«Пленэр» (буквально на открытом воздухе) — это фраза на французском языке, обозначающая живописный метод, состоящий в рисовании на открытом воздухе, чтобы уловить тонкие нюансы, которые свет генерирует на каждой детали. Другая цель этого метода — понять истинную сущность вещей, поскольку это выражение происходит от непосредственного наблюдения реальности. В моде, особенно в европейском девятнадцатом веке, живопись пленэра широко использовалась изобразительным потоком импрессионистов. Этот метод контрастирует со студийной живописью или академическими правилами, которые могут создать предопределенный вид.
Хотя в историческом прошлом художники уже использовали ресурс живописи природы, которую они рассматривали (жанровое или пейзажное искусство), лишь в середине XIX века они явно решили использовать естественный свет для изучения и достижения определенных эффектов и применения их к его картине. Уже тогда такие выдающиеся ландскейперы, как Карлос де Хаес, продолжали традицию резервировать большую часть живописных работ для студии (как в так называемой кабинетной живописи) и делать только наброски или заметки о природе на открытом воздухе.
Такой новинкой был «выбор стиля», приписываемый барбизонской школе и первым импрессионистам во Франции, хотя в Италии другие круги художников, такие как Маккиайоли, также разработали аналогичные предложения в то же время, в то время как в Англии члены Школа Newlyn в России сделала многих из своих лучших ландшафтных дизайнеров и в других европейских и американских странах различными колониями и кружками, специализирующимися на пейзажной живописи.
Возможно, ключом к успеху и популяризации пленаризма 1870-х годов стала коммерциализация туб-контейнеров для масляной живописи. Перед ними каждый художник должен был делать свои цвета, смешивая высушенные порошковые пигменты с льняным маслом. Другим изобретением на той же стадии был мольберт, называемый на английском языке «French box мольберт», хотя не было точно установлено, кто его использовал первым. Он состоял из очень легко транспортируемой конструкции с телескопическими ножками, которые могли включать палитру и ящик для краски; что позволило художникам на открытом воздухе проводить подлинные загородные экскурсии, а также подходило для использования в студии.
концепция
Ясно, что рисование на воздухе и рисование на открытом воздухе означают одно и то же и используются для описания изобразительной техники: работа с естественным, то есть в предпочтительно естественном пространстве. Тем не менее, термин «пленарность», по-видимому, сообщает, что добавление к практике этого метода будет идеологическим, эмоциональным хроматическим. Путешествуя по истории искусства, доказано, что ассирийцы, китайцы, ацтеки и, намного раньше, художники-пещеры рисовали на открытом воздухе, но нет документации о социальных и художественных причинах, побудивших их сделать это, или если они были просто религиозными, географическими или очевидными. Однако с момента своего появления в парижском парнике в середине девятнадцатого века пленарность привела к противоречивому термину, зародышу противоречий среди критиков, ученых и искусствоведов, и подстановочный знак абстрактного использования для подавляющего большинства. Тем временем художники вышли на поле, чтобы нарисовать своими мольбертами и зонтиками, во многих случаях перемещая необходимую смелость и свои модели в самые неожиданные уголки более или менее дикой природы.
революционеры
Удивительно, что разные авторы в разных контекстах, представленные как «чистые ландшафты» для греко-панорамы Толедо, для Веласкеса двух небольших пейзажей Виллы Медичи, или ночной Ван Гог из кафе-террасы, которая рисует картину естественно посреди ночи и освещается, расставляя свечи вокруг шляпы.
Предшественники
До идеологического использования техники живописи (и других, следовательно, девятнадцатой терминологии критики, буржуа и «Фанес» под открытым небом был бесконечный список художников, многие из них в первую очередь рисовали «in-situ» добровольно и по системе здесь, plenairistas Были: Дюрер, Клод Лоррен, Пуссен, Сальватор и Роза Сэйвэл, Камиль Коро, Джозеф Маллорд, Уильям Тернер и Констебль.
Кажется принятым, за исключением самых непокорных шовинистов, которые все еще безымянный пленарство были выкованы в Англии в последней трети 18-го века, как упражнение, как технический ресурс, как академический рецепт для правильной пейзажной живописи и как синоним «впитывание воздуха и света». Таким образом, великим учителем-предшественником, предложенным специалистами и критиками, был Джон Констебл.
Тот факт, что Дидро, прогуливаясь по парижскому залу 1767 года, предпочел много эскизов готовым картинам, это не умаляет официальной и фронтальной битвы, в которой сражались художники Барбизона, следуя англо-голландской традиции. Это оправдано популярными колониями пленарных деятелей (ныне уже обозначенных), которые в 1820-х годах рисовали в лесах Фонтенбло, в Сен-Клу, Севре и на всем протяжении побережья канала Ла-Манча.
Акварели и путешественники
Создание в 1804 году в Англии Общества акварелистов (Общества акварелистов) и популяризация акварельной живописи в Европе и Америке сделали эту технику главным источником путешествующих художников и «пионеров пленаризма».
Во время своей поездки в Марокко в 1831 году Эудженио Делакруа, «краснодеревщик», не обращавший внимания на пейзажную живопись, профессиональное использование акварели путешествующими художниками и последующую пленарную моду, рисунки, заметки и краски в семи тетрадях и несколько тысяч акварелей. Некоторые из этих естественных нот станут холстом спустя годы; например, еврейские свадьбы, представленные на парижском салоне 1841 года и сохранившиеся в Лувре. С 1820 года датируется принятие акварельной техники в ультра-академических схемах упомянутого Холла, рыночного и изобразительного бизнес-катализатора и художественного арбитра в европейских судах того времени. В 1824 году четыре английских художника одержали победу в этом зале (возможно, потому, что они были отвергнуты в своей стране): Томас Лоуренс, Джон Констебл, Копли Филдинг и Ричард Паркс Бонингтон.
В конкретном случае Делакруа, его открытия и размышления о поведении света на объектах послужили бы предпосылками для теоретиков пуантилизма, таких как Seurat и Paul Signac.
Наброски и готовые работы
Размышления поэта и искусствоведа Шарля Бодлера, покинувшие парижский Салон 1845 года, под влиянием пейзажей Коро, обнажили официальное противоречие, считая, что произведения живописи тщательно работают в исследовании, и отвергают как таковые стихийные зарисовки, взятые из естественный. Противоречие, на котором, по другую сторону Альп, также спекулировали члены кружка мачяйоли.
Скандал произошел, когда, вдохновленные очевидными, художники со всего мира, централизованные по французскому примеру, наиболее известному и распространенному, решили рассмотреть и, следовательно, представить и обменять предполагаемые эскизы как законченные произведения искусства. Техника пленаризма только что сделала качественный скачок, из которого ничто и никто в будущем не мог вырвать.
Пикник на пленэре и сытость на пляже
Деревенские идиллии Ватто, сцены пасторального пейзажа Клавдия Лотарингии и более или менее мифологические или религиозные сцены, обрамленные и иногда завернутые в Природу, которые писал Джорджоне, не являются — очевидно — полноценными картинами, но трудно Представьте себе завтрак Мане или версии Клода Моне, не помня их. Наблюдение за такой метафизической эволюцией в концепции живописи помогает понять ключи к пленарности как школе и революции без пространства и времени.
Но ландшафтом, где определение пленаризма выиграло категорию школы живописи (и продолжает проявлять себя как таковой до момента подражания самому факту), были морские берега (уже присутствующие в интуиции Констебля или Курбе) в вообще и пляжи в частности. Как заключает Линда Ночлин, последняя глава реализма была написана на открытом воздухе, у моря.
Расширение пленаризма в ландшафтных школах.
Внешность
Пленэр появился в начале XIX века в Англии благодаря Джону Констеблю и Ричарду Парксу Бонингтону. Пленеризм становится основой эстетики художников, для которых свет и воздух приобретают самостоятельное значение и чисто живописный интерес. Сам объект не осознанно нарисован, едва выражен в конкретных силуэтах или полностью исчезает. Эта техника была очень популярна среди французских импрессионистов (именно тогда широко использовался термин «открытый воздух»). Такие художники, как Жан-Батист Камиль Коро, Жан-Франсуа Милле, Камиль Писсарро, Пьер Огюст Ренуар и не в последнюю очередь Клод Моне, внесли свой вклад в развитие пленэрной живописи.
Живопись в естественном свете была известна давно и использовалась в основном для создания эскизов. Однако среди художников барбизонской школы и импрессионистов эта техника живописи получила новую жизнь.
Особенности пленэрной живописи
Импрессионизм, в целом, является ярким примером работы художника на открытом воздухе. Известный искусствовед Ж.-Л. Кастаньяри писал:
«Они [импрессионисты] воспринимают природу таким образом, что она оказывается совсем не скучной и банальной. Их картина полна жизни, быстра, легка … Они не стремятся к точному воспроизведению, но ограничены общим восприятием … Они импрессионисты в том смысле, что они воспроизводят не сам пейзаж, а впечатление, вызванное этим Пейзаж … Таким образом, они отходят от реальности и полностью переходят на позицию идеализма. »
Именно импрессионисты подняли этюд, выполненный на открытом воздухе, до уровня полноценной самостоятельной живописи. Импрессионисты пытались передать свои собственные впечатления о мире как можно точнее — ради этой цели они отказались от существующих академических правил живописи и создали свой собственный, превосходный метод. Суть его заключалась в том, чтобы с помощью отдельных штрихов чистых красок передавать внешнее впечатление от света, тени, их отражения на поверхности предметов. Этот метод создал впечатление растворения формы в окружающем свет — воздушном пространстве. Клод Моне писал о своей работе:
«Моя заслуга в том, что я писал непосредственно с натуры, пытаясь передать свои впечатления от самых нестабильных и меняющихся явлений».
В наше время обучение на открытом воздухе часто становится одним из основополагающих элементов в обучении живописи в различных художественных и учебных заведениях и является частью живописи с натуры.
история
Художники давно рисовали на улице, но в середине 19-го века работа в естественном освещении стала особенно важной для школы Барбизон, школы Гудзон-Ривер и импрессионистов.
Многие художники из Европы встречаются в Риме и ходят рисовать на улице. Пьер-Анри де Валансьен (1750-1819) исполняет эскизы пейзажей маслом в Риме и его окрестностях (работы экспонируются в Лувре). Также теоретик и педагог, он написал в 1799 году свой «Совет ученику по живописи и особенно по жанру Пейзаж 1». Эта практика «наружной живописи» распространилась во Франции примерно в середине XIX века, когда некоторые члены Барбизонской школы, такие как независимые художники Шарля-Франсуа Добиньира, такие как Эжен Буден, оказали значительное влияние на будущих импрессионистов, которые находят их мастер в лице Эдуарда Мане 2.
Среди самых старых произведений живописи по мотиву, приведем работы Александра-Франсуа Деспорта (1661-1743), эскизы, написанные маслом на бумаге. Предметы — пейзажи с изображением флоры и фауны, в подготовке к картинам, в частности сценам охоты, сделанные для Людовика XIV и Людовика XV. Некоторые из этих работ представлены в музее Лувр или в музее охоты и природы в Париже. В 1817 году Ахилл Этна Михаллон (1796–1822) был первым победителем «Приза Рима за историю платежей». Среди других учеников у него был Коро, который создал с 1825 по 1828 год серию пейзажей в Италии, в частности! Коро будет продолжать всю свою карьеру рисовать на улице, на мотив; он был одним из предшественников школы Барбизона, собираясь рисовать в Фонтенбло.
В 1830 году французская школа Барбизон позволила таким художникам, как Шарль-Франсуа Добиньи и Теодор Руссо, более точно изобразить внешний вид помещений при различных условиях освещения и погоды. В конце 1800-х подход к пленэру был объединен со стилем импрессионистов, и такие художники, как Клод Моне, Пьер Огюст Ренуар, Альфред Сислей и Фредерик Базиль, начали создавать свои работы на открытом воздухе. Из Франции движение расширилось до Америки, начиная с Калифорнии, затем переезжая в другие американские регионы, отличающиеся естественным световым качеством, включая долину реки Гудзон в Нью-Йорке.
Это конец 19-го и начала 20-го века, когда уличная краска процветает с появлением цветов в тюбиках (1841). Это позволяет художникам легко передвигаться, даже если большую часть времени они заканчивают свою живопись в студии. Их забота становится рисовать природу, как им кажется, в свете настоящего момента. Импрессионисты рисуют пейзажи не для своей живописной стороны, а для атмосферных эффектов, учитывая различные аспекты, которые мотив может принимать в зависимости от условий освещения и, следовательно, часов дня, отсюда и внешний вид серии (Соборы и Жернова Моне ). В работе «История художников-импрессионистов» (Париж, опубликовано в 1939 году) Теодор Дюре, в частности, напишет «Великое новшество импрессионистов: живопись на открытом воздухе».
Однако отношения в импрессионистском движении были неоднозначными: Дега отказывался «рисовать на улице» из-за нехватки времени, в отличие от Ренуара, который, по его словам, «может делать все, что хочет».
После импрессионистов 20-го века многие художники по всему миру рисовали под открытым небом; среди них есть французы, Андре Дерен, Альберт Марке, Шарль Камуан, Анри Манген или итальянец Франческо Филиппини. Условно говоря, художники на открытом воздухе в конце 20-го и начале 21-го века вместе с импрессионистами используют один и тот же изобразительный подход: «А именно, рендеринг на открытом воздухе и эффект, производимый постоянными и незаметными изменениями света на элементах. Эти художники работают над новым способом живописи, связанным с новым взглядом. Для них это вопрос записи непосредственного ощущения, передачи световых эффектов неба и воды, цветных вибраций их изменяющихся эффектов. «(Теодор Дюре, цитирует работу.)
Маккиайоли были группой итальянских художников, которые работали в Тоскане во второй половине девятнадцатого века и которые, нарушая устаревшие традиции итальянских академий искусств, делали большую часть своей живописи на открытом воздухе, чтобы запечатлеть естественный свет, тень, и цвет. Эта практика связывает Macchiaioli с французскими импрессионистами, которые стали известными несколько лет спустя, хотя Macchiaioli преследовал несколько иные цели. Их движение началось во Флоренции в конце 1850-х годов.
Школа Newlyn в Англии считается еще одним важным сторонником этой техники в конце 19-го века. Популярность живописи на пленэре возросла в 1840-х годах с введением красок в тюбиках (например, для зубной пасты). Ранее художники изготавливали свои собственные краски путем измельчения и смешивания сухих пигментных порошков с льняным маслом.
Акт наружной живописи от наблюдения постоянно пользуется популярностью еще в 21 веке. Сегодня пейзажная живопись присутствует в современном искусстве. Это движение, которое мы иногда равнодушно называем «пейзажная живопись, живопись по мотивам, наружная живопись, кочевое искусство», представлено такими художниками, как Дэвид Хокни, Пер Киркеби, Питер Доиг, Антонио Лопес Гарсия, Клаус Фуссман, Винсент Биуль, Александр Холлан… Он особенно динамичен на западном побережье Соединенных Штатов с калифорнийским пленэром.
Оборудование и проблемы
В середине 19-го века был изобретен «мольберт», обычно известный как «французский мольберт» или «полевой мольберт». Неизвестно, кто его разработал, но эти очень портативные мольберты с телескопическими ножками, встроенным ящиком для краски и палитрой облегчили путь в лес и на склоны холмов. Все еще сделанные сегодня, они остаются популярным выбором (даже для домашнего использования), так как они складываются до размера портфеля и поэтому их легко хранить.
Коробка Pochade — это компактная коробка, которая позволяет художнику хранить все свои принадлежности и палитру внутри коробки и обрабатывать ее внутри крышки. Некоторые конструкции допускают более крупное полотно, которое можно удерживать с помощью зажимов, встроенных в крышку. Существуют конструкции, которые также могут содержать несколько влажных полотен или панелей в крышке. Эти коробки приобретают все большую популярность, поскольку они в основном используются для пленэрной живописи, а также могут использоваться в студии, дома или в классе. Поскольку почтовые ящики в основном используются для рисования на месте, полотно или рабочая поверхность могут быть небольшими, обычно не более 20 дюймов (50 см).
Проблемы включают в себя тип краски, используемой для рисования на открытом воздухе, животных, жуков, наблюдателей и условий окружающей среды, таких как погода. Акриловая краска может быстро затвердеть и высохнуть в теплую солнечную погоду, и ее нельзя использовать повторно. На противоположной стороне спектра находится задача покраски во влажных или влажных условиях с осадками. Появление пленэрной живописи предшествовало изобретению акриловых красок. Традиционный и хорошо зарекомендовавший себя способ рисования на пленэре включает использование масляной краски.
Защитники
Французские художники-импрессионисты, такие как Клод Моне, Камиль Писсарро, Альфред Сислей и Пьер Огюст Ренуар, защищали пленэрную живопись, и большая часть их работ была выполнена на открытом воздухе в рассеянном свете большого белого зонта. Клод Моне был заядлым художником на пленэре, который пришел к выводу, что для того, чтобы овладеть близостью и сходством внешнего окружения в определенный момент, нужно было находиться снаружи, а не просто рисовать внешнее окружение в своей студии. Во второй половине XIX и начале XX века в России такие живописцы, как Василий Поленов, Исаак Левитан, Валентин Серов, Константин Коровин и И. Э. Грабарь, были известны живописью на пленэре.
Но любители пленэра не ограничивались Старым Светом. Американские импрессионисты, например, из школы Олд-Лайма, были заядлыми художниками на пленэре. Американские художники-импрессионисты, известные этим стилем в эту эпоху, включали Гая Роуза, Роберта Уильяма Вуда, Мэри ДеНил Моргана, Джона Гэмбла и Артура Хилла Гилберта. В Канаде «Группа семи» и Том Томсон являются примерами сторонников пленэра.
места
Барбизон (Сена и Марна), таким образом, стал одним из мифических мест доимпрессионистского периода во Франции (школа Барбизона). Начиная с 1830 года в Ганнском трактире будет по-прежнему встречаться деревня лесорубов — всех художников, которые приезжают в поисках вдохновения от нетронутой природы. Позже они делят свое пребывание между Барбизоном и Шайи-ан-Бьером, находя своих подданных в сельской местности или в близлежащем лесу Фонтенбло.
Нормандское побережье (Гавр, Онфлер) привлекает импрессионистов
Берега Сены в Аржантее (Валь-д’Уаз): Моне, Сислей, затем Синьяк
Шату (Ивелин), встреча импрессионистов и фов, которые были постоянными посетителями в ресторане La Fournaise
Овер-сюр-Уаз (Валь-д’Уаз), последняя остановка для Ван Гога и Понтуаз, где поселились Сезанн и Писсарро
Морет-сюр-Луан (Сена и Марна) и его церковь, от которой Сислей никогда не уставал
Грез-сюр-Луан, «обнаруженный» Жаном-Батистом Коро и где в 1880-х годах обосновалось сообщество скандинавских художников (Карл Ларссон и его жена Карин, Педер Северин Кройер, Михаэль и Анна Анчер, Кристиан Крог)
Гора Сент-Виктуар, отмечаемая Сезанной