A 59ª Exposição Internacional de Arte de La Biennale di Venezia, intitulada “The Milk of Dreams”, com curadoria de Cecilia Alemani, foi aberta ao público de sábado, 23 de abril a domingo, 27 de novembro de 2022. A exposição acontece no Pavilhão Central (Giardini) e no Arsenale, incluindo 213 artistas de 58 países; 180 deles participam pela primeira vez da Exposição Internacional. Das obras e objetos expostos, 80 novos projetos são concebidos especificamente para a Bienal de Arte.

A exposição “The Milk of Dreams” leva as criaturas sobrenaturais de Leonora Carrington, juntamente com outras figuras de transformação, como companheiras de uma viagem imaginária pelas metamorfoses dos corpos e definições do humano. O Leite dos Sonhos leva o título de um livro de Leonora Carrington (1917–2011) no qual a artista surrealista descreve um mundo mágico onde a vida é constantemente repensada através do prisma da imaginação. É um mundo onde todos podem mudar, ser transformados, tornar-se algo ou outra pessoa; um mundo livre, repleto de possibilidades.

Mas é também a alegoria de um século que impôs uma pressão intolerável sobre a própria definição do eu, forçando Carrington a uma vida de exílio: trancado em hospitais psiquiátricos, um eterno objeto de fascínio e desejo, mas também uma figura de poder surpreendente. e mistério, sempre fugindo das restrições de uma identidade fixa e coerente. Esta exposição está alicerçada em muitas conversas com artistas realizadas nos últimos anos. As questões que foram surgindo desses diálogos parecem capturar esse momento da história em que a própria sobrevivência da espécie está ameaçada, mas também resumir muitas outras indagações que permeiam as ciências, as artes e os mitos de nosso tempo.

Como está mudando a definição do humano? O que constitui a vida e o que diferencia plantas e animais, humanos e não humanos? Quais são nossas responsabilidades para com o planeta, outras pessoas e outras formas de vida? E como seria a vida sem nós? Estas são algumas das questões norteadoras desta edição da Biennale Arte, que se concentra em três eixos temáticos em particular: a representação dos corpos e suas metamorfoses; a relação entre indivíduos e tecnologias; a conexão entre os corpos e a Terra.

Muitos artistas contemporâneos estão imaginando uma condição pós-humana que desafia a visão ocidental moderna do ser humano – e especialmente o suposto ideal universal do homem branco e masculino “Homem da Razão” – como centro fixo do universo e medida de todas as coisas. Em seu lugar, os artistas propõem novas alianças entre espécies e mundos habitados por seres porosos, híbridos e múltiplos que não são diferentes das criaturas extraordinárias de Carrington. Sob a pressão cada vez mais invasiva da tecnologia, as fronteiras entre corpos e objetos foram totalmente transformadas, provocando profundas mutações que remapearam subjetividades, hierarquias e anatomias.

Hoje, o mundo parece dramaticamente dividido entre o otimismo tecnológico – que promete que o corpo humano pode ser infinitamente aperfeiçoado através da ciência – e o pavor de uma completa aquisição por máquinas via automação e inteligência artificial. Essa brecha se alargou durante a pandemia de Covid-19, que nos forçou ainda mais a nos separar e engaiolou grande parte da interação humana atrás das telas dos dispositivos eletrônicos.

A pressão da tecnologia, o aumento das tensões sociais, a eclosão da pandemia e a ameaça iminente de desastre ambiental nos lembram todos os dias que, como corpos mortais, não somos invencíveis nem auto-suficientes, mas sim parte de uma teia simbiótica de interdependências que nos unem uns aos outros, a outras espécies e ao planeta como um todo.

Nesse clima, muitos artistas vislumbram o fim do antropocentrismo, celebrando uma nova comunhão com o não-humano, com o mundo animal e com a Terra; eles cultivam um senso de parentesco entre as espécies e entre o orgânico e o inorgânico, o animado e o inanimado. Outros reagem à dissolução de sistemas supostamente universais, redescobrindo formas localizadas de conhecimento e novas políticas de identidade. Outros ainda praticam o que a teórica e ativista feminista Silvia Federici chama de “reencantamento do mundo”, misturando tradições indígenas com mitologias pessoais da mesma forma que Leonora Carrington.

A exibição
A exposição se desenvolve no Pavilhão Central do Giardini, e na Corderie, Artiglierie e nos espaços ao ar livre do Gaggiandre e Giardino delle Vergini no complexo Arsenale. A exposição apresenta obras contemporâneas e novos projetos concebidos especificamente para a Bienal de Arte, apresentados em diálogo com obras históricas do século XIX.

O Milk of Dreams inclui mais de duzentos artistas de 58 países. Mais de 180 desses artistas nunca estiveram na Exposição Internacional de Arte até agora. Pela primeira vez em seus 127 anos de história, a Bienal incluirá uma maioria de mulheres e artistas não conformes de gênero, uma escolha que reflete uma cena artística internacional cheia de fermento criativo e um repensar deliberado da centralidade do homem na história da arte e cultura contemporânea.

À medida que os visitantes percorrem a exposição no Pavilhão Central e na Corderie, eles encontram cinco seções históricas menores: constelações em miniatura de obras de arte, objetos encontrados e documentos, agrupados para explorar certos temas-chave. Concebidas como cápsulas do tempo, essas mostras dentro da mostra fornecem ferramentas adicionais de investigação e introspecção, tecendo uma teia de referências e ecos que ligam obras de arte do passado – incluindo grandes empréstimos de museus e seleções não convencionais – às peças de artistas contemporâneos no espaço circundante .

Essa abordagem ampla e trans-histórica traça parentescos e afinidades entre métodos e práticas artísticas, mesmo entre gerações, para criar novas camadas de significado e unir presente e passado. O que emerge é uma narrativa histórica que não é construída em torno de sistemas de herança direta ou conflito, mas em torno de formas de simbiose, solidariedade e irmandade.

Com uma coreografia específica de espaços arquitetónicos desenvolvida em colaboração com a dupla de designers Formafantasma, estes “armários” também suscitam a reflexão sobre como a história da arte se constrói em torno de práticas museológicas e expositivas que estabelecem hierarquias de gostos e mecanismos de inclusão e exclusão. Muitas das histórias contadas nessas cápsulas ainda não foram absorvidas pelo cânone oficial e foram por muito tempo consideradas menores e obscuras.

Essas seções participam, assim, do complexo processo de reescrever e reler a história que marcou os últimos anos, quando ficou mais claro do que nunca que nenhuma narrativa histórica pode ser considerada definitiva.

Os artistas
O fulcro de O Leite dos Sonhos é uma galeria no nível inferior do Pavilhão Central onde a primeira das cinco cápsulas apresenta uma coleção de obras de artistas mulheres dos movimentos históricos de vanguarda, incluindo, entre outras, Eileen Agar, Leonora Carrington, Claude Cahun, Leonor Fini, Ithell Colquhoun, Loïs Mailou Jones, Carol Rama, Augusta Savage, Dorothea Tanning e Remedios Varo. As obras dessas e de outras mulheres artistas do início do século XX – apresentadas em um conjunto inspirado em exposições surrealistas – convocam um domínio do maravilhoso onde anatomias e identidades podem se deslocar e mudar, seguindo o desejo de transformação e emancipação.

Muitas das mesmas linhas de pensamento retornam nas obras de artistas contemporâneos expostas nas demais galerias do Pavilhão Central. Os corpos mutantes convocados por Aneta Grzeszykowska, Julia Phillips, Ovartaci, Christina Quarles, Shuvinai Ashoona, Sara Enrico, Birgit Jürgenssen e Andra Ursuţa sugerem novas fusões do orgânico e do artificial, seja como meio de autorreinvenção ou como inquietante antecipação de um futuro cada vez mais desumanizado.

Os laços entre ser humano e máquina são analisados ​​em muitas das obras expostas, como nas de Agnes Denes, Lillian Schwartz e Ulla Wiggen, por exemplo, ou nas superfícies teladas de Dadamaino, Laura Grisi e Grazia Varisco, coletados em uma segunda apresentação histórica que explora a Arte Programada e a abstração cinética na década de 1960.

Os laços entre corpo e linguagem estão no centro de outra cápsula inspirada em Materializzazione del linguaggio, uma mostra de Poesia Visual e Concreta na Bienal Arte 1978 que foi uma das primeiras exposições abertamente feministas da história da instituição. Poemas visuais e concretos de Mirella Bentivoglio, Tomaso Binga, Ilse Garnier, Giovanna Sandri e Mary Ellen Solt são justapostos aqui com experimentos de escrita automática e comunicação mediúnica de Eusapia Palladino, Georgiana Houghton e Josefa Tolrà, e outras formas de “escrita feminina”. ” que vão das tapeçarias de Gisèle Prassinos às micrografias de Unica Zürn.

Sinais, símbolos e linguagens particulares também surgem na obra de artistas contemporâneos como Bronwyn Katz, Sable Elyse Smith, Amy Sillman e Charline von Heyl, enquanto as pinturas tipográficas de Jacqueline Humphries são justapostas aos grafemas de Carla Accardi e ao código de máquina que informa a arte de Charlotte Johannesson, Vera Molnár e Rosemarie Trockel.

Em contraste com esses cenários hipertecnológicos, as pinturas e montagens de Paula Rego e Cecilia Vicuña vislumbram novas formas de simbiose entre animais e seres humanos, enquanto Merikokeb Berhanu, Mrinalini Mukherjee, Simone Fattal e Alexandra Pirici criam narrativas que entrelaçam preocupações ambientais com ctônicas antigas divindades, produzindo mitologias ecofeministas inovadoras.

A exposição no Arsenale abre com o trabalho de Belkis Ayón, um artista cujo trabalho se baseia nas tradições afro-cubanas para descrever uma sociedade imaginária matriarcal. A redescoberta do potencial mítico da arte também pode ser vista nas pinturas em grande escala de Ficre Ghebreyesus e nas visões alucinatórias de Portia Zvavahera, bem como nas composições alegóricas de Frantz Zéphirin e Thao Nguyen Phan que misturam histórias, sonhos e religiões. Baseando-se no conhecimento indígena e subvertendo os estereótipos colonialistas, o artista argentino Gabriel Chaile apresenta uma nova série de esculturas monumentais, feitas de barro cru, que se erguem como os ídolos de uma cultura mesoamericana fantasiosa.

Muitos artistas da exposição imaginam novas e complexas relações com o planeta e com a natureza, sugerindo formas inéditas de convivência com outras espécies e com o meio ambiente. O vídeo de Eglė Budvytytė conta a história de um grupo de jovens perdidos nas florestas da Lituânia, enquanto os personagens de um novo vídeo de Zheng Bo vivem em total – até mesmo sexual – comunhão com a natureza. Um sentimento semelhante de admiração pode ser encontrado nas cenas de neve bordadas pela artista Sámi Britta Marakatt-Labba, e tradições antigas também se sobrepõem a novas formas de ativismo ecológico em obras de Sheroanawe Hakihiiwe e nas composições oníricas de Jaider Esbell.

The Corderie começa com outra cápsula do tempo, neste caso inspirada na autora de ficção científica Ursula K. Le Guin e sua teoria da ficção, que liga o nascimento da civilização não à invenção de armas, mas a ferramentas usadas para fornecer sustento e cuidados: sacos, sacas e recipientes. Nesta seção, carapaças ovóides da artista surrealista Bridget Tichenor são justapostas às esculturas de gesso de Maria Bartuszová, às esculturas suspensas de Ruth Asawa e às criaturas híbridas de Tecla Tofano. Essas obras do passado convivem com os vasos antropomórficos de Magdalene Odundo e as formas côncavas de Pinaree Sanpitak, enquanto a videoartista Saodat Ismailova pesquisa celas de isolamento subterrâneo que servem como lugares de refúgio e meditação.

A artista colombiana Delcy Morelos, cujas obras são inspiradas nas cosmologias andinas e nas culturas da Amazônia, apresenta uma instalação em grande escala com um labirinto construído em terra. Muitos outros artistas da mostra combinam abordagens políticas e sociais com uma investigação das tradições locais, como nas pinturas em grande escala de Prabhakar Pachpute sobre a devastação ambiental causada pela indústria de mineração na Índia, ou o vídeo de Ali Cherri sobre as barragens do Nilo. Igshaan Adams fundamenta suas composições têxteis abstratas em temas que vão do apartheid às condições de gênero na África do Sul, enquanto Ibrahim El-Salahi transmite sua experiência de doença e sua relação com o mundo farmacêutico por meio de uma prática meditativa de desenhos diários meticulosos.

A seção final na Corderie é introduzida pela quinta e última cápsula do tempo, girando em torno da figura do ciborgue. Esta apresentação reúne artistas que trabalharam ao longo do século XX que imaginaram novas fusões do humano e do artificial, como precursores de um futuro pós-humano e pós-gênero. Esta cápsula inclui obras de arte, artefatos e documentos de artistas do início do século XX, como a dadaísta Elsa von Freytag-Loringhoven, as fotógrafas da Bauhaus Marianne Brandt e Karla Grosch e as futuristas Alexandra Exter, Giannina Censi e Regina. Aqui, as delicadas esculturas de Anu Põder retratam corpos fragmentados que contrastam com os monólitos de Louise Nevelson, os totens de Liliane Lijn, as máquinas de Rebecca Horn e os robôs de Kiki Kogelnik.

Bem no final da Corderie, depois de percorrer uma vasta e diáfana instalação de Kapwani Kiwanga, a exposição ganha tons mais frios e artificiais e a figura humana torna-se cada vez mais evanescente, substituída por animais e criaturas híbridas ou robóticas. As esculturas biomórficas de Marguerite Humeau lembram seres criogênicos, justapostos aos exoesqueletos monumentais de Teresa Solar. Raphaela Vogel descreve um mundo onde os animais venceram os humanos, enquanto as esculturas de Jes Fan usam materiais orgânicos como melanina e leite materno para criar um novo tipo de cultura bacteriana.

Cenários apocalípticos de células à solta e pesadelos nucleares também aparecem nos desenhos de Tatsuo Ikeda e nas instalações de Mire Lee, agitados pelo estremecimento de máquinas que lembram o sistema digestivo de algum animal. Um novo vídeo do pioneiro pós-humanista Lynn Hershman Leeson celebra o nascimento de organismos artificiais, enquanto o artista coreano Geumhyung Jeong brinca com corpos que se tornaram completamente robóticos e podem ser remontados à vontade.

Outros trabalhos oscilam entre tecnologia obsoleta e visões do futuro semelhantes a miragens. As fábricas abandonadas de Zhenya Machneva e os mecanismos industriais decrépitos parecem ressuscitados nas instalações de Monira Al Qadiri e Dora Budor, que zumbem e giram como máquinas de solteiro. Encerrando esta série de dispositivos descontrolados, uma grande instalação de Barbara Kruger concebida especificamente para a Corderie combina slogans, poesia e objetos-palavra em um crescendo de hipercomunicação. Em contraste, as esculturas silenciosas de Robert Grosvenor revelam um mundo que parece desprovido de toda presença humana. E além desse universo imóvel cresce o vasto jardim entrópico de Precious Okoyomon, repleto de nova vida.

Encerrando a exposição nos espaços ao ar livre do Arsenale estão os grandes projetos de Giulia Cenci, Virginia Overton, Solange Pessoa, Wu Tsang e Marianne Vitale, que conduzem os espectadores ao Giardino delle Vergini por um caminho que passa por seres animais, esculturas orgânicas , ruínas industriais e paisagens desorientadoras.

O Leite dos Sonhos foi concebido e organizado num período de enorme instabilidade e incerteza, uma vez que o seu desenvolvimento coincidiu com a eclosão e propagação da pandemia de Covid-19. La Biennale di Venezia foi forçada a adiar esta edição por um ano, um evento que só havia ocorrido durante as duas Guerras Mundiais desde 1895. Portanto, o próprio fato de esta exposição poder abrir é algo extraordinário: sua inauguração não é exatamente o símbolo de uma retorno à vida normal, mas sim o resultado de um esforço coletivo que parece quase milagroso. Pela primeira vez, exceto talvez no período pós-guerra, o Diretor Artístico não pôde ver muitas das obras em primeira mão, ou se encontrar pessoalmente com a maioria dos artistas participantes.

Durante esses intermináveis ​​meses em frente à tela, o curador refletiu sobre qual o papel que a Mostra Internacional de Arte deveria desempenhar neste momento histórico, e a resposta mais simples e sincera que o curador pôde encontrar é que a Bienal resume todas as coisas sentimos tanta falta nos últimos dois anos: a liberdade de conhecer pessoas de todo o mundo, a possibilidade de viajar, a alegria de passar o tempo juntos, a prática da diferença, a tradução, a incompreensão e a comunhão.

O Leite dos Sonhos não é uma exposição sobre a pandemia, mas registra inevitavelmente as convulsões de nossa época. Em tempos como este, como mostra claramente a história de La Biennale di Venezia, a arte e os artistas podem nos ajudar a imaginar novos modos de convivência e infinitas novas possibilidades de transformação.

Bienal de Veneza
A Bienal de Veneza é uma exposição bienal internacional de arte realizada em Veneza, Itália. Muitas vezes descrita como “as Olimpíadas do mundo da arte”, a participação na Bienal é um evento de prestígio para artistas contemporâneos. O festival tornou-se uma constelação de shows: uma exposição central com curadoria do diretor artístico daquele ano, pavilhões nacionais organizados por nações individuais e exposições independentes em Veneza. A organização-mãe da Bienal também organiza festivais regulares em outras artes: arquitetura, dança, cinema, música e teatro.

Fora da exposição central, internacional, nações individuais produzem seus próprios shows, conhecidos como pavilhões, como sua representação nacional. As nações que possuem seus pavilhões, como os 30 do Giardini, também são responsáveis ​​por seus próprios custos de manutenção e construção. Nações sem edifícios dedicados criam pavilhões no Arsenal de Veneza e palazzos por toda a cidade.

Giardini é o local tradicional das Exposições de Arte La Biennale desde a primeira edição em 1895. Os Giardini agora abrigam 29 pavilhões de países estrangeiros, alguns deles projetados por arquitetos famosos como o pavilhão da Áustria de Josef Hoffmann, o pavilhão holandês de Gerrit Thomas Rietveld ou o pavilhão finlandês , um pré-fabricado com planta trapezoidal desenhado por Alvar Aalto.

O Arsenale foi o maior centro de produção de Veneza durante a era pré-industrial, um símbolo do poder econômico, político e militar da cidade. Desde 1980, o Arsenale tornou-se um local de exposições da Bienal por ocasião da 1ª Exposição Internacional de Arquitetura. Posteriormente, os mesmos espaços foram utilizados durante as Exposições de Arte para a Seção Aberta.

Com a expansão gradual da escala, o escopo da Bienal de Veneza se expandiu para cobrir toda a cidade. Além dos principais locais de exposição, também inclui muitos pavilhões espalhados pelas ruas das cidades e até ilhas periféricas.