Искусство и мода сталкиваются друг с другом, часто глядя друг на друга, даже в прошлом. Если художники были очарованы одеждой как важным инструментом для придания реалистичности своим представлениям, мастера-портные часто черпали свое вдохновение из мира искусства и принимали отношения, приравнивающие их к художникам. Для искусствоведов одежда, запечатленная на картине, помогает датировать произведение искусства. С другой стороны, для историков моды нарисованное платье дает представление о движении, жесте и наклоне платья.
Маршрут выставки сфокусирован на работах Сальваторе Феррагамо, который был очарован и вдохновлен авангардными художественными движениями 20-го века, на нескольких ателье пятидесятых и шестидесятых, которые были местом для исследований и встреч, и на появлении культура знаменитостей. Затем он исследует эксперименты девяностых и продолжает размышлять, можем ли мы в современной культурной индустрии говорить о двух отдельных мирах или вместо этого имеем дело с плавным взаимодействием ролей.
Отличительный аспект макета выставки заключается в сотрудничестве с другими учреждениями культуры, которые приняли активное участие в реализации этой концепции с целью вдохновить на совместное осмысление: помимо музея Сальваторе Феррагамо, промотора и организатора проекта вместе с Fondazione Ferragamo, во Флоренции Центральная национальная библиотека, Gallerie degli Uffizi (Galleria d’arte moderna di Palazzo Pitti и Galleria del Costume), Музей Марино Марини и, в Прато, Музей Тессуто.
Что касается итальянской моды, то с начала дебатов в начале двадцатого века о необходимости придания национальной идентичности производству одежды в Бель-Паесе ссылка на мир итальянского искусства ощущалась как элемент сильного различия по сравнению с французской модой. тогда преобладает. Основополагающим на этом пути была роль, которую сыграла Роза Дженони, швея, а также преподаватель секции пошива одежды в Профессиональной женской школе Милана. Для миланской выставки 1906 года он сделал две одежды, в качестве программных плакатов своих идей, одну из которых вдохновил рисунок Пизанелло, сохранившийся в музее Конде в Шантильи, а другой — весеннее платье Боттичелли. Плащ, взятый из работы Пизанелло, щедро одолженный в Галерее костюмов Палаццо Питти, сравнивается с современной одеждой, вдохновленной знаменитыми произведениями искусства, в комнате с ковровым покрытием на статье Серхио Тофано, появившейся в «Лиделе» в 1920 году, где Великий иллюстратор выдвинул гипотезу об одежде итальянского производства, взятой с фресок Беато Анджелико и Масаччо.
Фильм биеннале искусства и моды во Флоренции в 1996 году, режиссер Джермано Селант, Ингрид Сисхи, Луиджи Сеттембрини, выступает в качестве резонансной темы для этой темы, великолепная выставка, в которой приняли участие сорок международных героев искусства и тридцать восемь мировых модные бренды в рамках проекта, целью которого было изучение и выявление взаимных влияний, творческих взаимоотношений между миром моды и изобразительным искусством, дизайном, архитектурой, кино, фотографией, обычаями и историей, которые привлекли внимание всех.
На протяжении веков художники изображали каждую минуту детали одежды, которая постепенно стала модной, передавая нам визуальное свидетельство жестов, поз и вкусов, а также пошив решений, материалов и декораций многими анонимными мастерами. Художники активно участвовали в этой роскошной гонке, создавая дизайны для тканей, кружев, вышивок и даже костюмов для придворных вечеринок, и начали то, что было бы модным общением с шедеврами гравюры. В течение девятнадцатого века мода начала распространяться в городах с вкладом текстильной промышленности и новыми формами коммерческого распространения. Это была полная метаморфоза, которая также положила начало оригинальным формам диалога между искусством и модой. Отношения между двумя мирами становились все теснее и частее, и обмены больше не ограничивались представлением прекрасного мира, одетого по последней моде.
В серии примеров в этом разделе предлагается путь через этот диалог, который ведется уже более столетия.
Мы начинаем с английских художников прерафаэлитов, Венского отделения Густава Климта и Wiener Werkstätte, продолжая Мариано Фортуни, не забывая о футуристических экспериментах. Затем мы переходим к опыту художников, создавших моду, таких как Соня Делоне, и к непосредственному сотрудничеству между художниками и создателями моды, такими как Thayaht с Vionnet или Dalí и Cocteau с Schiaparelli, вплоть до самых последних совместных работ. Особое внимание уделяется дизайнерам, которые, вдохновленные искусством, глубоко обновили моду, как в случае с Ивом Сен-Лораном с Мондрианом.
Тема осуществляется с учетом разных тем: художники, создавшие альтернативы современным тенденциям, и те, кто сотрудничал с индустрией моды; дизайнеры, стремившиеся к изобретательности художников, делились самыми оригинальными предложениями какого-то авангарда, но, прежде всего, вдохновлялись либо формами, либо поверхностями работ всех времен.
Присутствуя на культурной сцене Нью-Йорка, посещая вечеринки, премьеры, ретроспективы и показы мод, он помог сформировать отношения между искусством, модой и знаменитостями, которые мы узнаем сегодня. Эта концепция раскрыта в серии фотографий, на которых Уорхол изображен на различных общественных мероприятиях в Нью-Йорке, а также в знаменитой инсталляции Makos Studio Altered Image
Нет никаких сомнений в том, что с помощью своей работы Энди Уорхол развязал мощный и зачастую кощунственный эстетический вклад, самым ярким примером которого является The Souper Dress, воплощение моды, искусства и промышленности. Сделанное в шестидесятых годах из бумаги, целлюлозы и хлопка, с шелкографией знаменитого супа Кэмпбелл, которое может повторяться последовательно, это платье демонстрируется в рамках выставки.
Через искусство и моду
такое искусство моды? Простой вопрос скрывает сложную вселенную артикулированных отношений, которые давно изучались, но не пришли к четкому и однозначному определению. В этом проекте анализируются формы диалога между этими двумя мирами: взаимное вдохновение, дублирование и сотрудничество, от опыта прерафаэлитов до опыта футуризма и от сюрреализма до радикальной моды. Маршрут выставки сфокусирован на работах Сальваторе Феррагамо, который был очарован и вдохновлен авангардными художественными движениями 20-го века, на нескольких ателье пятидесятых и шестидесятых, которые были местом для исследований и встреч, и на появлении культура знаменитостей. Затем он исследует эксперименты девяностых и продолжает размышлять, можем ли мы в современной культурной индустрии говорить о двух отдельных мирах или вместо этого имеем дело с плавным взаимодействием ролей.
Этот простой вопрос скрывает сложную вселенную артикулированных отношений, которые долгое время исследовались, не достигая четкого или однозначного определения. Мода — из-за необходимости быть функциональной и, следовательно, для конкретного обращения к реальной жизни, а также из-за ее связи с ремеслом и промышленностью — кажется, далека от идеала искусства и искусства, концепции, которая, однако, не всегда была представительной даже из мира искусства. Энди Уорхол учил нас, что уникальность произведения искусства больше не совпадает с художественной продукцией, и сегодня выставки дизайнеров моды разрастаются, и стилисты приветствуют практики современного искусства с доступностью. Можно ли в этом контексте говорить о дихотомии между искусством и модой, которая произошла в прошлом веке?
Этот проект анализирует формы диалога между этими двумя мирами: загрязнения, дублирования и сотрудничества. От опыта прерафаэлитов до опыта футуризма, от сюрреализма до радикальной моды. Путь сосредотачивается на работе Сальваторе Феррагамо, очарованном и вдохновленном артистическим авангардом двадцатого века; в некоторых ателье пятидесятых и шестидесятых годов, месте учебы и встреч, а также о зарождении культуры знаменитостей, чтобы продолжить эксперименты девяностых и задаться вопросом, можем ли мы в современной культурной индустрии говорить о двух разные миры, или если вместо этого мы сталкиваемся с плавной игрой ролей.
Особенность плана выставки заключается в сотрудничестве нескольких учреждений культуры и размещении выставки в разных местах: помимо музея Сальваторе Феррагамо, который является промоутером и организатором проекта совместно с Фондом Феррагамо, они проводят различные выставки. во Флоренции, Центральная национальная библиотека, Галереи дельи Уффици (Галерея современного искусства Палаццо Питти), Музей Марино Марини и, в Прато, Музей текстиля.
Участвующие учреждения активно участвовали в реализации этой идеи с целью выработки общего мнения.
Это дань уважения музею Сальваторе Феррагамо, который создал и задумал проект и символ: с одной стороны, декоративный элемент, необходимый для эстетики модели Сальваторе Феррагамо 1958 года, Tirassegno décolleté, а с другой — работы один из великих американских художников второй половины двадцатого века, Кеннет Ноланд, который был источником вдохновения.
На выставке в музее Сальваторе Феррагамо работают четыре куратора: Стефания Риччи, директор музея Сальваторе Феррагамо, Мария Луиза Фриса, Энрика Морини, Альберто Сальвадори, которые изо дня в день, благодаря своим различным навыкам и личностям, сотрудничали в строительстве маршрута, вместе с директорами и руководителями различных учреждений, которые с энтузиазмом и духом сотрудничества участвовали в этой инициативе, а также с авторами каталога, которые помогли кураторам в окончательном выборе работ, предоставив свои знания и профессионализм. опыт. Есть много кредитов из самых престижных государственных и частных коллекций, национальных и международных, которые придают выставке международный вид
Музей Сальваторе Феррагамо
Музей Сальваторе Феррагамо во Флоренции, Италия — это музей моды, посвященный жизни и работе итальянского дизайнера обуви Сальваторе Феррагамо и его одноименной компании. Музей содержит 10 000 моделей обуви, созданной и принадлежавшей Феррагамо с 1920-х годов до его смерти в 1960 году. После смерти Феррагамо коллекция была расширена его вдовой и детьми. В музее также представлены фильмы, пресс-релизы, рекламные материалы, одежда и аксессуары с 1950-х годов до наших дней.
Семья Феррагамо основала музей в мае 1995 года, чтобы познакомить международную аудиторию с художественными качествами Сальваторе Феррагамо и ролью, которую он сыграл в истории не только обуви, но и международной моды.
Как и большинство корпоративных музеев, Музей Сальваторе Феррагамо и его архивы основаны на видении предпринимателя, в данном случае вдовы Сальваторе Феррагамо, Ванды, которая возглавляла компанию после смерти основателя в 1960 году, и ее шестерых детей. В частности, старшая из их детей, Fiamma, которая управляла основным бизнесом компании по производству обуви и изделий из кожи после смерти ее отца, стояла у руля этого проекта от имени своей семьи и воплотила его в жизнь, формируя свою стратегию с помощью историков и архивариусы.
Идея музея изначально возникла, когда в Палаццо Строцци была организована выставка, посвященная истории Сальваторе Феррагамо. Выставка проходила в туре и была организована некоторыми из самых престижных музеев мира, такими как Виктория и Альберт в Лондоне, Музей округа Лос-Анджелес, Нью-Йорк Гуггенхайм, Фонд Согетсу Кая в Токио и Музей Белла Артес в Мексике. Временная выставка постепенно стала постоянной.
В знак признания культурной значимости музея и его многочисленных инициатив за эти годы в 1999 году Сальваторе Феррагамо был удостоен премии Guggenheim Impresa e Cultura Award, ежегодно присуждаемой компаниям, которые наилучшим образом вкладывают средства в культуру для достижения конструктивных целей. Музей расположен в историческом центре Флоренции, в Палаццо Спини Феррони, которое также является штаб-квартирой компании с 1938 года.