Влияния арт-деко

Art Deco, иногда называемый Deco, представляет собой стиль изобразительного искусства, архитектуры и дизайна, который впервые появился во Франции незадолго до первой мировой войны. Art Deco повлиял на дизайн зданий, мебели, ювелирных изделий, моды, автомобилей, кинотеатров, поездов , океанские лайнеры и бытовые предметы, такие как радиоприемники и пылесосы. Он получил свое название, сокращенное для декора декораций, из Международной выставки современного декоративно-промышленного искусства «Экспозиция интерьеров декоративно-прикладного искусства», состоявшейся в Париже в 1925 году. Он сочетал в себе модернистские стили с тонким мастерством и богатыми материалами. В течение своего расцвета, арт-деко представлял роскошь, гламур, изобилие и веру в социальный и технический прогресс.

Описательный термин относится к стилю декоративного искусства, который широко распространен в Европе и США в 1920-х и 1930-х годах. Выведенный из стиля, популярного в Exposition Internationale des. Art Décoratifs et Industriels Modernes, состоявшейся в Париже в 1925 году, этот термин использовался только с конца 1960-х годов, когда возрождался интерес к декоративному искусству начала 20-го века. С тех пор термин «ар-деко» применяется к широкий спектр работ, выпущенных в межвоенные годы, и даже для немецкого Баухауза. Но Ар-деко был по существу французского происхождения, и поэтому этот термин должен применяться только к французским произведениям и к тем из стран, непосредственно подверженных влиянию Франции.

Арт-деко был подделкой многих разных стилей, иногда противоречивых, объединенных желанием быть современным. С самого начала на Art Deco влияли смелые геометрические формы кубизма; яркие цвета фовизма и балета Русские; обновленное мастерство мебели эпох Луи-Филиппа и Людовика XVI; и экзотические стили Китая и Японии, Индии, Персии, древнего Египта и искусства майя. В нем представлены редкие и дорогие материалы, такие как эбеновое дерево и слоновая кость, а также изысканное мастерство. Здание Крайслер и другие небоскребы Нью-Йорка, построенные в 1920-х и 1930-х годах, являются памятниками стиля ар-деко.

В 1930-х годах, во время Великой депрессии, стиль в стиле ар-деко стал более подавленным. Пришли новые материалы, в том числе хромированное покрытие, нержавеющая сталь и пластик. Изящная форма стиля, названная Streamline Moderne, появилась в 1930-х годах; в нем представлены изогнутые формы и гладкие, полированные поверхности. Арт-деко — один из первых по-настоящему международных стилей, но его доминирование закончилось началом Второй мировой войны и ростом строго функциональных и неприкрашенных стилей модернизма и последующего международного стиля архитектуры.

Именование
Art Deco получил свое название, сокращенное для Arts Décoratifs, из Международного выставочного центра декораций и индустрий модерн, которое состоялось в Париже в 1925 году, хотя различные стили, которые характеризуют арт-деко, уже появились в Париже и Брюсселе до Первой мировой войны.

Термический декор был впервые использован во Франции в 1858 году; опубликованной в Бюллетене de la Société française de photographie.

В 1868 году газета «Фигаро» использовала термин «предметы декоративно-прикладного искусства» в отношении предметов для сценографии, созданных для Театра оперы.

В 1875 году дизайнеры мебели, текстильные, ювелирные и стеклянные дизайнеры и другие ремесленники официально получили статус художников французского правительства. В ответ на это, École royale gratuite de dessin (Королевская свободная школа дизайна), основанная в 1766 году под руководством короля Людовика XVI для обучения художников и ремесленников ремеслам, относящихся к изобразительному искусству, была переименована в Национальную школу декоративного искусства (l’École национальные декоративные декорации). В 1927 году он получил свое нынешнее название ENSAD (École nationale supérieure des arts décoratifs).

Во время экспозиции 1925 года архитектор Ле Корбюзье написал серию статей о выставке для своего журнала L’Esprit Nouveau под названием «1925 Expo: Arts Déco», которые были объединены в книгу «L’art décoratif d’aujourd», hui «(Декоративное искусство сегодня). Книга была энергичной атакой на излишества красочных и щедрых объектов на экспозиции; и о том, что практические предметы, такие как мебель, должны иметь какое-либо украшение; его вывод заключался в том, что «Современное украшение не имеет украшения».

Сокращенное название «Arts Deco», которое Ле Корбюзье использовал в статьях и книге, было адаптировано в 1966 году для названия первой современной выставки по этому предмету, называемой Les Années 25: Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau, которая охватывала разнообразие основных стилей в 1920-х и 1930-х годах. Термин Art déco был затем использован в газетной статье 1966 года Хиллари Гелсон в «Таймс» (Лондон, 12 ноября), описывающей различные стили на выставке.

Art Deco приобрел валюту в качестве широко применяемой стилистической этикетки в 1968 году, когда историк Бевис Хиллер опубликовал первую крупную академическую книгу о стиле: арт-деко 20-х и 30-х годов. Хиллер отметил, что этот термин уже использовался арт-дилерами и цитирует The Times (2 ноября 1966 года) и эссе под названием «Les Arts Déco» в журнале Elle (ноябрь 1967 года) в качестве примеров предшествующего использования. В 1971 году Хильер организовал выставку в Институте искусств Миннеаполиса, о которой он подробно рассказывает в своей книге «Мир ар-деко».

происхождения

Общество декоративных художников (1901-1913)
Появление Art Deco было тесно связано с ростом статуса декоративных художников, которые до конца XIX века считались просто ремесленниками. Термин «декоративные декорации» был изобретен в 1875 году, давая дизайнерам мебель, текстиль и другие украшения. В 1901 году было создано Содружество художников-декораторов (Общество декоративных художников) или САД, а декоративным художникам были предоставлены такие же авторские права, как художники и скульпторы. Подобное движение развивалось в Италии. В 1902 году в Турине была проведена первая международная выставка, посвященная исключительно декоративному искусству, декоративной современности Esposizione international d’Arte. В Париже было создано несколько новых журналов, посвященных декоративному искусству, в том числе искусство и декорация, а также современное искусство. Секции декоративного искусства были представлены в ежегодных салонах Sociéte des artistes français, а затем в Salon d’automne. Французский национализм также сыграл свою роль в возрождении декоративного искусства; Французские дизайнеры почувствовали себя оспариваемыми ростом экспорта дешевой немецкой мебели. В 1911 году САД предложил провести в 1912 году крупную новую международную экспозицию декоративно-прикладного искусства. Никаких копий старых стилей не разрешалось; только современные работы. Экспонат был отложен до 1914 года, а затем, из-за войны, отложен до 1925 года, когда он дал свое название всему семейству стилей, известных как Déco.

Парижские универмаги и дизайнеры моды также сыграли важную роль в подъеме Art Déco. Учрежденные фирмы, в том числе производитель багажа Louis Vuitton, серебряная фирма Christofle, дизайнер стекла Рене Лалик и ювелиры Louis Cartier и Boucheron, которые все начали разрабатывать продукты в более современных стилях. Начиная с 1900 года универмаги наняли декоративных художников для работы в своих дизайн-студиях. Украшение 1912 Salon d’Automne было поручено универмагу Printemps. В том же году Printemps создал собственный семинар под названием «Primavera». К 1920 году Примавера заняла более трехсот художников. Стили варьировались от обновленных версий Louis XIV, Louis XVI и особенно мебели Louis Philippe, сделанных Louis Süe и мастерской Primavera до более современных форм из мастерской универмага Au Louvre. Другие дизайнеры, в том числе Эмиль Жак Рульманн и Пол Фолиот, отказались использовать массовое производство и настаивали на том, чтобы каждая деталь была сделана индивидуально вручную. В стиле раннего арт-деко были представлены роскошные и экзотические материалы, такие как эбеновое дерево, слоновая кость и шелк, очень яркие цвета и стилизованные мотивы, особенно корзины и букеты цветов всех цветов, придающие модернистский вид.

Театр Елисейских полей (1910-1913)
Театр des Champs-Élysées (1910-1913), Огюст Перре был первым историческим зданием Ар-деко, завершенным в Париже. Раньше железобетон использовался только для промышленных и многоквартирных домов, Перрет построил первый современный железобетонный многоквартирный дом в Париже на улице Бенджамин Франклин в 1903-04 годах. Анри Соваге, еще один важный будущий архитектор Ар-деко, построил еще один в 1904 году на 7-й улице Trétaigne (1904). С 1908 по 1910 год 21-летний Ле Корбюзье работал рисовальщиком в офисе Перрета, изучая методы бетонного строительства. Здание Перрета имело чистую прямоугольную форму, геометрическую отделку и прямые линии, будущие товарные знаки Art Deco. Декор театра также был революционным; фасад был украшен бляшками скульптуры Ар-деко Антуаном Бурделле, куполом Мориса Дениса, картинами Эдуарда Вюйяра и занавес ар-деко Кер-Ксавьером Русселем. Театр прославился как место проведения многих первых спектаклей «Русские балеты». Perret и Sauvage стали ведущими архитекторами в стиле ар-деко в Париже в 1920-х годах.

Salon d’Automne (1912-1913)
При рождении между 1910 и 1914 годами в стиле ар-деко происходил взрыв цветов, ярких и часто встречающихся оттенков, часто в цветочных орнаментах, представленных в мебельной обивке, коврах, экранах, обоях и тканях. Много красочных работ, в том числе стульев и стола Мориса Дюфрена и яркого ковра Гобелена Пола Фолло, были представлены в 1912 году в салоне дизайнеров. В 1912-1913 дизайнер Альфред Карбовский сделал цветочный стул с дизайном попугая для охотничьего домика коллекционера произведений искусства Жака Дусе. Дизайнеры мебели Louis Süe и André Mare впервые появились на выставке 1912 года под названием Atelier Française, сочетая красочные ткани с экзотическими и дорогими материалами, включая черное дерево и слоновую кость. После Первой мировой войны они стали одной из самых выдающихся французских дизайнерских фирм, производящих мебель для первоклассных салонов и кают французских трансатлантических океанских лайнеров.

Яркие цвета арт-деко пришли из многих источников, в том числе экзотические постановки Леона Бакста для «Русских балетов», которые вызвали сенсацию в Париже незадолго до Первой мировой войны. Некоторые из цветов были вдохновлены более ранним движением Фовизма во главе с Анри Матисс; другие — Орфизмом художников, таких как Соня Делоне; другие — движением, известным как наби, и в работе художника-символиста Одилона Редона, который проектировал каминные экраны и другие декоративные предметы. Яркие цвета были особенностью работы модельера Поля Пуарета, чья работа повлияла как на дизайн, так и на дизайн интерьера в стиле ар-деко.

Кубистский дом (1912)
Художественный стиль, известный как кубизм, появился во Франции между 1907 и 1912 годами, что повлияло на развитие арт-деко. Кубисты, сами под влиянием Поля Сезанна, интересовались упрощением форм к их геометрическим особенностям: цилиндру, сфере, конусу.

В 1912 году артисты секции d’Or выставили работы значительно более доступными для широкой публики, чем аналитический кубизм Пикассо и Брака. Кубистский словарь был подготовлен к привлечению дизайнеров моды, мебели и интерьера.

В 1912 году сочинения Андре Веры. Le Nouveau, опубликованный в журнале L’Art décoratif, он выразил отказ от форм в стиле модерн (асимметричный, полихромный и живописный) и призвал к упрощению воланта, символическому манифестации, гармонии и гармонии, темам, которые в конечном итоге станут общий в Art Deco; хотя со временем стиль Deco часто был чрезвычайно красочным и ничего, кроме простого.

В секции «Художественный декор» в салоне «Аткин» 1912 года была представлена ​​архитектурная установка, известная как La Maison Cubiste. Фасад был спроектирован Раймондом Дюшаном-Вийлоном. Декор дома был фирмой Louis Süe и André Mare, которая сформировала компанию под названием Atlelier Français в 1912 году. La Maison Cubiste была меблированной установкой с фасадом, лестницей, перилами из кованого железа, спальней, жилая комната — Салон Буржуа, где повесили картины Альберта Глейсеса, Жана Метцингера, Мари Лоуренцина, Марселя Дюшана, Фернанда Леже и Роджера де ла Фреснай. Тысячи зрителей в салоне прошли через полномасштабную модель.

Фасад дома, спроектированный Duchamp-Villon, не был очень радикальным по современным стандартам; перемычки и фронтоны имели призматические формы, но в остальном фасад напоминал обычный дом того периода. Номера были меблированы Mare с нео-Louis XVI и стульями и диванами стиля Луи-Филиппа, которые были обновлены с более угловатыми особенностями, чтобы украсить кубистские картины. Критик Эмиль Седейн описал работу Маре в журнале Art et Docation: «Он не смущает себя простотой, потому что он размножает цветы, где бы они ни были поставлены. Эффект, который он ищет, очевидно, является одним из живописности и веселья. Он достигает этого». Кубистский элемент был предоставлен картинами. Несмотря на свою непримиримость, установка была атакована некоторыми критиками как крайне радикальными, что помогло добиться успеха. Эта архитектурная установка была впоследствии выставлена ​​в 1913 Armory Show, Нью-Йорке, Чикаго и Бостоне. Во многом благодаря выставке термин «кубист» стал применяться ко всему современному, от женских стрижек до одежды до театральных представлений.

Кубистский стиль продолжался в Ар-деко, даже когда Деку разветвлялся во многих других направлениях. В 1927 году кубисты Джозеф Цаки, Жак Липшиц, Луи Маркуси, Анри Лоренс, скульптор Густав Миклос и другие сотрудничали в оформлении студийного дома, улицы Сен-Джеймс, Нейи-сюр-Сен, спроектированной архитектором Полом Руаудом и принадлежащий французскому модельеру Жаку Дусе, также сборщику искусства импрессионистов Анри Матисса и кубистских картин (включая Les Demoiselles d’Avignon, который он купил непосредственно из студии Пикассо). Лоренс сконструировал фонтан, Цаки спроектировал лестницу Дусе, Липшиц сделал каминную доску, а Маркуси стал кубистским ковриком.

Помимо кубистских художников, Дусет привезла других дизайнеров интерьера Деку, чтобы помочь украсить дом, в том числе Пьера Легрена, который отвечал за организацию украшения, и Пола Ирибе, Марселя Кэдра, Андре Гроута, Эйлин Грей и Роуз Адлер, чтобы предоставить мебель , Декор включал массивные куски из макасского черного дерева, вдохновленные африканским искусством, и мебель, покрытую кожей Марокко, кожей крокодила и змеиной кожей, а также рисунки, взятые из африканских рисунков.

Влияния
Арт-деко не был ни одним стилем, а коллекцией разных, а иногда и противоречивых стилей. В архитектуре Ар-деко был преемником и реакцией на модерн, стиль, который процветал в Европе между 1895 и 1900 годами, а также постепенно заменил Beaux-Arts и неоклассицизм, которые преобладали в европейской и американской архитектуре. В 1905 году Эжен Грассет написал и опубликовал «Метод де Композиция Орнементале», «Элемент Ректиньин», в которой он систематически изучал декоративные (декоративные) аспекты геометрических элементов, форм, мотивов и их вариаций, в отличие от (и как отхода от) Нуво стиле Гектора Гимара, столь популярного в Париже несколько лет назад. Грассет подчеркнул принцип, что различные простые геометрические фигуры, такие как треугольники и квадраты, являются основой всех композиционных аранжировок. Железобетонные здания Огюста Перре и Анри Соваге, и особенно Театра де Елисейских полей, предложили новую форму строительства и декора, которая была скопирована во всем мире.

В оформлении много разных стилей были заимствованы и использованы Ар-деко. Они включали в себя до-современное искусство со всего мира и наблюдались в Музее Лувра, Музее памяти и Музее национального искусства и Африки. Был также популярный интерес к археологии из-за раскопок в Помпеях, Трое и гробницы 18-й династии Фараона Тутанхамона. Художники и дизайнеры интегрировали мотивы из древнего Египта, Месопотамии, Греции, Рима, Азии, Мезоамерики и Океании с элементами эпохи машины.

Другие заимствованные стили включают русский конструктивизм и итальянский футуризм, а также орфизм, функционализм и модернизм в целом. Art Deco также использовала конфликтованные цвета и рисунки фовизма, особенно в работах Анри Матисса и Андре Дерена, вдохновила дизайны текстильных изделий из искусственного декора, обоев и расписной керамики. Это взяло идеи из словаря высокой моды того периода, в котором фигурировали геометрические рисунки, шевроны, зигзаги и стилизованные букеты цветов. На него оказали влияние открытия в египтологии и растущий интерес к востоку и африканскому искусству. С 1925 года его часто вдохновляли страсть к новым машинам, таким как дирижабли, автомобили и океанские лайнеры, а к 1930 году это влияние привело к созданию стиля модернизированного модерна.

Стиль роскоши и современности
Арт-деко был связан как с роскошью, так и с современностью; он сочетал в себе очень дорогие материалы и изысканное мастерство, внедренные в модернистские формы. Ничего не было дешево в Art Deco: предметы мебели включали слоновая кость и серебряные вставки, а кусочки ювелирных украшений Art Deco объединяли бриллианты с платиной, нефритом и другими драгоценными материалами. Стиль был использован для украшения первоклассных салонов океанских лайнеров, роскошных поездов и небоскребов. Он использовался во всем мире для украшения великих дворцов кино конца 1920-х и 1930-х годов. Позже, после Великой депрессии, стиль изменился и стал более трезвым.

Хорошим примером роскошного стиля в стиле ар-деко является будуар модельера Жанны Ланвин, разработанный Армандом-Альбертом Куркау (1882-1938), выполненный между 1922-25 годами. Он был расположен в ее доме на 16-й улице Барбет де Жуй в Париже, который был снесен в 1965 году. Комната была реконструирована в Музее декоративного искусства в Париже. Стены покрыты литыми ламбрами ниже скульптурных барельефов в штукатурке. Алькова обрамлена колоннами из мрамора с основаниями и цоколем из дерева. Пол отделан белым и черным мрамором, а в шкафах декоративные предметы отображаются на фоне синего шелка. В ее ванной комнате была ванна и умывальник из сиенского мрамора, со стеной резной штукатурки и бронзовой фурнитурой.

К 1928 году стиль стал более удобным, с глубокими кожаными клубными стульями. Исследование, разработанное парижской фирмой Alavoine для американского бизнесмена в 1928-30 годах, в настоящее время в Бруклинском музее, имеет уникальную американскую особенность. Поскольку он был построен во время Запрещения, когда подача алкоголя была запрещена, в нее входил секретный бар, скрытый за панелями.

К 1930-м годам стиль был несколько упрощен, но он все еще был экстравагантным. В 1932 году декоратор Пол Рууд сделал Стеклянный салон для Сюзанны Тальбот. В нем было серпантинное кресло и два трубчатых кресла Эйлин Грей, пол покрытых серебром стеклянных плит, панель абстрактных узоров из серебра и черного лака и ассортимент шкурок животных.

Международная выставка современного декоративно-промышленного искусства (1925)
Мероприятие, обозначившее зенит стиля и назвавшее его название, было Международной выставкой современного декоративного и промышленного искусства, которая проходила в Париже с апреля по октябрь в 1925 году. Официально она была организована правительством Франции и охватывала сайт в Париж площадью 55 акров, идущий от Гран-Пале на правом берегу до Инвалидов на левом берегу и вдоль берегов Сены. Большой Пале, самый большой зал в городе, был наполнен экспонатами декоративного искусства из стран-участниц. Было 15 000 экспонентов из двадцати разных стран, включая Англию, Италию, Испанию, Польшу, Чехословакию, Бельгию, Японию и новый Советский Союз, хотя Германия не была приглашена из-за напряженности после войны и Соединенных Штатов, непонимая цель экспонат, отказался от участия. Его семь месяцев посетили шестнадцать миллионов человек. Правилам выставки требовалось, чтобы вся работа была современной; исторические стили не допускались. Основной целью выставки было продвижение французских производителей роскошной мебели, фарфора, стекла, металлических изделий, текстиля и других декоративных изделий. Для дальнейшего продвижения продуктов все основные парижские универмаги и крупные дизайнеры имели свои собственные павильоны. Экспозиция имела второстепенную цель в продвижении продуктов из французских колоний в Африке и Азии, включая слоновую кость и экзотические леса.

Hôtel du Riche Collectionneur был популярным аттракционом на выставке; на нем были представлены новые дизайнерские проекты Emile-Jacques Ruhlmann, а также ткани Art Deco, ковры и живопись Jean Dupas. Дизайн интерьера основывался на тех же принципах симметрии и геометрических форм, которые отличали его от стиля модерн и ярких цветов, изысканного мастерства редких и дорогих материалов, которые отличали его от строгих функциональных возможностей модернистского стиля. В то время как большая часть павильонов была богато украшена и наполнена роскошной мебелью ручной работы, два павильона — Советский Союз и павильон дю Нуво Эсприт, построенный журналом этого имени под руководством Ле Корбюзье, были построены в строгом стиле, простые белые стены и без украшения; они были одними из самых ранних примеров модернистской архитектуры.

Небоскребы
Американские небоскребы отметили вершину стиля ар-деко; они стали самыми высокими и узнаваемыми современными зданиями в мире. Они были спроектированы так, чтобы показать престиж их строителей по их высоте, форме, цвету и их драматическому освещению ночью. Первый нью-йоркский небоскреб, здание Вулворта, в неоклассическом стиле, был завершен в 1913 году, а в Американском телефонном и телеграфном здании (1924) были ионные и дорические колонны и классический дорический гипостиль с фризом. Американское здание радиатора Раймондом Худом (1924) объединило современные элементы готики и декора в дизайне здания. Черный кирпич на фасаде здания (символизирующий уголь) был выбран, чтобы дать представление о прочности и дать зданию твердую массу. Другие части фасада были покрыты золотым кирпичом (символизирующим огонь), а вход был украшен мраморными и черными зеркалами. Еще один ранний небоскреб в стиле ар-деко был зданием Guardian Building в Детройте, которое открылось в 1929 году. Этот модернистский дизайн Wirt C. Rowland был первым, кто использовал нержавеющую сталь в качестве декоративного элемента и широко использовал цветные конструкции вместо традиционных украшений.

Нью-йоркский горизонт был радикально изменен Chrysler Building в Манхэттене (завершен в 1930 году), разработанным Уильямом Ван Аленом. Это была гигантская реклама на семидесяти семи этажах для автомобилей Chrysler. Вершина была увенчана шпилем из нержавеющей стали и была украшена декоративными «горгульями» в виде украшений из нержавеющей стали. Основание башни, тридцать три этажа над улицей, было украшено красочными фэшн-арт-деко, а в фойе были украшены символикой и изображениями в стиле ар-деко, отражающими современность.

За зданием Chrysler последовало здание Empire State Building Уильям Ф. Лэмб (1931) и здание RCA (теперь здание Comcast) в Рокфеллер-Центре Раймондом Худом (1933), которые вместе полностью изменили горизонт Нью-Йорка. Вершины зданий были украшены коронами Ар-деко и шпилями, покрытыми нержавеющей сталью, а в случае здания Крайслера с гаргульями Ар-деко, смоделированными после украшений радиатора, а входы и вестибюли были щедро украшены скульптурой Ар-деко, керамики и дизайна. Подобные здания, хотя и не столь высокие, вскоре появились в Чикаго и других крупных американских городах. Здание Chrysler вскоре было превзойдено в Эмпайр-стейт-билдинг в немного менее щедрого стиля Deco. Рокфеллер-центр добавил новый элемент дизайна: несколько высоких зданий сгруппированы вокруг открытой площади с фонтаном в центре.

Поздний арт-деко
В 1925 году в Ар-деко сосуществовали две разные конкурирующие школы: традиционалисты, которые основали Общество декоративных художников; в том числе дизайнер мебели Эмиль-Жак Рульманн, Джин Дунард, скульптор Антуан Бурдель и дизайнер Поль Пуаре; они сочетали современные формы с традиционным мастерством и дорогими материалами. С другой стороны, модернисты, которые все чаще отвергали прошлое и хотели стиля, основанного на достижениях в новых технологиях, простоте, недостатке отделки, недорогих материалах и массовом производстве. В 1929 году модернисты основали собственную организацию «Французский союз современных художников». В ее состав вошли архитекторы Пьер Чаро, Фрэнсис Журден, Роберт Малле-Стивенс, Корбюзье и в Советском Союзе Константин Мельников; ирландский дизайнер Эйлин Грей и французский дизайнер Соня Делоне, ювелиры Жан Фуке и Жан Пуйфоркат. Они яростно атаковали традиционный стиль арт-деко, который, по их словам, был создан только для состоятельных людей, и настаивал на том, что хорошо построенные здания должны быть доступны для всех, и эта форма должна функционировать. Красота объекта или здания заключалась в том, идеально ли он подходит для выполнения своей функции. Современные промышленные методы означали, что мебель и здания могут быть серийно изготовлены, а не сделаны вручную.

Дизайнер интерьера Art Deco Пол Фолло защитил Ар-деко таким образом: «Мы знаем, что человек никогда не доволен необходимым и что лишнее всегда необходимо … Если нет, нам нужно будет избавиться от музыки, цветов и духи ..!» Однако Ле Корбюзье был блестящим публицистом для модернистской архитектуры; он заявил, что дом был просто «машиной для жизни» и неустанно пропагандировал идею о том, что Ар-деко был прошлым, а модернизм — в будущем. Идеи Ле Корбюзье постепенно были приняты архитектурными школами, и эстетика Ар-деко была оставлена. Те же функции, которые сделали Art Deco популярными в начале, его мастерство, богатые материалы и орнамент, привели к его упадку. Великая депрессия, начавшаяся в Соединенных Штатах в 1929 году и вскоре охватившая Европу, значительно уменьшила количество богатых клиентов, которые могли платить за предметы обстановки и предметы искусства. В экономическом климате депрессии несколько компаний были готовы строить новые небоскребы. Даже фирма Ruhlmann прибегала к серийному производству предметов мебели, а не к отдельным изделиям ручной работы. Последними зданиями, построенными в Париже в новом стиле, были Музей общественных работ Огюста Перре (ныне Французский Экономический, Социальный и Экологический Совет) и Дворец Шайо, Луи-Ипполита Буало, Жак Карлу и Леон Азема, и Дворец Токио Парижской международной выставки 1937 года; они смотрели на грандиозный павильон нацистской Германии, спроектированный Альбертом Шпеером, который стоял перед столь же грандиозным социалистически-реалистическим павильоном Сталинского Советского Союза.

После Второй мировой войны доминирующим архитектурным стилем стал Международный стиль, созданный Ле Корбюзье и Мис Ван дер Роэ. Горстка отелей в стиле ар-деко была построена в Майами-Бич после Второй мировой войны, но в другом месте стиль во многом исчез, за ​​исключением промышленного дизайна, где он по-прежнему использовался в автомобильном стиле и таких продуктах, как ящики для мотоциклов. В 1960-е годы он испытал скромное академическое возрождение, частично благодаря произведениям таких историков архитектуры, как Бевис Хиллиер. В 1970-х годах в Соединенных Штатах и ​​Европе были предприняты усилия по сохранению лучших образцов архитектуры Ар-деко, и многие здания были восстановлены и переоборудованы. Постмодернистская архитектура, впервые появившаяся в 1980-х годах, как и Art Deco, часто включает в себя чисто декоративные элементы. Deco продолжает вдохновлять дизайнеров и часто используется в современной моде, ювелирных изделиях и туалетных принадлежностях.