Arquitetura efêmera barroca espanhola

A arquitetura efêmera teve uma especial relevância no barroco espanhol, em que cumpriu diversas funções tanto estéticas como políticas, religiosas e sociais. Por um lado, era um componente indispensável do suporte às realizações arquitetônicas, realizado de forma perecível e transitória, que permitia uma redução no custo dos materiais e uma forma de captar novos desenhos e soluções mais arrojadas e originais do novo Estilo barroco, que não poderia ser feito em construções convencionais. Por outro lado, sua volubilidade possibilitou a expressão de uma ampla gama de produções projetadas de acordo com suas diferentes funcionalidades: arcos triunfais para a recepção de reis e personagens da aristocracia, catafalques para cerimônias religiosas, montes funerários e vários cenários para atos sociais ou religiosos. , como a festa de Corpus ou a Semana Santa.

Essas realizações costumavam ser profusamente decoradas e desenvolviam um programa iconográfico que enfatizava o poder das classes dominantes da época, tanto políticas quanto religiosas: na esfera política exaltava o poder onipotente da monarquia absolutista, enquanto nos religiosos louvava a Domínio espiritual da Igreja da Contra-Reforma. Eles costumavam ter um alto componente de propaganda, como veículos de ostentação dessas classes dominantes, então eles eram direcionados principalmente para o povo, que era o destinatário dessas magníficas cerimônias e shows.

Embora não tenha havido vestígios materiais deste tipo de trabalho, eles são conhecidos graças a desenhos e gravuras, bem como a relatos literários da época, que os descreveram em grande detalhe. Muitos escritores e cronistas dedicaram-se a este tipo de descrições, dando origem a um novo gênero literário, as “relações”.

O barroco: uma cultura da imagem
A arquitetura é a arte e técnica de construção de edifícios, projetando espaços e volumes com finalidade utilitária, principalmente habitação, mas também várias construções de signo social, civil ou religioso. O espaço, modificado pelo ser humano, transmuta-se, adquire um novo sentido, uma nova percepção, com a qual adquire uma dimensão cultural, ao mesmo tempo em que adquire um significado estético, porque é percebido de maneira intelectual e artística, como um expressão dos valores socioculturais inerentes a cada povo e cultura. Este caráter estético pode dar ao espaço um componente efêmero, para ser usado em eventos públicos e celebrações, rituais, festas, mercados, shows, serviços religiosos, eventos oficiais, eventos políticos, etc.

No barroco as artes se uniram para criar uma obra de arte total, com uma estética teatral, cenográfica, uma mise en scène que destacasse o esplendor do poder dominante (Igreja ou Estado). A interação de todas as artes expressou o uso da linguagem visual como meio de comunicação de massa, incorporado em uma concepção dinâmica da natureza e do espaço circundante, em uma cultura da imagem.

Uma das principais características da arte barroca é sua natureza ilusória e artificial: “engenhosidade e design são a arte mágica através da qual se chega a enganar o olho até que se admire” (Gian Lorenzo Bernini). O visual e o efêmero eram particularmente valorizados, de modo que o teatro e os vários gêneros de artes cênicas e espetáculos ganharam popularidade: dança, pantomima, drama musical (oratório e melodrama), espetáculos de marionetes, acrobacias, circos, etc. o mundo é um teatro (theatrum mundi) e a vida uma função teatral: “o mundo inteiro é um palco, e todos os homens e mulheres são meros atores” (Como você gosta, William Shakespeare, 1599). 3 Da mesma forma, as outras artes, especialmente a arquitetura, tendiam a ser dramatizadas. Era uma arte que se baseava na inversão da realidade: na “simulação”, em transformar o falso em verdadeiro, e em “dissimulação”, em passar o verdadeiro para falso. Eles não mostram as coisas como são, mas como gostariam que fossem, especialmente no mundo católico, onde a Contra-Reforma teve um escasso sucesso, já que metade da Europa passou para o protestantismo. Na literatura, manifestou-se dando rédea solta ao artifício retórico, como meio de expressão propagandística em que a suntuosidade da linguagem buscava refletir a realidade de forma adocicada, recorrendo a figuras retóricas como metáfora, paradoxo, hipérbole, antítese, hipobatonismo, reticências. etc. Essa transposição da realidade, distorcida e ampliada, alterada em suas proporções e sujeita ao critério subjetivo da ficção, também passou para o campo da pintura, onde a perspectiva do escorço e ilusionista é abusada em prol de efeitos maiores e impressionantes. e incrível.

A arte barroca buscou a criação de uma realidade alternativa através da ficção e da ilusão. Essa tendência teve sua expressão máxima na festa e na celebração lúdica: edifícios como igrejas ou palácios, ou um bairro ou uma cidade inteira, se transformaram em teatros da vida, em cenários onde realidade e ilusão eram misturadas, onde os sentidos eram submetidos a decepções e enganos. artifício. Neste aspecto, a Igreja da Contra-Reforma teve um papel especial, que buscou através de pompa e pompa mostrar sua superioridade sobre as igrejas protestantes, com atos como missas solenes, canonizações, jubileus, procissões ou investidura papal. Mas tão generosas foram as celebrações da monarquia e da aristocracia, com eventos como coroações, casamentos e nascimentos reais, funerais, vitórias militares, visitas de embaixadores ou qualquer evento que permitisse ao monarca mobilizar seu poder para admirar o povo. As festas barrocas significam uma conjugação de todas as artes, da arquitetura e artes plásticas à poesia, música, dança, teatro, pirotecnia, arranjos florais, jogos aquáticos, etc. Arquitetos como Bernini ou Pietro da Cortona, ou Alonso Cano e Sebastián Herrera Barnuevo na Espanha , eles contribuíram com seu talento para tais eventos, projetando estruturas, coreografias, iluminações e outros elementos, o que muitas vezes serviu como um campo de testes para realizações futuras mais sérias.

Durante o barroco, o caráter ornamental, ornamentado e ornamentado da arte desta época mostrou um sentido vital passageiro, relacionado ao memento mori, o valor efêmero das riquezas em face da inevitabilidade da morte, em paralelo ao gênero pictórico de as vanitas .. Este sentimento levou-nos a valorizar de forma vitalista a transitoriedade do momento, a gozar os momentos de luz de recriação que a vida nos dá, ou celebrações e atos solenes. Assim, nascimentos, casamentos, mortes, atos religiosos ou coroações reais e outros atos lúdicos ou cerimoniais foram cobertos com uma pompa e um artifício de natureza teatral, onde foram elaboradas grandes assembleias que aglutinavam a arquitetura e as decorações para proporcionar uma magnificência eloquente qualquer celebração, que se tornou um espetáculo de caráter quase catártico, onde o elemento ilusório, a atenuação da fronteira entre a realidade e a fantasia, assumiu especial relevância.

Arquitetura barroca espanhola
Na Espanha, a arquitetura da primeira metade do século XVII acusou a herança herreriana, com uma austeridade e simplicidade geométrica de influência scurialense. O barroco foi gradualmente introduzido sobretudo na ornamentada decoração interior de igrejas e palácios, onde os retábulos evoluíam em direção a níveis cada vez mais altos de magnificência. Neste período Juan Gómez de Mora foi a figura mais notável, com conquistas como o Clero de Salamanca (1617), a Câmara Municipal (1644-1702) e a Plaza Mayor de Madrid (1617-1619). Outros arquitetos da época foram Alonso Carbonel, autor do Palácio Buen Retiro (1630-1640), ou Pedro Sánchez e Francisco Bautista, autores da Igreja Colegiada San Isidro de Madri (1620-1664).

Na metade do século, as formas mais ricas e os volumes mais livres e dinâmicos ganharam terreno, com decorações naturalistas (grinaldas, suportes vegetais) ou formas abstratas (molduras e baquetones recortados, geralmente de forma mixtilínea). Neste momento vale a pena lembrar os nomes de Pedro de la Torre, José de Villarreal, José del Olmo, Sebastián Herrera Barnuevo e, especialmente, Alonso Cano, autor da fachada da Catedral de Granada (1667).

Entre o final do século e o início do século XVIII foi apresentado o estilo churrigueresco (dos irmãos Churriguera), caracterizado por seu decorativismo exuberante e uso de colunas salomônicas: José Benito Churriguera foi o autor do Retábulo Principal de San Esteban. de Salamanca (1692) e a fachada do palácio-igreja de Nuevo Baztán em Madri (1709-1722); Alberto Churriguera projetou a Plaza Mayor de Salamanca (1728-1735); e Joaquín Churriguera foi o autor do Colégio de Calatrava (1717) e do claustro de San Bartolomé (1715) em Salamanca, de influência plateresca. Outras figuras da época foram: Teodoro Ardemans, autor da fachada da Prefeitura de Madri e o primeiro projeto do Palácio Real da Granja de San Ildefonso (1718-1726); Pedro de Ribera, autor da Ponte de Toledo (1718-1732), do Cuartel del Conde-Duque (1717) e da fachada da Igreja de Nossa Senhora de Montserrat em Madri (1720); Narciso Tomé, autor do Transparente da Catedral de Toledo (1721-1734); o alemão Konrad Rudolf, autor da fachada da Catedral de Valência (1703); Jaime Bort, arquiteto da fachada da Catedral de Múrcia (1736-1753); Vicente Acero, que projetou a Catedral de Cádiz (1722-1762); e Fernando de Casas Novoa, autor da fachada do Obradoiro da Catedral de Santiago de Compostela (1739-1750).

O efêmero na arquitetura barroca espanhola
O esplendor da arquitetura efêmera ocorreu na Idade Moderna, na Renascença e, especialmente, nas épocas barrocas de consolidação da monarquia absoluta, quando os monarcas europeus procuraram elevar sua figura sobre a de seus súditos, recorrendo a todos os tipos. de atos propagandísticos e exaltadores de seu poder, em cerimônias políticas e religiosas ou celebrações de natureza lúdica, que mostravam a magnificência de seu governo.

Note-se que, embora este período foi um certo declínio político e econômico, no campo cultural foi um grande esplendor, a chamada Idade de Ouro, com um magnífico florescimento da literatura e das artes. Por outro lado, embora no campo político a monarquia fosse resolutamente autoritária, o modo de governar mostrou um forte componente populista; enquanto na esfera religiosa a fé estrita foi combinada com uma visão de mundo de natureza realista e crítica. Esses elementos contribuíram para a vontade de uma arte próxima do povo, que mostrou de maneira fácil e direta os aspectos morais e ideológicos que as classes dominantes queriam transmitir aos seus sujeitos. Assim, segundo o historiador José Antonio Maravall, a arte e a cultura barroca eram “dirigidas”, já que seu objetivo era a comunicação; «Massive», desde que foi dirigido para a cidade; e “conservador”, pois buscava perpetuar os valores tradicionais.

Essas distrações ajudaram a população a enfrentar suas dificuldades: segundo Jerónimo de Barrionuevo, “esses desvios são bem necessários para suportar tantas adversidades”. Essa evasão da realidade leva Antonio Bonet Correa a descrever esse período como “espaço e tempo utópico”, já que não deixa de ser um alívio temporário para a dura realidade da maioria da população, imersa na miséria.

A arquitetura efêmera era geralmente feita com materiais pobres e perecíveis, como madeira, papelão, tecido, estuque, cana, papel, estopa, cal ou gesso, que, no entanto, eram reforçados pela monumentalidade das obras e seus desenhos originais e fantasiosos, como bem como pela sumptuosidade da decoração ornamental. Eram obras onde tanto a arquitetura como a escultura, a pintura e as artes decorativas participavam, e onde a cenografia era particularmente importante. Poderia ser feita tanto dentro de edifícios – geralmente templos religiosos – quanto nas ruas de vilas e cidades, através de numerosas tipologias de construções. tais como arcos triunfais, castelos, pórticos, templos, catafalques, pavilhões, galerias, colunatas, lojas, consultórios, pirâmides, obeliscos, pedestais, baldaquinos, tramóias, altares, toldos, etc. Também foram relevantes as esculturas, tapeçarias, tecidos e pinturas; as últimas representavam frequentemente arquitecturas ou paisagens fingidas, com a habitual representação de “parnasianos”, montes de vegetação, rios e fontes em que deuses, musas e figuras históricas figuravam. Outros elementos decorativos foram tigelas, tapeçarias florais, guirlandas, cornucópias, espelhos, castiçais, escudos e bandeiras. Além de tudo isso, devemos levar em conta elementos móveis como carruagens ou degraus de procissões, comitês e comitivas, mascaradas, mojigangas, jogos de bengalas e autos de fé, além de outros elementos como fogos de artifício, touradas, naumaquias, justas e simulações de guerra, música, dança, teatro e outros gêneros do show.

Talvez o elemento mais emblemático da arquitetura efêmera barroca tenha sido o monte fúnebre, já que significava mais do que qualquer outro a concepção do transitório, a transitoriedade da vida, que se traduz na efemeridade do partido, da celebração efêmera. As bolhas funerárias representam, assim como a arquitetura efêmera, o acaso, o vazio, a natureza passageira da existência, contrastando a temporalidade corporal com a imortalidade da alma. São, portanto, freqüentes na decoração de montes e referências catafalográficas à morte, através de esqueletos, crânios, ampulhetas, velas e outros elementos alusivos ao fim da existência humana. A evolução tipológica dos túmulos foi derivada de catafalques tipo monumento herdados do renascimento maneirista ao catafalco tipo pirata do pleno barroco, com um plano de turfiforme e um templo em forma de cúpula, flutuando em direção ao final do barroco em catafalco tipo dossel ; já no final do século XVIII eles evoluiriam para o obelisco catafalco, de estilo neoclássico. Deve-se notar que os túmulos foram reservados para a família real, até que em 1696 Charles II aprovou sua abertura aos membros da aristocracia e à hierarquia eclesiástica.

Muitos arquitetos usaram a arquitetura efêmera como uma plataforma de teste para fórmulas e soluções originais e mais arrojadas do que na arquitetura convencional, que eles testaram em realizações estáveis, com as quais essa modalidade ajudou poderosamente no progresso da arquitetura espanhola. Alguns dos mais renomados arquitetos realizaram este tipo de trabalho, como Juan Gómez de Mora, Pedro da Torre, José Benito Churriguera, Alonso Cano, José del Olmo e Sebastián Herrera Barnuevo. Mesmo artistas renomados intervieram nesse tipo de trabalho, como El Greco, no desenho do tumulo de Margaret da Áustria-Estíria (1612); Rubens na entrada do cardeal-infante Fernando da Áustria, em Antuérpia, em 1635; Velázquez, na decoração do casamento de Luís XIV e Maria Teresa da Áustria, na Ilha dos Faisões (1660); ou Murillo, na celebração da Imaculada Conceição em Sevilha (1665).

Qualquer evento era apropriado para a celebração efêmera: os monarcas celebravam de maneira luxuosa todos os eventos relevantes em suas vidas, como nascimentos, batismos, onomasticos, casamentos, cerimônias de entronização, visitas a cidades, vitórias militares, acordos diplomáticos, funerais, etc. Quanto às celebrações religiosas, as de Corpus Christi e da Semana Santa, celebradas com procissões, viacrucis, rogativas, massivas e sacramentais, onde costumavam montar grandes palcos para as festividades, e junto com as procissões religiosas foram acrescentados elementos folclóricos como máscaras, mojigones, fanfarras, gigantes e cabeças grandes. Outras celebrações foram motivadas por atos pontuais, geralmente canonizações, como Luis Bertrán em 1608, Francisco Javier, Inácio de Loyola, Isidro Labrador e Teresa de Jesus em 1622, Tomás de Villanueva em 1658, Francisco de Borja em 1671 ou Pascual Baylón em 1690 ; ou decretos pontifícios, como o escrito de Alexandre VII, no qual ele reconheceu a Imaculada Conceição da Virgem (1662). Um significado especial teve a canonização de Fernando III em 1671, uma vez que se aglutinava em um mesmo interesse para a Igreja e a monarquia, conjugando os valores das classes dominantes do Antigo Regime.

A comissão da monarquia e da Igreja trouxe um certo apoio aos profissionais da arquitetura, das artes plásticas e decorativas e do artesanato, que assim tinham atribuições de trabalho em um momento de crise econômica em que havia pouco trabalho no nível civil. 28 Por outro lado, a arquitetura efêmera alcançou um nível de popularidade que concedeu grande prestígio ao profissional que a fez: assim, o concurso realizado para a entrega do funeral de Maria Luísa de Orleans em 1689, ganho por um estranho até então José Benito de Churriguera, serviu para lançar com grande sucesso sua carreira profissional.

Deve-se notar que, dessas realizações efêmeras, não houve vestígios materiais, e eles são conhecidos apenas por gravuras e desenhos, e por relatos escritos que descreviam em detalhes todos os detalhes dessas celebrações. Estas histórias deram origem a um novo gênero literário, as “relações”, que têm como principal ponto de referência Juan Calvete de Estrella, autor de The Imperial Tumulus, adornado com histórias e sinais e epitáfios em prosa e verso latino (1559). Essa literatura abundava em descrições detalhadas dos eventos celebrados pela monarquia e pela Igreja, com ênfase especial nos elementos simbólicos, muitas vezes incorporados em hieróglifos e escudos, cujos lemas, geralmente em latim, traduziam para o espanhol em verso. Por outro lado, essas crônicas não deixaram de mostrar os valores políticos, sociais e morais que os poderosos personagens que patrocinavam esses esplendores defendiam.

No século XVIII, seguiram-se as mesmas tipologias festivas, já que os Bourbons mantinham os mesmos protocolos e repertórios de celebrações e solenidades. A evolução nas arquiteturas efêmeras foi principalmente estilística, especialmente a partir do primeiro terço do século, em que a promoção da Academia de Belas Artes de San Fernando promoveu as linhas classicistas, em um movimento que seria batizado como neoclassicismo. Por outro lado, a ascensão do iluminismo levou à redução da grande pompa religiosa do signo contra-reformista. Os novos eventos tiveram um caráter mais didático, com uma distinção mais clara entre o sagrado e o profano, e a música e a ópera tornaram-se mais relevantes.

Principais conquistas
Entrada de Filipe III em Lisboa (1619): foi homenageado com a construção de treze arcos triunfais, financiados pelas guildas da cidade, decorados com deuses e heróis mitológicos, figuras alegóricas e referências literárias de autores clássicos como Ovídio ou Virgílio, ou de Dante e textos bíblicos, além de escudos e emblemas de natureza simbólica. Os arcos mostravam um estilo arquitetônico de reminiscências maneiristas, inspiradas no trabalho de Serlio e Vignola.

Entrada de Mariana da Áustria em Madri (1649): foi planejada por Alonso Cano, que construiu quatro arcos triunfais dedicados aos quatro continentes principais e aos quatro elementos, nesta relação: Europa-Ar, Ásia-Terra, África-Fogo e América-Água. Ele também construiu uma fachada nobre em Buen Retiro, em pedestais de pedra Berroque, com seis colunas de ordem dórica e cornijas decoradas com castelos e leões. Junto a esta cobertura, na fonte Olivo do Antigo Prado de San Jerónimo, erguia-se uma montanha Parnaso com dois cumes, uma presidida por Hércules-Sol e outra por Pégaso, com Apolo no centro e nove estátuas dedicadas às musas e Poetas espanhóis.

Reconhecimento da Imaculada Conceição em Valência (1662): foi comemorado durante meio ano com máscaras e cavalgadas, e altares temporários foram construídos por toda a cidade, alguns com manípulos que jogavam flocos de algodão simulando neve, aludindo à pureza da Virgem . Uma das mais elaboradas foi na Faculdade de Filosofia, coberta de tapeçarias e bordados de seda e ouro, coroada por uma alegoria do Triunfo da Igreja, flanqueada pelo papa Alexandre VII e pelo arcebispo de Valência, Martín López de Ontiveros.

Celebração da Imaculada Conceição em Sevilha (1665): foi desenhada por Bartolomé Esteban Murillo e celebrada na igreja de Santa María la Blanca, no exterior da qual foram colocados dois arcos de triunfo, um dedicado ao Mistério da Imaculada Conceição e outro ao Triunfo da Eucaristia, ao lado de um perímetro limitado coberto de toldos e ocupado por altares decorados com temas marianos. Uma grande pintura da Virgem de Juan Valdés Leal foi colocada na porta da igreja.

Canonização de Fernando III (1671): foi celebrada em Sevilha, cidade reconquistada pelo santo rei, cuja catedral foi adornada por vários monumentos e emblemas feitos por Bernardo Simón de Pineda, em colaboração com o pintor Juan Valdés Leal e o escultor Pedro Roldán . Todo o complexo da Catedral de Sevilha foi decorado com telas pintadas, incluindo a Giralda e o Patio de los Naranjos; todas as capelas foram ornamentadas, e no trascoro se erigiu um arco de triunfo com a efígie do honrado na coroação, rodeada de figuras alegóricas; Além disso, no retábulo do tabernáculo foi colocado um palco com uma pintura de Murillo. Este conjunto de monumentos exerceu notável influência sobre a arquitetura da época, que perdurou até o reinado de Felipe V, como expressão de um barroco distintamente espanhol, com formas dinâmicas e profusamente decorativas. Deve-se notar que os desenhos para este evento foram impressos em um “relacionamento” escrito por Fernando de la Torre Farfán, considerado o livro mais bonito impresso na Espanha do barroco.

Entrada de María Luisa de Orleans em Madri (1680): foi organizada por Claudio Coello e José Jiménez Donoso com a ajuda de Matías de Torres e Francisco Solís entre outros pintores, José Ratés e José Acedo na arquitectura e Pedro Alonso de los Ríos , Enrique de Cardona e Mateo Rodríguez, encarregado de obras de escultura, entre muitos outros artistas. Foram erguidos cinco arcos triunfais, nas ruas do Prado, italiano, Puerta del Sol, Puerta de Guadalajara e Santa Maria, além de pórticos, fontes e esculturas decorativas no Retiro, San Felipe, Praça de la Villa e Plaza de Palacio. 38Todos os elementos eram muito ornamentados, em uma apoteose do barroco mais decorativo, com muitos motivos de plantas e pedras.

Catafalco de María Luisa de Orleans em Madri (1689): obra de José Benito de Churriguera, seu desenho serviu de modelo para os túmulos até o século XVIII. Foi localizado na igreja do Real Monasterio de la Encarnación em Madri, e foi formado por uma plataforma alta com quatro degraus, na qual dois corpos se erguiam com uma profusa decoração de molduras, folhagens, tarjas e estipes, bem como diversas esculturas de figuras e imagens alegóricas do falecido.

Catafalco de Carlos II em Barcelona (1700): obra de Josep Vives, era um montículo turriforme com uma base ochavada com escudos apoiados por águias e leões, sobre a qual erguia-se uma pirâmide escalonada ornamentada com caveiras e pergaminhos, encimada por um baldaquino hexagonal com os emblemas reais. O programa iconográfico consistia em alegorias dos reinos hispânicos (Castela, Aragão, Catalunha, Índia, Milão, Nápoles, Sicília, Flandres), os quatro continentes (Europa, América, África, Ásia), os quatro principais rios da Península Ibérica ( Ebro, Duero, Tejo, Guadalquivir), as virtudes teologais (Fé, Esperança, Caridade) e cardeais (Prudência, Justiça, Fortitude, Temperança), a Vitória e a Fênix.

Túmulo de Luis XIV em Barcelona (1715): obra de Josep Vives, tinha planta quadrada com pedestais nos ângulos, coroada de estátuas, pergaminhos e florzinhas, representando as Virtudes com anjos que continham um retrato do falecido, tudo coroado por um baldaquino com a coroa real.

Entrada de Felipe V em Sevilha (1729): comemorou a chegada do monarca, que converteu a cidade da Andaluzia na sede do tribunal por cinco anos. A cidade foi adornada com tapeçarias, pinturas e tapeçarias, e vários edifícios como pirâmides e arcos triunfais, bem como estátuas de heróis mitológicos, colunas de Hércules com um leão que jogou água pela boca e um Colosso de Rodes sob o qual ele passou um barco.

Nomeação do arcebispo do cardeal-infantil Luis de Borbón (1742): foi realizada em Sevilha, onde um baile de máscaras e um desfile de carros ornamentais foram organizados, bem como fogos de artifício, a iluminação da Giralda e o surgimento de vinho das fontes do palácio episcopal por três dias.

Catafalco de Felipe V em Madri (1746): obra de Juan Bautista Sacchetti, apresentado um porão com duas escadarias com balaustradas representando as figuras de Netuno e Cibele, nas quais ficava um templo de ar e aspecto diáfano, decorado com esqueletos. Inspirado pelo trabalho da família italiana de cenógrafos Galli Bibbiena, seu estilo é enquadrado em uma filiação barroca e internacional mais clássica, afastando-se do barroco hispânico herdado do século anterior.

Túmulo de Felipe V em Cervera (1746): obra de Pere Costa, foi erguida na capela da Universidade de Cervera. Tinha uma base octogonal, nas laterais das quais algumas pirâmides com alegorias de Teologia, Direito Canônico, Filosofia e Matemática; na cornija Direito Civil, Medicina, Poesia e Retórica foram representados; na coroação havia uma figura da Morte pisando em coroas e cetros, e um escudo com a inscrição Philippi quod potui rapui, alusivo àquele Morte arrebatou sua mortalidade, mas não seus feitos imortais.

Proclamação de Fernando VI em Sevilha (1747): foi celebrada com uma procissão de oito carruagens decoradas, feitas de madeira e cobertas com estuque, decoradas com cores vivas. O primeiro carro foi a Proclamação da Máscara, seguido pelo da Alegria Comum, quatro dedicados aos quatro elementos, o de Apolo e o dos Reis, que carregavam os retratos dos novos monarcas.

Chegada de Carlos III a Barcelona (1759): por sua chegada ao porto foi construída uma ponte, uma escadaria e um arco triunfal, decorados com figuras da mitologia marinha e alegorias astrológicas. Depois, havia vários arcos com representações da história da cidade, aludindo à sua fundação mítica por Hércules. Na Lonja de Mar, uma grande tela foi colocada representando o sistema solar, colocando o rei como o centro do universo. Houve também um baile de máscaras e uma procissão de cinco carros que percorreram a cidade por três noites, decoradas com uma estética rococó.

Chegada de Carlos III a Madri (1759): várias estruturas foram construídas pelo arquiteto de moda da época, Ventura Rodríguez, com a colaboração do escultor Felipe de Castro; as inscrições dos tecidos ornamentais foram escritas por Pedro Rodríguez de Campomanes e Vicente Antonio García de la Huerta. As ruas de Madri eram decoradas com tapeçarias e tapeçarias, com cores vivas como ouro, azul pastel e lápis-lazúli; na Puerta del Sol foi construído um templo de rotondo (tholos), com imitações de jaspe para as colunas, de bronze em bases e capitéis e de mármore em cornijas e pedestais; Na rua das carretas, erguia-se um arco de triunfo, decorado com relevos e troféus; outro arco foi colocado na rua principal, com representações alusivas à piedade e liberalidade do rei, ao lado de uma dupla galeria de ordem composta agradecendo ao novo monarca pela suspensão das dívidas fiscais. Todos esses ornamentos foram projetados num estilo mais sóbrio do que o habitual, apontando agora para o neoclassicismo do final do século, embora sua concepção ainda fosse basicamente barroca.

Túmulo da rainha Maria Amalia da Saxônia em Barcelona (1761): feito na Catedral, foi obra de Manuel e Francesc Tramulles. Na fachada foi colocado um portal barroco com sinais e símbolos mortuários, além de uma alegoria da Catalunha em luto. No interior foram colocados escudos dos reinos da Monarquia Hispânica, Saxônia e os quatro continentes. No trascoro colocou-se um portal com uma alegoria de Barcelona em forma de uma ninfa chorosa. Finalmente, entre o coro e o presbitério instalou-se um mausoléu, que apresentava um corpo baixo com alegorias de Tarragona, Tortosa, Lérida, Gerona, Vich, Manresa, Mataró e Cervera; nos intercolumnos havia esculturas de Dor, Amor, Lealdade e Gratidão e, no centro, o caixão real com cetro e coroa; no segundo corpo estavam sentadas esculturas de Generosidade, Constância, Inteligência e Obediência; na parte superior do corpo, Caridade, Religião, Humildade, Oração e, no centro, Barcelona; finalmente, no coroamento, Felicidade Eterna.