История Восточной живописи включает в себя широкий спектр влияний различных культур и религий. События в восточной живописи исторически параллельны тем, что происходили в западной живописи, в целом несколько веков назад. Африканское искусство, еврейское искусство, исламское искусство, индийское искусство, китайское искусство, корейское искусство и японское искусство оказали значительное влияние на западное искусство, и наоборот.
Китайская живопись — одна из старейших непрерывных художественных традиций в мире. Самые ранние картины были не репрезентативными, а декоративными; они состояли из рисунков или рисунков, а не изображений. Ранняя керамика была окрашена спиралями, зигзагами, точками или животными. Только во время периода Воюющих царств (403-221 гг. До н.э.) художники стали представлять окружающий мир. Японская живопись — одна из старейших и очень утонченных японских искусств, охватывающая широкий спектр жанров и стилей. История японской живописи — это долгая история синтеза и конкуренции между японской эстетикой и адаптацией импортных идей. Корейская живопись, как самостоятельная форма, началась около 108 г. до н.э., вокруг падения Гойосеона, сделав ее одной из старейших в мире. Художественные работы того периода эволюционировали в различные стили, которые характеризовали Троецарствие Корейского периода, прежде всего картины и фрески, украшающие гробницы королевской власти Когурё. Во времена Трёх королевств и династии Корё, корейская живопись характеризовалась прежде всего сочетанием ландшафтов корейского стиля, черт лица, буддийской тематики и акцентом на небесное наблюдение, чему способствовало быстрое развитие корейской астрономии.
Восточноазиатская картина
Китай, Япония и Корея имеют сильную традицию в живописи, которая также очень привязана к искусству каллиграфии и печати (настолько, что ее обычно называют живописью). Традиционная живопись на Дальнем Востоке характеризуется техникой на водной основе, меньшей реалистичностью, «элегантными» и стилизованными темами, графическим подходом к изображению, значением белого пространства (или отрицательного пространства) и предпочтением пейзажа (вместо человеческой фигуры) как предмет. Помимо чернил и цвета на шелковых или бумажных свитках, золото на лаке также было распространенным средством в нарисованных восточно-азиатских произведениях искусства. Хотя шелк был несколько дорогой средой для рисования в прошлом, изобретение бумаги в I веке нашей эры гунским евнухом Цай Луном обеспечивало не только дешевую и широко распространенную среду для письма, но и дешевую и широко распространенную среду для рисования (что делает его более доступным для общественности).
Идеологии конфуцианства, даосизма и буддизма играли важную роль в восточноазиатском искусстве. Художники династии средневековой песни, такие как Линь Тингуи и его Лоханская отмывка (размещенная в Смитсоновской галерее искусств Фри) 12-го века, являются прекрасными примерами буддийских идей, слитых в классические китайские произведения искусства. В последней картине на шелке (изображение и описание, приведенные в ссылке), лысый Буддист Луохан изображен в практической обстановке стирки одежды у реки. Тем не менее, сама картина визуально ошеломляет, а Луохан изображен в богатых деталях и ярких непрозрачных цветах в отличие от туманной, коричневой и мягкой лесистой среды. Кроме того, вершины деревьев окутаны закрученным туманом, обеспечивая общее «отрицательное пространство», упомянутое выше в восточноазиатском искусстве.
В японском стиле, в конце XIX века постимпрессионисты, такие как Ван Гог и Анри де Тулуз-Лотрек, а также такие тоналисты, как Джеймс МакНил Уистлер, восхищались японскими художниками Укие-э-э-э-э-э-э-э-э-э-эй, такими как Хокусай (1760-1849) и Хиросиге (1797- 1858) и находились под их влиянием.
Китайская живопись
Самые ранние сохранившиеся образцы китайского окрашенного искусства относятся к периоду Воюющих царств (481 — 221 г. до н.э.), с картинами на шелковых или гравюрных фресках на камне, кирпиче или камне. Они часто были в упрощенном стилизованном формате и в более или менее рудиментарных геометрических узорах. Они часто изображали мифологических существ, домашних сцен, рабочих сцен или дворцовых сцен, заполненных чиновниками при дворе. Художественные работы в этот период и последующая династия Цинь (221-207 гг. До н.э.) и династия Хань (202 г. до н.э. — 220 г. н.э.) были сделаны не как средство само по себе или для более высокого личного выражения; было создано довольно художественное произведение, символизирующее и почитающее погребальные обряды, представления мифологических божеств или духов предков и т. д. Картины на шелке судебных чиновников и внутренних сценах можно было найти во время династии Хань, а также сцены охоты на лошадей на лошади или участия в военный парад. Была также картина на трехмерных произведениях искусства, таких как статуэтки и статуи, такие как оригинальные краски, покрывающие солдатские и конные статуи Терракотовой армии. Во время социального и культурного климата древней восточной династии Цзинь (316 — 420 гг. Н.э.), базирующейся в Нанкине на юге, живопись стала одним из официальных игр конфуцианских бюрократических чиновников и аристократов (наряду с музыкой, исполняемой цивиной гуцин, писать причудливую каллиграфию, писать и читать стихи). Картина стала общей формой художественного самовыражения, и в этот период художники при дворе или среди элитных социальных сетей были оценены и оценены их сверстниками.
Создание классической китайской пейзажной живописи аккредитовано в основном художником династии Восточного Цзинь Гу Кайи (344 — 406 гг.), Одним из самых известных художников китайской истории. Подобно удлиненным сценам прокрутки Кайджи, династии Тан (618 — 907 гг.), Китайские художники, такие как Ву Даози, нарисовали яркие и очень подробные произведения на длинных горизонтальных ручках (которые были очень популярны во времена Тан), например, его Восемьдесят Семь небесных людей. Окрашенные произведения в период Тан были связаны с эффектами идеальной ландшафтной среды, с редким количеством предметов, людей или деятельности, а также монохроматическими по своей природе (например, фрески гробницы Цена Йид в Мавзолее Цяньлин). Были также такие фигуры, как ранний художник эпохи Тан-Жан Чжицян, который написал великолепные пейзажные картины, которые были намного опережают его день в изображении реализма. Однако ландшафтное искусство не достигало более высокого уровня зрелости и реализма в целом до периода пяти династий и десяти королевств (907 — 960 гг. Н.э.). За это время были такие выдающиеся пейзажисты, как Донг Юань (см. Эту статью на примере его работ), и те, кто рисовал более яркие и реалистичные изображения домашних сцен, таких как Гу Хунчжун и его «Ночные ревелки» Хань Сизай.
Во время китайской династии Сун (960-1279 гг.) Улучшилось не только ландшафтное искусство, но и портретная живопись стала более стандартизированной и сложной, чем раньше (например, см. «Император Хуйцзун песни») и достигла своей классической зрелости во время Династия Мин (1368 — 1644 гг. Н.э.). В конце 13-го и первой половине XIV века китайцам под династией Юань, контролируемой Монголом, не разрешалось входить на более высокие должности правительства (зарезервировано для монголов или других этнических групп из Центральной Азии), а имперский экзамен был прекращен время. Многие китайцы, получившие конфуцианство, которые теперь не имели профессии, вместо этого обратились к искусству живописи и театра, поскольку период Юань стал одной из самых ярких и богатых эпох для китайских произведений искусства. Примером такого может быть Цянь Сюань (1235-1305 гг. Н.э.), который был чиновником династии Сун, но из-за патриотизма отказался служить суду Юань и посвятил себя живописи. Примеры превосходного искусства из этого периода включают богатые и детализированные нарисованные фрески дворца Юнгл, или Дворец долголетия Дхачунян, 1262 года нашей эры, объект Всемирного наследия ЮНЕСКО. Внутри дворца картины покрывают площадь более 1000 квадратных метров и занимают в основном даосские темы. Именно во время династии Сун художники также собирались в социальных клубах или встречах, чтобы обсудить их искусство или искусство других людей, восхваление которых часто приводило к убеждениям торговать и продавать драгоценные произведения искусства. Тем не менее, было также много резких критиков других искусств, демонстрируя разницу в стиле и вкусе среди разных художников. В 1088 году н.э. ученый-политехник и государственный деятель Шэнь Го однажды написал об искусстве одного Ли Чэн, которого он критиковал следующим образом:
… Тогда был Ли Чэн, который, когда он изображал павильоны и домики среди гор, этажные здания, пагоды и т. П., Всегда рисовал карнизы, как видно снизу. Его идея заключалась в том, что «нужно смотреть сверху вниз, так же, как человек, стоящий на ровной земле и глядя на карнизы пагоды, может видеть свои стропила и его консольные стропила». Это все неправильно. В общем, правильный способ рисования пейзажа — увидеть маленькое с точки зрения большого … так же, как один смотрит на искусственные горы в садах (как один идет). Если применить (метод Ли) к картине настоящих гор, глядя на них снизу, можно видеть только один профиль за раз, а не богатство их многочисленных склонов и профилей, не говоря уже обо всем, что происходит в долинах и каньонах, а также в дорожках и дворах с их жильем и домами. Если мы будем стоять к востоку от горы, ее западные части будут находиться на исчезающей границе дальнего расстояния и наоборот. Неужели это нельзя назвать успешной картиной? Г-н Ли не понимал принцип «видения малого с точки зрения большого». Он, несомненно, изумительно уменьшал точно высоты и расстояния, но нужно ли придавать такое значение углам и углам зданий?
Хотя высокий уровень стилизации, мистической привлекательности и сюрреалистической элегантности часто были предпочтительнее реализма (например, в стиле шан-шуй), начиная с средневековой династии Сун, было много китайских живописцев, а затем, которые изображали сцены природы, которые были ярко реальны. Позже художники-династии Мин приобрели бы после этого династию династии этой песни за сложные детали и реализм на объектах в природе, особенно в изображениях животных (таких как утки, лебеди, воробьи, тигры и т. Д.) Среди пятен ярко окрашенных цветов и зарослей кисти и дерево (хорошим примером может служить анонимная картина династии Мин «Птицы и цветы сливы», размещенная в галерее «Фриер» в музее Смитсоновского музея в Вашингтоне, округ Колумбия). Было много известных мастеров династии Мин; Цю Ин является отличным примером первостепенного художника эпохи Мин (известного даже в свое время), используя в своих художественных работах домашние сцены, шумные пышные сцены и природные сцены речных долин и погруженных гор, покрытых туманом и закрученными облаками. Во время династии Мин были также разные и конкурирующие школы искусства, связанные с живописью, такие как школа Ву и школа Чжэ.
Классическая китайская живопись продолжалась в ранней современной династии Цин, с очень реалистичными портретами, которые видели в поздней династии Мин в начале 17 века. Портреты императора Канси, императора Юнчжэна и императора Цяньлуна — отличные примеры реалистической китайской портретной живописи. Во время царствования Цяньлуна и продолжающегося XIX века европейские стили живописи в стиле барокко оказали заметное влияние на китайские портретные картины, особенно с окрашенными визуальными эффектами освещения и затенения. Аналогичным образом, восточноазиатские картины и другие произведения искусства (такие как фарфор и лакировка) были высоко оценены в Европе с момента первоначального контакта в XVI веке.
Японская живопись
Японская живопись (絵 画) — одна из старейших и наиболее совершенных японских искусств, охватывающая множество жанров и стилей. Как и в японском искусстве в целом, японская живопись развивалась в течение долгой истории синтеза и конкуренции между местной японской эстетикой и адаптацией импортированных идей. Ukiyo-e, или «фотографии плавающего мира», — это жанр японских отпечатков древесных гравюр (или «гравюр на дереве») и картины, созданные между 17 и 20 веками, с мотивами пейзажей, театров и куртизанок. Это основной художественный жанр японской печати древесных гравюр. Японская гравюра, особенно с эпохи Эдо, оказала огромное влияние на французскую живопись в XIX веке.
Корейская живопись
Корейская живопись, как самостоятельная форма, началась около 108 г. до н.э., вокруг падения Гойосеона, сделав ее одной из старейших в мире. Художественные работы того периода эволюционировали в различные стили, которые характеризовали Троецарствие Корейского периода, прежде всего картины и фрески, украшающие гробницы королевской власти Когурё. Во времена Трёх королевств и династии Корё, корейская живопись характеризовалась прежде всего сочетанием ландшафтов корейского стиля, черт лица, буддийской тематики и акцентом на небесное наблюдение, чему способствовало быстрое развитие корейской астрономии. Только в династии Чосон конфуцианские темы начали укореняться в корейских картинах, используемых в гармонии с местными аспектами.
История корейской живописи характеризовалась использованием монохроматических произведений черной мазки, часто на шелковичной бумаге или шелке. Этот стиль проявляется в «Мин-Хве», или красочном народном искусстве, картинах гробниц, ритуальных и фестивальных искусствах, оба из которых включают широкое использование цвета.
Южноазиатская картина
Индийская живопись
Индийские картины исторически вращались вокруг религиозных божеств и королей. Индийское искусство является коллективным термином для нескольких различных школ искусства, которые существовали на индийском субконтиненте. Картины варьировались от крупных фресок Аджанты до замысловатых миниатюрных картин Моголов до металлических украшенных произведений из школы Танджор. Картины из Гандхар-Таксилы находятся под влиянием персидских работ на западе. Восточный стиль живописи был в основном разработан вокруг школы искусств Наланды. Работы в основном вдохновлены различными сценами из индийской мифологии.
история
Самые ранние индийские картины были наскальными рисунками доисторических времен, петроглифы, найденные в таких местах, как Скальные приюты Бхимбетки, а некоторые из них старше 5500 года до нашей эры. Такие работы продолжались, и через несколько тысячелетий в VII веке резные столбы Аджанты, штата Махараштра представляли прекрасный пример индийских картин, а цвета, в основном различные оттенки красного и оранжевого, были получены из минералов.
Пещеры Аджанты в Махараштре, Индия, являются скальными пещерными памятниками, относящимися к II веку до нашей эры, и содержат картины и скульптуру, которые считаются шедеврами как буддийского религиозного искусства, так и универсального изобразительного искусства.
Мадхубани
Мадхубани — это стиль индийской живописи, практикуемый в регионе Митхила штата Бихар, Индия. Истоки картины Мадхубани окутаны древностью.
Раджпутская живопись
Раджпутская живопись, стиль индийской живописи, развивалась и процветала, в 18 веке, в королевских судах Раджпутаны, Индия. Каждое королевство Раджпут развивалось в определенном стиле, но с некоторыми общими чертами. Раджпутские картины изображают ряд тем, события эпопей, таких как Рамаяна и Махабхарата, жизнь Кришны, красивые пейзажи и люди. Миниатюры были предпочтительной средой раджпутской живописи, но в нескольких рукописях также были изображены картины Раджпута, а картины были сделаны даже на стенах дворцов, внутренних палат крепостей, бухт, в частности, шеве Шехавайта.
Использовались цвета, извлеченные из определенных минералов, растительных источников, раковин и даже полученные путем обработки драгоценных камней, золота и серебра. Подготовка желаемых цветов была длительным процессом, иногда занимающим недели. Использованные кисти были очень хорошими.
Живопись Моголов
Живопись Моголов — особый стиль индийской живописи, как правило, ограничиваясь иллюстрациями к книге и выполненными в миниатюрах, которые возникли, развились и сложились в период империи Великих Моголов 16-19 веков.
Танджорская живопись
Танджорская живопись — важная форма классической южно-индийской живописи, родной для города Танджор в Тамил-Наду. Художественная форма восходит к началу девятнадцатого века, период, в котором доминируют правители Чолы, которые поощряли искусство и литературу. Эти картины известны своей элегантностью, насыщенными цветами и вниманием к деталям. Темы для большинства из этих картин — индуистские боги и богини и сцены из индуистской мифологии. В наше время эти картины стали востребованным сувениром во время праздничных мероприятий в Южной Индии.
Процесс создания картины Танджоре включает в себя множество этапов. Первый этап включает в себя создание предварительного эскиза изображения на базе. Основание состоит из ткани, наклеенной на деревянную основу. Затем меловой порошок или оксид цинка смешивают с водорастворимым клеем и наносят на основание. Чтобы сделать основу более гладкой, иногда используется мягкий абразив. После того, как рисунок сделан, украшение ювелирных изделий и одежды на изображении производится с помощью полудрагоценных камней. Для украшения украшений используются также шнурки или нитки. Кроме того, золотые фольги наклеены. Наконец, красители используются, чтобы добавить цвета к фигурам в картинах.
Школа Мадраса
Во время британского правления в Индии корона обнаружила, что в Мадрасе были одни из самых талантливых и интеллектуальных художественных умов в мире. Поскольку англичане также установили колоссальное поселение в Мадрасе и его окрестностях, Джорджтаун был выбран для создания института, который будет удовлетворять художественные ожидания королевской семьи в Лондоне. Это стало известно как Школа Мадраса. Сначала традиционные художники были наняты для производства изысканных сортов мебели, работы с металлом и любопытства, и их работа была отправлена в королевские дворцы Королевы.
В отличие от школы Бенгалии, где «копирование» является нормой обучения, Школа Мадрас процветает в «создании» новых стилей, аргументов и тенденций.
Бенгальская школа
Бенгальская школа искусств была влиятельным стилем искусства, который процветал в Индии во времена Британского Раджа в начале 20-го века. Это было связано с индийским национализмом, но также поддерживалось и поддерживалось многими британскими администраторами искусств.
Бенгальская школа возникла как авангард и националистическое движение, реагирующее на стили академического искусства, ранее продвигавшиеся в Индии, как индийскими художниками, такими как Раджа Рави Варма и в британских художественных школах. После широко распространенного влияния индийских духовных идей на Западе британский учитель искусства Эрнест Бинфилд Гавел попытался реформировать методы обучения в Калькуттской школе искусств, поощряя учеников подражать миниатюрам Моголов. Это вызвало огромные споры, что привело к забастовке со стороны студентов и жалобы местной прессы, в том числе от националистов, считавших это регрессивным шагом. Гавел поддержал художник Абаниндранат Тагор, племянник поэта Рабиндраната Тагора. Тагор написал ряд работ под влиянием искусства Моголов, стиль, который он и Гавел считали выразительными в отношении отдельных духовных качеств Индии, в отличие от «материализма» Запада. Самая известная живопись Тагора, Бхарат Мата (Мать Индия), изображала молодую женщину, изображаемую четырьмя руками в манере индуистских божеств, где хранятся объекты, символизирующие национальные устремления Индии. Позднее Тагор попытался наладить связи с японскими художниками в рамках стремления построить пан-азиатскую модель искусства.
Влияние Бенгальской школы в Индии сократилось с распространением идей модернизма в 1920-х годах. В период после обретения независимости индийские художники проявляли большую адаптивность, поскольку они свободно занимались европейскими стилями и беспрепятственно объединяли их с индийскими мотивами в новые формы искусства. В то время как художники, такие как Фрэнсис Ньютон Соуза и Тайб Мехта, были более западными в своем подходе, были такие же, как Ганеш Пайн и Макбул Фида Хусейн, которые разработали полностью местные стили работы. Сегодня, после процесса либерализации рынка в Индии, художники испытывают больше воздействия на международную арт-сцену, которая помогает им в появлении новых форм искусства, которые до сих пор не видели в Индии. В конце 1990-х годов Джитиш Каллат запечатлел славу своими картинами, которые были одновременно современными и не поддавались определению общего понятия. Однако, в то время как художники в Индии в новом столетии пробуют новые стили, темы и метафоры, было бы невозможно получить такое быстрое признание без помощи бизнес-домов, которые сейчас входят в область искусства, как никогда раньше ,
Современная индийская живопись
Амрита Шер-Гиль была индийским живописцем, иногда известным как Индия Фрида Кало, и сегодня считается важной женщиной-живописцем Индии 20-го века, чье наследие стоит наравне с наследием Бенгальского ренессанса; она также является «самой дорогой» женщиной-художницей Индии.
Сегодня она входит в число девяти мастеров, чья работа была объявлена как искусство сокровищ Археологической службы Индии в 1976 и 1979 годах, и более 100 ее картин теперь представлены в Национальной галерее современного искусства в Нью-Дели.
В колониальную эпоху западные влияния начали оказывать влияние на индийское искусство. Некоторые художники разработали стиль, который использовал западные идеи композиции, перспективы и реализма для иллюстрации индийских тем. Другие, как Джамини Рой, сознательно черпали вдохновение из народного искусства.
Ко времени Независимости в 1947 году несколько индийских школ искусств обеспечили доступ к современным методам и идеям. Для демонстрации этих художников были созданы галереи. Современное индийское искусство обычно показывает влияние западных стилей, но часто вдохновлено индийскими темами и изображениями. Крупные художники начинают получать международное признание, первоначально среди индийской диаспоры, но также среди неиндийских зрителей.
Группа прогрессивных художников, созданная вскоре после того, как Индия стала независимой в 1947 году, была нацелена на создание новых способов выражения Индии в постколониальную эпоху. Учредителями были шесть выдающихся художников — К. Х. Ара, С. К. Бакр, Г. А. Гаде, М. Ф. Хусейн, С. Р. Раза и Ф. Н. Соуза, хотя группа была распущена в 1956 году, она оказала глубокое влияние на изменение идиомы индийского искусства. Почти все индийские крупные художники в 1950-х годах были связаны с группой. Некоторые из тех, кто хорошо известен сегодня, — Бэл Чабда, Маниши Дей, Мукул Ди, В.С. Гайтонде, Рам Кумар, Тайб Мехта и Акбар Падамзее. Другие известные художники, такие как Джахар Дасгупта, Прокаш Кармакар, Джон Уилкинс, Нараянан Рамачандран и Биджон Чудхури обогатили культуру искусства Индии. Они стали иконами современного индийского искусства. Историки искусства, такие как профессор Рай Ананд Кришна, также упомянули о тех работах современных художников, которые отражают индийский дух. Гита Ваджера получила признание в переводе сложных индийских духовных тем на холст, как суфийская мысль, Упанишады и Бхагвад Гита.
Индийское искусство получило импульс экономической либерализации страны с начала 1990-х годов. Художники из разных областей начали приносить разнообразные стили работы. В пост-либерализации Индии многие художники зарекомендовали себя на международном арт-рынке, как абстрактный художник Натвар Бхавсар, фигуративный художник Деваджоти Рэй и скульптор Аниш Капур, чьи маминные постминималистские работы привлекли внимание к их огромным размерам. Многие арт-дома и галереи также открылись в США и Европе, чтобы продемонстрировать индийские произведения искусства.
Филипинская живопись
Филипинскую живопись в целом можно рассматривать как объединение многих культурных влияний, хотя она имеет тенденцию быть более западной в ее нынешней форме с восточными корнями.
Ранняя филиппинская живопись может быть найдена в красном сливе (глине, смешанном с водой), выполненном на ритуальной керамике Филиппин, такой как знаменитая банда Manunggul. Доказательства филиппинской керамики, датируемые еще в 6000 году до нашей эры, были найдены в пещерах Санга-санга, Сулу и Лавренте, Кагаян. Было доказано, что к 5000 году до н.э., изготовление керамики осуществлялось по всей стране. Ранние филиппинцы начали делать керамику перед своими соседями в Камбодже и примерно в то же время, что и тайцы, как часть того, что, по-видимому, является широко распространенным развитием ледникового периода в гончарных технологиях. Другие свидетельства живописи проявляются в традиции татуировки ранних филиппинцев, которых португальский исследователь упоминал как Пинтадос или «Окрашенные люди» висай. Различные конструкции, ссылающиеся на флору и фауну с небесными телами, украшают их тела в различной цветной пигментации. Возможно, некоторые из самых сложных картин, сделанных ранними филиппинцами, которые доживают до наших дней, могут быть проявлены в искусстве и архитектуре Маранао, которые хорошо известны для Нага Драконов и Сариманок, вырезанных и написанных в прекрасном Панолонге их Торогана или Королевский дом.
Филиппины начали создавать картины в европейской традиции во время испанского периода 17-го века. Самыми ранними из этих картин были церковные фрески, религиозные образы из библейских источников, а также гравюры, скульптуры и литографии с изображением христианских икон и европейской знати. Большая часть картин и скульптур между 19 и 20 веками создавала смесь произведений религиозного, политического и ландшафтного искусства с качествами сладости, темноты и света. Ранние модернистские художники, такие как Дамиан Доминго, были связаны с религиозными и светскими картинами. Искусство Хуана Луны и Феликса Идальго продемонстрировало тенденцию к политическому заявлению. Художник, такой как Фернандо Аморсоло, использовал постмодернизм для производства картин, иллюстрирующих культуру, природу и гармонию Филиппин. В то время как другие художники, такие как Фернандо Зобель, использовали реалии и абстрактно о своей работе.
Исламская живопись
Изображения людей, животных или любых других образных предметов запрещены в исламе, чтобы помешать верующим от идолопоклонства, поэтому в мусульманской культуре нет религиозно мотивированной картины (или скульптуры). Изобразительная деятельность была уменьшена до арабески, в основном абстрактной, с геометрической конфигурацией или цветочными и растительными узорами. Сильно связана с архитектурой и каллиграфией, его можно широко рассматривать как используемую для окраски плиток в мечетях или в иллюминациях вокруг текста Корана и других книг. Фактически, абстрактное искусство не является изобретением современного искусства, но оно присутствует в доклассических, варварских и незападных культурах за многие столетия до этого и по существу является декоративным или прикладным искусством. Известный иллюстратор М.С. Эшер находился под влиянием этого геометрического и узорного искусства. Ар-нуво (Обри Бердсли и архитектор Антонио Гауди) вновь представили абстрактные цветочные узоры в западное искусство.
Обратите внимание, что, несмотря на табу образной визуализации, некоторые мусульманские страны культивировали богатую традицию в живописи, хотя и не сами по себе, а как соратник письменному слову. Иранское или персидское искусство, широко известное как персидская миниатюра, концентрируется на иллюстрации эпических или романтических произведений литературы. Персидские иллюстраторы сознательно избегали использования затенения и перспективы, хотя и знакомы с ним в своей доисламской истории, чтобы придерживаться правила не создавать какой-либо жизненной иллюзии реального мира. Их целью было не изображать мир как есть, а создавать образы идеального мира безвременной красоты и совершенного порядка.
В наши дни живопись художественных студентов или профессиональных художников в арабских и неарабских мусульманских странах следует тем же тенденциям западного культурного искусства.
Иран
Восточный историк Василий Грей считает, что «Иран предложил уникальное искусство миру, которое превосходно в своем роде». Пещеры в Лорестанской провинции Ирана демонстрируют живописные изображения животных и сцены охоты. Некоторым, например, в провинции Фарс и Сиалке, по меньшей мере 5000 лет. Картина в Иране, как считается, достигла кульминации в эпоху Тамерлана, когда выдающиеся мастера, такие как Камаледдин Бехзад, родили новый стиль живописи.
Картины периода Каджара представляют собой сочетание европейских влияний и миниатюрных школ сафавидов живописи, таких как те, которые были представлены Резой Аббаси и классическими произведениями Михри Али. Мастера, такие как Камал-ол-молок, еще больше продвинули европейское влияние в Иране. Это было в эпоху Каджара, когда появилась картина «Кофейня». Субъекты этого стиля часто носили религиозный характер, изображая сцены из шиитских эпопей и тому подобное.