Готическое искусство было стилем средневекового искусства, которое развивалось на севере Франции из романского искусства в 12 веке нашей эры, во главе с одновременным развитием готической архитектуры. Он распространился на всю Западную Европу и большую часть Южной и Центральной Европы, никогда не стирая более классических стилей в Италии. В конце 14-го века, сложный придворный стиль международной готики развивался, который продолжал развиваться до конца 15-го века. Во многих областях, особенно в Германии, искусство поздней готики продолжалось до 16-го века, прежде чем было включено в искусство эпохи Возрождения. Первичные средства массовой информации в готический период включали скульптуру, панно, витражи, фрески и иллюстрированные рукописи. Легко узнаваемые сдвиги в архитектуре от романского до готического, от готического до ренессансного стилей,

Самым ранним готическим искусством была монументальная скульптура, на стенах соборов и аббатств. Христианское искусство часто носило типологический характер (см. Средневековую аллегорию), показывая истории Нового Завета и Ветхого Завета рядом. Жизнь святых часто изображалась. Образы Девы Марии превратились из византийской культовой формы в более человечную и ласковую мать, обнимающую ее младенца, качающуюся от бедра и показывающую утонченные манеры прирожденной аристократической куртуазной леди.

В этот период светское искусство обрело свое начало с появлением городов, созданием университетов, ростом торговли, созданием экономики на основе денег и созданием класса буржуазии, который мог позволить себе покровительствовать искусству и совершать комиссионные работы, что привело к распространение картин и иллюстрированных рукописей. Повышенная грамотность и растущий объем светской народной литературы способствовали представлению светских тем в искусстве. С ростом городов были сформированы торговые гильдии, и художники часто должны были быть членами гильдии художников — в результате, из-за лучшего ведения учета, в этот период нам известно больше художников по имени, чем в любой другой; некоторые художники были настолько смелыми, что подписывали свои имена.

происхождения
Готическое искусство появилось в Иль-де-Франс, Франция, в начале 12-го века в церкви аббатства Сен-Дени, построенной аббатом Сугером. Стиль быстро распространился за пределы его истоков в архитектуре: скульптура, монументальная и личная по размеру, текстильное искусство и живопись, которые принимали различные формы, в том числе фрески, витражи, рукописи с подсветкой и панно. Монашеские ордена, особенно цистерцианцы и картезианцы, были важными строителями, которые распространяли стиль и разрабатывали его отличительные варианты по всей Европе. Региональные вариации архитектуры оставались важными, даже когда к концу 14-го века сформировался целостный универсальный стиль, известный как Международная Готика, который продолжался до конца 15-го века и далее во многих областях.

Хотя светского готического искусства было гораздо больше, чем принято думать сегодня, поскольку в целом уровень выживания религиозного искусства был лучше, чем для светских эквивалентов, значительная часть произведенного в этот период искусства была религиозной, независимо от того, была ли она заказана церковью или миряне. Готическое искусство часто носило типологический характер, отражая убеждение, что события Ветхого Завета предшествовали событиям Нового, и что это действительно было их главным значением.

Сцены Ветхого и Нового Заветов были показаны рядом в таких работах, как Speculum Humanae Salvationis и украшение церквей. Готический период совпал с великим возрождением преданности Марии, в котором изобразительное искусство играло главную роль. Образы Девы Марии развивались от византийских иератических типов через Коронацию Девы до более человеческих и интимных типов, и циклы Жизни Девы были очень популярны. Такие художники, как Джотто, Фра Анджелико и Пьетро Лоренцетти в Италии, а также ранняя нидерландская живопись принесли в искусство реализм и более естественную человечность. Западные художники и их покровители стали гораздо увереннее в новаторской иконографии, и гораздо больше оригинальности видно, хотя большинство художников по-прежнему использовали скопированные формулы.

На иконографию повлияли изменения в богословии: изображения Успения Марии, основанные на более ранней Смерти Девы, и на практике преданности, такой как Devotio Moderna, которая произвела новые методы лечения Христа в таких предметах, как Человек Печали, Задумчивый Христос и Пьета, которые подчеркивали его человеческие страдания и уязвимость, параллельно с изображением Богородицы. Даже в Последних Судах Христу теперь обычно показывали, выставляя его грудь, чтобы показать раны его Страсти. Святых показывали чаще, а алтари изображали святых, имеющих отношение к конкретной церкви или донору, присутствовавшим на Распятии или возведенном на престол Богородицу с младенцем, или занимающим центральное пространство самим (это обычно для работ, предназначенных для приделов).

характеристика
Перед романскими церквями и монастырями, сказав это в целом, готические возвышения, как их символическое архитектурное произведение, представляют собой удивительные соборы, полные света, а также с большой высотой, что является его основным техническим вкладом, который оправдан в сочинения Псевдо Дионисио Аэропопита, хотя также была разработана важная гражданская архитектура. Другая его особенность заключается в том, что другие пластические искусства, такие как живопись и скульптура, стали независимыми от подчинения их архитектурной поддержке.

Тем не менее, есть также много элементов преемственности: это по-прежнему преимущественно религиозное искусство; Монастырь как учреждение почти не меняется, за исключением формальных деталей и адаптации к новым требованиям, но его планировка не представляла изменений, и план церквей, в основном соборов, оставался преимущественно латинским крестом с головой апсиды, обращенной на восток, хотя был сложным или изменчивым (базиликовые растения, размещение трансепта в центре, усложнение нефа, часовни и машины скорой помощи). Без сомнения, основным элементом преемственности является вневременная концепция работы: в большинстве конструкций стили следуют друг за другом и сливаются с ритмом веков, современники знают, что они выполняют работу, которую они не видят законченной, и, возможно, их дети или внуки, но то, что строительство этих зданий подразумевает работу нескольких поколений. Во многих из них ценится даже смелость начать техническую или экономическую задачу, иногда из-за политического соперничества, которое, когда проект запущен, не было полностью спланировано, поэтому неизвестно, как его завершить, это случай соборы Сиены и Флоренции.

Свет
Новые религиозные здания характеризуются определением пространства, которое хочет принести верным, на основе опыта и почти ощутимым образом, религиозные и символические ценности времени. гуманный человек освободил человека от темной тьмы и пригласил его на свет. Этот факт связан с распространением неоплатонических философских течений, которые устанавливают связь между понятием Бога и полем света. Поскольку новые методы строительства сделали стены практически ненужными в пользу проемов, внутренняя часть церквей была наполнена светом, и свет будет формировать новое готическое пространство. Это будет физический свет, не содержащийся в картинах и мозаиках; общий и рассеянный свет, не сконцентрированный в точках и направленный, как если бы он был фокусом; в то же время этот свет преображается и окрашивается в игре витражей и розовых окон, что превращает пространство в нереальное и символическое. Цвет станет критически важным.

Свет понимается как сублимация божественности. Символика доминирует над художниками того времени, школа Шартра считает свет самым благородным элементом природных явлений, наименее материальным элементом, наиболее близким приближением к чистой форме.

Готический архитектор организует структуру, которая позволяет ему, используя технику, использовать свет, преображенный свет, который дематериализует элементы здания, достигая четких ощущений возвышения и невесомости.

Архитектура
Самой оригинальной новинкой готической архитектуры является исчезновение толстых стен, характерных для романской архитектуры. Вес конструкции больше не поглощается стенами, а распределяется по столбам и ряду вторичных конструкций, размещаемых вне зданий. Так родились стены света, покрытые великолепными окнами, которым снаружи соответствовала сложная сеть элементов для высвобождения сил. Летающие опоры, вершины, разгрузочные арки — все это конструктивные элементы, которые удерживают боковые толчки крыши и направляют их на землю, в то время как стены заполнителя теряют свое значение, заменяясь окнами. Необычайные способности готических архитекторов не заканчиваются новой статической структурой: здания, освобожденные от границ каменных стен, развивались с вертикальным импульсом,

В Англии произошло дальнейшее развитие перекрестного хранилища с шестисегментным хранилищем, а затем радиального или веерного хранилища: решения, которые позволили еще лучшее распределение веса. Готический собор задумывался как метафора Небес, поэтому на его входе часто высекали Страшный Суд.

Позднеготическая архитектура
В четырнадцатом и пятнадцатом веках готика развивалась в новых направлениях относительно форм предыдущих двух столетий.

Здание XIV и XV веков характеризовалось центральным нефом значительной высоты и двумя гораздо более низкими боковыми нефами. Это означало, что свет был сконцентрирован прежде всего на уровне фонаря.

В поздней готике, с другой стороны, наиболее распространенная внутренняя планировка соответствует модели прихожей церкви, то есть с боковыми проходами одинаковой высоты по сравнению с центральной. Это означало, что свет больше не шел сверху, а от боковых стенок, равномерно освещая всю среду. Традиционная направленность также была изменена, потеряв свою сильную коннотацию для предыдущих осей, в пользу полицентрической пространственности. Это новое видение пространства было также связано с более земной и мирской религиозностью пятнадцатого века.

География этой новой чувствительности представляет собой карту, отличную от классической готики: наиболее инновационными регионами были Германия, Богемия, Польша, Англия и альпийский регион.

На Пиренейском полуострове были построены несколько крупных соборов с пятнадцатого по шестнадцатый века, вдохновленные французскими и немецкими моделями предыдущих веков. В Португалии автономная тенденция привела к так называемому мануэлинскому искусству.

Картина
Живопись в стиле, который можно назвать готическим, появилась только около 1200 года, почти через 50 лет после возникновения готической архитектуры и скульптуры. Переход от романского к готическому очень неточен и вовсе не является явным нарушением, и готические орнаментальные детали часто вводятся до того, как в стиле фигур или самих композиций появляются большие изменения. Затем фигуры становятся более анимированными в позе и выражении лица, имеют тенденцию быть меньше по сравнению с фоном сцен и более свободно размещаются в пространстве для изображений, где есть место. Этот переход происходит сначала в Англии и Франции около 1200 года, в Германии около 1220 года и в Италии около 1300 года. Живопись в готическом периоде практиковалась в четырех основных средствах: фрески, панно, рукописное освещение и витраж.

Живопись в готическом периоде претерпела значительную разницу во времени по сравнению с другими видами искусства, и благодаря итальянской школе (в частности, тосканской и, возможно, римской), обновилась с опозданием на три-четыре десятилетия. Только во второй половине тринадцатого века, быстро сжигая сцены, картина полностью обновилась благодаря работе Джотто.

Причины этой задержки, вероятно, были связаны с различными моделями живописи и скульптуры: в романские времена скульптура уже была обновлена, в некоторых случаях вновь открываясь к работам классицизма, а для живописи основной эталонной моделью была византийская модель. школа. С завоеванием Константинополя во время четвертого крестового похода (1204 г.) и с формированием Латинских королевств Востока поток византийских картин и мозаичных работ даже увеличился.

Во второй половине XIII века, во времена Николая Пизано, разрыв между живостью повествования, натуралистическим рендерингом и выразительной силой между скульптурой и живописью достиг своего апогея, когда художники были разоружены перед необычными нововведениями, внесенными скульпторами. Однако в течение двух поколений художники могли прожигать сцены, обновлять модели и язык, даже достигая изобразительного искусства, чтобы восстановить пространственность, повествовательную живость, достоверные фигуры и правдоподобные архитектурные или ландшафтные условия. Живопись также выиграла в обновлении от наличия более широкой клиентуры из-за явно более дешевых затрат.

От романской живописи, особенно в центральной Италии, унаследовали распространение расписных тарелок, подкрепленных нищими приказами об их практической переносимости. Основных предметов было не много:

Образные распятия, повешенные на конце нефов церквей, чтобы вызвать волнение верующих;
Мадонны с Младенцем, символы Екклесии и символ отношений матери и ребенка, который гуманизирует религию;
Изображения святых, среди которых выделяются новые иконографии, связанные с фигурой святого Франциска Ассизского.
Среди мастеров итальянского тринадцатого века были Berlinghiero Berlinghieri и Margaritone d’Arezzo, оба все еще полностью византийские, но которые начинают показывать некоторые типично западные символы. Позже Джунта Пизано дошла до предела возможностей византийского искусства, коснувшись создания типично «итальянского» стиля. Этот предел был преодолен Симабу, первым, по словам Джорджио Вазари, который отступил от «глупого, не очень проворного и обычного греческого пути». Наконец, новый современный западный стиль был сформирован на строительной площадке верхней базилики Ассизи, со знаменитыми фресками, приписанными Джотто. Недавние исследования, однако, частично сократили инновационные возможности итальянской школы,

В дополнение к школе Джотто (Таддео Гадди, Джоттино, Маэстро делла Санта Сесилия, Мазо ди Банко и т. Д.), Сиенская школа с такими мастерами, как Дуччо ди Буонинсенья, Пьетро и Амброджо Лоренцетти и Симоне Мартини, также имела большое значение. Важность римской школы с Пьетро Каваллини, Якопо Торрити и другими также довольно недавняя. Более независимыми личностями были Буонамико Буффальмакко или Витале из Болоньи.

Фрески
Фрески продолжали использоваться в качестве основного художественного повествования на церковных стенах в южной Европе как продолжение ранних христианских и романских традиций. Авария выживания дала Дании и Швеции самые большие группы сохранившихся церковных настенных росписей в стиле Biblia pauperum, обычно простирающихся до недавно построенных перекрестных сводов. И в Дании, и в Швеции они почти все были покрыты известковым налетом после Реформации, которая сохранила их, но некоторые также остались нетронутыми с момента их создания. Среди лучших примеров из Дании — мастер Эльмелунде с датского острова Мон, который украшал церкви Фанефьорд, Келдби и Эльмелунде. Альбертус Пиктор, пожалуй, самый известный фресковый художник того периода, работавший в Швеции.

Витраж
В северной Европе витраж был важной и престижной формой живописи до 15-го века, когда он стал вытеснен панельной росписью. Готическая архитектура значительно увеличила количество стекла в больших зданиях, частично для того, чтобы обеспечить широкие стеклянные пространства, как в розовых окнах. В начале периода в основном использовалась черная краска и прозрачное или ярко окрашенное стекло, но в начале 14-го века использование соединений серебра, нанесенных на стекло, которое затем подвергалось обжигу, позволило сделать несколько вариаций цвета, сосредоточенных на желтые, для использования с прозрачным стеклом в одной части. К концу периода дизайны все чаще использовали большие куски стекла, которые были окрашены, с желтыми в качестве доминирующих цветов, и относительно немного меньших кусков стекла в других цветах.

Развитие живописи между XII и XIV веками было обусловлено быстрым появлением готических строительных систем. В большинстве новых соборов стеклянные поверхности сейчас преобладают по сравнению с каменными, и поэтому необходимость украшать стены становится все более незначительной. Именно по этой причине древние и объединенные техники мозаики и фрески сталкиваются с неизбежным упадком. Это снижение сопровождается современной утонченностью росписи по стеклу и панно, которая уже начала развиваться с некоторым успехом в римские времена. Его реализация не подчиняется каким-либо архитектурным требованиям, и это позволяет художникам выражать себя в абсолютной свободе. Роспись стекла заключается в реализации цветных окон для нанесения на окна и розетки соборов.

Поскольку в средние века большие плиты не могли быть получены, каждое окно должно было состоять из нескольких частей вместе взятых. По этой причине было решено использовать цветные очки, соединенные вместе с помощью рам, сформированных из Н-образных свинцовых полос. Сначала стекла были разрезаны раскаленными металлическими наконечниками в соответствии с ранее сделанными рисунками, затем различные части помещались между двумя крыльями свинцовой ленты. Каждая полоса была приварена к соседней, чтобы изменить конструкцию, предоставленную картоном. Целое было наконец вставлено в железную раму и замуровано. Эта техника позволила получить конфигурации большого эффекта.

Чтобы нарисовать фигуры, нужно было иметь цвета, которые могли бы захватывать прямо на стекле. Во Франции был опробован гризайль (по-итальянски гризалья), вещество, полученное из смеси стеклянных порошков и оксидов железа, измельченных и смешанных с водой и животными клеями. Использовать гризайль было очень просто: его размазывали по разным кусочкам стекла для декорирования и, после высыхания, оно имело особенность делать их непрозрачными. Затем гризайль был поцарапан деревянным стилусом, чтобы осветить прозрачность стекла внизу. Чтобы исправить картину, необходимо было заново приготовить отдельные стаканы, чтобы гризайль закончил плавиться и смешиваться в самой стеклянной пасте. При этом очерченные контуры стали непрозрачными,

Способ решения тем живописи зависит от изменившейся исторической, социальной и экономической ситуации. Городская буржуазия теперь воодушевлена ​​духом все большей конкретности, и ее видение мира и жизни также радикально меняется.

Существует прогрессивное обновление священных повествований, в котором персонажи священных писаний выглядят одетыми в одежды того времени, а места соответствуют существующим местам.

В Италии, в отличие от Франции, Англии, Германии и Нидерландов, фреска, а отчасти и мозаика, продолжали иметь очень широкое распространение. В религиозных символах окно позволяет проходить сверхъестественному, метафизическому свету. Витражи напоминают, согласно христианской эсхатологии, великолепия небесного Иерусалима Апокалипсиса. Свет — это дух Божий, а окно — символ Мариат, сияющий божественным светом. Часто число витражей имеет символическую и религиозную ценность: они делятся на группы по три (Троица), по четыре (евангелисты), на сегменты по семь (семь таинств, семь даров Святого Духа, семь дней творения в соответствии с Бытие).

Рукописи и печать
Освещенные рукописи представляют собой наиболее полную запись готической живописи, обеспечивая запись стилей в местах, где никакие монументальные работы не сохранились в противном случае. Самые ранние полные рукописи с французскими готическими иллюстрациями датируются серединой 13-го века. Многие такие иллюстрированные рукописи были царскими библиями, хотя псалтыри также включали иллюстрации; Парижский Псалтырь Сент-Луиса, датируемый 1253–1270 годами, имеет 78 полностраничных иллюстраций из темперной краски и позолоты.

В конце 13-го века книжники начали создавать молитвенники для мирян, часто известные как часовые книги из-за их использования в предписанное время дня. Самый ранний известный пример, по-видимому, был написан для неизвестной мирянки, жившей в маленькой деревне около Оксфорда в 1240 году. Дворянство часто покупало такие тексты, щедро платя за декоративные иллюстрации; среди наиболее известных их создателей — Жан Пьюсель, чьи часы Жанны д’Эврё были заказаны королем Карлом IV в качестве подарка его королеве Жанне д’Эврё. Элементы французской готики, присутствующие в таких работах, включают в себя использование декоративного оформления страницы, напоминающего архитектуру того времени, с вытянутыми и подробными рисунками.

Начиная с середины 14-го века, тетради с текстом и изображениями, вырезанными в виде гравюры на дереве, по-видимому, были доступны для приходских священников в Низких странах, где они были наиболее популярны. К концу столетия печатные книги с иллюстрациями, по-прежнему главным образом на религиозные темы, быстро стали доступны процветающему среднему классу, а гравюры довольно высокого качества были сделаны такими печатниками, как Исрахель ван Мекенем и Мастер Э.С. В 15-м веке введение дешевых печатных изданий, главным образом в гравюре на дереве, позволило даже крестьянам иметь религиозные изображения дома. Эти изображения, крошечные в нижней части рынка, часто грубого цвета, были проданы тысячами, но в настоящее время встречаются крайне редко, большинство из них были наклеены на стены.

Алтарь и панно
Живопись маслом на холсте не стала популярной до 15-го и 16-го веков и была отличительной чертой искусства эпохи Возрождения. В Северной Европе важная и инновационная школа ранней нидерландской живописи, в основном, в готическом стиле, но также может рассматриваться как часть Северного Ренессанса, так как итальянский интерес к классицизму оказал большое влияние на развитие север. Такие художники, как Роберт Кампин и Ян ван Эйк, использовали технику масляной живописи для создания мельчайших подробных работ, правильных в перспективе, где очевидный реализм сочетался с чрезвычайно сложной символикой, возникающей именно из реалистических деталей, которые они теперь могли включать, даже в небольших работает.

В ранней нидерландской живописи из самых богатых городов Северной Европы новый минутный реализм в масляной живописи сочетался с тонкими и сложными теологическими аллюзиями, выраженными именно через очень подробные настройки религиозных сцен. Примерами являются Алтарь Мероды (1420-е годы) Роберта Кампина и «Благовещение Вашингтона Ван Эйка» или «Мадонна канцлера Ролина» (оба 1430-х годов Яна ван Эйка). Для богатых маленьких панно роспись, даже полиптихи в масляной живописи становились все более популярными, часто показывая донорские портреты рядом, хотя часто намного меньше, чем изображенные Богородица или святые. Они обычно показывались дома.

скульптура
Готическая скульптура отошла от той роли, которую ей дали в романский период, то есть украшать архитектуру и воспитывать верующих, создавая так называемые каменные Библии.

Постепенно расположение скульптур в архитектурном сооружении стало более сложным и сценографическим. Наиболее важными эпизодами скульптуры были, как и в романские времена, порталы соборов, где обычно представлены персонажи Ветхого Завета и Нового Завета.

Фундаментальный отрывок заключается в том, что в готический период скульптуры перестали полностью вписываться в архитектурное пространство (косяк портала или столицы …), но начали освобождаться, просто опираясь на различные несущие элементы. Таким образом, появились первые всесторонние статуи, хотя самостоятельное и изолированное их использование еще не представлялось возможным. Вполне возможно, что наследие борьбы с язычеством, которое почитало статуи в раунде как божество, все еще было скрытым, однако до итальянского Ренессанса статуи всегда ставились у стен, в нишах, под архитравами или в виде кариатид и теламонов. ,

С стилистической точки зрения, инновационные черты готической скульптуры менее очевидны, чем те, что были представлены в архитектуре, но не менее богаты последствиями для последующих событий в истории искусства. Если, с одной стороны, фигура значительно растягивается по длине и модель живет в совершенно новых играх, таких как виртуозные и порой невероятные драпировки, с другой стороны, он вернулся к правдоподобным представлениям о движениях тела, выражениях лица, индивидуальных физиономиях, с Внимание художника к натурализму, никогда не известное в предыдущие эпохи, чем в лучших примерах (как на портале Реймского собора, около 1250 г., или в работах Николая Пизано) сравнивается с римской портретной живописью. Это тем более важно, поскольку оно предшествует тем же достижениям в области живописи на несколько десятилетий.

Однако по сравнению с классицизмом следует отметить другое выраженное беспокойство, определенную угловатость форм и драпировки, беспокойное использование эффектов кьяроскуро.

Монументальная скульптура
Готический период в основном определяется готической архитектурой и не совсем соответствует развитию стиля в скульптуре ни в его начале, ни в конце. Фасады больших церквей, особенно вокруг дверей, продолжали иметь большие тимпаны, а также ряды скульптурных фигур, разбросанных вокруг них.

Статуи на западном (королевском) портале в Шартрском соборе (ок. 1145) демонстрируют элегантное, но преувеличенное удлинение столбцов, а на портале южного трансепта, с 1215–20, — более натуралистический стиль и увеличивающийся отрыв от стены позади и некоторое понимание классической традиции. Эти тенденции были продолжены на западном портале Реймского собора несколько лет спустя, где цифры почти круглые, что стало обычным явлением, когда готика распространилась по всей Европе. В Бамбергском соборе находится, пожалуй, самое большое собрание скульптур 13-го века, кульминацией которого в 1240 году стал Бамбергский всадник, первая конная статуя в натуральную величину в западном искусстве с 6-го века.

В Италии Никола Пизано (1258–78) и его сын Джованни разработали стиль, который часто называют прото-ренессансом, с безошибочным влиянием римских саркофагов и изощренными и многолюдными композициями, включая сочувственную обработку наготы, в рельефных панелях на их кафедре Сиенский собор (1265–68), Фонтана Маджоре в Перудже и кафедра Джованни в Пистойе 1301 года.

Очередное возрождение классического стиля можно увидеть в работе международного готика Клауса Слютера и его последователей в Бургундии и Фландрии около 1400 года. На севере продолжалась позднеготическая скульптура с модой на очень большие деревянные скульптурные алтари с растущей виртуозной резьбой и большим количеством взволнованных людей. выразительные фигуры; большинство сохранившихся примеров в Германии, после большого иконоборчества в других местах. Tilman Riemenschneider, Veit Stoss и другие продолжили стиль вплоть до 16-го века, постепенно поглощая влияния итальянского Ренессанса.

Гробницы в натуральную величину в камне или алебастре стали популярны для богатых, и эволюционировали грандиозные многоуровневые гробницы с Гробницами Скалигера в Вероне, настолько большими, что их пришлось перенести за пределы церкви. К 15 веку появилась индустрия, экспортировавшая рельефы из алебастра Ноттингема в группах панелей по большей части Европы для экономических приходов, которые не могли позволить себе каменные столы.

Портативная скульптура
Мелкая резьба, предназначенная для преимущественно женского и часто женского рынка, стала значительной отраслью в Париже и некоторых других центрах. Типы слоновой кости включали маленькие религиозные полиптихи, отдельные фигуры, особенно Богородицы, зеркальные шкафы, расчески и сложные шкатулки со сценами из романсов, которые использовались в качестве подарков для помолвки. Очень богатые собирали экстравагантно сложные драгоценные и эмалированные металлические изделия, как светские, так и религиозные, например, реликварий Святого Шипа герцога де Берри, пока у них не осталось денег, когда они снова расплавились за наличные.

Готические скульптуры, независимые от архитектурного орнамента, в основном создавались как религиозные предметы для дома или предназначались для пожертвований местным церквям, хотя небольшие рельефы из слоновой кости, костей и дерева покрывали как религиозные, так и светские предметы и предназначались для церковного и бытового использования. Такие скульптуры были работой городских ремесленников, и наиболее типичным предметом для небольших трехмерных статуй является Дева Мария одна или с ребенком. Париж был главным центром мастерских из слоновой кости и экспортировался в большую часть Северной Европы, хотя в Италии также было значительное производство.

Образец этих независимых скульптур находится среди коллекций церкви аббатства Сен-Дени; серебристо-позолоченная Богоматерь с младенцем датируется 1339 годом и изображает Марию, окутанную плавающим плащом с младенческой фигурой Христа. И простота плаща, и юность ребенка предвещают другие скульптуры, найденные в Северной Европе, начиная с 14-го века и в начале 15-го века. Такая скульптура показывает эволюцию из более раннего жесткого и удлиненного стиля, все еще частично романского, в пространственное и натуралистическое чувство в конце 12-го и начале 13-го века. Другие скульптурные предметы французской готики включали фигуры и сцены из популярной литературы того времени. Образы из поэзии трубадуров были особенно популярны среди мастеров зеркальных шкафов и маленьких коробочек, предположительно для использования женщинами.

Сувениры паломничества к святыням, такие как глиняные или свинцовые значки, медали и ампулы с печатью с изображениями, также были популярны и дешевы. Их светский эквивалент, значок ливреи, был признаком феодальной и политической лояльности или союза, который стал рассматриваться как социальная угроза в Англии при феодальном ублюдке. Более дешевые формы иногда отдавались бесплатно, как в случае с 13 000 значков, заказанных в 1483 году английским королем Ричардом III в фустской ткани с его эмблемой белого кабана для вложения его сына Эдварда в качестве принца Уэльского, огромное количество население в то время. Dunstable Swan Jewel, полностью смоделированный в эмалированном золоте, является гораздо более эксклюзивной версией, которая была бы дана кому-то очень близкому или важному для донора.

Социальное рассмотрение искусства и художника
Процветание бизнеса по производству шерсти и ткани, связанного с ярмарками и торговыми путями, которые пересекают Европу с севера на юг (от Флоренции, Генуи и Венеции до Шампани и Фландрии, не забывая о Медине-дель-Кампо), порождает единственное в своем роде искусство: ткань гобелен, которая имела очень важный социальный престиж. Не для их авторов, которые никогда не выходили за рамки рассмотрения простых ремесленников, но для их владельцев. Не имея четкого разделения между индустриальным искусством и тем, что мы рассматриваем сегодня в качестве изобразительного искусства, то же самое можно сказать о мастерах-строителях, художниках и скульпторах, что, хотя мы сохраняем имя многих из них, они не преминули также осуществить одно из них. из мерзких и механических профессий, даже не сопоставимых с либеральными профессиями.