье Европы. Из-за количества роскошно украшенных дворцов, которыми они обладали (Зимний дворец, Царское Село, Гатчинский дворец, Петергофский дворец, Павловский дворец …), цари были среди самых восторженных комиссаров внутренних портретов. Практически все их комнаты (кроме самых частных) были представлены хотя бы один раз; несколько раз. Эти акварели считаются одними из лучших в их жанре.

В сразу следующих исторических разделах изображения сохраняли свое значение частной памяти на некоторое время, но теряли смысл через изменение эстетических взглядов и индивидуальных привычек. Желание документировать свои четыре стены этим особым образом уже не было таким распространенным, как прежде. Любой, кто все еще хотел использовать «современную» среду фотографии. Тем не менее, на большем расстоянии от их создания картины комнаты Бидермейера стали важными источниками специальной информации о культурной истории.

Возрождение в двадцатом веке
В двадцатом веке и сегодня некоторые художники увековечивают эту традицию. Художники увековечивают сегодня искусство внутренней портретной живописи, работающую над порядком, в акварели или маслах. Домовладельцы присматривают за своими домами, чтобы помнить их, предлагать им или завещать их своим детям, в качестве свидетельства счастья жизни или проживания в любимом месте. Декораторы также используют это искусство для проектов, которые они хотят придать особой атмосфере.

Специальные художники
В то время, когда каждая культурная молодая женщина научилась рисовать акварели, многие рисовали свои комнаты или те, где им давали уроки. Большинство выживших примеров анонимны и редко высокого качества, но у них часто есть шарм, который компенсирует то, что им не хватает в технических знаниях.

Однако некоторые члены аристократии имели настоящий талант, граничащий с профессионалом. Польский граф Артур Потоцкий, например, широко путешествовал, рисовал акварели гостиничных номеров и других мест, где он оставался, от Рима до Лондона.

Тем не менее, практически все высококачественные работы были созданы профессионалами с исключительной виртуозностью в акварели и овладением перспективой … особенно конической точки зрения, с двумя или тремя точками исчезновения, что создает устрашающий фотографический эффект для современных глаз.

За некоторыми исключениями, такими как Жан-Батист Изабеи и Эжен Лами из Франции, архитектор Джон Нэш и мебельный мастер Томас Шератон (оба из Англии), немногие художники, которые занимались исключительно этими портретами, до сих пор знакомы. Среди некоторых известных художников, которые их выпускали, ранее не упоминалось:

В Англии: Уильям Генри Хант, Мэри Эллен Бест, Уильям Генри Пайн.
Во Франции: Чарльз Персьер, Адриен Даузатс.
В Германии: Фердинанд Ротбарт, Рудольф фон Альт, Эдуард Гартнер.
В России: Эдуард Хау, Василий Садовников, Константин Ухтомский, Григорий Чернецов, Никанор Чернецов (его брат), Александр Брюллов, Карл Брюллов (его брат), Петр Соколов, Орест Кипренский, Алексей Венецианов.
В Польше, Александр Грыглевский.