O sfumato é uma das técnicas pictóricas que produz, por esmaltes de textura suave e transparente, um efeito vaporoso que dá ao sujeito contornos imprecisos. “Consiste em uma maneira de pintar extremamente suave, o que deixa uma certa incerteza sobre o término do esboço e sobre os detalhes das formas quando se olha o trabalho de perto, mas que não causa indecisão, quando se coloca em um distância (EM) “. O sfumato, em italiano “como a fumaça”, opõe-se ao vigor e à acentuação da linha que se chama, na pintura clássica, “sentir”.

O sfumato é um dos quatro efeitos de pintura canônica do Renascimento. Os outros três são união, claroscuro (ou claroscuro) e cangiante. Não deve ser confundido com a perspectiva atmosférica, que é objeto de uma outra reflexão teórica e geralmente não é obtida pelos mesmos meios. No entanto, a técnica permite outra interpretação: Leonardo, um cientista tanto quanto pintor, estudou com um físico a agudeza dos fenômenos de iluminação e, em particular, sobre a questão das passagens insensíveis da sombra à luz e da abolição de contornos (que não existem na natureza). A tradução de tais observações no plano pictórico produz o envolvimento vaporoso das formas (sfumato) e ipso facto sugere a atmosfera que as rodeia.

Leonardo da Vinci teorizou o uso de sfumato. “Certifique-se de que suas sombras e luzes se misturam sem linhas ou linhas como fumaça”. Combinado com o claroscuro, ele simula o volume, também desprovido de contorno exato, desde a mudança de um olho para outro e com cada movimento.

O gradiente aplicado à paisagem, em particular ao distanciamento de objetos através de desfocagem e desfocagem pelo efeito da névoa, é referido como a perspectiva aérea.

A técnica é um sombreamento fino destinado a produzir uma transição suave entre cores e tons, a fim de obter uma imagem mais credível. É mais frequentemente usado fazendo gradas sutis que não incluem linhas ou bordas, de áreas de luz a áreas de escuro. A técnica foi utilizada não só para dar uma interpretação evasiva e ilusionista do rosto humano, mas também para criar efeitos atmosféricos ricos. Leonardo da Vinci descreveu a técnica como mistura de cores, sem o uso de linhas ou bordas “na maneira de fumar”.

Leonardo da Vinci tornou-se o praticante mais proeminente do sfumato, por exemplo, na Virgin of the Rocks e em sua famosa pintura da Mona Lisa. Leonardo da Vinci descreveu o sfumato como “sem linhas ou bordas, na maneira de fumar ou além do plano de foco”.

Além de Leonardo, outros praticantes proeminentes de sfumato incluíam Correggio, Raphael e Giorgione. A Virgin of the Field de Raphael é um exemplo famoso (veja especialmente o rosto dela). Estudantes e seguidores de Leonardo (chamado Leonardeschi) também tentaram suas mãos no sfumato depois de Leonardo: artistas como Bernardino Luini e Funisi.

Na pintura do século XV, prevalece o uso da linha, especialmente o dos contornos das figuras, com sombras precisas e cores esmaltadas. É a escola do “primado do desenho”, para mencionar a definição de Giorgio Vasari, que distingue o Renascimento Florentino e que cria figuras de valores gráficos.

Embora ele fosse florentino para se treinar e, apesar de ser um dos maiores designers de todos os tempos, ele ainda era muito jovem desta tradição, preferindo tons apagados, grades sutis e brilhantes e véus laterais que deram às pinturas um efeito particularmente suave e curioso, onde era impossível ver vestígios da pincelada.

Os primeiros experimentos de borrão ocorreram nos fundos, onde a atmosfera de vapores, nuvens e umidade tornam os contornos vagos, como na Anunciação dos Uffizi. Mais tarde, Leonardo chegou a aplicar esses valores, mesmo aos sujeitos, com pouca frequência nas cores com os dedos, para obter essa luz suave e a atmosfera envolvente típica das obras-primas, como Monna Lisa ou St. John the Baptist. Vasari descreveu esse estilo e “muito bem humorado” e “terrivelmente escuro”, isto é, claramente introspecified.

As indicações de Leonardo são coletadas por Lombardy leonards, mas também por outros pintores como Correggio e os venezianos. Estes últimos aplicam o caminho para tornarem os contornos desfocados e para tornar a circulação do ar atmosférico com efeitos de amálgama que ligam as figuras da paisagem; Isso é evidente nas obras da última fase de Giovanni Bellini, Giorgione e seus alunos, como o jovem Tiziano, Lorenzo Lotto e Sebastiano del Piombo. Esta técnica, juntamente com a vivacidade da paleta dos venezianos, originou o tonalismo, outra das correntes fundamentais da pintura do século XVI.

A presença de Albrecht Dürer em Veneza dá a oportunidade de uma reflexão internacional sobre as novidades do tonalismo.

Os românticos, a corrente realista (Courbet), então os impressionistas abandonaram ou simplificaram essa técnica longa e meticulosa (leva entre cada camada alguns dias ou semanas de secagem) para adotar uma pintura que dê mais ênfase à espontaneidade do toque , deixada visível, bem como o efeito do material colado diz impasto (em oposição à conta suave dos pintores de Quattrocento e ao início do Cinquecento). Produtor de um material extremamente delgado e liso na carne, Leonardo da Vinci trabalhou pelo menos quatro anos assiduamente na Mona Lisa, de acordo com o testemunho de Vasari.

A forma de Leonardo e as modalidades materiais de sua escrita sempre foram singulares, razão pela qual o estudo físico dos materiais utilizados nas pinturas de Leonardo da Vinci tem sido limitado há muito tempo. As autoridades do Museu do Louvre, preocupadas com a conservação da Mona Lisa, começaram a partir de 2004 amplas análises de seu assunto, por vários métodos de exame sem amostragem. A análise das camadas de tinta e a composição dos pigmentos por espectrometria de fluorescência de raios X, por cientistas do Centro de Pesquisa e Restauração dos Museus da França (Louvre) e da unidade de radiação sincrotrónica européia em Grenoble duraram seis anos. . Ela concluiu em 2010 que a imagem é coberta com dezenas de camadas de 1 a 3 microns. Este não é o caso de todas as obras de Leonardo; A La Belle Ferronnière, por exemplo, é pintada muito mais habitualmente e rapidamente, enquanto São João Batista e Santa Ana do Louvre são pintados de acordo com este processo e de acordo com a técnica ultra-meticulosa de “desvanecimento complexo”, um dos decisivos fases é o micro-divisionismo.

A análise mostrou o uso surpreendente de óxido de manganês, específico para Leonardo. Este pigmento, muito siccativo, geralmente não é recomendado para a pintura a óleo; mas pode ser uma vantagem para muitas camadas muito finas. No entanto, era necessário moer muito mais finamente do que o habitual. Supõe-se que esboços de moinhos encontrados nos manuscritos de Leonardo correspondem a uma máquina para moer os pigmentos, necessário para chegar a esse resultado. As camadas de tinta não possuem marcas de escova. Segundo alguns cientistas, Leonard pintou com os dedos gordurosos; outros observam que uma pasta com uma proporção adequada de solvente pode permitir o desaparecimento das marcas da escova. A técnica vincentiana de “fusão complexa” é, no entanto, comprovada: os traços de microciclos, cobertos ou não com camadas translúcidas finas, podem ser observados na Mona Lisa do Prado e na Sainte Anne (Inv 737) da Galeria Uffizi. em Florença, cópias de estúdio executadas sob a direção de Leonard (Franck, 2014).

Para outros pintores, Leonardo não podia vender e trabalhar por muito tempo, então seu extremo cuidado com a Mona Lisa era impossível. O sfumato é realizado em menos camadas, mais espessas, com um efeito visual diferente, obtendo apenas um leve desfocagem, sem o brilho do processo de Leonardo. Raphael, portanto, pinta em três camadas, o que requer apenas dois períodos de secagem, e este é, sem dúvida, o caso da maioria dos artistas depois.

Do período barroco, a insistência dada ao desenho das forças armadas obrigam os artistas a abandonar o sfumato, em favor de uma linha marcada que enfatiza o esboço e acentua a expressão, ao mesmo tempo que destaca o controle de linha. Este efeito é denominado, nas palavras do tempo, o “sentimento”.