Bienal de Arte de Veneza 2017, locais de exposições ao redor da cidade, Itália

A 57ª exposição internacional de arte, intitulada Viva Arte Viva, com curadoria de Christine Macel e organização de Paolo Baratta, decorreu de 13 de maio a 26 de novembro de 2017. A Bienal apresenta-se como um espaço dedicado ao diálogo aberto entre artistas, e entre artistas e o público. O tema deste ano dedicado a celebrar, e quase agradecer, a própria existência da arte e dos artistas, cujos mundos alargam a nossa perspectiva e o espaço da nossa existência.

A exposição decorreu nos históricos pavilhões do Giardini, no Arsenale e no centro da cidade de Veneza, contando com a participação de 86 países e regiões. 23 Eventos Colaterais, promovidos por instituições nacionais e internacionais sem fins lucrativos, apresentam as suas exposições e iniciativas em Veneza durante a 57ª Exposição.

A Exposição Viva Arte Viva oferece um percurso que se desdobra ao longo de nove capítulos ou famílias de artistas, começando com dois reinos introdutórios no Pavilhão Central do Giardini, seguido por mais sete reinos que se encontram no Arsenale e no Giardino delle Vergini . São 120 artistas convidados de 51 países; 103 deles estão participando pela primeira vez.

Num mundo repleto de conflitos e choques, a arte testemunha o que há de mais precioso no que nos torna humanos. A arte é a base definitiva para reflexão, expressão individual, liberdade e para questões fundamentais. A arte é o último bastião, um jardim a cultivar acima e além das tendências e interesses pessoais. É uma alternativa inequívoca ao individualismo e à indiferença.

Viva Arte Viva
Viva Arte Viva é uma Exposição inspirada no humanismo. Este tipo de humanismo não está focado em um ideal artístico a seguir, nem se caracteriza pela celebração da humanidade como um ser que pode dominar seu entorno. Na verdade, esse humanismo, por meio da arte, celebra a capacidade da humanidade de evitar ser dominada pelos poderes que governam os assuntos mundiais. Nesse tipo de humanismo, o ato artístico é contemporaneamente um ato de resistência, de libertação e de generosidade.

Viva Arte Viva é uma exclamação, um clamor apaixonado pela arte e pelo estado do artista. O papel, a voz e a responsabilidade do artista são mais cruciais do que nunca no quadro dos debates contemporâneos. É nessas e por meio dessas iniciativas individuais que o mundo de amanhã toma forma, que embora certamente incerto, muitas vezes é melhor intuído por artistas do que por outros.

Cada um dos nove capítulos ou famílias de artistas da Exposição representa um Pavilhão em si, ou melhor, um Trans-Pavilhão, pois é transnacional por natureza, mas ecoa a organização histórica da Bienal em pavilhões, cujo número nunca parou de crescer desde então o final da década de 1990.

Viva Arte O Viva procura também transmitir uma energia positiva e prospectiva que, ao apostar nos jovens artistas, redescobre os que já faleceram ou que ainda são desconhecidos apesar da importância da sua obra.

Do “Pavilhão dos Artistas e Livros” ao “Pavilhão do Tempo e do Infinito”, estes nove episódios contam uma história muitas vezes discursiva e por vezes paradoxal, com desvios que espelham as complexidades do mundo, uma multiplicidade de abordagens e uma grande variedade de práticas. A Mostra pretende ser uma experiência, um movimento extrovertido de si para o outro, em direção a um espaço comum para além das dimensões definidas, e avança para a ideia de um neo-humanismo potencial.

A partir do Pavilhão dos Artistas e do Livro, a Mostra revela sua premissa, uma dialética que envolve toda a sociedade contemporânea, além do próprio artista, e aborda a organização da sociedade e seus valores. Arte e artistas estão no centro da Mostra, que começa por examinar suas práticas, a forma como criam arte, a meio caminho entre o ócio e a ação, o otium e o negotium.

A exposição em locais ao redor da cidade
A Exposição se desenvolve desde o Pavilhão Central (Giardini) até o Arsenale e conta com 86 participantes de todo o mundo. Com a expansão gradual da escala, o escopo da Bienal de Veneza se expandiu para cobrir toda a cidade. Além dos principais espaços de exposição, também inclui muitos pavilhões espalhados pelas ruas de cidades e até ilhas periféricas.

Ca ‘Giustinian é um palácio histórico entre os mais representativos do estilo gótico tardio veneziano. O palácio, originalmente denominado “dei Giustinian”, foi construído por volta de 1471 e é o resultado da união de dois edifícios diferentes: Giustinian e Badoer-Tiepolo. Foi alvo de importantes renovações entre 2008 e 2009. Os interiores do palácio são acessíveis mediante pedido e caracterizam-se por linhas essenciais e cores neutras combinadas com formas decorativas e cores típicas do design contemporâneo. As salas foram completadas com obras de arte artísticas selecionadas, colocadas de forma a potenciar a relação entre arte e espaço. A luz é o outro elemento caracterizador do local.

Pavilhões no Arsenale
O Arsenale foi o maior centro de produção de Veneza durante a era pré-industrial, um símbolo do poder econômico, político e militar da cidade. Desde 1980, o Arsenale tornou-se um local de exposição da La Biennale por ocasião da 1ª Exposição Internacional de Arquitetura. Posteriormente, os mesmos espaços foram utilizados durante as Exposições de Arte para o Aberto.

Pavilhão dos Emirados Árabes Unidos
2017 é a quinta participação dos Emirados Árabes Unidos na Exposição Internacional de Arte. Com o título de um jogo tradicional jogado em culturas de todo o mundo, “Rock, Paper, Scissors: Positions in Play” explora práticas artísticas nos Emirados Árabes Unidos por meio da analogia do jogo e apresenta cinco artistas contemporâneos dos Emirados Árabes Unidos, incluindo Nujoom Alghanem, Sara Al Haddad, Vikram Divecha, Lantian Xie e Dr. Mohamed Yousif. Com curadoria do curador, escritor e ex-Chefe de Pesquisa e Programas (2012-2016) no Asia Art Archive em Hong Kong, Hammad Nasar, a exposição apresenta obras existentes dos artistas, bem como a reconstrução de obras “perdidas” e novas comissões.

A exposição funciona como palco para um conjunto de questões aninhadas: de onde vem a “ludicidade” na prática artística? Como e onde a “brincadeira” é estimulada? O que “brincar” faz? O artista Hind Mezaina, residente em Dubai, foi contratado para desenvolver um programa para o Pavilhão Nacional dos Emirados Árabes Unidos, explorando os conceitos curatoriais da exposição. O programa, intitulado ‘Home: Food | Música | Sports ‘, explorou como a comida, a música e os esportes contribuem para a construção de um senso de lar e comunidade. Os eventos aconteceram em Abu Dhabi, Dubai e Sharjah.

Pavilhão do México
A vida nas dobras, uma das principais afirmações da arte, é a expressão da realidade em cada período de nossa história; enfocando essa perspectiva, o artista Carlos Amorales (Cidade do México, 1970) apresentou seu trabalho intitulado “A vida nas dobras” durante a 57ª Mostra Internacional de Arte da Bienal de Veneza. Com curadoria de Pablo León de la Barra (Cidade do México, 1972), a exposição de Amorales foi montada no edifício histórico conhecido como Arsenale, sede oficial do Pavilhão Mexicano nesta edição.

O Pavilhão do México ganhou grande relevância por ser o reflexo adequado dos principais eventos de 2017, como a renegociação do Acordo de Livre Comércio da América do Norte (NAFTA) e os massivos movimentos migratórios apresentados em várias regiões do mundo. Para esta instalação, muitas ocarinas foram feitas para criar um alfabeto criptografado que pode ser interpretado tanto textualmente quanto foneticamente, pois cada ocarina emite um som diferente de acordo com a letra ou sinal que representa. Além disso, Amorales desenhou diversas partituras cujas notas são apresentadas de forma abstrata com o objetivo de criar um método novo e inovador de percepção e interpretação em cada visitante.

Pavilhão Argentina
O problema do cavalo de Claudia Fontes foi uma instalação de esculturas representando a Argentina na 57a Bienal de Veneza em 2017. A instalação mostra uma cena de congelamento em tempo de bala em que um cavalo, uma mulher e um jovem estão presos em um laço de causalidade infinito pelo qual tememos é a causa e o sintoma ao mesmo tempo. O medo do cavalo de ficar preso no prédio cria uma avalanche de pedras viajando em sua direção, cujas sombras formam uma imagem espelhada de si mesmo, embora explodindo. A brancura e a suavidade do material conferem à cena a qualidade de uma aparição, como se os personagens e suas circunstâncias existissem em uma temporalidade paralela. O público, como espectador, completa a narrativa.

O cavalo como uma espécie de símbolo nacional não oficial da Argentina, o cavalo empinado é usado na obra como um símbolo de muitas coisas e conceitos diferentes. Por um lado, lembra os monumentos equestres que povoam muitas cidades argentinas e latino-americanas. Por outro, representa o choque entre natureza e industrialização e a exploração dos recursos naturais – incluindo o uso de animais como força de trabalho. Por fim, simboliza o próprio conceito de nação, como crítica sutil ao formato da própria Bienal que, fundada no século XIX, ainda hoje se baseia na ideia de participação nacional numa mostra de arte “universal”, algo que Fontes considera obsoleto e desaprova claramente.

Pavilhão da África do Sul
A exposição do Pavilhão da África do Sul convida os espectadores a explorar o papel do artista na visualização e articulação da noção de individualidade em um contexto de marginalização global. O que é ser visível na vida cotidiana, mas invisível e desconsiderado no nível da representação cultural, política ou econômica? Colocando em diálogo as novas obras de Breitz e Modisakeng, a exposição reflete sobre experiências de exclusão, deslocamento, transitoriedade, imigração e xenofobia, explorando as complexas forças sociopolíticas que moldam a atuação da individualidade nessas condições.

Mohau Modisakeng apresenta respostas críticas às idéias de nacionalidade, liderança, desigualdade e trabalho migrante que se manifestam visualmente como momentos pungentes de luto e catarse centrais para a experiência vivida atualmente pelos sul-africanos contemporâneos. O trabalho de Breitz se concentrou nas condições sob as quais a empatia é produzida, refletindo em uma cultura global saturada pela mídia, na qual uma forte identificação com personagens de ficção e celebridades corre paralela à indiferença generalizada à situação daqueles que enfrentam adversidades do mundo real.

Pavilhão do Peru
Rodrigo Quijano apresenta ao mundo a obra do artista plástico desaparecido, Juan Javier Salazar (1955-2016), que por meio do humor e da ironia oferece reflexões em sua obra. Elas encarnam sua própria visão da arte e da história do Peru. A mostra não pretende ser retrospectiva nem antológica, mas sim dar-lhe o valor e a projecção internacional que merece uma figura que muito influenciou as gerações de artistas que o seguiram e que é, de facto, eixo e personagem. chave para a compreensão da arte peruana contemporânea.

Pavilhão da Turquia
Cevdet Erek apresenta uma obra site-specific para o pavilhão intitulada “ÇIN”. Em vez de tentar descrever um projeto que deve ser experimentado no local. Nascido em Istambul, Erek criou sua primeira instalação em 2012 para Documenta 13. Seu trabalho é caracterizado por um uso marcante de ritmo e especificidade do local, muitas vezes combinando vídeo, som e imagens na tentativa de alterar a percepção e experiência do espectador de um determinado espaço . Curiosamente, Erek consegue combinar componentes racionais como referências à arquitetura e tempo linear com impulsos instintivos, nivelando assim a lacuna entre duas esferas supostamente opostas.

Pavilhão das Filipinas
O Espectro da Comparação, obra dos artistas filipinos Lani Maestro e Manuel Ocampo. O espectro da comparação é extraído do romance Noli Me Tángere escrito pelo patriota e romancista filipino Jose Rizal quando morava em Berlim em 1887. A frase sugere a experiência da perda da inocência política: a dupla visão de vivenciar os acontecimentos de perto e de longe não poder mais ver as Filipinas sem ver a Europa, nem olhar a Europa sem ver as Filipinas.

Apesar de terem práticas esteticamente distintas influenciadas por momentos históricos distintos, Lani Maestro, cujas instalações integram som, filme, texto e fotografias, e Manuel Ocampo – cujos sistemas de crítica das pinturas figurativas, são ambos produtos da experiência “colectiva” do espectro do emigrado. A exposição atribui este olhar a Ocampo e Maestro, não apenas como artistas que conheceram e viveram em dois, vários ou muitos mundos, mas como artistas cuja arte produz um global fragmentado – um imaginário discursivo e complexo construído através de uma consciência de mundos construídos em zonas temporais e geográficas.

Pavilhão do Chile
Bernardo Oyarzún frequentemente examina a cultura chilena através de lentes antropológicas, sociais, históricas e étnicas. Intitulada “Werken”, a exposição de Oyarzún apresenta uma instalação de mais de 1.500 máscaras cerimoniais feitas pelos povos indígenas Mapuche e luzes LED vermelhas exibindo 6.907 sobrenomes Mapuche. Oyarzún explora a relação entre a arte contemporânea e os povos indígenas.

Pavilhão da Indonésia
Tintin Wulia conceituou três obras interconectadas sob o título ‘1001 Martian Homes’. A ideia era mostrar o futuro no presente, permitindo que exilados de atrocidades na Terra contassem suas histórias em Marte, 200 anos depois, sugerindo um mundo sem fronteiras por meio de tecnologia digital e câmeras.

1001 Martian Homes ocorre simultaneamente, em todos os continentes, em dois locais de exposição separados. Conectar o pavilhão a uma versão gêmea no Jakarta Senayan City Shopping Mall também não o melhorou particularmente. Esses dois locais – cada um quase idêntico em design e layout – estão interconectados, assim como os três pares de obras gêmeas do projeto: Not Alone, Sob o Sol, e as casas homônimas Mil e Uma Marte.

Pavilhão de Malta
Homo Melitensis: um inventário incompleto em 19 capítulos, apresentando obras de artistas contemporâneos, bem como artefatos históricos, oferece uma investigação associativa da identidade maltesa em uma instalação complexa que reúne obras de arte, objetos e documentos em um formato não hierárquico e cronológico configurar. Os 19 capítulos levam o público a uma jornada elaborada que viaja simultaneamente em diferentes direções, levando em espécimes da história natural, um genoma nacional, um naufrágio antigo, migração, cartografia, objetos ritualísticos, personagens transgêneros e outros artefatos que combinam divertidamente fato e ficção , construção e desconstrução da identidade, com objetos subversivos encontrando objetos obedientes.

Pavilhão da Geórgia
Situado dentro do Arsenale, o Pavilhão Georgiano consiste em uma pequena casa de madeira abandonada, encontrada no interior da Geórgia. Remontada em Veneza, a cabana contém todos os conteúdos típicos encontrados em tal habitação, incluindo móveis, quadros e outros objetos do cotidiano. No interior, o artista instalou um sistema de irrigação autônomo simulando chuva permanente, revertendo a relação de dentro para fora. A iluminação amarela de sódio ilumina o interior e permite que os visitantes testemunhem o lento processo entrópico de destruição à medida que as culturas de musgo engolfam pisos, paredes, móveis e outros objetos durante a exposição de seis meses. A instalação cria sua própria narrativa seguindo uma dramaturgia natural que permite mudanças sutis. Em contraste com o interior, o exterior da casa permanece o mesmo.

As obras de Vajiko Chachkhiani são moldadas por um humanismo poético que existe entre a experiência pessoal e a realidade política, bem como entre explorações psicológicas e imediatismo material. Direta ou indiretamente, o ponto de partida de muitas de suas obras é uma troca de objetos ou ações entre pessoas, às vezes aparecendo como uma performance. O artista condensa seus temas usando formas reduzidas em uma interação sutil entre revelar e ocultar. Os materiais comuns e o artesanato tradicional de suas obras vêm de uma realidade básica e cotidiana. Paralelamente a suas esculturas e instalações, Chachkhiani desenvolveu uma obra cinematográfica que vai desde a documentação de ocorrências únicas até filmes mais narrativos que pairam entre o sonho e a realidade.

Pavilhão da Irlanda
Jesse Jones considera o pavilhão nacional como o local de uma lei alternativa. Com uma prática baseada no cinema e na performance, Jones criou uma obra de arte que ela descreve como um ‘enfeitiçante’ do sistema judicial. A prática de Jones atravessa as mídias do cinema, da performance e da instalação e, para sua exibição na Bienal, ela propõe o retorno da bruxa como um arquétipo feminista, que tem a capacidade de alterar a realidade. Muitas vezes trabalhando em estruturas colaborativas, ela explora como a cultura histórica pode ter ressonância em nossas experiências sociais e políticas atuais.

Pavilhão da Itália
A imaginação é uma ferramenta para ver além dos fenômenos visíveis e experimentar o mundo “em toda a sua riqueza e multiplicidade”. O Pavilhão Italiano é composto por três espaços que acomodam uma sequência de três instalações criadas por Roberto Cuoghi, Adelita Husni-Bey e Giorgio Andreotta Calò. O título da exposição, Il Mondo Magico, é emprestado do livro mais conhecido do antropólogo Ernesto de Martino, publicado em 1948, que descreveu os rituais mágicos como as ferramentas através das quais os indivíduos tentavam encontrar a sua própria identidade em contextos históricos e incertos. contextos sociais.

O espaço de entrada do pavilhão italiano foi transformado em uma espécie de oficina, uma fábrica que produzia estátuas devocionais inspiradas no De Imitatione Christi, um texto medieval que descreve o caminho para alcançar um estado de perfeição ascética. Imitazione di Cristo (A Imitação de Cristo) de Roberto Cuoghi, a primeira das três instalações apresentadas no pavilhão, investiga a transformação da matéria e o conceito fluido de identidade por meio de uma pesquisa sobre a representação histórica de Cristo na arte italiana. As estátuas de Cristo fabricadas na oficina são então transportadas para um conjunto de mesas posicionadas dentro de um longo túnel feito em plástico transparente, criando assim uma sequência de “corpos” em condições progressivas de deterioração e esfacelamento da matéria. As estátuas, quase decompostas,são subsequentemente “secos” em um forno para interromper sua decomposição. Finalmente, os restos das figuras, distorcidos e quebrados em pedaços, são recompostos e dispostos em uma parede longa e escura no final da galeria.

Pavilhão da China
“Continuum – Generation by Generation” foi inspirado no conceito chinês de buxi, uma energia implacável ou força vital, e apresentou trabalhos individuais e colaborativos de quatro artistas: Tang Nannan, Wu Jian’an, Wang Tianwen e Yao Huifen. O Pavilhão não é sobre o trabalho de um único artista chinês, mas um processo criativo coletivo que já dura mais de 5.000 anos. Uma cooperação cruzada abrangente entre os quatro artistas para o Pavilhão Chinês. Cada um dos quatro artistas participantes coopera com os outros três artistas. A arte chinesa é um ato comunitário ao longo de cinco mil anos de nossa história coletiva, em que cada artista participa e responde: uma espécie de encontro yaji entre gerações.

Tang mostrou vídeos inspirados em mitos chineses sobre cursos de água e paisagens. Yao Huifen é um especialista em bordados de Suzhou e cria versões contemporâneas desse artesanato reverenciado. Wang Tianwen é um mestre do jogo de sombras de Shaanxi, e as esculturas de folha de cobre cortadas a laser de Wu Jian’an ergueram-se como totens por todo o espaço. Muitos trabalhos referenciam temas antigos e celestiais, e eles se juntaram na performance de jogo de sombras multimídia colaborativa criada pelos quatro artistas e pelo próprio curador, Continuum – Removendo as montanhas e enchendo o mar, com músicos e performers combinando métodos tradicionais e digitais projeções. A exposição segue conscientemente os passos dos intelectuais chineses ao longo da história interessados ​​na arte e nas práticas populares.A atmosfera cacofônica do Pavilhão da China desta vez teve uma intenção real e efeitos envolventes.

Pavilhões nos Giardini
Giardini é o local tradicional das Exposições de Arte da Bienal desde a primeira edição em 1895. O Giardini agora hospeda 29 pavilhões de países estrangeiros, alguns deles projetados por arquitetos famosos como o Pavilhão da Áustria de Josef Hoffmann, o pavilhão holandês de Gerrit Thomas Rietveld ou o pavilhão finlandês , um pré-fabricado de planta trapezoidal desenhado por Alvar Aalto.

Pavilhão da Espanha
O artista espanhol Jordi Colomer apresenta no pavilhão o seu projeto de exposição “Ciudad de bolsillo”, com curadoria de Manuel Segade. É uma “instalação de instalações” composta por um conjunto de vídeos, esculturas e o próprio espaço entendido como uma arquitectura total mas provisória. A instalação é organizada a partir do espaço central com luz natural, com a presença de maquetes, protótipos, reproduções em escala desses movimentos, que também incorporam objetos utilizados em ações gravadas em vídeo e que ritmam o conjunto do pavilhão. Em sua totalidade, eles formam uma visão em diferentes escalas de um fragmento de cidade suscetível de deslocamento e em precário equilíbrio. Os modelos eram feitos com módulos de lata pintada e eram permanentemente sacudidos por ventiladores de alta potência,como na vibração contínua de uma cidade agitada.

Nas salas de perímetro, é organizado um passeio em que o espectador fica livre para se mover em uma direção ou outra. Esses espaços se articulam como uma progressão de sequências a partir de dois elementos: telas de projeção com vídeos e um conjunto de estantes para visualização. Tanto as telas quanto os estandes são estruturados em combinações seriais que configuram ambientes variáveis, desde a visualização quase individual até a grande sala com múltiplas telas de diferentes tamanhos e degraus até alturas modulares que permitem oferecer diversos pontos de vista.

Pavilhão dos EUA
O pavilhão dos Estados Unidos apresenta Amanhã é outro dia, uma instalação específica do local por Mark Bradford. Mark Bradford é uma das figuras mais interessantes do expressionismo abstrato contemporâneo; um artista cujas obras combinam uma abordagem magistral da cor e da matéria com uma profunda atenção às questões sociais e vulnerabilidade e resiliência de pessoas e comunidades marginalizadas. A sala de entrada abriga a instalação Pé Estragado, que preenche o espaço com uma grande massa obstrutiva preta e vermelha pendurada no teto e que obriga o público a caminhar por uma passagem estreita e roçar nas paredes laterais como metáfora do contraste entre os que vivem à margem e a um poder social centralizado.

A segunda sala apresenta quatro obras em sua maioria negras, três grandes pinturas-colagem e uma escultura. Nas telas, cada uma com o nome de uma sirene mitológica, Bradford utilizou uma técnica já adotada nos trabalhos pioneiros que fez na década de 2000 e que envolve o uso de papéis de parede “incorporados” em pinturas cintilantes preto-púrpura para obter um efeito de Matéria profunda e iridescendente que “evoca o mar e suas passagens”. Os títulos das obras referem-se aos abusos contra as mulheres, tanto na vida privada como na cultura popular. As três pinturas “circundam” uma escultura central, intitulada Medusa, feita de um emaranhado de cadeados de papel preto alvejado, formando uma espécie de tríptico clássico contemporâneo focado no tema da representação feminina.

Pavilhão Uruguai
Sagradini cultivando uma forma única de compreender e exercitar a arte em uma deriva pelo mundo das palavras e das coisas, resgatando experiências, objetos e histórias retiradas do cotidiano. Ao trabalhar frequentemente com o achado etnográfico, ele também o faz, com interesse, com fragmentos da história uruguaia, para que por meio das práticas da arte faça ressurgir alternadamente (ou simultaneamente) o artista historiador e o artista antropólogo. Na verdade, é muito comum que Sagradini recorra a objetos usados ​​nas tarefas diárias para alimentar seus dispositivos simbólicos,

A peça consiste na forma de um curral para gado denominado “Embudo”, utilizado no Uruguai desde o século XIX, que o artista reconstruiu a partir de uma fotografia antiga e quase ilegível. Tem a forma de um lugar para certos corpos, mas é exibido sem eles. Extraída de todos os contextos, é oferecida como uma célula vazia, como um cenário fantasmático cuja memória perdida agora espera ser substituída pela presença de outros corpos capazes de ocupá-la. Possui portais, entradas, aberturas, paredes e outros dispositivos que conferem ao complexo uma configuração adequada à escala humana e próxima da linguagem da arquitetura. A segunda é uma homenagem às condições de montagem, à sua concepção cenográfica,que convida o visitante a um diálogo corporal com o artefato para transpor a barreira virtual imposta pelo espetáculo. Tais características conferem à obra uma razão histórica e uma função atual pronta para o jogo de significados, que a separa da deriva minimalista clássica.

Pavilhão Nórdico
Mirrored é uma exposição coletiva com obras de seis artistas de diferentes gerações: Siri Aurdal, Nina Canell, Charlotte Johannesson, Jumana Manna, Pasi “Sleeping” Myllymäki e Mika Taanila. A exposição Mirrored tenta evitar uma abordagem tópica, para se concentrar em desafiar uma autoimagem refletida ou estereótipos projetados nos países nórdicos. Um mapeamento de conexões que ultrapassam as fronteiras nacionais e regionais e, em vez disso, rastreiam uma visão mais multifacetada de como a prática artística pode se conectar “, diz o curador Mats Stjernstedt. Espelhado, portanto, sugere um” lugar sem lugar “, para emprestar a alegoria de Guiliana Bruno sobre os espelhos .

Obras de Siri Aurdal, Charlotte Johannesson e Pasi “Sleeping” Myllymäki são exemplos de arte urbana e urbanidade que estava à frente de seu tempo na exploração de material industrial, espaço digital ou experimentos de design com imagens em movimento. As esculturas baseadas em módulos de Aurdal desafiam o meio de escultura e estabelecem novas premissas para ele. Johannesson aproveitou a deixa do artesanato têxtil tradicional e traduziu a configuração lógica das tapeçarias em pixels baseados em computador. Antes de abandonar sua prática cinematográfica, Myllymäki produziu quarenta e quatro filmes em super-8 de 1976 a 1985; esses filmes exploram uma ampla gama de elementos, desde design gráfico a ações performativas.

Um interesse semelhante em temas urbanos, expresso, por exemplo, por meio de transformação material ou conteúdo político, cruza as obras dos seguintes artistas; Mika Taanila (nascido em 1965) é principalmente reconhecido pela produção de obras de arte temporais em filmes, vídeos e sons. Para a presente exposição, Taanila usa a técnica de montagem para criar um projeto recortado na literatura cinematográfica. O modo experimental de Nina Canell (n. 1979) de se relacionar com a escultura e a instalação considera o lugar e o deslocamento da energia. No entanto, como o filme e o trabalho sonoro de Taanila, eles têm uma qualidade temporal, pois Canell converte a forma frequentemente fixa da escultura em processos abertos. As obras de Jumana Manna (n. 1987) exploram como o poder é articulado por meio de relacionamentos,muitas vezes com foco no corpo e na materialidade em relação a narrativas de nacionalismo e histórias de lugar. Em sua obra escultórica, Manna desdobra indiretamente a representação, criando uma linguagem visual de ausência e substitutos.

Pavilhão da Grã-Bretanha
O Pavilhão Britânico apresenta Folly, uma instalação escultural específica do local de Phyllida Barlow. Phyllida Barlow é mundialmente conhecida por suas impressionantes obras escultóricas abstratas nas quais materiais baratos – como concreto, madeira, tecido – e elementos reutilizados são transformados em esculturas sumptuosamente misteriosas e inquietantes. Phyllida Barlow criou uma instalação multiforme que intitulou Folly como uma referência tanto a um tipo de elemento decorativo arquitetônico extravagante quanto a um estado de espírito temerário. A obra brinca e interage constantemente com a arquitetura do próprio pavilhão, começando pelo exterior, onde Barlow coloca um conjunto de bolhas coloridas, quase cômicas (ou, mais precisamente, bugigangas gigantes, como o artista as define) que de certa forma “desmistificam ” o ousado,formas neoclássicas do edifício.

As esculturas ocupam todo o Pavilhão, alcançando o telhado e até extravasando. Na galeria central, ela nos incentiva a assumir o papel de exploradores, abrindo caminho em torno de um labirinto escultural de colunas altas densamente compactadas. Bijuterias de cores vivas se acotovelam alegremente, mas essas formas protuberantes também têm uma qualidade sinistra quando pressionam os visitantes e dominam o espaço. Esculturas que lembram cadeiras em um parque de diversões aludem à festividade, mas suas formas dobradas implicam em decadência e desolação.

Pavilhão Canadá
Em Uma saída do espelho, Geoffrey Farmer imaginou pertencer ao estado-nação, em termos ao mesmo tempo comemorativos e lamentosos; não como uma identidade bem delimitada ou monolítica, mas como fluidez e perda. Transformando o pavilhão em palco ao ar livre para suas fontes, ele também abriu um espaço de renovação e reflexão que literalmente explodiu as interseções de histórias pessoais e nacionais.

Com sua abordagem sensível e inteligente às questões de arte, história e material, e sua forte história de exposições internacionais, Geoffrey Farmer transforma o Pavilhão do Canadá, muitas vezes considerado um espaço difícil, em uma experiência imersiva e escultural. Informações antecipadas revelaram que a história pessoal e o trauma intergeracional foram aspectos da instalação de Farmer, assim como poesia, revistas antigas e um mistério familiar.

Pavilhão da Alemanha
“Faust” de anne imhof e com curadoria de susanne pfeffer, o pavilhão recebeu o prêmio do leão de ouro de 2017 de melhor participação nacional. Exposição povocativa e poderosa, anne imhof projetou o pavilhão alemão na bienal de arte de veneza 2017. Ele integra os meios de pintura, escultura e instalação com performances ao vivo que exploram a composição e compreensão de figuras humanas. O palco de Anne Imhof no espaço do pavilhão é a representação de uma realidade difícil e alienante na qual os indivíduos são limitados por limitações físicas, políticas, econômicas e tecnológicas. A dureza dos elementos usados, como vidro e aço, evoca a dos lugares em que o poder e o dinheiro são administrados atualmente; em vidro, em particular, é feita a alteração mais importante do pavilhão ‘A arquitectura, nomeadamente a adição de uma plataforma elevada transparente, a um metro do pavimento, que modifica a relação entre o espaço e a presença humana.

A obra interage fortemente com a arquitetura do Pavilhão Alemão a partir do exterior; cães de guarda isolados em uma grande gaiola, grossas vidraças inquebráveis ​​que fecham o pórtico de entrada do prédio neoclássico do pavilhão, deixando apenas a possibilidade de o visitante ver no salão principal, o deslocamento da entrada principal pelo lado do pavilhão, antecipa um Obra total em que diferentes camadas e meios formais e expressivos, da instalação visual à música, da pintura à performance ao vivo, se sobrepõem. Debaixo das placas de vidro, há pessoas e uma parafernália de dispositivos de contenção, camas improvisadas, frascos e frascos de remédios. Acima da plataforma transparente, o público se move assistindo a um grupo de performers,que se exibem sem estabelecer uma comunicação real com os visitantes, mas que estão absolutamente cientes do poder de sua aparência visual.

Esses corpos disciplinados e frágeis aparecem como um material permeado por estruturas de poder invisíveis. São assuntos que parecem desafiar constantemente sua própria objetificação. A representação da mídia é inata a esses organismos biotecnológicos. Os performers sabem muito bem que seus gestos não são fins em si mesmos, mas existem apenas como pura medialidade. Eles parecem sempre prestes a se transformar em imagens prontas para o consumo; eles aspiram a se tornar imagens, mercadorias digitais. Numa época caracterizada por um grau extremo de medialidade, as imagens, longe de representar apenas a realidade, a criam.

Pavilhão da Coreia
A exposição conjunta intitulada ‘contrapeso: a pedra e a montanha’ centra-se nos conflitos e deslocamentos que os dois artistas cody choi e lee percebem na identidade coreana moderna. O trabalho de Cody choi analisa a modernização da Coreia, explorando a tensão entre sua identidade em mudança e a influência crescente do Ocidente. ‘rapsódia veneziana’ instalada no telhado do pavilhão, é uma floresta brilhante de sinalização de néon que pega emprestado livremente do ambiente visual dos cassinos em las vegas e macau e reflete sobre o espetáculo do capitalismo global. O trabalho de choi também inclui a escultura paródica conhecida como ‘o pensador’, uma reinvenção da escultura de Rodin construída com papel higiênico e o pepto-bismol medicinal rosa americano para o estômago.

Lee wan pertence a uma geração mais jovem de artistas coreanos. por meio de seu trabalho, lee wan investiga as vidas ocultas de indivíduos explorados por estruturas de poder globais em países de toda a Ásia e além. entre suas obras na bienal arte deste ano está o ‘tempo adequado’, que consiste em 668 relógios, cada um inscrito com o nome, data de nascimento, nacionalidade e ocupação dos indivíduos que o artista conheceu e entrevistou em todo o mundo, pesquisando as circunstâncias econômicas amplamente diferentes de pessoas que trabalham. de acordo com lee daehyung, ‘cada relógio se move em uma taxa diferente que é determinada pela quantidade de tempo que o indivíduo em questão deve trabalhar para poder pagar uma refeição.’ o resultado é uma agregação absurda de retratos abstratos que funciona como uma imagem barulhenta,representação vertiginosa multissensorial e imersiva da desigualdade global.

Pavilhão Japão
“Turned Upside Down, It’s a Forest” é a exposição individual do artista Takahiro Iwasaki, que se destaca pelos seus trabalhos, através dos quais transforma materiais aparentemente banais e objetos residuais em esculturas surpreendentes, meticulosamente concebidas e construídas. A obra do artista japonês é caracterizada pela inclusão de elementos que não estão fisicamente presentes na obra, mas que são parte essencial de sua identidade, como a água em sua série de modelos de reflexão, por um contraste constante entre ordem e desordem, e por um profundo interesse pelas questões ambientais e sociais. A série Reflection Model compreende modelos arquitetônicos de templos japoneses realmente existentes,espelhado de cabeça para baixo para recriar a presença do corpo d’água sobre o qual os edifícios originais se sustentam como um raciocínio sobre os conceitos de realidade e ambigüidade. Para enfatizar ainda mais essa ideia, as maquetes são feitas na mesma madeira (cipreste japonês) dos prédios reais.

Para o curador da exposição Meruro Washida, a história de Hiroshima parece permear profundamente em suas obras. A cidade de Hiroshima foi instantaneamente aniquilada como consequência da bomba atômica e, embora antes tivesse servido como uma cidade militar, sua imagem mudou 180 graus após a guerra para ser amplamente reconhecida como uma cidade de paz. O uso que Iwasaki faz da representação figurativa em suas obras, em outras palavras, a maneira como algo passa a se apresentar de uma maneira inteiramente diferente quando acontece sobre um determinado detalhe, está de fato conectado à experiência de Hiroshima. O uso de objetos do cotidiano no caso de Iwasaki atrai influência dos numerosos artefatos alojados no Museu Memorial da Paz de Hiroshima, que transmitem necessidades diárias que foram instantaneamente distorcidas e tornadas sem função.A delicadeza de seu trabalho, que poderia até ser descrito como artesanal, aparentemente atravessa os mundos do micro e do macro.

Pavilhão Brasil
Na instalação de Marcelle “Chão de caça”, um piso inclinado em grelha soldada ocupa o interior das duas galerias interligadas do Pavilhão do Brasil. Seixos comuns, como os encontrados nos arredores de Giardini, são espremidos na grade, normalmente usada em um contexto industrial ou no espaço público, por exemplo, entre trilhos de ferrovia ou para cobertura de poços de ventilação de metrô ou sistemas de esgoto. Entrelaçados com a grade e os seixos, há elementos esculturais adicionais, uma série de pinturas e um vídeo. Uma série de varas de madeira são fixadas na estrutura do piso, cada uma equilibrando uma pintura em um pano esticado sobre a ponta superior, como um grupo de fantasmas ou uma pequena floresta de sinais, tochas ou totens. O suporte das pinturas é um tecido de algodão listrado em preto e branco,lençóis comuns, mas cada uma das listras pretas foi cuidadosamente apagada com tinta branca. Pedras de vários tamanhos são enroladas com a renda e com isso passam a fazer parte da estrutura geral maior, dando-lhe volume e peso escultóricos.

Há também um vídeo: uma tomada de um ângulo sobre um telhado de telhas, que está sendo gradualmente desmontado por dentro pelos homens, criando uma abertura grande o suficiente para que eles subam no telhado. Marcelle joga com a ambigüidade, ela cria um ambiente enigmático, dirigido pela suspensão, obsessão e rebelião. A instalação como um todo provoca sensação de instabilidade. Por mais que sejamos seduzidos a nos agarrarmos à imagem da prisão e da fuga, indicada pela projeção do vídeo e ressoando com a aspereza da grade de aço, também se poderia imaginar estar em um laboratório peculiar ou um ateliê de artista desequilibrado, em uma floresta techno ou uma grande cidade selvagem.

Pavilhão da Tailândia
Para o show “Krungthep BANGKOK”, o artista Somboon Hormtiemtong selecionou objetos, incluindo baús de madeira, estátuas de Buda, elefantes e recipientes de plástico, a fim de criar uma sensação para a capital tailandesa em todos os seus diversos aspectos. Além disso, Hormtiemtong também realizou desenhos realistas a carvão de cantos escondidos da cidade. A artista utilizou o código linguístico do readymade a que estamos bem habituados, para criar uma atmosfera, a complexidade que a Tailândia enfrenta.

Locais de exposições em torno de Castello e Cannaregio

Pavilhão do Líbano
O Pavilhão do Líbano apresenta o trabalho de Zad Moultaka. O título SamaS é um palíndromo, uma palavra que se lê de trás para frente. Significa “Sun Dark Sun”. A parede interna mais distante, cravejada de moedas brilhantes que lembram a superfície de um mosaico. Isso é proposital, pois foi inspirado nos mosaicos de ouro da Basílica de San Marco. Os milhares de moedas incluem algumas com buracos, o que sugere buracos de bala. Este é um mosaico de ouro, mas com moedas reais, é o dinheiro que torna a guerra possível. “Esta é uma parede de lamentação, 32 vozes, cada uma vinda de um alto-falante separado, cria um coro de luto e um zumbido de energia. Cada voz é delicadamente diferenciada, como se fossem peças de um mosaico.A música foi escrita para o Coro da Universidade Antonina de Beirute.Às vezes soa como o zumbido de um motor de avião, e outras vezes como o que Daydé descreve como “a canção dos anjos”.

No centro do espaço está um objeto improvável, um motor de avião Rolls-Royce Avon MK 209 vertical da década de 1950, em pé como uma coluna e posicionado para se assemelhar a uma estátua da era de Hammurabi, que governou a Mesopotâmia em 18 AC. Seu reinado é conhecido por algumas das inscrições mais antigas do mundo, incluindo as primeiras descrições de leis do mundo. Exibir o motor da aeronave, um instrumento de guerra, no lugar de uma coluna de basalto da época de Hammurabi sugere que o conflito está presente na região pelo menos há tanto tempo quanto os preceitos codificados por Hammurabi. O código de leis e o motor do avião têm exatamente a mesma forma. É incrível que, na mente humana, essas formas possam se parecer tanto, mesmo que sejam usadas para propósitos opostos ”.

Pavilhão da Lituânia
A nova instalação de Žilvinas Landzbergas intitulada “R”, revelando realidades mesméricas que mesclam cenários e imagens nórdicas com o espaço do cubo branco do distinto edifício veneziano de Scuola San Pasquale. R é para recordar, registrar, relacionar, referir, assemelhar-se, respeitar, raio, rádio, rênio, romântico, real e rima. RA, como na astronomia, mitologia, medicina, química, música, navegação e muito mais. R é a letra mais complexa do alfabeto, que integra todo o espectro de formas geométricas e significados abrangendo as fronteiras do racional e do imaginário. R é um elemento endêmico na prática artística de Žilvinas Landzbergas, onde R aparece como um espaço, um objeto, um personagem, um signo e um portal.

As instalações de Žilvinas Landzbergas operam em registros físicos e subconscientes, assumindo a estrutura de um conto de fadas em que elementos arquetípicos, reflexos sociais e percepções pessoais se combinam em fantásticas narrativas espaciais. Mergulhe totalmente nas paisagens ilusórias de Žilvinas Landzbergas, onde você enfrenta sóis devorados e luas falsas, ordens nórdicas, móveis germinados e cabeças gigantes, segue sombras materiais e desenhos de luz, sucumbe à cura acupuntural, cortesia de Styrmir Örn Guðmundsson com a ajuda de Jokūasbas Čižikik e Indriði Arnar Ingólfsson, sintonizados nas batidas subaquáticas do DJ Exotip.

Pavilhão de Chipre
Representada por Polys Peslikas e comissariada por Jan Verwoert, a exposição intitulada “Ganhar Vida pelo Meio da Pintura”, conta ainda com a participação do coletivo de artistas Neoterismoi Toumazou, da escritora Mirene Arsanios e do ceramista Valentinos Charalambous. Peslikas expõe pinturas no pavilhão, preparando o palco para os artistas convidados, a aparência peculiar da pintura no espaço de exposição imaginado pode ser semelhante ao fantasma de uma cortina de teatro, que permanece presente diante de seus olhos, mesmo quando a peça já está em progresso.

Peslikas, nascido em 1973 em Limassol, na costa sul de Chipre, está atualmente baseado em Berlim. A artista vê a pintura como um meio de explorar o conceito de tempo e criar novas relações com as narrativas existentes. Sua prática é altamente colaborativa e ele frequentemente convida outros artistas que trabalham em outras mídias, incluindo a dança, para contribuir com seu trabalho. Com base em sua prática, Peslikas defendeu fortemente o poder da pintura para transmitir a intensidade de experiências elementares “, disse Verwoert sobre o trabalho de Peslikas e sua próxima exposição em um comunicado.” Ele enfatizou que [o] potencial experiencial [ da pintura] pode ser sentida mais fortemente quando a pintura se vela; o claro-escuro deixa os olhos vagarem; as cores tornam-se atmosféricas, até espectrais.

Pavilhão de Macau
O tema “A Bonsai of My Dreams” apresenta novas obras do artista local Wong Cheng Pou. As exposições consistem principalmente de obras tridimensionais, pinturas e fotografias. O título da exposição “Um Bonsai dos Meus Sonhos” indica a intenção do autor de cultivar seus sonhos pessoais no bonsai, assim como os antigos letrados chineses colocavam miniaturas de plantio em pequenos vasos, refletindo assim o desejo de uma vida espiritual repleta de simplicidade e elegância.

As exposições incluem principalmente figuras inspiradas nas divindades descritas no antigo clássico chinês Shan Hai Jing (O Clássico das Montanhas e dos Mares), que é uma rica fonte de informações sobre a religião, história, geografia e espécies da China Antiga, refletindo a visão do mundo que prevaleceu na China há dois milênios. “A Bonsai of My Dreams” apresenta as observações do autor, os sentimentos e a imaginação da cidade onde vive atualmente.

Pavilhão da Tunísia
The Absence of Paths é uma performance humana encenada em Veneza que, durante a Bienal, representa um microcosmo idílico do mundo: um lugar onde os seres humanos ainda podem fluir livremente de uma nação para a outra. Isso está representado em um documento de viagem físico chamado Freesa, produzido com a ajuda da Veridos, líder na produção de documentos de identificação seguros para países e empresas em todo o mundo.

O projeto não inclui artistas, mas indivíduos com experiência direta em migração, emitindo documentos de viagem para visitantes em diferentes locais da cidade. Essa instalação capacita cada visitante a se livrar da bagagem e das classificações divisivas impostas às pessoas. O evento colateral cuidadosamente desenvolvido, no coração do pavilhão, forma a base de um protesto individual silencioso. Além de visitantes de todo o mundo, The Absence of Paths aproveita as contribuições ativas de jovens migrantes aspiracionais. Sua passagem para a Bienal em virtude de fazer parte de uma prática artística em um evento de arte contemporânea internacionalmente reconhecido destaca o status da arte contemporânea como um fenômeno global, que mantém a capacidade de inspirar debate e investigação.

Pavilhão do Zimbábue
Sob o tema “Explorando Ideias de Pertencer”, quatro artistas, Admire Kamudzengere, Charles Bhebhe, Dana Whabira e Sylvester Mbayi, concebem novas obras, incorporando esculturas, gravuras, desenhos, objetos, pinturas e som para as seis galerias do Pavilhão do Zimbábue. Os artistas e suas experiências no mundo em constante mudança são a fonte de inspiração. A Exposição do Pavilhão do Zimbabué procura fornecer uma outra perspetiva sobre os temas da identidade, migração, patriotismo e pertença. As ideias de aqui e ali, ver e ser visto, legal e ilegal têm permanecido temas de debate e esta exposição procura dar algumas respostas a estas questões. As fronteiras são uma parte inevitável da vida, mas as pessoas continuam a atravessá-las legal e ilegalmente.

Esta edição de Desconstruindo Fronteiras aborda um vasto tópico que se tornou uma questão central e a exposição ilumina algumas de suas diversas perspectivas por meio dos artistas Admire Kamudzengerere, Charles Bhebe e Dana Whabira. Seu trabalho inspira o público do Pavilhão do Zimbábue a refletir e discutir questões que moldam as relações de poder. A exposição busca colocar algumas questões relativas à questão do pertencimento por meio das vozes de quatro artistas. Em face da globalização implacável, as fronteiras físicas estão sendo borradas e desafiadas. As vozes e perspectivas dos artistas a esse respeito são importantes, pois eles são o espelho da sociedade.Desconstruindo Fronteiras busca inspiração nos artistas participantes enquanto eles refletem sobre suas próprias experiências e questionam as fronteiras que existem atualmente de uma forma ou de outra. Conforme os artistas cruzam diferentes fronteiras e fronteiras, eles carregam consigo suas próprias experiências únicas sobre os diferentes espaços que visitam.

Pavilhão da Mongólia
Lost in Tngri (Lost in Heaven) e reúne 5 artistas que exploram as urgências da sociedade contemporânea mongol. O país está em uma encruzilhada entre sua identidade como nação nômade, com uma importante história de xamanismo e budismo, e uma nova realidade econômica da globalização, onde o uso de recursos naturais ameaça sua própria existência. Tradições de pastoreio em terrenos vastos e belos com uma vida conectada à natureza, ancestrais e ao mundo espiritual são vistas como o paraíso por muitos. A oportunidade econômica, criada após o colapso do sistema socialista em 1990, abriu a porta para outro tipo de céu. Mineração, construção, caxemira e outros negócios cresceram, criando riqueza por meio da exploração das terras de seus ancestrais.Mas o país está desaparecendo entre essas duas biosferas? Por meio de filmes, instalações, esculturas e sons, os artistas de várias gerações questionam o futuro da Mongólia.

Locais de exposições em torno de San Marco e Dorsoduro

Pavilhão Chinês de Taiwan
Tehching Hsieh desenvolve uma nova iteração de seus One Year Performances, um corpo de desafios extremamente físicos e psicológicos que investigam a natureza do tempo e os dilemas existenciais da condição humana moderna. Para seu Cage Piece de 1978, o artista passou 12 meses em confinamento quase solitário em uma gaiola que ele construiu em seu estúdio com as necessidades básicas e a proibição de falar, ler, escrever ou assistir TV.

Os corredores históricos do Palazzo delle Prigioni Venice, a antiga prisão do Palazzo Ducale, são um cenário ideal para o trabalho de um artista que entende mais do que a maioria, o significado e o custo de “cumprir pena” e a natureza das vidas vividas nas bordas do que chamamos de sociedade. De uma posição distante, Hsieh não apenas incorpora uma força vital e resiliência que emergiu de seus primeiros dias na China Taiwan. A persistência na adversidade comum a muitos, transmitida através de práticas artísticas frugais mas extremas. Suas ações evocam ansiedades culturais coletivas e exploram os muitos dilemas existenciais encontrados na condição humana moderna.

Pavilhão do Azerbaijão
Sob o tema “Under One Sun”, a arte de viver juntos tem um significado simbólico. Garantir a paz e a estabilidade em uma era moderna com processos geopolíticos complexos é uma das questões mais importantes da humanidade. Hoje, testemunhamos tendências negativas ocorrendo em todo o mundo. O Azerbaijão é uma amostra perfeita de uma sociedade complexa, que promove a aceitação de diferentes línguas e origens culturais, a cultura de viver juntos em harmonia e igualdade em uma sociedade multicultural e multirreligiosa, apoiando uns aos outros em um ambiente natural às vezes difícil. Infelizmente, fatores perigosos como xenofobia, extremismo, discriminação religiosa e terrorismo violam as normas pacíficas de coexistência e levam à calamidade dentro de civilizações e nações.

Neste contexto, cada nação deve contribuir para o fortalecimento de tendências positivas, a propagação e promoção de relações públicas baseadas em tradições multiculturais e o diálogo entre culturas e civilizações. Esta localização geográfica desempenhou um papel vital na diversidade cultural. Ao representar a situação existente, mostre que as pessoas podem se unir em torno de ideias de multiculturalismo. A arte de viver juntos, que oferece a oportunidade de se envolver com o modelo de multiculturalismo do Azerbaijão, promove a tolerância, a confiança mútua, a solidariedade e a amizade entre diferentes nações.

Pavilhão de Cuba
A exposição intitulada ‘Tempo da Intuição’, composta em grande parte por jovens artistas, que já gozam de um considerável reconhecimento a nível mundial. A exbihição da necessidade de resgate do papel da arte e do artista na sociedade, sobre a urgência de resgatar o humanismo, que se perdeu ao longo de todas essas décadas. Contextualizando o projeto sobre a realidade cubana e tendo em mente as ideias curatoriais de Macel, Noceda se inspirou no conceito de tempo expresso pelo escritor cubano Alejo Carpentier (1904-1980), iniciador do conceito latino-americano de realismo mágico. Carpentier disse que no Caribe e em Cuba coexistem três realidades temporais simultaneamente: o passado, ou tempo de memória, o presente, tempo de intuição ou visão, e o futuro, ou tempo de espera. Presente é o escolhido, o Tempo da Intuição.

O pavilhão cubano está instalado no antigo e prestigioso Palácio Loredan, os 14 intérpretes do cotidiano da ilha caribenha, através de percursos íntimos ou satíricos, com performances, fotos ou instalações, tratam de temas que vão desde a desconstrução do passado e da história , para fazer a crônica hoje; que vão desde questões sociais, raciais e de gênero, até temas de fé e espiritualidade. São autores peculiares e independentes, que propõem diferentes visões das questões de seu mundo em que o contexto e o compromisso com ele são as chaves para reconsiderar a realidade.

Pavilhão Iraque
‘Arcaico’, mostra o trabalho de oito artistas iraquianos modernos e contemporâneos em diálogo com 40 artefatos iraquianos antigos retirados do Museu do Iraque e abrangendo seis milênios, do Neolítico ao Período Parta. A maioria desses objetos nunca saiu do Iraque, exceto alguns que foram recentemente recuperados após os saques de 2003 do Museu. A tensão no termo ‘arcaico’ é extraída de suas referências multivalentes ao antigo e primordial, bem como ao que está atualmente fora de uso. A exposição extrai essa tensão para enfatizar sua relevância particular para o Iraque, um país cuja realidade política, administrativa, social e econômica existente é indiscutivelmente tão “arcaica” quanto sua herança ancestral.

A primeira vitrine é uma seleção de tudo, menos obras contemporâneas. Na verdade, esses objetos datam de milhares de anos. Existem pequenas estátuas de figuras femininas e animais, e uma fileira de selos cilíndricos. Algumas das estátuas menores estão tão gastas ao longo dos séculos que suas características de pedra não são mais do que sombras. O resto da arte do pavilhão no Palazzo Cavalli-Franchetti no Grande Canal é novo – seja da segunda metade do século 20 ou encomendado para a Bienal de 2017. Essas obras são apresentadas como exemplos de arte moderna enraizada nas culturas de uma terra antiga.

Pavilhão de Montenegro
Montenegro é representado pelo projeto “Čovjek-Uomo-Human” dos artistas Ivana Radovanović e Adin Rastoder. As obras de Ivana Radovanović e Adin Rastoder representam dois conceitos artísticos independentes com um tema comum, o tema da antropologia e o homem. Este conceito é um convite, um apelo para mudar o mundo em que vivemos. A arte é um símbolo, um meio que conecta povos e culturas. Em suas características visuais e mensagens artísticas, os projetos artísticos de Ivana Radovanović e Adin Rastoder representam peças distintas, mas ao mesmo tempo constituem um todo esteticamente coreografado e poderoso. Os dois conceitos artísticos unem-se na medida em que expressam dois aspectos distintos do ser humano.Seus contrastes mútuos na realidade criam uma mensagem única que nos convida a contemplar profundamente o significado da existência humana. Seu projeto é, portanto, um apelo para mudar o mundo em que vivemos e para retornar a todos os seus valores essenciais.

A escultura de Rastoder é uma figura imaginária que emerge de princípios antropológicos vitais. Por meio de seu processo criativo, ele chega a soluções e respostas inusitadas, abstratas e inovadoras. Suas figuras têm todas a mesma forma, mas o que as diferencia são as cores, que apontam para o que é individual e o que é coletivo nelas. A visão de mundo otimista do autor é expressa por meio de seus trajes pintados com cores vivas. A obra de Ivana Radovanović destaca o absurdo e a impermanência como as principais dimensões da vida humana. Assim, ela demonstra uma sensibilidade fortemente moderna marcada pela destruição da personalidade e individualidade. Esse espírito é, na verdade, uma coleção e um acúmulo de sentimentos, imagens, fragmentos, que podem ser combinados para formar algum novo composto.A artista lida com o ser humano visto essencialmente como criador e destruidor. As suas figuras representam pessoas desfiguradas ou sem rosto, sem qualidades, desprovidas de qualquer significado, indiferentes e degradadas quanto à sua dignidade humana.

Locais de exposições em torno de Cannaregio e Santa Croce

Pavilhão da Islândia
A inventividade e o humor do projeto de Egill Sæbjörnsson, bem como sua capacidade de reunir mundos divergentes através do uso de diferentes mídias e plataformas para criar um ambiente imersivo onde o real e o concreto se cruzam com o imaginado e o fantástico, envolvem o público com seus universo sensorial em camadas e reflexões relevantes sobre o nosso mundo contemporâneo.

Egill Sæbjörnsson vive e trabalha em Berlim e Reykjavik. Na vanguarda da experimentação, ele combina música, escultura, projeção de vídeo e animações, bem como sua própria performance – seja como mímico, palestrante, ator, músico ou cantor – para criar narrativas espaciais ficcionais. Objetos adormecidos ordinários, teatrais, poéticos e lúdicos ganham vida nas obras de Sæbjörnsson – sejam baldes de plástico, uma parede, pedras ásperas ou bolsas – levando o espectador a um mundo maravilhoso onde o real e o imaginado colidem. Seu trabalho esbate as fronteiras entre o real e o ilusório ao explorar a “magia” da tecnologia, brincando com vídeo e som projetados em combinações surpreendentes que exigem considerações complexas do público.Mas, embora seu trabalho seja experiencial e suscite densas questões ontológicas, ele as enquadra de uma forma que torna esses temas acessíveis.

Pavilhão da Romênia
Intitled Apparitions, o primeiro solo dedicado a uma artista feminina da Romênia, em uma longa jornada dominada principalmente por homens. Aparições, série de trabalhos realizados pela artista com os olhos parcialmente fechados. Mas “aparições” é uma palavra que possivelmente resume uma prática artística. Para Bratescu, o objeto artístico é o resultado de uma “dança da mente”: a técnica conta menos, o que importa – o artista costuma dizer – é o “espírito” da obra de arte, o que a “mente e visão” afirmam. Aparições também significam liberdade absoluta, além de qualquer restrição social e política. Mas as aparições também são epifanias – a obra de arte surge por meio da transfiguração de elementos plásticos simples por meio de expressões.

O complexo artista Geta Brătescu cria desenhos, colagens, gravuras, tapeçarias, objetos, fotografias, filmes experimentais, vídeos, performances; expressando-se em tantos meios, que todos podem ser convertidos, ela sugere, ao desenho. Aos olhos de Geta Brătescu, a condição social e política não se reflete na arte: a arte tem que conseguir manter sua autonomia, não interferindo na política. Não importa a localização, o artista deve ter a habilidade de criar um estúdio mental. O espaço físico do atelier, presente de forma quase obsessiva em certas obras, funde-se com um espaço interior, que produz mundos em si, mitologias. O mesmo ocorre com a própria presença física de Bra˘tescu em sua arte, que, quando ausente, cria alteregos e mitologias femininas complexas, mapas e viagens mentais.

Pavilhão da Nigéria
Com o tema “E agora?”, A exposição assume a forma de uma linha do tempo multicamadas. Ela vem do passado e, a seguir, parte para o futuro. A afirmação por trás disso é simplesmente que a hora da Nigéria é agora. Que tal agora? parece ser uma questão curiosa e desafiadora que evoca uma gama de possibilidades ideológicas. Implica vigorosamente o contemporâneo e / ou pós-colonial. Este pavilhão é uma estrutura para determinadas potencialidades – fazendo uma conexão entre as obras de arte apresentadas e o meio no qual os artistas nigerianos trabalham, e ligando a imaginação artística ao continuum de experiência e complexidade da identidade nacional.

O Pavilhão da Nigéria apresenta uma oportunidade para a nação refletir sobre sua história e herança e como ela defende narrativas atuais fragmentadas, mas interconectadas. Os artistas visuais selecionados são Victor Ehikhamenor e Peju Alatise e o Artista de Dança / Performance, Qudus Onikeku. Suas obras oferecem percepções de várias perspectivas da vida nigeriana contemporânea por meio de instalações, pinturas e performances. A mediação de questões contemporâneas, historicamente crescidas, por meio de diferentes formas de expressão promete uma experiência revigorante.

Eventos colaterais

Memória e contemporaneidade. China Art Today
Arsenale Nord, Promotor: The Palace Museum, Pequim
Qual é exatamente o significado de uma reflexão sobre a arte contemporânea chinesa na memória? Obviamente, é um caminho importante que nos leva a perceber o valor da civilização chinesa. A cidade de Pequim é o símbolo que representa a diversidade e riqueza da cultura chinesa. E é justamente na capital que nasceu o projeto expositivo Memória e Contemporaneidade. No contexto da Cidade Proibida, um dos maiores legados da história da China, está abrindo atualmente um espaço de investigação onde, a partir das coleções e arquivos do Museu do Palácio, um grupo de artistas contemporâneos chineses foi convidado a refletir sobre a arte contemporânea em relação com o culto à memória.

Samson Young: Músicas para Socorro em Desastres
Arsenale, Campo della Tana, Promotor: M +, West Kowloon Cultural District; Conselho de Desenvolvimento Artístico de Hong Kong
O artista e compositor Samson Young cria um novo corpo de trabalho que tenta enquadrar a popularização dos “solteiros de caridade” como um “evento” histórico e um momento culturalmente transformador no tempo. Os solteiros de caridade foram mais difundidos na década de 1980 e coincidiram com o surgimento das aspirações neoliberais e a globalização da indústria da música popular.

Por meio de uma reorientação deliberada e uma leitura errônea criativa de títulos icônicos como We Are the World e Do They Know It’s Christmas, o artista gera uma série de objetos, performance e instalações sonoras espaciais que, juntos, constituem um quadro audiovisual. A exposição é concebida como um álbum que se desdobra no espaço: uma reprodução mecânica em uma única cópia que deve ser ouvida e vista pessoalmente; um pedido de ação urgente e perpétuo.

A Bonsai of My Dream – Obras de Wong Cheng Pou
Arsenale, Castello, Promotor: Instituto Cultural do Governo da RAE de Macau; Museu de Arte de Macau
O mundo está ficando cada vez mais complicado. Vivendo em uma cidade superlotada, as pessoas podem achar confuso se espremer entre as brechas. Tenho muita sorte de viver à beira-mar, e sempre que estou livre, gostaria de ir para algum lugar alto, sentado lá sem fazer nada, apenas olhando as montanhas encantadoras de uma posição elevada, especialmente quando há lua clara no No céu, as sombras prateadas refletidas pela calma da água são totalmente diferentes do que costumavam ser durante o dia – uma selva de concreto gelada. Então não pude deixar de me apaixonar por este cenário insondável, relembrando minhas memórias das criaturas do Shan Hai Jing, que cuidam dos mares e das montanhas de uma forma excêntrica.

Tempo para cumprir
Palazzo delle Prigioni, Promotor: Taipei Fine Arts Museum of Chinese Taiwan
No cenário artístico do centro de Manhattan no final dos anos 1970 e início dos anos 80, um jovem artista taiwanês Tehching Hsieh fez uma série excepcional de obras de arte. Ele embarcou em cinco apresentações separadas de um ano. Em cada uma, ele estabeleceu uma regra estrita que regeu seu comportamento durante todo o ano.

As performances eram sem precedentes em termos de uso da dificuldade física em durações extremas e em sua concepção absoluta da vida e da arte como processos simultâneos. Reunindo muitos documentos e artefatos em instalações detalhadas, Doing Time contrapõe duas das apresentações de um ano mais comoventes de Hsieh: a Time Clock Piece (1980-1981) e a Outdoor Piece (1981-1982). Juntas, essas duas performances monumentais de sujeição montam um discurso intenso e afetivo sobre a existência humana, sua relação com os sistemas de poder, com o tempo e com a natureza.

Alberto Biasi, Sara Campesan, Bruno Munari e altri amici di Verifica 8 + 1
Istituzione Fondazione Bevilacqua La Masa, Promotor: Associazione Culturale Ars Now Seragiotto
A associação Verifica 8 + 1 foi criada em abril de 1978 no continente veneziano como um ponto de encontro de artistas empenhados na busca de novas línguas. O projeto da exposição está focado em três membros significativos da associação: Sara Campesan, um membro fundador com uma personalidade dinâmica e uma forte tendência criativa; Bruno Munari, a suposta figura paterna da associação; e Alberto Biasi, o fundador da Arte Programada no Veneto.

A mostra inclui obras dos restantes membros fundadores, bem como a selecção de mais sete artistas que já se apresentaram a solo no Centro e que têm tido uma participação especial no grupo. Assim, o projeto inclui um grupo simétrico e equilibrado de sete artistas, fundadores do Centro, além das três personalidades citadas no título, e sete mestres que já realizaram mostras na Verifica 8 + 1.

Corpo e alma. Performance Art – Passado e Presente
Conservatorio di Musica “Benedetto Marcello”, Palazzo Pisani, Promotor: Rush Philantropic Arts Foundation
Em corpo e alma. Performance Art – Passado e Presente, oito artistas performáticos – alguns historicamente renomados, outros emergentes – aparecem em performances ao vivo e em vídeo ou documentação fotográfica de suas ações anteriores. As figuras pioneiras VALIE EXPORT, ORLAN, Nicola L e Carolee Schneemann há muito usam seus corpos para expressar preocupações relacionadas a gênero, feminilidade, relacionamentos pessoais e política. Suas inovações eram formais e temáticas, confrontando diretamente a desigualdade de gênero e a repressão social de meados do século XX.

Os participantes mais jovens da exposição, com base nessa herança, abordam o próprio cânone da arte performática (Derrick Adams), a fragmentação cultural e as identidades múltiplas (Aisha Tandiwe Bell), a paternidade e o ciclo da vida (John Bonafede) e a contestação de papéis sociais e dinâmica da expressão corporal (Katarzyna Kozyra).

Catalunha em Venice_La Venezia che non si vede
Cantieri Navali, Castello, Promotor: Institut Ramon Llull
Antoni Abad propõe uma interpretação sensorial do espaço urbano que é Veneza, criada em colaboração com um grupo de cegos e deficientes visuais. Esse coletivo de pessoas usa os sentidos de uma forma diferente da maioria da população e é capaz de revelar aspectos ocultos da cidade.

O catalisador para este projeto de arte socialmente engajado é um aplicativo móvel, BlindWiki, criado especialmente para pessoas cegas, que permite registrar e publicar impressões de qualquer local da cidade, bem como ouvir essas gravações in loco. Assim, o projeto catalão é uma experiência eminentemente sensorial, onde a inteligência coletiva reclama a acessibilidade universal e sugere formas alternativas de ocupação do espaço público, tanto físico como digital.

Fernando Zóbel. Contrapuntos
Fondaco Marcello, Promotor: Fundação Ayala / Museu Ayala
A exposição apresenta uma introdução e uma perspectiva sobre a obra de Fernando Zóbel (1924-1984), que nasceu em Manila, estudou na Universidade de Harvard e viveu na Espanha. As pinturas expostas são uma síntese harmoniosa das técnicas de pintura asiáticas e ocidentais. Descrito como um artista transnacional, Zóbel foi uma figura chave no movimento de arte moderna nas Filipinas. Ele também formou laços estreitos com artistas espanhóis nas décadas de 1950 a 1960 durante a ascensão da pintura abstrata espanhola.

Com foco nos anos 1956-1962, a mostra seleciona as principais realizações do artista, as séries Saeta e Serie Negra. A exposição também inclui as esculturas de Pablo Serrano (1908-1985), também proponente da abstração na Espanha. Fernando Zóbel. Contrapuntos é projetado como uma mise-en-scène orgânica, uma esfera contemplativa e cerebral ao invés de uma cenografia inanimada. Artefatos, textos, música e publicações fazem parte de um diálogo visual sobre como a prática artística pode ser reinventada como uma forma viva de expressão contemporânea.

Prêmio Arte da Geração Futura em Veneza 2017
Palazzo Contarini Polignac, Promotor: Victor Pinchuk Foundation
O Future Generation Art Prize @ Venice 2017 apresenta a quarta edição do primeiro prêmio global de arte com 21 artistas de quase todos os continentes e 16 países diferentes. Através de declarações de artistas independentes, esta exposição se envolve com as complexidades do mundo contemporâneo e investiga as possibilidades da arte dentro dele. Equilibrando entre pessoal e coletivo, imaginário e real, familiar e estranho, o show propõe uma viagem cativante por realidades paralelas onde experiências idiossincráticas e fenômenos globais se cruzam.

James Lee Byars, Torre Dourada
Dorsoduro, Promotor: Fondazione Giuliani
James Lee Byars (1932-1997) imaginou a Torre Dourada como um farol e oráculo colossal que uniria o céu e a terra e unificaria a humanidade – um monumento contemporâneo que supera a grandeza do Farol de Alexandria. A ideia começou em 1990 e foi desenvolvida com inúmeros estudos conceituais ao longo da carreira do artista.

Elevando-se a uma altura de 20 metros, The Golden Tower é a maior e mais ambiciosa obra do artista. Fabricado em 2017 com uma equipa de douradores italianos, esta instalação de The Golden Tower é a primeira a concretizar plenamente as intenções do artista de apresentar a escultura num espaço público, e duplamente significativo devido às profundas ligações de Byars com a cidade. Byars viveu intermitentemente em Veneza no início de 1982. Ele participou de quatro edições anteriores da Biennale Arte desde 1980 e realizou inúmeras apresentações em Veneza ao longo de sua carreira.

Jan Fabre – Esculturas de vidro e osso 1977 – 2017
Abbazia di San Gregorio, Promotor: GAMeC – Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea, Bergamo
A exposição examina a obra de Jan Fabre desde o seu início, levando os espectadores a uma contemplação filosófica, espiritual e política da vida e da morte através das lentes da metamorfose, consubstanciada em suas obras em vidro e osso criadas no período 1977-2017.

A artista escolhe o vidro pela sua transparência real e metamórfica, pois é um material que pode ser percorrido. Ele o usa de maneiras diferentes, como uma folha / parede transparente na qual ele pode gravar ou esculpir uma orelha em relevo: o orgn da audição unindo-se assim àquele para ver. O uso de ossos marca o retorno a uma das referências fundamentais de Fabre, a tradição dos mestres flamengos, que costumavam usar osso moído em suas pinturas. Assim, as obras em vidro e osso unem a infância artística do artista à história da arte antiga e moderna, numa reinterpretação contínua da relação entre passado, presente e futuro.

Homem como pássaro. Imagens de viagens
Palazzo Soranzo Van Axel, Promotor: Museu Estadual de Belas Artes Pushkin
A exposição convida o espectador a viajar por múltiplas dimensões, espaço, tempo e experiência individual – o que pode alterar a percepção do mundo e de si mesmo. A morfologia inicial e a estrutura das imagens se transformam ao longo da jornada devido aos diferentes pontos de vista incorporados ao projeto. Como Gulliver de Jonathan Swift ou Alice de Lewis Carroll, o espectador experimenta proporções e perspectivas incomuns: o mundo se transforma, o ponto de vista muda, o real e o imaginário se entrelaçam e não correspondem mais à nossa percepção.

Ao longo da jornada, o ângulo de visão se amplia através da visão panorâmica para uma visão expandida ligada a todos os outros sentidos. O som, a sensação tátil e a visão háptica permitem experimentar mais um espaço – o espaço da memória, que põe em primeiro plano a jornada individual através do self. O ponto de fuga que converge a máquina e o olho humano, espaços da história e da memória individual, está dentro de cada um de nós, e o objetivo final dessa jornada é o autoconhecimento.

Michelangelo Pistoletto
Isola di San Giorgio Maggiore, Promotor: Associazione Arte Continua
O símbolo do Terceiro Paraíso, uma reconfiguração do símbolo matemático do infinito, é composto de três círculos consecutivos. Os dois círculos externos representam todas as diversidades e antinomias, incluindo naturais e artificiais. O círculo central é a junção e interpretação dos círculos externos e representa o útero gerador de uma nova humanidade.

O Terceiro Paraíso é a terceira fase da humanidade, alcançada por meio de uma interconexão equilibrada do articial e do natural. Nessa fase, a arte passa a ser um catalisador de significados relativos ao simbolismo religioso, uma esfera multiconfessional capaz de promover o equilíbrio nos conflitos políticos e religiosos que tragicamente afetam o mundo inteiro. Na exposição Michelangelo Pistoletto, o artista explora questões contemporâneas relacionadas à sociedade globalizada de hoje, apresentando obras inspiradas na aceitação das diferenças e na tolerância política, religiosa e racial, promovidas através da criatividade visando à melhoria da sociedade.

Modo
Ca ‘Faccanon, Promotor: WAVE’s (artes femininas em Veneza)
Modus conta a história de um aspecto da prática da arte que se desgastou progressivamente a partir da segunda metade do século XIX e foi reformulado em chave teórica pelos movimentos de vanguarda históricos: a íntima conexão entre técnica e poética, a relação entre ciência e o material da obra de arte.

Com um vídeo animado sobre a história da arte, a mostra revela, em múltiplas seções, as inter-relações lingüísticas e interdisciplinares que caracterizam a busca contemporânea pela arte. A base científica foi desenvolvida em colaboração com a Academia de Belas Artes de Bolonha e o programa Método de Design de Comunicação Visual da Academia de Belas Artes de Veneza.

Philip Guston e os poetas
Gallerie dell’Accademia di Venezia, Promotor: Museo Nazionale Gallerie dell’Accademia di Venezia
A Gallerie dell’Accademia di Venezia apresenta a obra do eminente pintor canadense-americano Philip Guston (1913-1980) em uma grande exposição que explora a obra do artista em relação às principais figuras literárias.

A exposição considera as ideias e escritos dos principais poetas do século 20 como catalisadores de suas imagens enigmáticas, apresentando obras que abrangem um período de cinquenta anos da carreira artística de Guston, pinturas e desenhos que datam de 1930 até sua morte em 1980. A exposição traça paralelos entre os temas humanistas essenciais refletidos nessas obras e as palavras de cinco poetas: DH Lawrence, WB Yeats, Wallace Stevens, Eugenio Montale e TS Eliot. Esta exposição do museu reflete a relação especial do artista com a Itália.

Pierre Huyghe
Espace Louis Vuitton Venezia, Promotor: Fondation Louis Vuitton
Para o Espace Louis Vuitton Venezia, Pierre Huyghe imaginou um formato de exibição totalmente novo, entre narrativa, ficção e memória fugitiva. O filme Viagem que não era (2005) está no centro da mostra, retratando uma expedição à Antártica a bordo de um antigo veleiro em busca de uma nova ilha onde um pinguim albino supostamente vive; ali Huyghe traduziu a topografia da ilha em som, criando uma partitura musical tocada no rinque do Central Park em Nova York.

Criatura (2005-2011), pequeno pinguim feito de fibra de vidro, emitindo sons, é “uma intuição única e distante onde quase desaparece no contexto”. Silence Score (1997), é a transcrição dos sons imperceptíveis do 4’33 “(Silêncio) de John Cage gravado em 1952, onde um músico tocava alguns minutos de silêncio de uma partitura sem notas.

Ryszard Winiarski. Evento-Informação-Imagem
Palazzo Bollani, Promotor: Starak Family Foundation
A exposição das obras de Ryszard Winiarski apresenta a obra de uma das personalidades mais interessantes da arte polonesa da segunda metade do século 20: um artista, engenheiro, pintor, cenógrafo, professor, precursor da arte conceitual e o principal representante de indeterminismo. Em sua tese de diploma de 1966, intitulada Event-Information-Image, ele definiu um conceito maduro e inovador de uma obra de arte com base na tentativa de transferir as questões da matemática, estatística, tecnologia da informação e teoria dos jogos para a tela.

Sua visão ousada de incorporar a informação real na pintura, estética binária e uso da participação se encaixa perfeitamente na obra de Ryszard Winiarski em fenômenos contemporâneos tão difundidos como desenvolvimento de comunicação visual, domínio de narrações digitais, universalidade de participação, popularidade de códigos QR.

Salon Suisse: Ataraxia
Palazzo Trevisan degli Ulivi, Promotor: Swiss Arts Council Pro Helvetia
A narrativa bem conhecida ‘A Suíça é um país sem problemas’ estabelece uma imagem de segurança econômica, mas, apesar de todo o seu capital cultural, o país conseguiu, em grande parte, evitar o confronto sobre o tema de suas histórias modernista e colonial. A chamada ‘neutralidade’ da Suíça dentro da atual paisagem econômica, política e cultural da Europa e mais longe – assim como suas narrativas pós-coloniais – é central para o Salon Suisse deste ano. Uma série de ferramentas, incluindo o termo ‘mitologização’ de Roland Barthes (Mitologias, 1957), foi usada para desvendar as narrativas políticas da Suíça – tropos carregando um status quase mitológico. A ataraxia visa nos galvanizar para a ação por meio de formas vigorosas de reflexão, experiência e resposta coletivas.

Escócia + Veneza apresenta Spite Your Face, de Rachel Maclean
Antiga Igreja de Santa Caterina, Promotora: Escócia + Veneza
A parceria Escócia + Veneza tem o prazer de apresentar um novo filme importante de Rachel Maclean, Spite Your Face. Fazendo referência ao conto popular italiano Pinocchio, Spite Your Face oferece uma crítica poderosa da retórica política ‘pós-verdade’ contemporânea, na qual a linguagem duvidosa da verdade é usada e abusada para aumentar o poder pessoal, corporativo e político. Possuindo uma visão única e muitas vezes perturbadora, as narrativas de fantasia de Maclean combinam modos tradicionais de teatro com tecnologia e cultura popular, levantando questões críticas sobre identidade, economia, sociedade e moralidade em um mundo saturado pela mídia.

Shirin Neshat, a casa dos meus olhos
Museo Correr, Promotor: Fundação de Arte Escrita
The Home of My Eyes é o retrato visual de uma cultura. Idealizada e produzida por Shirin Neshat de 2014 a 2015, suas fotografias incluem caligrafia a tinta. Além deste trabalho mais recente, Neshat apresenta Roja, um vídeo de 2016 baseado em seus sonhos pessoais. Roja mostra os sentimentos de ‘deslocamento’ e a ‘terra estranha’, bem como o desejo de um reencontro com ‘casa’ e com ‘pátria mãe’. O que parece à primeira vista simpático, mas revela-se, ao longo do vídeo, aterrorizante e demoníaco. Para The Home of My Eyes, Neshat escolheu diferentes indivíduos em todo o Azerbaijão, um país de diversas etnias, religiões e idiomas. As personalidades dos retratados aparecem frontais em três tamanhos, de 152 a 205 cm. Nós olhamos para as pessoas ‘s enfrenta e conhece várias culturas e gerações.

Stephen Chambers: O Tribunal de Redonda
Ca ‘Dandolo, Promotor: The Heong Gallery no Downing College, University of Cambridge
O artista britânico Stephen Chambers apresenta uma instalação de pinturas concebidas para o cenário histórico do Ca ‘Dandolo, em Veneza. The Court of Redonda explora a criação de mitos, articulando o papel desempenhado pelos artistas em imaginar um mundo não como ele é, um que não é necessariamente totalmente amarrado à realidade. Redonda é uma pequena ilha desabitada nas Índias Ocidentais Orientais, com uma realeza honorária que passa pela linhagem literária.

Chambers foi apresentado à lenda de Redonda pelos escritos do romancista espanhol Javier Marías e encontrou na história uma trama labiríntica de possibilidades visuais. Mais de 100 retratos de uma corte imaginária estão pendurados no antigo palácio. The Court of Redonda oferece uma visão convincente sobre o trabalho de Chambers e segue as principais exposições na Royal Academy, Londres (2012), e no Museu Pera, Istambul (2014). A exposição tem curadoria de Emma Hill.

País de Gales em Veneza: James Richards
Santa Maria Ausiliatrice, Promotor: Cymru yn Fenis Wales em Veneza
O interesse de James Richards reside na possibilidade do pessoal em meio ao caos da mídia de massa. Ele combina vídeo, som e imagens fixas para criar instalações e eventos ao vivo. Seu trabalho faz uso de um banco de material cada vez maior que inclui fragmentos de cinema, obras de outros artistas, filmagens perdidas de câmeras de vídeo, TV noturna turva e pesquisa de arquivo.

Instalações cuidadosamente construídas envolvem considerações escultóricas, cinematográficas, acústicas, musicais e curatoriais para criar obras de intensidade extraordinária. A apresentação de Richards para o País de Gales em Veneza consiste em uma instalação sonora responsiva ao local que se move por uma ampla gama de gêneros e linguagens musicais e o trabalho resultante é uma experiência cinematográfica e multissensorial.

Ontem / Hoje / Amanhã: Rastreabilidade é Credibilidade por Bryan Mc Cormack
Isola di San Giorgio Maggiore, Promotor: Fondazione Giorgio Cini
Este trabalho visualiza a crise dos refugiados e dá voz a centenas de milhares de pessoas de mais de 30 nacionalidades (falando várias línguas), em sua maioria crianças, muitas vezes analfabetas. Cada refugiado cria 3 desenhos, um da sua vida anterior (Ontem), um da sua vida atual (Hoje) e um do seu futuro (Amanhã).

É uma instalação / performance e uma voz na mídia social que mapeia uma memória visual desse êxodo, de barcos / campos de refugiados nas ilhas gregas a abrigos no Reino Unido. Uma multiplicidade de refugiados participou desses desenhos, criando sua cultura contemporânea e, ao mesmo tempo, perdendo a rastreabilidade de sua cultura herdada. Sem rastreabilidade, a existência de um povo desaparece. Cada sorteio de refugiado conta. Cada desenho é uma voz. Cada voz conta.

Bienal de Veneza 2017
A 57ª Bienal de Veneza foi uma exposição internacional de arte contemporânea realizada entre maio e novembro de 2017. A Bienal de Veneza acontece a cada dois anos em Veneza, Itália. A diretora artística Christine Macel, curadora-chefe do Centre Pompidou, fez a curadoria de sua exposição central, “Viva Arte Viva”, como uma série de pavilhões interligados projetados para refletir a capacidade da arte de expandir o humanismo.

A curadora também organizou o projeto “Descompactando Minha Biblioteca”, baseado em ensaio de Walter Benjamin, para listar os livros favoritos dos artistas. Macel foi a primeira diretora francesa desde 1995 e a quarta mulher a dirigir a Bienal. A tendência de apresentar esquecidos, redescobertos ou “artistas mortos emergentes” foi o tema da 57ª Bienal.

A Bienal de Veneza é uma exposição bienal internacional de arte realizada em Veneza, Itália. Muitas vezes descrita como “as Olimpíadas do mundo da arte”, a participação na Bienal é um evento de prestígio para artistas contemporâneos. O festival se tornou uma constelação de shows: uma exposição central com curadoria do diretor artístico daquele ano, pavilhões nacionais hospedados por nações individuais e exposições independentes em Veneza. A organização matriz da Bienal também hospeda festivais regulares em outras artes: arquitetura, dança, cinema, música e teatro.

Fora da exposição internacional central, nações individuais produzem seus próprios shows, conhecidos como pavilhões, como sua representação nacional. As nações proprietárias de seus pavilhões, como os 30 alojados no Giardini, são responsáveis ​​por seus próprios custos de manutenção e construção. Nações sem edifícios dedicados criam pavilhões no Arsenale de Veneza e palácios por toda a cidade.

La Biennale di Venezia foi fundada em 1895. Paolo Baratta é seu presidente desde 2008, e antes disso de 1998 a 2001. La Biennale, que está na vanguarda da pesquisa e promoção de novas tendências da arte contemporânea, organiza exposições, festivais e pesquisas em todos os seus setores específicos: Artes (1895), Arquitetura (1980), Cinema (1932), Dança (1999), Música (1930) e Teatro (1934). Suas atividades estão documentadas no Arquivo Histórico de Arte Contemporânea (ASAC), recentemente reformado.

Em todos os setores tem havido mais oportunidades de investigação e produção dirigidas à geração mais jovem de artistas, em contacto direto com professores conceituados; isso se tornou mais sistemático e contínuo por meio do projeto internacional Biennale College, agora executado nas seções de Dança, Teatro, Música e Cinema.