As primeiras quatro décadas do século XX formaram um período excepcional de fermentação artística e revolução. Os movimentos de vanguarda evoluíram rapidamente e se sobrepuseram em uma marcha rumo à abstração total não-figurativa. A natureza morta, assim como outras artes representacionais, continuou a evoluir e se ajustar até meados do século, quando a abstração total, como exemplificado pelas pinturas de Jackson Pollock, eliminou todo o conteúdo reconhecível.

O século começou com várias tendências que se apoderaram da arte. Em 1901, Paul Gauguin pintou a Natureza morta com girassóis, sua homenagem ao amigo Van Gogh, que morreu onze anos antes. O grupo conhecido como Les Nabis, incluindo Pierre Bonnard e Édouard Vuillard, adotou as teorias harmônicas de Gauguin e acrescentou elementos inspirados nas xilogravuras japonesas às suas pinturas de natureza-morta. O artista francês Odilon Redon também pintou a vida ainda notável durante neste período, especialmente flores.

Henri Matisse reduziu ainda mais a renderização de objetos de natureza morta a pouco mais do que negrito, contornos planos cheios de cores brilhantes. Ele também simplificou a perspectiva e introduziu planos de fundo multicoloridos. Em algumas de suas pinturas de natureza-morta, como Still Life with Bering, sua mesa de objetos está quase perdida em meio a outros padrões coloridos que preenchem o resto da sala. Outros expoentes do fauvismo, como Maurice de Vlaminck e André Derain, exploraram ainda mais a cor pura e a abstração em sua natureza morta.

Paul Cézanne encontrou na natureza morta o veículo perfeito para suas explorações revolucionárias na organização espacial geométrica. Para Cézanne, a vida ainda era o principal meio de tirar a pintura de uma função ilustrativa ou mimética para demonstrar de forma independente os elementos de cor, forma e linha, um grande passo em direção à arte abstrata. Além disso, os experimentos de Cézanne podem ser vistos como levando diretamente ao desenvolvimento da natureza morta cubista no início do século XX.

Adaptando a mudança de planos e eixos de Cézanne, os cubistas subjugaram a paleta de cores dos fauves e concentraram-se em desconstruir objetos em formas e planos geométricos puros. Entre 1910 e 1920, artistas cubistas como Pablo Picasso, Georges Braque e Juan Gris pintaram muitas composições de natureza-morta, muitas vezes incluindo instrumentos musicais, trazendo ainda a vida à frente da inovação artística, quase pela primeira vez. A natureza morta também foi o tema das primeiras obras de colagem do Cubismo Sintético, como o oval “Still Life with Chair Caning” (1912), de Picasso. Nessas obras, os objetos de naturezas-mortas se sobrepõem e se misturam, dificilmente mantendo formas bidimensionais identificáveis, perdendo a textura da superfície individual e fundindo-se em segundo plano – alcançando objetivos quase opostos aos da natureza-morta tradicional. A natureza morta de Fernand Léger introduziu o uso de espaços em branco abundantes e formas geométricas coloridas, bem definidas e sobrepostas para produzir um efeito mais mecânico.

Rejeitando o achatamento do espaço por cubistas, Marcel Duchamp e outros membros do movimento Dada, seguiram em uma direção radicalmente diferente, criando esculturas de natureza morta “3-D”. Como parte da restauração de algum significado simbólico para a natureza morta, os futuristas e os surrealistas colocaram objetos identificáveis ​​de natureza morta em suas paisagens de sonho. Nas pinturas de naturezas mortas de Joan Miró, os objetos parecem sem peso e flutuam no espaço bidimensional ligeiramente sugerido, e até as montanhas são desenhadas como linhas simples. Na Itália, durante esse período, Giorgio Morandi foi o principal pintor de naturezas-mortas, explorando uma ampla variedade de abordagens para descrever garrafas comuns e utensílios de cozinha. O artista holandês MC Escher, mais conhecido por seus gráficos detalhados, mas ambíguos, criou Still life and Street (1937), sua versão atualizada da tradicional mesa holandesa still life. Na Inglaterra, Eliot Hodgkin usava a têmpera para suas pinturas altamente detalhadas de natureza-morta.

Quando os artistas americanos do século XX tomaram consciência do modernismo europeu, começaram a interpretar temas de natureza morta com uma combinação de realismo americano e abstração derivada do cubismo. Típico das obras americanas de natureza-morta desse período são as pinturas de Georgia O’Keeffe, Stuart Davis e Marsden Hartley, e as fotografias de Edward Weston. As pinturas de flores ultra-close-up de O’Keeffe revelam a estrutura física e o subtexto emocional de pétalas e folhas de uma maneira sem precedentes.

No México, a partir da década de 1930, Frida Kahlo e outros artistas criaram sua própria marca de surrealismo, apresentando comidas nativas e motivos culturais em suas pinturas de natureza-morta.

A partir dos anos 1930, o expressionismo abstrato reduziu a natureza morta a representações cruas de forma e cor, até que, na década de 1950, a abstração total dominou o mundo da arte. No entanto, a pop art nos anos 1960 e 1970 inverteu a tendência e criou uma nova forma de natureza morta. Muita arte pop (como as “Campbell’s Sans Cans” de Andy Warhol) é baseada na natureza-morta, mas seu verdadeiro assunto é na maioria das vezes a imagem mercantilizada do produto comercial representado, e não o próprio objeto físico de vida-morta. A vida ainda de Roy Lichtenstein com Goldfish Bowl (1972) combina as cores puras de Matisse com a iconografia pop de Warhol. A Mesa de Almoço de Wayne Thiebaud (1964) retrata não o almoço de uma única família, mas uma linha de montagem de alimentos americanos padronizados.

O movimento Neo-dada, incluindo Jasper Johns, retornou à representação tridimensional de objetos domésticos cotidianos de Duchamp para criar sua própria marca de trabalho de natureza-morta, como em Johns Painted Bronze (1960) e Fool’s House (1962). Avigdor Arikha, que começou como um abstracionista, integrou as lições de Piet Mondrian em suas naturezas-mortas e em seus outros trabalhos; enquanto se reconectava a tradições de antigos mestres, ele alcançou um formalismo modernista, trabalhando em uma sessão e em luz natural, através do qual o assunto frequentemente emergia em uma perspectiva surpreendente.

Uma contribuição significativa para o desenvolvimento da pintura de naturezas mortas no século 20 foi feita por artistas russos, entre eles Sergei Ocipov, Victor Teterin, Evgenia Antipova, Gevork Kotiantz, Sergei Zakharov, Taisia ​​Afonina, Maya Kopitseva e outros.

Por outro lado, a ascensão do foto-realismo nos anos 1970 reafirmou a representação ilusionista, mantendo algumas das mensagens de Pop da fusão de objeto, imagem e produto comercial. Típicos a este respeito são as pinturas de Don Eddy e Ralph Goings.

Pinturas do século XX

Henri Matisse (1869-1954), Pratos e Frutas (1901), Museu Hermitage, São Petersburgo, Rússia	Odilon Redon (1840–1916),Flores (1903)	Georges Braque (1882–1963), Violino e Candelabro (1910), Museu de Arte Moderna de São Francisco	Juan Gris (1887-1927),Nature morte (1913), Museu Thyssen Bornemisza
Marsden Hartley (1877-1943),Handsome Drinks (c. 1916), Brooklyn Museum	Fernand Léger (1881–1955),Ainda vida com uma caneca de cerveja (1921), Tate	Pablo Picasso, Compotier com frutas, violon et verre (1912)

Uma natureza morta (plural: naturezas-mortas) é uma obra de arte que retrata principalmente objetos inanimados, objetos tipicamente comuns que são naturais (comida, flores, animais mortos, plantas, pedras, conchas etc.) ou artificiais (beber óculos, livros, vasos, jóias, moedas, cachimbos, etc.).

Com origens na Idade Média e na arte greco-romana antiga, a pintura da natureza-morta emergiu como um gênero distinto e especialização profissional na pintura ocidental no final do século XVI, e permaneceu significativa desde então. Uma forma de vida-morta dá ao artista mais liberdade no arranjo de elementos dentro de uma composição do que pinturas de outros tipos de assuntos, como paisagem ou retratos. A natureza morta, como um gênero particular, começou com a pintura neerlandesa dos séculos XVI e XVII, e o termo inglês ainda vida deriva da palavra holandesa ainda. As primeiras pinturas de natureza-morta, particularmente antes de 1700, freqüentemente continham simbolismo religioso e alegórico relacionado aos objetos representados. Alguns trabalhos modernos de natureza morta quebram a barreira bidimensional e empregam mídia mista tridimensional e usam objetos encontrados, fotografia, computação gráfica, além de vídeo e som.

O termo inclui a pintura de animais mortos, especialmente jogo. Os vivos são considerados arte animal, embora na prática fossem frequentemente pintados de modelos mortos. A categoria de naturezas-mortas também compartilha pontos em comum com ilustrações zoológicas e especialmente botânicas, onde houve considerável sobreposição entre os artistas. Geralmente, uma natureza morta inclui um plano de fundo totalmente representado e coloca as preocupações estéticas, em vez de ilustrativas, como primárias.

A vida ainda ocupava o menor degrau da hierarquia de gêneros, mas tem sido extremamente popular entre os compradores. Assim como o tema da natureza morta independente, a pintura de naturezas mortas engloba outros tipos de pintura com elementos proeminentes de natureza morta, geralmente simbólicos, e “imagens que dependem de uma infinidade de elementos de natureza morta para ostensivamente reproduzir uma ‘fatia da vida’. ‘”. A pintura trompe-l’oeil, que pretende enganar o espectador a pensar que a cena é real, é um tipo especializado de natureza morta, geralmente mostrando objetos inanimados e relativamente planos.