Музей современного искусства (Moderna Museet) — это государственный музей современного искусства, расположенный на острове Скеппсхольмен, в окружении природных красот. Открытое в 1958 году здание было спроектировано испанским архитектором Рафаэлем Монео. В 2009 году музей открыл новый филиал в Мальмё на юге Швеции — Moderna Museet Malmö.

Moderna Museet — это государственный музей современного искусства с национальным мандатом. Коллекция является передовой в Европе. Музей — это место встречи людей и искусства, имеющее прочную основу в обществе и мире в целом. Moderna Museet, благодаря своей программе выставок мирового уровня, коллекционным проектам и образовательной деятельности, имеет значительное местное присутствие и международный охват. Обмен с другими художественными учреждениями по всему миру обширен.

Стокгольмский музей современного искусства является государственным административным органом при Министерстве культуры и, в соответствии с его инструкциями, занимается сбором, сохранением, отображением и распространением искусства 20-го и 21-го веков во всех его формах. Moderna Museet будет способствовать международным контактам посредством сотрудничества с учреждениями за пределами Швеции в форме передвижных выставок, а также будет отвечать за участие Швеции в международных биеннале искусства. Современный музей также является центральным музеем с государственной ответственностью в своей области.

Moderna Museet был открыт в зале для упражнений на Skeppsholmen 9 мая 1958 года. Директор Национального музея Отте Скёльд напомнил в своей инаугурационной речи, что еще в 1908 году проблема современного местного искусства в Национальном музее была решена. серьезно и идея нового здания для этих коллекций. Незадолго до своей смерти Отте Скёльд лично убедился, что музей реализован, и его приверженность созданию нового музея была решающей. Вместе с другими, среди прочих, Музеем друзей современности, основанным в 1953 году, он подарил коллекции произведений искусства XX века Национальному музею свой дом. Руководители музея Понтус Хюльтен и Олле Гранат пришли со своими контактами и инициативами для реализации этих намерений в последующие десятилетия.

14 февраля 2004 года здание музея было торжественно открыто. Помимо ремонта, была использована возможность улучшить некоторые помещения, отчасти для того, чтобы облегчить посетителям передвижение по музею, а отчасти для более адекватного использования пространства верхнего входа. Одновременно обновился графический профиль музея. Еще одним важным нововведением при открытии музея стало появление хозяев музея — людей, обладающих различными навыками, от спасательных до способных рассказывать посетителям о произведениях искусства как на постоянных, так и на временных выставках. Причина введения новых хозяев заключалась в том, чтобы удовлетворить большое количество посетителей, поскольку плата за вход была отменена.

В 1901 году архитектор Джон Смедберг построил красивое здание электростанции на улице Гасверксгатан 22. В настоящее время задача по преобразованию здания в более подходящий музей была возложена на отмеченную наградами архитектурную фирму Tham & Videgård Hansson Arkitekter. Они решили построить новую пристройку — современное дополнение к историческому зданию. И придадим интерьеру совершенно новый пространственный порядок.

Увлечение Moderna Museet — помогать людям в искусстве. Обнимать, бросать вызов и вдохновлять людей, и нами движет стремление говорить со многими. Moderna Museet инклюзивно и отмечает разнообразие, признавая, что люди приходят с разных отправных точек. Moderna Museet привлекает более широкую аудиторию, делясь чудесами искусства.

Moderna Museet имеет давнюю историю размещения художников со всего мира для революционных выставок, представлений и других презентаций, а также через свою всемирно известную коллекцию. Познакомьтесь с одной из передовых коллекций искусства Европы с двадцатого века до наших дней, в которой представлены работы таких художников, как Пикассо, Дали, Деркерт и Матисс.

Необычайная сила искусства — наша кровь. Искусство возникает в свое время и отражает его. Это позволяет задавать вопросы, которые порождают новые перспективы; художники — это огромная сила, они стимулируют более широкое творчество. Moderna Museet поддерживает искусство, потому что оно прокладывает новые пути и позволяет рефлексивно взглянуть как на историю, так и на настоящее.

Moderna Museet был стимулирующей платформой для людей и искусства, чтобы стать ярким, открытым и динамичным музеем, существующим как дух, тем, который предлагает аудитории возвышенные, увлекательные и прямые способы познакомиться с искусством на равных. Moderna Museet вдохновляет и создает пространство для новых идей, являясь стимулирующей платформой, которая делает искусство мирового уровня доступным для широкой аудитории. Мы устанавливаем новые стандарты для художественных музеев по всему миру.

Moderna Museet собирает, сохраняет, демонстрирует и объединяет современное и современное искусство. Moderna Museet управляет нашим культурным наследием на основе высочайших стандартов качества и проводит исследования, которые приводят к высококачественному международному сотрудничеству и признанию. Moderna Museet — ведущее учреждение в своей области, и мы верим в возможность делиться своими знаниями.

Коллекция Moderna Museet, исследования, выставки, посредничество и общение должны дополнять и оплодотворять друг друга; эти действия не могут быть изолированы друг от друга. Moderna Museet определяет себя на основе контекстов, в которых мы участвуем. Наша цель сделать величайшее искусство доступным как можно большему количеству людей должна опираться на устойчивые методы, учитывающие экологические и социальные последствия. Moderna Museet должна быть движима смелостью экспериментировать, смело расширять границы и выбирать новые пути в способах решения наших задач.

Moderna Museet (Музей современного искусства) с коллекцией произведений искусства, состоящей из более чем 130 000 произведений, является ведущим шведским музеем современного искусства. Moderna Museet имеет одну из лучших в Европе коллекций современного искусства. Коллекции содержат современную живопись, скульптуру, фотографию и художественные фильмы с 1900 года, а в случае фотографий — также примерно с 1840 года.

Объединив международные шедевры таких художников, как Уорхол, Пикассо и Дали, с временными выставками выдающихся художников 20 и 21 века, Moderna Museet удается привлечь много постоянных посетителей для постоянно меняющегося художественного опыта. В оригинальной коллекции преобладали шведское и скандинавское искусство, американское искусство 1950-х и 60-х годов и ориентированный на французский модернизм, однако коллекция была расширена за счет включения большего количества женщин-художников и создания более универсальной коллекции с работами со всех концов света. Мир.

Moderna Museet ежегодно организует несколько крупных выставок как в Стокгольме, так и в Мальмё, ряд выставок среднего и меньшего размера. В 2012 году музей в Стокгольме посетило около 500 000 человек, а музей в Мальмё — более 100 000 посетителей.

С момента основания в 1958 году музей был известен своими тесными отношениями с художниками — например, Марсель Дюшан подписал несколько своих работ в Стокгольме ближе к концу своей жизни, а Энди Уорхол провел свою первую персональную музейную выставку в Европе в Moderna Museet в 1968 году.

Коллекция Moderna Museet сейчас включает около 6000 картин, скульптур и инсталляций, 25000 акварелей, рисунков и гравюр, 400 художественных видео и фильмов и 100000 фотографий. Коллекция включает в себя картины, скульптуры, инсталляции, фильмы, видео, рисунки и гравюры шведских и зарубежных художников 20 и 21 веков, а также фотографии с 1840-х годов до наших дней.

Благодаря целенаправленным коллекционерским инициативам, Музей успешно увеличил широту и глубину своей коллекции. Еще в 1963 году был открыт Музей наших желаний, который мгновенно превратил музей в ведущее европейское художественное учреждение; правительство выделило 5 миллионов шведских крон на приобретение знаковых работ Джакомо Балла, Франсиса Пикабиа, Курта Швиттерса, Джорджо де Кирико и многих других. Несколько десятилетий назад это было повторено, но на этот раз только с участием женщин-художников — в коллекцию пополнились работы Луиз Буржуа, Доротеи Таннинг, Джуди Чикаго, Сьюзан Хиллер и других.

Только часть коллекции может быть выставлена ​​на обозрение. Но это позволяет нам исследовать и переформулировать стандартное историко-художественное повествование через новые идеи и постоянные изменения в выставке. Это включает в себя Moderna Museet Malmö, с его новаторским подходом к отбору и демонстрации работ из коллекции с момента открытия в 2009 году.

Большая коллекция произведений искусства — лучшая отправная точка для визуальных и интеллектуальных экспериментов. Moderna Museet, как открытый и живой музей, постоянно переписывает стандартную историю модернизма, часто меняя свою коллекцию радикально новыми способами. С 2009 года у музея есть два места, Стокгольм и Мальмё, где с момента открытия регулярно демонстрируются новаторские подборки произведений из коллекции. Некоторые из знаковых работ, такие как Марокканский пейзаж Анри Маттисса (Акант), Монограмма Роберта Раухенберга и скульптура Евы Гессе «Без названия», почти всегда доступны для проверки.

Взрыв! — Картина как действие
Explosion исследует богатые и сложные взаимосвязи и границы живописи, перформанса и концептуального искусства. Он прослеживает это расширенное представление о живописи как о действии с конца 1940-х годов до наших дней. На выставке будут представлены работы в различных средах примерно 45 художников из разных стран мира, таких как известная японская группа Гутай, в том числе Сёдзо Симамото, Садамаса Мотонага, Сабуро Мураками и Кадзуо Сирага, а также такие художники, как Аллан Капроу, Джексон Поллок, Ники де Сен-Фалль, Ив Кляйн, Ана Мендьета, Элисон Ноулз, Риван Нойеншвандер, Йоко Оно и Лоуренс Вайнер.

После Второй мировой войны ряд художников в разных частях света начали атаковать фундаментальные установки живописи, причем одновременно агрессивно и игриво. Многие художники придавали столько же значения самому творческому акту, сколько и создаваемой им картине. На этой границе между живописью и перформансом случай или зритель часто привлекались как соавторы произведения. Это экспериментальное, концептуальное отношение к живописи и искусству впоследствии вдохновило многих других художников. В последние годы возрос интерес к исполнительскому искусству, а вместе с ним и интерес к его корням.

Игнаси Абалли (1958)
Работа Игнаси Абалли «Лица» представляет собой длинный ряд грязных следов на стене. Их делал художник, прислонившийся к стене и вяло упирающийся в нее одной ногой. Работа также служит своего рода хореографией, поскольку публику предлагается завершить ее, прислонившись к стене и оставляя грязные следы на обычно безупречной белой стене музея. Абалли поглощен проблемами отсутствия и исчезновения, а также различными способами уловить время. Его практика часто носит концептуальный характер, основанный на его опыте художника.

Уильям Анастази (1933)
Еще в начале 1970-х годов Уильям Анастази начал работать над серией слепых рисунков, когда он был в метро Нью-Йорка. Часто он ехал к Джону Кейджу поиграть в шахматы. С блокнотом на коленях и ручкой в ​​каждой руке он надевал большие наушники и закрывал глаза, чтобы сосредоточиться и достичь медитативного состояния ума. Его тело двигалось с креном, остановками и ускорениями поезда. Анастаси, как сейсмограф, фиксировал изменения своего положения. Сделав себя прибором для регистрации движения поезда, он отказался от авторства рисунков. В названии произведения указано время, когда оно было сделано.

Жанин Антони (1964)
Джанин Антони использует свои волосы как малярную кисть, чтобы красить пол в галерее краской для волос Loving Care. Антони исследует ежедневные ритуалы, которые мы проводим над своим телом. Она берет повседневные дела, такие как еда, купание и мытье пола, и превращает их в скульптурные процессы, имитируя ритуалы искусства. Она вырезает зубы и рисует волосами и ресницами. Материалы, которые она использует, обычно используются на теле, чтобы определить его в обществе — мыло, сало, шоколад и краска для волос. Их особое значение для женщин означает, что ее работы по-разному интерпретируются в зависимости от пола зрителя, утверждает она.

Джон Балдессари (1931)
Джону Балдессари, сыну домовладельца, время от времени приходилось делать косметический ремонт в квартирах. Раньше он делал вид, что рисует картину, когда красил стену. Это приятное концептуальное упражнение помогло ему справиться с монотонной рутинной работой. Он также начал думать о разнице между одним художником и другим. В «Шести красочных внутренних делах» Балдессари позволяет человеку перекрашивать комнату в течение шести дней в шесть основных и дополнительных цветов, снимая все это сверху. Часы рисования превращаются в минуты фильма. Название — игра слов. Inside Job — это отсылка к голливудской детективной драме. Время соответствует шести рабочим дням. Как Бог, художник отдыхает на седьмой день.

Линда Бенглис (1941)
В серии работ Линды Бенглис «Заливка» краска выливается из больших чанов и оставляется сохнуть на полу. Таким образом, краска имеет характер скульптуры, засохшей краски без «опоры» в виде холста или панно. В отличие от Поллока, картину не вешают на стену, а ставят прямо на пол. В дополнение к своим живописным и скульптурным качествам работы Бенглиса также являются комментарием к Поллоку, что еще больше усиливается в фотографиях, опубликованных в американском журнале Life в 1970 году, вместе с уменьшенной картиной Поллока.

Олле Бонньер (1925)
Олле Бонньер впервые показал свои работы на легендарной групповой выставке в Стокгольме в 1947 году. Два года спустя, в 1949 году, он создал работу «Плингелинг», которая одновременно является абстрактной картиной и партитурой. Эту белую картину можно было рассматривать как переливающуюся вселенную. Точки, возникающие в этой вселенной, имеют иррациональные орбиты, иногда сталкиваясь друг с другом, так что возникает дребезжащий звук. Plingeling не содержит каких-либо явных инструкций о том, как в него играть, и результат каждый раз меняется. Работа Бонньера — ранний пример перформативной живописи, работа, созданная как картина, но включающая инструкции, которые можно преобразовать в музыку.

Джордж Брехт (1926–2008)
Water Yam — это книга художника, которую Георг Брехт опубликовал в 1963 году в коробке, разработанной Джорджем Мачюнасом, написавшим Манифест Fluxus. Этот блок, который иногда называют Fluxbox или Fluxkit, содержит карточки разного размера, которые представляют собой оценки событий или оценки Flux для различных видов событий. Партитуры часто оставляют место для случая или совпадений, вынуждая пользователя или аудиторию, если партитура исполняется публично, делать свою собственную интерпретацию и, таким образом, становиться соавторами произведения. Брехт сказал, что его оценки были предназначены для того, чтобы «детали повседневной жизни, случайные созвездия объектов, которые нас окружают, перестали оставаться незамеченными».

Тони Конрад (1940)
Когда Тони Конрад прибыл в Нью-Йорк в 1960-х годах, он скептически относился к арт-сцене, но обнаружил яркую киносцену, найдя ее более интересной, поскольку она не зависела от художественных институтов. Конрад хотел совместить кино с захватывающими новыми достижениями в живописи. Одна из его стратегий заключалась в создании сверхдлительных фильмов. Энди Уорхол снимал фильмы, которые длились 24 часа. Работа Конрада «Желтый фильм» — это фильм, который снимается уже 40 лет! Идея в том, что дешевая краска со временем постепенно меняет цвет. «Никто не может измерить изменение, происходящее в« фильме », но это не имеет значения, поскольку оно происходит в вашем собственном воображении», — говорит Конрад.

Ойвинд Фальстрем (1928–1976)
Ойвинд Фальстрем был многогранным художником, который работал экспериментально в нескольких дисциплинах. Он был художником, писателем, режиссером и композитором. Его знакомство с поп-артом и культурой комиксов в Нью-Йорке в начале 1960-х годов оказало радикальное влияние на его искусство, и он начал создавать различные картины в виде настольных игр. Игры были его способом проиллюстрировать расстановку политических, социальных и экономических сил. Зрителям намеренно предлагается перемещать маркеры и элементы картин, чтобы сформировать новые комбинации.

Кил Флойер (1968)
Основные заботы Ceal Floyer — это свет, тень и цвет, а также то, как мы воспринимаем и интерпретируем мир с помощью наших органов чувств. Активно используя современные технологии, она создает работы, основанные на идеях, в которых элегантность сочетается с кажущейся простотой. Здесь экран монитора полностью заполнен чередующимися цветами. На самом деле это крупные планы стакана с водой, в который окунаются кисти с разными пигментами. Пигменты соответствуют основным цветам видеотехники. Таким образом, Floyer объединяет аналоговый и цифровой цвет.

Пино Галлицио (1902–1964)
В 1959 году был опубликован манифез Пино Галлицио о промышленной живописи. Промышленное искусство должно было производиться механически и быть доступным для всех. Искусство должно было твориться среди людей или не твориться вовсе. Идея заключалась в том, что тысячи километров холстов будут производиться массово, а затем распространяться среди людей, чтобы освободить их от буржуазного искусства, которое привело к финансовым спекуляциям и способствовало увековечиванию классового разделения. Количество и качество станут одним и тем же, что положит конец статусу произведения искусства как предмета роскоши. Галлицио также был одним из основателей радикального левого художественного движения, известного как ситуационизм, которое стремилось освободить искусство от его роли фетишистского товара капитализма.

Цай Го-Цян (1957)
Цай Го-Цян использует порох и фейерверк, чтобы рисовать изображения в воздухе. Иногда эти работы длятся несколько секунд, иногда взрывы оставляют следы на бумаге или холсте. С 1989 года Го-Цян создает монументальные взрывные работы «для инопланетян» прямо на земле, чтобы их можно было увидеть с других планет. В 1998 году Гуо-Цян реализовал проект по замерзшим водам между Moderna Museet и Vasa Museum: след запала и пороха на мгновение разделил воды между двумя островами, как Красное море в Библии, когда Моисей привел евреев в землю обетованную.

Садахару Хорио (1939)
Садахару Хорио впервые показал свои работы с Гутаем в 1966 году. Ежегодно проводя более 100 выставок и представлений, он подчеркивает, что выставки — это не отдельная ситуация, а продолжение жизни, и что повседневная деятельность — это, по сути, представление. . Каждый момент уникален и незаменим. Хорио посвящает себя возможностям момента с открытостью ребенка. В непрерывном ритуале он каждый день покрывает краской повседневные предметы вокруг себя. Чтобы не выбирать цвета, он придерживается порядка красок в коробке и, таким образом, избегает любых личных следов. Этот живописный ритуал мог перенять кто угодно и увековечить его до бесконечности.

Ив Кляйн (1928–1962)
Для Ива Кляйна синий цвет олицетворяет пустоту, а небо и море — нематериальное. Почти все его работы — монохромные в его фирменном цвете International Klein Blue. Он использовал специальное связующее, не влияющее на блеск и интенсивный характер пигмента. Антропометрии Кляйна — это картины, созданные для публики, как спектакли. Модели рисовали прямо на телах друг друга и прижимались к холсту или волочили друг друга по нему, как живые кисти. Говорят, что Кляйну пришла в голову идея рисовать как прямой отпечаток тела, когда он увидел в Хиросиме камень с тенью человека, выжженной в нем атомной бомбой. Это зрелище, возможно, также вдохновило его картины с огнём.

Акира Канаяма
Акира Канаяма был секретарем группы Гутай. Он в шутку сказал, что на этой должности у него было столько работы, что у него не было времени рисовать, и вместо этого он позволил красить игрушечную машинку с дистанционным управлением. Полученную работу (1957) можно рассматривать как критику капельных картин Джексона Поллока, с которыми они имеют некоторое сходство. В Канаяме мужской гений, который выражает свои чувства с помощью краски, заменяется игрушечной машинкой, которая беспорядочно перемещается по бумаге, оставляя след краски, или, как в работе Footprints, подошвы художника оставляют следы на бумаге. Таким образом, Канаяма поставил под сомнение личное отношение художника к качеству и изобретательности работы.

Пол Маккарти
Черно-белые кассеты — это сборник из 13 ранних спектаклей 1970-х годов. Этот отбор показывает многообещающее развитие тем, брутальную телесность и перформанс, который стал обозначать его творчество. Подобно Герману Ничу и венским акционистам, Пол Маккарти исследует потерю контроля, но без ритуальных элементов и с прямыми связями с голливудской поверхностностью и материальным изобилием. Общим для Нитча и Маккарти является то, что жидкая форма (краска) не ограничивается напрямую холстом, а разливается таким образом, чтобы напоминать жидкости организма, которые внезапно и катастрофически появляются повсюду.

Ана Мендьета
В начале 1970-х годов Ана Мендьета начала создавать силуэты и «скульптуры земных тел» из крови, земли, огня и воды. Используя свое тело как инструмент, она оставила человеческие отпечатки на природе. Ее выступления засняли на пленку. Ана Мендьета была первой, кто объединил два современных направления — ленд-арт и боди-арт, в результате чего появились работы, затрагивающие темы жизни, смерти, места и принадлежности. Ритуальное использование Мендьеты крови, пороха, земли и огня также связано с кубинской религией Сантерия. Тринадцатилетней Мендьету отправили с Кубы в США, где она воспитывалась в детских домах. Ее поиск идентичности и чувство принадлежности пронизывают все творчество Мендьеты.

Сабуро Мураками
Сабуро Мураками был соучредителем группы Gutai и одним из ее самых плодотворных членов. Он сформулировал групповую концепцию выставок под открытым небом и создал перформансы, в которых бросил вызов живописи, раздвинув ее границы и исследуя, может ли жанр выйти за рамки рисования на холсте. Работа Six Holes — это буквальный и теоретический удар по живописи. Художник проделал дыры в нескольких слоях коричневой бумаги, натянутой на раму, используя различные части своего тела. Результатом его экспериментов стали новые виды «картин», первая художественная попытка пересмотреть отношения между перформансом и объектом.

Риван Нойеншвандер
Риван Нойеншвандер называет свое искусство «эфирным материализмом». Она использует повседневные материалы, чтобы выразить течение времени, хрупкость жизни и человеческие отношения, часто позволяя случайным и интерпретативным процессам определить конечный результат, как, например, когда она попросила двух поваров приготовить еду на основе списка покупок, который она нашла на этаж супермаркета. В работе Secondary Stories (2006) яркие круги из папиросной бумаги развеваются над внутренним потолком с вентиляторами. Время от времени они беспорядочно падают на пол, образуя новые узоры, похожие на капли краски.

Герман Нитч
Театральные и агрессивные представления венских акционистов и боди-арт сочетали искусство с ритуалами и религией. Во многих отношениях произведения Германа Нитша похожи на классические драмы с их стремлением к катарсису, форме исцеляющего очищения через страдание. Они сопротивляются тому факту, что современный западный человек так далек от ритуалов, вызывающих экстаз с его очищающим и восстанавливающим действием. Согласно этим представлениям, мы не сможем испытать большую радость, если не сможем также испытать боль, горе и страх. Практики венских акционистов можно рассматривать как часть австрийской экспрессионистской традиции с элементами католицизма, психоанализа и восстания против буржуазного иерархического общественного строя.

Ники де Сен-Фалль
В начале 1960-х годов Ники де Сен-Фалль потрясла до основания мужскую арт-сцену своими съемками картин (Tirs). В этих работах она покрывала емкости с краской толстым слоем штукатурки на деревянной доске. Затем она выстрелила в них из ружья с большого расстояния; когда пуля попала в контейнеры, краска беспорядочно растекалась по штукатурке. Акт стрельбы стал в высшей степени преднамеренным актом, который также можно рассматривать как перформанс. Описывая этот поступок, Ники де Сен-Фалль сказала, что стреляла во всех мужчин, своего брата, общество, церковь и школу.

Джексон Поллок
Когда в 1947 году Джексон Поллок совершил прорыв, он обратился к совершенно новому и революционному способу живописи. Положив большие холсты прямо на пол, он окунул кисти и палочки в горшки с жидкой краской и позволил ей капать на холст, перемещаясь по всем четырем сторонам, слушая громкий бибоп или другую джазовую музыку. Этот метод, по его словам, был связан с ритуальными рисунками на песке коренных американцев, сделанными из цветного песка, которые были усыпаны красивыми узорами. Для Поллока сам акт рисования был так же важен, как и законченная работа. Его стиль живописи назывался «Живопись действия», и он считается одним из выдающихся абстрактных экспрессионистов.

Роберт Раушенберг, Ники де Сен-Фалль
В мае 1961 года выставка «Движение в искусстве» открылась вечеринкой. Ники де Сен-Фалль прикрепила множество наполненных краской пакетов к театральному фону, поверх которого она поместила пластиковый лист и ковер, чтобы сформировать танцпол. Когда гости начали танцевать, сумки лопались, создавая абстрактную картину. После вечеринки Роберт Раушенберг и Билли Клювер (основатель компании «Эксперименты в искусстве и технологиях», EAT) остались единственными гостями. Картина все еще лежала на сцене. Они вынесли его на улицу, и Раушенберг предложил улучшить работу и, возможно, привлечь внимание водителя такси, разложив ее по дороге. Несколько проезжающих машин оставили следы от шин на полотне, прежде чем такси наконец остановилось.

Кароли Шнееманн
Кароли Шнееманн — пионер перформанса и феминистского искусства. В начале 1960-х она использовала свое тело в качестве художественного материала и была первым американским художником, работавшим с «боди-артом». В Eye Body она выглядит обнаженной, размазанной краской, жиром и мелом. Перенося живопись с холста на свое тело, Шнееман бросает вызов современной женской роли и преобладающему в искусстве отношении к женскому телу как объекту, который нужно изображать и смотреть. Ее критиковали за резкость, но у ее зрелищных работ всегда есть цель. Как субъект и объект своих картин, она вновь обретает власть над женским телом и сексуальностью. Помимо перформансов, Шнееманн занимается сборками, фильмами, видео и инсталляциями.

Затмение — Искусство в темные времена
Затмение, потемнение солнца, описывает как ситуацию в обществе, где многие идеалы Просвещения, кажется, отброшены, так и художественный подход. Художники на этой выставке международного современного искусства разделяют неверие в дидактически просвещающую культуру; отсюда метафора в названии.

Представленные художники используют инсталляцию, скульптуру, перформанс, видеопроекцию и живопись в качестве средств массовой информации для исследования и формулирования темных или иррациональных тем. Многие из них обладают особым чувством абсурдности жизни, что приводит к освежающему чувству юмора. Экзистенциальные проблемы, касающиеся состояния человечества, являются отправной точкой. Выставка преследует два основных направления: одно — мрачное, мистическое и краткое, другое — более анархическое и бурлескное.

Eclipse — это одновременно и утверждение, и вопрос об искусстве сегодня. Если художники 90-х были озабочены реальностью, что можно было бы выразить, например, в документальных стратегиях и эстетике отношений, то сегодня многие художники больше заинтересованы в спекуляциях, в отражении непостижимого. Сказать, что мы живем в темные времена, может показаться резким. Но после 11 сентября, в эпоху политических потрясений, мы наблюдаем рост нетерпимости. Выставка освещает искусство, которое не является политическим в упрощенной форме, но отстаивает свое право говорить не то, искусство, которое использует лицензию художественной литературы для экспериментов.

Михаэль Борреманс
Бельгийский художник Микаэль Борреманс (род. 1963, живет в Генте), наиболее известный своими картинами и рисунками, представлен рядом работ в его характерном нео-сюрреалистическом стиле. Сюжеты — это люди, принадлежащие к прошлому, окрашенному в оттенки сепии, сосредоточенные на какой-то загадочной задаче. Названия работ усиливают чувство неуверенности в том, какие сцены мы рассматриваем, например «Преимущество», где изображен молодой человек в смирительной рубашке.

Анри Сала
Загадочность картин Борреманса перекликается с видео-работами Анри Сала (род. 1974, живет в Берлине), которые часто снимаются в полумраке. В одной из его работ, Ghostgames, два человека участвуют в игре на том, что может быть пляжем в темноте, где они используют лучи фонарика, чтобы заманить крабов или заставить их ползти между ног соперника, тем самым забивая гол. . Отсутствие информации в изображениях наводит на вопросы и обостряет чувства.

Натали Джурберг
Натали Джурберг (р. 1978, живет в Берлине) создает видеоработы, действие которых происходит в гротескной вселенной фигур, сделанных из глины для лепки. Формат фильмов подобен детскому телевидению, но персонажи — часто очень толстые женщины — участвуют в жестоких нападениях. В настоящее время Джурберг представлен на персональной выставке в Fondazione Prada в Милане.

Дана Шютц
Картины Даны Шутц (род. 1976, живет в Нью-Йорке) также вызывают в воображении странный, возможно, постапокалиптический мир, населенный гротескными выжившими, такими как «автоканибалы», которые проводят операции друг на друге, «фанатики гравитации». »или тех, кто просто« в Иисуса ». Формально она гибко перемещается между различными стилями в истории искусства. Ее картины часто основаны на идеях, которые служат вызовом и кажутся невозможными для рисования.

Эллен Галлахер
В работах Эллен Галлахер (род. 1965, живет в Роттердаме и Нью-Йорке) De Luxe сочетают исторические и мифологические персонажи, созданные из старых рекламных картинок, нацеленных на афроамериканских читателей. Также представлены несколько ее акварелей из серии Water Ecstatic. Сериал основан на мифе о подводных людях — особом виде, который произошел от беременных рабынь, утонувших в Атлантическом проливе работорговли.

Том Маккарти
Том Маккарти (род. 1969, живет в Лондоне) — генеральный секретарь INS — Международного некронавтического общества, стилизованного под группы художников-авангардистов начала 20 века. INS представлен в отчете «Вызов всех агентов» с одного из собраний группы в Австрии, в котором утверждается, что искусство содержит подрывные послания, которые носят политический характер. Новое аудио-произведение Маккарти для конкретного сайта будет представлено на шведском языке в аудиогидах, которые обычно используются для ознакомления посетителей с коллекцией.

Лукас Аджемян
Работы Лукаса Аджемяна (род. 1975, живущий в Нью-Йорке) отсылают к искусству как носителю закодированных сообщений. Вместе со своим братом, джазовым музыкантом Джейсоном Аджемяном, он создает представление в церкви на Скеппсхольмене, которое будет снято на видео и показано на выставке; они играют классику Black Sabbath Into the Void 1971 года назад вместе с оркестром из десяти человек, ссылаясь на мифы, утверждающие, что это раскроет скрытые, сатанинские послания.

Майк Нельсон
Майк Нельсон (род. 1967, живет в Лондоне) также сотрудничает с группой — в его случае с вымышленной байкерской бандой «Амнезиаки», которая состоит из ветеранов войны в Персидском заливе с амнезией. Члены «помогают» Нельсону создавать работы, воссоздающие их воспоминания, как, например, в «Святыне амнезиаков» — большой пространственной инсталляции, которая была приобретена для коллекции Moderna Museet при финансовой поддержке Friends of Moderna Museet в качестве подарка к 50-летнему юбилею.

Пол Маккарти
В своих видеоработах, основанных на перформансах, Пол Маккарти (род. 1945, живет в Лос-Анджелесе) изображает фигуры отца, одновременно угрожающие и жалкие; голова куклы, напоминающая Альфреда Э. Ноймана или кровавого насмешливого пирата, в некогда взбесившемся Диснейленде. Сотрудничество Магнуса аф Петерсенса с Полом Маккарти в связи с его ретроспективой в Moderna Museet в 2006 году стало одним из событий, которое вдохновило концепцию Eclipse.