A Galeria Uffizi é um museu de arte proeminente localizado ao lado da Piazza della Signoria, no centro de Florença, região da Toscana, Itália. Um dos mais importantes museus italianos, também é um dos maiores e mais conhecidos do mundo, e possui uma coleção de obras inestimáveis, particularmente do período do Renascimento italiano
As Galerias atuais dos Uffizi formam um complexo que compreende a Galeria de Estátuas e Pinturas (antigo Palácio Uffizi), o Corredor Vasari e as coleções Palazzo Pitti, localizadas em Florença. Este complexo é a quantidade e a qualidade das obras coletadas por um dos museus mais importantes do mundo. Há a coleção mais importante de Raffaello e Botticelli, bem como os principais fundamentos de obras de Giotto, Titian, Veronese, Tintoretto, Pontormo, Bronzino, Caravaggio, Dürer, Rubens e outros.
Enquanto o Palazzo Pitti se concentra em pinturas do século XVI e do barroco (de Giorgione a Tiziano, de Ribera a Van Dyck), mas também do século XIX e XXI, o corredor Vasariano faz parte da coleção de auto-retrato (mais de 1.700 ), que em breve será movido para a Statue Gallery. Para os auto-retratos você encontrará Holbein, Rembrandt, Velázquez, Reynolds, David, Corot, Ingres, Delacroix, Sargent, Chagall, Ensor etc.
A Galeria de estátuas acolhe uma coleção de obras de arte inestimáveis, derivadas como núcleo das coleções de Medici, enriquecidas ao longo de séculos por legados, trocas e doações, incluindo um grupo fundamental de obras religiosas derivadas da supressão de mosteiros e conventos entre os séculos XVIII e XIX .
Dividido em vários cômodos estabelecidos para escolas e estilos em ordem cronológica, a exposição mostra obras do século XII ao XVIII, com a melhor coleção de obras do Renascimento no mundo. No interior, há algumas das maiores obras-primas da humanidade, feitas por artistas de Cimabue a Caravaggio, através de Giotto, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raffaello, Mantegna, Titian, Parmigianino, Dürer, Rubens, Rembrandt, Canaletto e Sandro Botticelli. De grande valor são também a coleção de estatuetas antigas e sobretudo a dos desenhos e estampas que, preservadas no gabinete homônimo, são uma das mais importantes e importantes do mundo.
A construção foi iniciada em 1560 e percebeu por adotar a ordem dórica, de acordo com Vasari, “mais seguro e mais firme do que qualquer outro, […] sempre gostou do Senhor Senhor Cosimo” em 1565 já havia completado o chamado Long Uffizi e o estiramento sobre o Arno.
O Palácio de Uffizi é composto por dois edifícios longitudinais principais da fábrica, conectados ao sul por um lado mais curto do mesmo, dando origem a um complexo “U” que abrange uma praça e com vista para a Piazza della Signoria, com um tiro perfeito de Palazzo Vecchio e sua torre.
Os três cadáveres têm o mesmo módulo: no piso térreo há um architravato loggiato coberto com cofre de barril, composto por cantos e colunas delimitados por colunas e subdivididos em três intercolunas por duas colunas interpostas entre pilares; a este módulo existem três aberturas no mezanino falso acima que servem para iluminar a varanda e três janelas no primeiro andar que mostram a alternância entre tímpanos triangulares e beirais curvilíneos e estão compreendidas entre encostas; Finalmente, no último andar, uma loggia retomou o módulo tripartido e posteriormente hospedou a Galeria Uffizi original.
No piso térreo é executado um pórtico ao longo do comprimento dos lados oeste e sul, e do lado leste para via Lambertesca; levantada em um pódio de alguns passos, a varanda é composta por colunas doric e pilares com nichos para estátuas que suportam um lintel, mas é coberto com cofres de barril longos decorados com quadros rectangulares de alívio, que são interligados por bandas. Os designers têm uma explosão geométrica e padrão uniforme.
O pórtico arquitetônico representa uma grande novidade na história da arquitetura, já que os pórticos medievais, e depois os renascidos, consistiam em uma série de arcos e nunca de architraves, tanto em Florença (como o Alpendre do Navio Innocenti), além de do Palácio do Senado de Michelangelo, que é um dos modelos do projeto Hamlet.
Nos pisos superiores há uma forma de três painéis, três janelas com varandas e timpani, respectivamente triangulares, circulares e novamente triangulares (primeiro andar) e três aberturas na loggia superior (agora galeria do segundo andar) divididas por duas colunas. Os planos são divididos por majestosos quadros marcapianos. Os elementos arquitetônicos são sublinhados pelo uso de pedra serena (especialmente a extraída do vale da prateleira), que fica em gesso branco, de acordo com o estilo florentino mais típico iniciado por Brunelleschi.
O lado curto é caracterizado por um arco grande, um sergiant, enquadrando o rosto do Arno, superado por uma loggia, aberto tanto no pátio da frente como no Arno, como um verdadeiro cenário teatral, inspirado nas realizações cênicas contemporâneas. No piso térreo está a estátua de John of the Black Bandands, uma obra de Temistocle Guerrazzi. No primeiro andar, as grandes janelas têm uma arcada e em frente ao central, a maior, correspondente ao Verone, existem três estátuas: Cosimo I em Giambologna (1585), ao lado das personagens mentirosas de Equity and Penalty, ambos por Vincenzo Danti (1566). Nos nichos dos pilares da loggia foi concebido para inserir uma série de famosas estátuas florentinas, a construção começou apenas a partir de 1835.
Muito original é o portal (“porta das Suposições”) construído por Bernardo Buontalenti na Via Lambertesca: é coroado com um tímpano quebrado, mas para mais originalidade, Buontalenti inverteu as duas metades, obtendo uma espécie de timpano “sobrancelha”, animalista e orgânico de sua arquitetura.
Portal de entrada e Corredor do Leste:
O cenário, composto por três vestíbulos, foi feito no final do século XVIII pela conclusão da escada monumental, o novo acesso à Galeria, pela vontade do grande duque Pietro Leopoldo. No primeiro vestíbulo estão os mármores e pórfidos do Medici por Francesco I em Gian Gastone; comunicando-se com isso é o vestíbulo retangular, decorado no cofre de Giovanni da San Giovanni com caprichos mitológicos, com bustos antigos e modernos; no vestíbulo elíptico: estátuas romanas, sarcófagos e relevos antigos. A porta que entra na Galeria, com seus lados são dois Cachorros Molos, cópias romanas do século I dC, é liderada pelo busto de Leopold.
Os três corredores que correspondem aos três corpos do palácio correm por todo o lado interno e abrem os salões sobre eles. Eles são decorados em tetos frescos e as grandes janelas revelam seu olhar primitivo de loggia coberta aberta.
Hoje, os corredores são o lar da coleção de estatuária antiga, iniciada por Lorenzo o Magnífico, que manteve as obras no Jardim de São Marcos perto do Palácio dos Medici. A coleção foi expandida por Cosimo I após sua primeira viagem a Roma em 1560, quando ele escolheu dedicar as estátuas para embelezar o Palazzo Pitti e retratos e bustos para o Palazzo Vecchio. Finalmente, também foi criado na época de Peter Leopold, da Lorraine, quando trouxeram para Florença as obras de Villa Medici, recolhidas em grande parte pelo futuro Grand-Duque Ferdinand I, no momento cardeal. É curioso observar que essas obras, muitas vezes distraídas pelos visitantes, até o início do século 19 foram uma das principais razões para visitar a galeria. De acordo com algumas fontes, foi um ensaio de John Ruskin para aumentar o interesse pela pintura renascentista do museu, até agora banida.
As esculturas são de grande valor e datam da época romana, com inúmeras cópias de originais gregos. Às vezes, as estátuas incompletas ou quebradas foram restauradas e integradas pelos grandes escultores do Renascimento. O layout das esculturas é o mais próximo possível do final do século XVIII, quando permitiram o confronto entre mestres antigos e modernos, um tema tão caro e, portanto, a função das estátuas ainda é essencial e caracteriza fortemente a origem e a função histórica da galeria.
O primeiro e longo corredor é o leste, ricamente decorado no teto grotesco que remonta a 1581, que corre para o teto do teto, uma série de retratos, a série mais nova, abrangida por pinturas do maior tamanho dos principais membros da família Medici. Aulica série começou por Francesco I de ‘Medici, com retratos de Giovanni di Bicci para Gian Gastone. As pinturas das séries Giovinas e Aulica, que continuam no corredor no Arno e no oeste da Galeria, são uma das maiores e mais completas coleções de retratos do mundo.
Os retratos pictóricos contradizem a série de bustos romanos, ordenados cronologicamente no final do século XVIII para cobrir toda a história imperial.
Entre os trabalhos estatuários mais importantes estão Hercules e Centaurus, de um original revivido, incorporado na figura do herói por Giovan Battista Caccini em 1589; um rei bárbaro, composto em 1712 do antigo busto apenas; Pan e Daphni, de um Hododorus original de Rhodes desde o início do século I aC; o Satã Dançante ou o Bacco Bambino, de um original helenístico, restaurado no século XVI. Mais tarde, uma estátua de Proserpina, uma original grega a partir do século IV aC, deve ser encontrada, a cópia antiga do Papa de Skopas (século IV aC). Nos lados da entrada da arquibancada são um Hércules, um original de Lisipo, e um busto de Adriano pertencente a Lorenzo o Magnífico. Na última parte do corredor, conheça dois Venus, originais do século IV aC e um Apollo helenístico, que estava na entrada de Villa Medici e convidou, com o braço direito de restauração, o acesso à casa, como se fosse o reino de Deus mesmo.
Quarto 1 Arqueológico:
A sala foi criada em 1921, em que obras são feitas principalmente de Roma. Entre os relevos estão um Biga (V-IV século aC) e o fantoche de Atena Nike (restaurado no século 18 por Bartolomeo Cavaceppi). Eles pertencem ao estilo “plebeu” da arte romana, os dois relevos com cenas comerciais do primeiro século dC Os alívios de Ara Pacis são lançados: os Medici possuíam a laje original de Saturnia Tellus, que retornou a Roma em 1937 para redescobrir o monumento. A partir dos tempos de Augusto são também os fragmentos do melhor do galli, enquanto nos lados há dois relevos de amor, um com os atributos de Jupiter e um com os de Marte (a armadura): eles eram parte de um muito série famosa na Idade Média, a que Donatello se inspirou na cantata de Santa Maria del Fiore.
O Templo veneziano e a Cena do Sacrifício são provenientes de um friso adriático do século II. O sarcófago com fadiga de Hércules caracteriza-se por um contraste luminoso aumentado, por trabalho de perfuração; as diferentes idades de Hércules representadas aludem aos períodos da vida.
Sal da Idade Média:
Teatros de 2 a 6 são dedicados à arte medieval. Com o primeiro, o século XX e Giotto, ele entra no salão “primitivo”, criado por 1956 por Giovanni Michelucci, Carlo Scarpa e Ignazio Gardella, que cobriram a sala com um teto no telhado, imitando as igrejas medievais. A sala tem um forte impacto na presença das três Majestades monumentais de Cimabue, Duccio di Buoninsegna e Giotto, pintadas a alguns anos de distância. Na Majestade de Santa Trinita em 1285-1300, Cimabue tentou emancipar-se com estilismos bizantinos, buscando maior volume e alívio plástico com uma doçura delicada de sombra; Em frente a esta é a lâmina Duccio, conhecida como Madonna Rucellai (cerca de 1285), construída com uma estrutura rítmica com figuras graciosas, mais influenciadas pela experiência pictórica coesiva do gótico francês; Finalmente, no centro do corredor, a Majestade de Ognissanti de Giotto (cerca de 1310) de uma instalação monumental e construíram muito mais plasticamente acentuando o claroscuro e a volumetria dos corpos. De Giotto é também o poliptico de Badia cerca de 1300.
A primeira sala também tem uma representação mais prestigiada da pintura do século 13, incluindo um Cristo triunfante do final do século XII e um Christus patiens, raro por seu status de alta qualidade e conservação muito bom.
O seguinte salão (3) é dedicado aos grandes mestres do século XIV, nos quais os maiores mestres daquela escola são confrontados: a Anunciação de Simone Martini e Lippo Memmi (1333) e a Apresentação no Templo de Ambrogio Lorenzetti ( 1342), ambos do Duomo de Siena e Pala da Beata Humildade (1340) de Pietro Lorenzetti.
A seguir está o Salão Florentino de Trecento (4), que mostra os desenvolvimentos artísticos após Giotto com as contribuições de seus alunos e personalidades mais originais, como Giottino e Giovanni da Milano.
A Sala Internacional Gótica (5-6) é dominada pela Coronação monumental da Virgem (1414) de Lorenzo Monaco e pelo triunfo de excelência e elegância da Adoração dos Magos (1423) de Gentile da Fabriano, realizada para o Florentino comerciante Palla Strozzi.
Early Renaissance Halls:
Sem paralelo é o núcleo da pintura do início do Renascimento, do final do século XX até o meio do século. A elaboração da nova língua é testemunhada por Sant’Anna Metterza (1424) por Masolino e Masaccio na sala 7: de Masaccio são a criança escultural e a Virgem, pintadas com um corpo solene tão austero e realista que não pode mais definir ” Gótico “. Na mesma sala estão a Batalha de São Paulo de Paolo Uccello, que testemunha sua perspectiva de obsessão, e as obras de Beato Angelico e Domenico Veneziano que indicam a busca de novos formatos para o retábulo e o nascimento da “pintura da luz”.
O grande salão 8 é dedicado a Filippo Lippi, criador das propostas de Masaccio e ferryman da arte florentina a esse “primado de design”, que era sua característica mais típica. Aqui também é o extraordinário retrato duplo dos Duques de Urbino de Piero della Francesca, um dos ícones mais renomados da estética renascentista. A exposição é completada por obras de Alesso Baldovinetti e filho de Lippi, filipino, que foi um artista inovador no final do século XV.
O quarto 9 é dedicado aos frades de Pollaiolo, Antonio e Piero, entre os primeiros a praticar um esboço ágil e rápido, que foi um modelo para muitos artistas sucessivos. Na série de Virtudes realizadas para o Tribunal da Misericórdia, destaca-se pela sua elegância formal: é a Fortaleza, entre as primeiras obras do jovem Botticelli (1470).
Sala del Botticelli:
O quarto de Botticelli, grande para a piscina do 10-14º andar, coleta a melhor coleção de obras do mundo do mestre Sandro Botticelli, incluindo sua obra-prima, Primavera e o famoso Nascimento de Vênus, duas obras emblemáticas de cultura neoplatônica sofisticada desenvolvidas em Florença no segundo semestre do século XV. Estes trabalhos foram realizados nos anos oitenta do século XV e são as primeiras grandes obras de sujeito profano do Renascimento italiano. Eles foram pintados para Lorenzo de ‘Medici (não Lorenzo o Magnífico, mas um primo que morava na Villa de Careggi, com quem, entre outras coisas, não corria bom sangue).
Nesta sala, você pode rastrear toda a evolução pictórica do mestre, com a graciosa Madonna em glória dos Serafins e Madonna del Roseto, as obras mais jovens ainda ligadas ao estilo de Filippo Lippi e Verrocchio, o Retrato do Homem com Medalha de Cosimo the Elder (1475), onde já existe uma maturação do estilo ligada provavelmente ao estudo do realismo das obras flamengas, às obras mitológicas, como o Pallade móvel e o Centaur, a alegoria dos instintos humanos dividida entre razão e impulsividade, mas guiada pela sabedoria divina.
Com a aproximação do século XVI, a onda reacionária ultra-religiosa de Girolamo Savonarola começou a se tornar cada vez mais urgente na sociedade florentina e isso se manifesta mais ou menos gradualmente em todos os artistas da época. Mesmo Botticelli, depois de um trabalho magnífico, como a Madonna do Magnificat começou a adotar um estilo mais livre, afrouxado pela lucidez geométrica da perspectiva do primeiro Quattrocento (Madonna della Melograna, Pala di San Barnaba), com algumas experiências arcaicas como A Coroação de Virgem, onde o mestre retorna ao fundo dourado em uma cena parece inspirada pela leitura de Dante. O som sombrio da pregação savonariana conduz a uma onda definitiva de misticismo pessimista em sua pintura: Calunnia (1495) simboliza o fracasso do espírito otimista humanista, com o reconhecimento da fraqueza humana e do rebaixamento da verdade.
Mas esta sala também contém muitas outras obras-primas: a localização do Tríptico Portico, uma obra flamenga de Hugo van der Goes de 1475, foi realizada por um banqueiro da firma Medici em Bruges em 1483, que com sua estranheza formal em direção ao entorno funciona bem, faz com que o efeito do meteoro de brilho que este trabalho tenha nos círculos artísticos florentinos da segunda metade do século XV. Em um exame mais preciso, no entanto, eles começam a entender as afinidades com os trabalhos realizados mais tarde, o maior cuidado dos detalhes, a melhor renderização luminosa devido à pintura a óleo que os pintores florentinos tentaram imitar, até copiando alguns elementos da trabalhe Fleming, como os dados de luz de Domenico Ghirlandaio em sua adoração semelhante de pastores na basílica de Santa Trinita.
Outra obra flamenga é a Deposição no sepulcro de Rogier van der Weyden (cerca de 1450), com a composição retirada de um painel do Beato Angelico, que testemunha os intercâmbios recíprocos entre mestres flamengos e florentinos.
Sala de Leonardo e salas adjacentes:
O quarto 15 documenta os começos artísticos de Leonardo da Vinci, começando com a primeira obra documentada, o Baptismo de Cristo de 1475, por seu mestre Verrocchio, no qual o jovem Leonardo pintou a cabeça do anjo esquerdo, a paisagem e talvez o corpo moldado de Cristo. Outro trabalho juvenil é a Anunciação, pintada pelo mestre de vinte anos, onde as qualidades do Leonard leve e sua atenção às vibrações atmosféricas já são visíveis (pense que o anjo acabou de pousar), mas com algumas perspectivas como o livro em que a Virgem coloca um braço, que no chão repousa sobre uma base muito mais avançada do que as pernas da Madona. A Adoração dos Magos é uma obra inacabada em que o senso inovador do gênio de Vinci é evidente, com uma composição muito original centrada na Madonna e na Criança em um cenário implacável de muitas figuras em movimento, entre as quais, no entanto, não Parece tradicional San Giuseppe ou a capannuccia.
No corredor também há artistas ativos em Florença durante esses anos: Perugino (três grandes lâminas), Luca Signorelli e Piero di Cosimo.
O quarto 16 (mapas geográficos) foi originalmente uma loggia, que foi fechada para o desejo de Ferdinand I de ‘Medici e fez o fresco com mapas dos domínios Medici. O quarto 17 é chamado Stanzino delle Matematiche, sempre criado para Ferdinando I para receber seus instrumentos científicos. O teto foi decorado com uma alegoria de matemática e episódios que celebram a cultura científica antiga. Hoje exibe a coleção de bronzes modernos e algumas obras escultóricas antigas.
The Tribune:
O Tribune é uma sala octogonal que representa a parte mais antiga da galeria. Foi encomendado por Francesco I de ‘Medici em 1584 para organizar as coleções arqueológicas e posteriormente foram colocadas todas as peças mais preciosas e queridas das coleções Medicean. Tendo se tornado muito popular na época do Grand Tour, foi dito ser uma inspiração para o Wunderkammer de muitos nobres europeus. O ambiente é coberto por uma cúpula incrustada de conchas e madrepérola, e coberta por costelas de ouro e lanternas nas quais havia uma rosa de ventos, conectada ao exterior por uma palheta. A prateleira apresenta os muros de escarlate vermelho, feitos pelo tapume de veludo, em que cabides e prateleiras pendiam objetos e estátuas; O casco, agora perdido, foi pintado por Jacopo Ligozzi com pássaros, peixes e outras maravilhas naturalistas; No centro havia uma pequena treliça – um mobiliário octogonal que guardava as peças mais pequenas e valiosas da coleção; O chão era feito de incrustação de mármore.
O Tribune, suas decorações e objetos que continham aludiam aos quatro elementos (Ar, Terra, Água, Fogo): por exemplo, a rosa dos ventos na lanterna evoca o ar, enquanto as conchas embutidas na cúpula da Água; o fogo foi simbolizado pelas paredes vermelhas e pelo chão das preciosas bancas no chão. Todo esse simbolismo foi então enriquecido por estátuas e pinturas que desenvolveram o tema dos Elementos e suas combinações. Todo o significado era também a glória dos Medici, que, graças à vontade divina, alcançaram o poder terrestre, simbolizado pelos magníficos bens raros e preciosos possuídos.
Hoje, apesar de transformado ao longo dos séculos, é ainda a única sala em que se pode entender o espírito original dos Uffizi, ou seja, um lugar de maravilha onde você pode comparar diretamente as obras dos antigos representados pela escultura e as da modernos com as pinturas. Em torno da mesa fina embutida com pedras duras (de 1633 a 1649), algumas das esculturas antigas mais famosas dos Medici são circundadas, como o Faun Dançante (réplica romana de um original a partir do século III aC), as Loterias (uma cópia da Era Imperial), o Arrotino (afiar a faca no grupo Marsia), o Scita (uma cópia de uma estátua da escola de Pérgamo que fazia parte de um grupo com Marsia), Apollinus e especialmente o famoso Venere de Medici , um original grego do primeiro século aC entre as mais célebres representações da deusa.
A pedra monumental em pedras duras continha uma coleção de preciosas pedras preciosas, camelos antigos e pedras duras, uma das coleções mais amadas dos Medici, que muitas vezes faziam suas iniciais nas peças mais preciosas: hoje são exibidas em diferentes locais, Argenti Museu, o Museu Arqueológico Nacional de Florença e o Museu de Mineralogia e Litologia.
Salões renacentistas fora de Florença:
O resto do braço leste (salão 19-23) é dedicado a várias escolas renascentistas italianas e estrangeiras: nestes salões, o espírito didático de Uffizi, desenvolvido no século 18 através de intercâmbios e acentuações específicas, representa o desenvolvimento da pintura em todos os seus principais raízes.
O quarto 19, já Armeria, tem um original original que foi destruído e foi pintado em 1665 com as Alegorias de Florença e Toscana, triunfos, batalhas e brasões de Medici por Agnolo Gori. O quarto esclarece as pinturas da Úmbria e da Toscana com obras de arte de artistas que já se encontraram no quarto de Leonardo: Luca Signorelli, Pietro Perugino, Lorenzo di Credi e Piero di Cosimo. Este último artista, famoso pelo tom mágico e imaginativo de suas obras mitológicas, é aqui representado por sua obra-prima gratuita de Perseus Andromeda. Eles fecham o salão pintado das escolas de Emilian, Forlivo e Marche.
O Salão 20 (de Dürer) é, por si só, único na Itália, hospedando cinco obras do mestre incontestável do Renascimento alemão, Albrecht Dürer, incluindo a Adoração dos Magi de 1504, mostrando as dívidas à pintura italiana no uso da perspectiva e da cor . Lukas Cranach também é representado por várias obras, incluindo os grandes painéis de Adão e Eva (1528). Albrecht Altdorfer e Hans Holbein o Jovem estão presentes no Quarto 22. O teto do Salão 20 tem uma decoração de frescos com grotescos originais do século XVI, enquanto as vistas de Florença foram adicionadas no final do século 18; Curioso é a visão da Basílica de Santa Croce sem a fachada do século XIX.
Quarto 21, afrescido por Ludovico Buti com batalhas e grotescos (figuras interessantes de “índios” e animais do Novo Mundo), é dedicado à pintura veneziana. Se as obras de Giorgione e Vittore Carpaccio não são julgadas unanimemente por autógrafos pelo crítico, Giovanni Bellini está presente como a obra-prima da alegoria sagrada, do significado críptico ainda não totalmente interpretado. Aqui também é o único representante da pintura Ferrara do século XIV na galeria, Cosmè Tura e seu San Domenico (cerca de 1475).
Mesmo o Quarto 22 (do flamengo renacentista e alemão) é, por si só, um unicum na paisagem do museu nacional, com exemplos que mostram a prolífica estação de intercâmbios entre Florença e Flandres no século 15, como os retratos de Benedetto e Folco Portinari de Hans Memling (cerca de 1490) ou retratos de Pierantonio Baroncelli e sua esposa Maria Bonciani, mestre flamengo anônimo (cerca de 1490). Não surpreendentemente, também há obras do pintor italiano mais “flamengo”, Antonello da Messina (St. John the Evangelist e Madonna with Child and Angels Reggichorona, cerca de 1470-1475). O teto é decorado por Ludovico Buti (1588), com cenas animadas de batalhas.
O quarto 23 é finalmente dedicado aos mestres do norte da Itália Mantegna e Correggio. Das primeiras são três obras, incluindo o tríptico do Palazzo Ducale di Mantova (1460), onde ele lê sua extraordinária capacidade de recordar o brilho do mundo antigo. Correggio é documentado várias etapas com Madonna e Child entre dois músicos anjos (trabalho da juventude), Adoração Infantil (cerca de 1530), e Resto do Escape ao Egito com São Francisco (cerca de 1517), trabalhos surpreendentemente originais pintores do século XVII. Eles fecham o corredor para uma série de pinturas da Lombardia, especialmente ligadas aos leonards. Este salão também fazia parte do arsenal, como o teto afrescido de Ludovico Buti com oficinas para produção de armas, pólvora e modelos de fortaleza (1588).
O quarto 24 é o Gabinete em miniatura, com planos elipsoidais, visíveis apenas a partir do exterior, que abriga a coleção de cerca de quatrocentas miniaturas Medici, várias épocas e escolas, e retratos principalmente retratos. Foi decorado na época de Fernando I, que aqui colocou a coleção de pedras e camelos carregados por papai da esposa Cristina da Lorena. Ao longo do tempo, ele hospedou várias coleções (bronze, jóias, objetos mexicanos, jóias, gemas …) que não estão em outro lugar, especialmente no Museu da Prata. A aparência de hoje é o resultado das intervenções do século XVIII de Zanobi del Rosso, que encomendou o formato oval e a decoração recriada do Grão-Duque Pietro Leopoldo (1782).
Corredor no Arno e Corredor Oeste:
O Corredor no Arno, espetacular para as vistas da Ponte Vecchio, do rio e das colinas ao sul de Florença, tem sido, durante séculos, as melhores obras da estatuaria antiga, devido à natureza espetacular do cenário e ao máximo brilho (de fato está virada para o sul). Os afrescos dos tetos são temas religiosos, realizados entre 1696 e 1699 por Giuseppe Nicola Nasini e Giuseppe Tonelli, por iniciativa do Grande Duque “católico” Cosimo III, além dos dois primeiros campos que são século XVI: um com um Pergola falsa e outra com os grotescos. Entre as estátuas expostas, existe um Amor e uma Psique, uma cópia romana de um original helenístico e o chamado Alexandre moribundo, uma cabeça helenística derivada de um original de Pergamon, um modelo que muitas vezes se denomina expressão patética. Na encruzilhada com os corredores principais estão duas estátuas de tipo Olympia, derivadas de Venus, sentado em Fidia, um do século IV e um do primeiro século com a cabeça reconstruída nos tempos modernos.
Do lado do Arno, há o Fanciule sentado pronto para a dança (II século aC, parte de um grupo com a SATURAÇÃO DOR do qual há uma cópia em frente à entrada do Tribune) e um mármore em preto (de um original do século V-IV aC). No lado oposto, há um fragmento de Lupa em pórfiro, cópia de um original do século V aC. e um Dionísio e sátira, com apenas busto antigo, enquanto o resto foi adicionado por Giovan Battista Caccini no final do século XVI.
No corredor ocidental, usado como galeria desde a segunda metade do século XVII depois de hospedar oficinas, continua a série de estátuas clássicas de origem romana, compradas em grande parte no horário de Cosimo III no mercado antiquário romano. Entre as obras mais interessantes, as duas estátuas de Marsia (brancas e vermelhas), enfrentaram as cópias de outros e romanos de origem helenística tardia: a vermelha pertenceu ao Cosimo the Elder e a cabeça foi integrada, segundo Vasari, por Donatello. Mais tarde, há uma cópia do Discobolo di Mirone, com o braço direito restaurado como se estivesse cobrindo o rosto (por muito tempo esse grupo se juntou ao grupo Niobe). O mercúrio é um impulso precioso derivado de Prassitele restaurado no século XVI. À esquerda do vestíbulo há um busto de Caracalla, com a expressão energética que inspirou os retratos de Cosimo I de ‘Medici. Na parede oposta há uma Musa do século IV aC. de Atticiano de Afrodisia e uma Apollo com cetra, busto antigo elaborado por Caccini. A Venus celestial é outro busto antigo integrado no século XVII por Alessandro Algardi; Por esse motivo, quando os braços originais foram encontrados, eles não foram reintegrados. Nereide on Hippocampus é derivado de uma origem helenística. É digno de nota o realismo do retrato do Busto do Menino, também chamado de criança Nero.
No fundo do corredor está o Laocoonte copiado por Baccio Bandinelli para Cosimo I de ‘Medici a pedido do Cardeal Giulio de Medici, com a adição do próprio Bandinelli derivado do conto da Virgínia. É a única estátua do corredor moderno que permite a comparação, um tempo tão apreciado pelos médicos, entre os mestres modernos e antigos.
A decoração do teto ocorreu entre 1658 e 1679 por iniciativa de Fernando II de Medici, com temas relacionados a ilustres homens florentinos, como exemplos de virtudes e personificações das cidades do Grão-Ducado da Toscana. Os pintores que participaram do trabalho foram Cosimo Ulivelli, Angelo Gori, Jacopo Chiavistelli e outros. Quando os últimos doze campos foram perdidos em um incêndio em 1762, os afrescos foram reintegrados por Giuseppe del Moro, Giuliano Traballesi e Giuseppe Terreni.
Cinemas do século dezesseis:
Teatros de 25 a 34 são anfitriões do século XVI. Começa com a Sala 25 de Michelangelo e os Florentinos, com a obra-prima do Tondo Doni de Michelangelo, altamente inovadora para composição e uso de cores (1504), cercada por obras florentinas da escola de São Marco (Fra ‘Bartholomew, Mariotto Albertinelli) com a calma e colocada inspiração monumental do mesmo Buonarroti e Raffaello.
Os salões 26 e 27, respectivamente dedicados a Raffaello / Andrea del Sarto e Pontormo / Rosso Fiorentino, são rearranjos depois que suas obras foram movidas para os quartos maiores no primeiro andar (“sal vermelho”).
O quarto 28 abriga as obras-primas venezianas de Ticiano e Sebastiano del Piombo. O primeiro refere-se a uma série de retratos e nus, incluindo a famosa Flora e Venus de Urbino, obras de sensualidade refinada e enigmática.
Nos quartos 29 e 30 são obras-primas de pintores emilianos, incluindo Dosso Dossi, Amico Aspertini, Ludovico Mazzolino, Garofalo e, sobretudo, Parmigianino, cuja Madonna do pescoço mostra com virtuosismo a superação de cânones estéticos renacentistas a favor de algo mais excêntrico e antinatural, com a ambigüidade complexa e definitivamente desejada, bem como sinuosa e bela.
Os quartos 31 e 32 estão novamente ligados a pintores venezianos, em particular Veronese, Tintoretto, Bassano, Paris Bordon e outros. Para a forma estreita e quebrada, o Quarto 33 foi configurado como um “Corredor do Século XVI”, dedicado a obras de tamanho médio que mostram a variedade de propostas figurativas elaboradas no século: ele vai das composições lotadas e minúsculas de artistas que participaram da decoração do estúdio de Francesco I no Palácio Velho, os refinamentos eróticos da escola de Fontainebleau, retratos oficiais e obras simplificadas de acordo com os ditames de Controriforma.
O salão 34, Lombardi, fecha a rota, onde os artistas mais importantes da região estão representados ao longo do século XVI. Entre eles estão Lorenzo Lotto, uma conjunção entre a cultura veneziana e lombarda (Portrait of a Young Woman, Susanna e Elders, Holy Family and Saints), Brescia Giovanni Girolamo Savoldo, um extraordinário criador de efeitos materiais, e Giovan Battista Moroni, de Bergamo, insuperável retratista. O quarto 34 e o quarto 35 têm acesso ao corredor Vasari.
Hall do Corredor Oeste:
O corredor oeste abriga outras salas que enfrentam diretamente. Estes quartos, após a abertura dos novos quartos do piso térreo, são quase todos reajustados. A sala Niobe foi fechada desde a primavera de 2011 até o dia 21 de dezembro de 2012 para trabalhos de restauração.
O Quarto 35 é dedicado a Federico Barocci e Controriforma na Toscana, com inúmeros exemplos dos principais expoentes da época. Do barroco é o grande pedaço da Madonna das pessoas.
O Hall 40 era anteriormente o portal do museu. Existem vários exemplos de estatuetas clássicas e algumas pinturas, incluindo uma bandeira de dois lados de Sodom. O quarto 41 já estava dedicado a Rubens e hoje é usado como depósito. O grande salão 42 foi construído pelo arquiteto Gaspare Maria Paoletti no final do século XVIII para acomodar as numerosas estátuas do Grupo Niobìdi, uma série de estátuas romanas, uma cópia dos originais helenísticos trazidos nesses anos em Florença. O mito de Niobe e seus filhos está relacionado ao amor maternal, que levou a mulher miserável a se vangloriar de sua prole (sete machos e sete fêmeas) para comparar com Latona, mãe de Apolo e Artemis, provocando a ira de quem vingou eles próprios, matando as crianças, um a um. As esculturas vieram à luz em Roma em 1583 e faziam parte do kit decorativo da Villa Medici (comprado pelo cardeal Ferdinando), do qual foram transferidos para Florença em 1781, onde foram exibidos diretamente nesta sala. Das imensas telas nas duas paredes estão Rubens (parte do ciclo inacabado de Henry IV da França), um de Giusto Sustermans e um de Giuseppe Grisoni.
O quarto 43, já do século XVII italiano e europeu, hoje abriga apenas um centro seleto de obras italianas, depois que estrangeiros se mudaram para os “quartos azuis” no primeiro andar. Eles são representados por Annibale Carracci, Domenichino, Guercino, Mattia Pretti, Bernardo Strozzi e outros.
O quarto 44 (Rembrandt e os Flemings) está sendo restaurado, enquanto o 45º (século XVIII) foi integrado com outras obras italianas depois que estrangeiros foram transferidos para o primeiro andar. São destaque as obras de Canaletto, Giambattista Tiepolo, Francesco Guardi, Alessandro Magnasco e Rosalba Career. Importante para tamanho e qualidade é a tela de amor e psique de Giuseppe Maria Crespi.
A sala adjacente é o bar, do qual você acessa o terraço acima da Loggia dei Lanzi, um excelente ponto de observação para a Piazza della Signoria, o Palazzo Vecchio e a Domorna Brunelleschi. A pequena fonte no terraço contém uma cópia do Nano Morgante montando um caracol, Giambologna, hoje no Bargello, mas originalmente criado para este site. Do bar você também pode acessar a nova escada, que foi inaugurada em dezembro de 2011, levando ao primeiro andar.
Quartos azuis:
Inaugurado em dezembro de 2011, os dez salões azuis no primeiro andar (46-55) foram dedicados a pintores estrangeiros dos séculos XVII e XVIII. Atraindo os quartos do primeiro andar, e acima de tudo, dos depósitos, os pintores espanhóis, franceses, holandeses e flamengos nas coleções Medici poderiam ser totalmente desenvolvidos, permitindo que eles traçassem as diferentes escolas, especialmente nos Países Baixos. O quarto 46 é dedicado aos espanhóis (Velázquez, El Greco, Goya, Ribera), 48 e 51 aos franceses (Le Brun, Vouet, Boucher, Chardin), 47 à Escola Leida, 49 a Amsterdã (Rembrandt), 50 a Haia , 52 a 55 para as Países Baixos do Sul (Jan Brueghel the Elder, Teniers, Brill, Rubens e van Dyck), 53 para Delft e Roterdão, 54 para Haarlem e Utrecht.
Sal vermelho:
Nove quartos “vermelhos”, de 56 para 61 e de 64 para 66, foram criados em junho de 2012 com obras de manierismo florentino, em particular tratando suas relações com os antigos. O quarto 56 é o lar da melhor escultura helenística da galeria, incluindo um Niobide, o Torso de Gaddi e uma Venus agachada. A relação com estatuária é melhor esclarecida na sala seguinte, em que três monocromos raros de Andrea del Sarto, executados para o carnaval de 1513, estão relacionados à frente do sarcófago com uma representação das marias (cerca de 190).
A seguir estão os quartos de Andrea del Sarto (58) com a famosa Madonna delle Arpie e os artistas de seu círculo (59), Rosso Fiorentino (60), Pontormo (61) e dois salas dedicadas a Agnolo Bronzino (64 e 65), ligados, respectivamente, à produção sagrada e ao relacionamento com médicos, com famosos retratos familiares, incluindo o de Eleonora de Toledo com seu filho Giovanni.
Ele fecha a série em uma sala dedicada a Raffaello (66). Aqui estão as obras do palco da Úmbria / Florentino (Os Retratos dos Duques de Urbino Elisabetta Gonzaga e Guidobaldo da Montefeltro, Retrato de um jovem com maçã), incluindo a famosa Madonna del Cardellino, uma síntese harmônica de várias experiências pictóricas ( Perugino, Leonardo da Vinci, Fra Bartolomeo …). O período romano da arte de Raffaello é caracterizado por maior monumentalidade e total posse da técnica da cor, representada aqui pelo Alto Retrato do Leão X com os Cardeais Giulio de Medici e Luigi de Rossi.
Sale Ademollo:
Os salões 62 e 63 estão estruturalmente completos desde junho de 2012, mas ainda não estão configurados. Eles receberão obras de Alessandro Allori e Giorgio Vasari. Os seguintes quartos possuem exposições temporárias.
Verone sull’Arno:
Então venha a Verone sull’Arno, com as grandes janelas que dão o rio e a praça dos Uffizi. Aqui estão três esculturas monumentais.
O Medico Vessel (centro), uma grande cratera neo-cratera entre os tesouros que vieram ao museu Villa Medici, remonta à segunda metade do século I aC. e é extraordinário em tamanho e qualidade. Na base há uma cena de bas-relief com os heróis Achaean que consultam o oráculo de Delphi antes de partir para a Guerra de Tróia.
O arcebispo de Marte é de Bartolomeo Ammannati, com o deus representado no ato de incitar um exército principal na cabeça, enquanto no lado oposto está o Sileno com a figura de Bacco de Jacopo del Duca, uma cópia de uma estátua romana hoje em o Louvre, um bronze original do século IV, talvez de Lipípcio; estas duas estátuas também estavam na villa de Medici e decoravam a loggia no jardim.
Quartos Caravaggio e Caravaggeschi:
Os últimos salões do museu, no braço leste no piso térreo, acolhem as obras de Caravaggio, Caravaggeschi e Guido Reni. Criado em 1993 e avançar para o norte nos anos 2000 para dar mais espaço a exposições temporárias (os salões deste lado são quase idênticos do outro lado da praça, pouco mais da metade são atualmente valorizados). Eles não terão um número até que a configuração completa do primeiro plano seja concluída.
As obras de Caravaggio em Florença não são muitas, mas representam bem o estágio juvenil do mestre, denso de obras-primas famosas desde as primeiras produções artísticas. O Bacchus é tão desagradávelmente realista, e o Medusa Head, de fato um escudo de madeira para oportunidades de representação, como torneios. A expressão do terror da Medusa é impressionada com a violência severa da representação. O mais típico do estilo maduro é o Sacrifício de Isaac, onde a violência do gesto é milagrosamente suspensa.
Outras obras permitem um confronto imediato com obras de sujeitos semelhantes dos seguidores de Caravaggio: Artemisia Gentileschi com o Giuditta decapitado Oloferne (uma das poucas mulheres artistas que tem um lugar importante na história da arte), Battistello Caracciolo, Bartolomeo Manfredi (sala especial) , o holandês Gerard van Honthorst, italiano em Gherardo delle Notti (sala especial), Rustichino, Spadarino, Nicolas Regnier e Matthias Stomer.
O último salão da galeria é dedicado a Guido Reni, o chefe bolonhesa do século XVII. Ele era um mestre do classicismo do século XVII, embora o trabalho de Davi com a cabeça de Goli se reconecte pelo fundo escuro aos caravaggesques dos salões anteriores. Mais abstraidamente idealizado é o Estasi de St. Andrew Corsini, que entrou na Galeria em 2000, de brilho sobrenatural.
Gabinete de desenhos e estampas:
No primeiro andar da Galeria, nas instalações do antigo Teatro Medicean, a coleção de artes gráficas começou, começou em meados do século 17 pelo cardeal Leopoldo de Medici e transferiu-se para os Uffizi em cerca de 1700. Somente o Prospecto na escada, com um busto de Francesco I de ‘Medici de Giambologna (1586) na porta central, permanece hoje no teatro antigo; nos lados há uma Vênus, uma cópia romana de um original do século V aC e uma estátua feminina helenística.
A coleção de desenhos e gravuras, uma das maiores do mundo, inclui cerca de 150 mil obras do final do século XIV ao século 20, entre as quais estão exemplos de todos os grandes mestres toscanos, Leonardo a Michelangelo a muitos outros, que permitem muitas vezes estabelecer o caminho criativo de uma obra, através de desenhos preparatórios, ou às vezes, através de cópias antigas, testemunho de obras irreparávelmente perdidas, como os afrescos da Batalha Anghiari de Leonardo da Vinci e a Batalha de Michelangelo de Cascada, que uma vez teve que decorar o século XVI, Salão do século no Palácio Velho. O próprio Vasari coletou os papéis e consagrou o design como o “pai” das artes e prerrogativa da arte florentina. Exposições temporárias, com coleções ou novas aquisições, serão periodicamente realizadas no pequeno salão em frente à escada ou no vestíbulo da entrada do gabinete.
Coleção Bonacossi Contini:
No braço direito da loggia, com a entrada da via Lambertesca, é colocada a extraordinária coleção coletada no início do século XX pelos cônjuges Contini Bonacossi e doada aos Uffizi nos anos noventa, sendo assim a acumulação mais importante do Museu de o século passado. A coleção inclui móveis, majolica antiga, louças robbian e, acima de tudo, uma grande quantidade de obras de escultura e pintura toscana, incluindo uma majestade com os santos franciscanos e dominicanos da oficina de Cimabue, a Senhora da neve de Sassetta (cerca de 1445), a A casa da Virgem de Pazzi de Andrea del Castagno (cerca de 1445), o San Girolamo de Giovanni Bellini (cerca de 1479), o mármore de Gian Lorenzo Bernini do Martírio de São Lorenzo (cerca de 1616), Nossa Senhora com oito santos de Bramantino (1520 -1530) ou o Francisco Goya Torero (1800 circa).
Ex-igreja de San Pier Scherage:
Há apenas alguns arcos visíveis da rua Ninna e uma nave que faz parte dos Uffizi, adjacente à bilheteria utilizada na segunda metade do século XX.
A sala San Pier Scheraggio é utilizada para conferências, exposições temporárias ou para exibir obras que não encontram espaço no percurso da exposição devido à sua singularidade.
No passado, ele organizou uma coleção de tapeçarias Medici, bem como os afrescos dos homens dos homens e mulheres de Andrea Castagno, vindos de Villa Carducci-Pandolfini de Filippo Carducci a Legnaia, ou o afresco de Botticelli da Anunciação de 1481, separado da Muralha do Hospital Loggia de San Martino em La Scala em Florença, ou a grande tela da Batalha de Ponte dell’Ammiraglio de Guttuso e os arqueólogos de Giorgio de Chirico.
Devido à sua enorme coleção, algumas de suas obras foram transferidas para outros museus em Florença – por exemplo, algumas estátuas famosas para o projeto Bargello A foram finalizadas em 2006 para expandir o espaço de exposição do museu com cerca de 6.000 metros quadrados para quase 13.000 metres² , permitindo a visualização pública de muitas obras de arte que normalmente foram armazenadas