Ainda vida no século XVIII

O século XVIII continuou, em grande medida, a refinar as fórmulas do século XVII e os níveis de produção diminuíram. No estilo rococó, a decoração floral tornou-se muito mais comum em porcelana, papel de parede, tecidos e móveis de madeira esculpida, de modo que os compradores preferiram que suas pinturas tivessem figuras para um contraste. Uma mudança foi um novo entusiasmo entre os pintores franceses, que agora formam uma grande parte dos artistas mais notáveis, enquanto os ingleses continuavam satisfeitos em importar. Jean-Baptiste Chardin pintou pequenas e simples montagens de alimentos e objetos em um estilo mais sutil que ambos construíram sobre os mestres holandeses da Idade do Ouro, e foi muito influente nas composições do século XIX. Sujeitos de jogos mortos continuaram a ser populares, especialmente para alojamentos de caça; a maioria dos especialistas também pintou animais vivos. Jean-Baptiste Oudry combinava representações soberbas das texturas de pêlo e penas com fundos simples, muitas vezes o branco liso de uma parede de despensa pintada de lima, que as mostrava com vantagem.

Luis Meléndez (1716-1780), ainda vida com maçãs, uvas, melões, pão, jarro e garrafa

No século XVIII, em muitos casos, as conotações religiosas e alegóricas de pinturas de natureza-morta foram abandonadas e as pinturas da mesa da cozinha evoluíram para representações calculadas de cores e formas variadas, exibindo os alimentos do dia-a-dia. A aristocracia francesa empregava artistas para executar pinturas de temas generosos e extravagantes de natureza-morta que enfeitavam sua mesa de jantar, também sem a mensagem vanitas moralista de seus antecessores holandeses. O amor rococó do artifício levou a um aumento na apreciação na França pela pintura de trompe-l’oeil (francês: “engane o olho”).As pinturas de natureza morta de Jean-Baptiste Chardin empregam uma variedade de técnicas, do realismo ao estilo holandês a harmonias mais suaves.

A maior parte da obra de Anne Vallayer-Coster era dedicada à linguagem da natureza morta, como fora desenvolvida no decorrer dos séculos XVII e XVIII.Durante esses séculos, o gênero da natureza morta foi colocado no nível mais baixo da hierarquia. Vallayer-Coster tinha um jeito em suas pinturas que resultaram em sua atratividade. Foram as “linhas arrojadas e decorativas de suas composições, a riqueza de suas cores e texturas simuladas e os feitos de ilusionismo que ela alcançou ao descrever uma grande variedade de objetos, tanto naturais quanto artificiais”, que chamaram a atenção da Academia Real e os numerosos colecionadores que compraram suas pinturas. Essa interação entre arte e natureza era bastante comum nas naturezas-mortas holandesas, flamengas e francesas. Seu trabalho revela a clara influência de Jean-Baptiste-Siméon Chardin, bem como mestres holandeses do século 17, cujo trabalho tem sido muito mais valorizado, mas o que fez o estilo de Vallayer-Coster se destacar contra os outros pintores de naturezas-mortas foi ela Uma forma única de coalescer ilusionismo representacional com estruturas decorativas de composição.

O final do século XVIII e a queda da monarquia francesa fecharam as portas da “era” da vida-morta de Vallayer-Coster e as abriram para seu novo estilo de flores.Tem sido argumentado que este foi o destaque de sua carreira e o que ela é mais conhecida. No entanto, também foi argumentado que as pinturas de flores eram fúteis para sua carreira. No entanto, esta coleção continha estudos florais em óleo, aquarela e guache.

Carl Hofverberg (1695–1765),Trompe l’oeil (1737), Fundação do Arsenal Real, Suécia

Jean-Baptiste-Siméon Chardin, ainda vida com frasco de vidro e frutas (c. 1750)

Jean-Baptiste Oudry, O Pato Branco (1753), roubado de Houghton Hall em 1990

Rachel Ruysch, Rosas, Convólvulo, Papoulas e outras flores em uma urna em uma borda de pedra (década de 1680)

Anne Vallayer-Coster, Os Atributos da Música (c. 1770)

Carlo Manieri, ainda vida com pratas , Pronkstilleven (1662-1700)

Anne Vallayer-Coster,Ainda vida com lagosta (c. 1781)

Anne Vallayer-Coster, Os Atributos da Pintura (c. 1769)

Uma natureza morta é uma obra de arte que retrata principalmente objetos inanimados, objetos tipicamente comuns que são naturais (comida, flores, animais mortos, plantas, pedras, conchas, etc.) ou feitos pelo homem (copos, livros, vasos, jóias, moedas, cachimbos, etc.).

Com origens na Idade Média e na arte greco-romana antiga, a pintura da natureza-morta emergiu como um gênero distinto e especialização profissional na pintura ocidental no final do século XVI, e permaneceu significativa desde então. Uma forma de vida-morta dá ao artista mais liberdade no arranjo de elementos dentro de uma composição do que pinturas de outros tipos de assuntos, como paisagem ou retratos. A natureza morta, como um gênero particular, começou com a pintura neerlandesa dos séculos XVI e XVII, e o termo inglês ainda vida deriva da palavra holandesa ainda. As primeiras pinturas de natureza-morta, particularmente antes de 1700, freqüentemente continham simbolismo religioso e alegórico relacionado aos objetos representados. Alguns trabalhos modernos de natureza morta quebram a barreira bidimensional e empregam mídia mista tridimensional e usam objetos encontrados, fotografia, computação gráfica, além de vídeo e som.

O termo inclui a pintura de animais mortos, especialmente jogo. Os vivos são considerados arte animal, embora na prática fossem frequentemente pintados de modelos mortos. A categoria de naturezas-mortas também compartilha pontos em comum com ilustrações zoológicas e especialmente botânicas, onde houve considerável sobreposição entre os artistas. Geralmente, uma natureza morta inclui um plano de fundo totalmente representado e coloca as preocupações estéticas, em vez de ilustrativas, como primárias.

A vida ainda ocupava o menor degrau da hierarquia de gêneros, mas tem sido extremamente popular entre os compradores. Assim como o tema da natureza morta independente, a pintura de naturezas mortas engloba outros tipos de pintura com elementos proeminentes de natureza morta, geralmente simbólicos, e “imagens que dependem de uma infinidade de elementos de natureza morta para ostensivamente reproduzir uma ‘fatia da vida’. ‘”. A pintura trompe-l’oeil, que pretende enganar o espectador a pensar que a cena é real, é um tipo especializado de natureza morta, geralmente mostrando objetos inanimados e relativamente planos.