Pintura cênica teatral inclui disciplinas abrangentes, abrangendo praticamente todo o escopo de técnicas de pintura e artesanato. Um pintor cênico experiente (ou artista cênico) terá habilidades em pintura de paisagem, pintura figurativa, trompe l’oeil e acabamento falso, e será versátil em diferentes mídias, como tinta acrílica, a óleo e a têmpera. O pintor também pode ser realizado em habilidades tridimensionais, como escultura, plasterering e douração.

O pintor cênico subordina suas habilidades ao designer de teatro. Em alguns casos, os designers pintam seus próprios trabalhos.

As técnicas e o conhecimento especializado do pintor cênico replicam uma imagem em maior escala da maquete de um designer, talvez com fotografias e pesquisas originais, e às vezes com amostras de tinta e estilo.

Pintura cênica
Tinta cênica tem sido tradicionalmente misturada pelo pintor usando pigmento em pó, um aglutinante e um meio. O aglutinante adere o pó a si mesmo e à superfície na qual ele é aplicado. O meio é mais fino, o que permite que a tinta seja trabalhada mais facilmente, desaparecendo à medida que a tinta seca. Hoje é comum usar marcas de tinta cênica pronta, ou pigmentos suspensos em um meio ao qual um aglutinante será adicionado.

Origens e história
A pintura teatral é provavelmente tão antiga quanto o próprio teatro europeu, que foi construído na Grécia antiga no século 6 aC. Chr.

Plínio, o Jovem, e Vitrúvio, relataram, nessa época, pinturas nos teatros e arenas romanas.

Decorações de palco fixas e pintadas na forma de quadros cobertos de linho atrás de uma frente de palco arquitetonicamente imutável foram usadas no Renascimento, por exemplo, no palco de perspectiva do Teatro Olímpico. Nesta etapa, utilizou-se a alta arte da representação em perspectiva dos artistas da Renascença, a fim de enganar o espectador com a ilusão de um cenário espacial espacial. Aqui, passagens de palco entre os estádios da frente e de trás foram fornecidas com tecidos pintados em molduras de madeira para completar o efeito espacial de uma perspectiva para o espectador. Tanto na Renascença como na época barroca, elementos decorativos antigos foram redescobertos, elaboradamente projetados e funcionalmente ampliados.

A perspectiva central preferida da pintura desde a Renascença foi incorporada no agora rápido desenvolvimento imparável da decoração de palco. Como resultado, Filippo Bunelleschi (1377-1446) também é chamado de pioneiro da pintura teatral. O resultado foram pinturas em grande escala, que não são inferiores às pinturas a óleo contemporâneas em tecnologia e perfeição. O objetivo dessa perspectiva central de fuga era a ilusão de um ponto de fuga no infinito, por exemplo, usado frequentemente para representar canhões impressionantes e superar seus efeitos.

No início do barroco, Giovanni Battista Aleotti desenvolveu cenas móveis ao ar livre em 1606 para tornar a decoração do palco mutável. Esses elementos decorativos rígidos foram evidentemente pintados com representações cênicas, cênicas ou arquitetônicas. Também usado para a transformação do design do palco foram pintados Telari – que foram modelados na antiga Periakten. Esses componentes prismáticos verticais de três lados podiam ser sentidos lado a lado pela frente como uma superfície homogênea, que realizava, por um giro, uma mudança rápida e descomplicada do projeto do palco.

Peças decorativas pintadas
técnicas de pintura
Como o pintor teatral pinta uma infinidade de cortinas no palco, suas técnicas são tão variadas e específicas quanto os materiais e outros materiais de que ele precisa para trabalhar.

Durante muito tempo – e ainda assim – houve e são técnicas que não são ditas e pertencem aos segredos profissionais dos pintores teatrais e são difíceis de aprender; Naquela época, as pessoas costumavam dizer “tinham que ser roubadas com os olhos”. Técnicas que são bem conhecidas são também técnicas de pintura comumente usadas na arte livre, como a pintura Alla-prima (pintada em uma camada) e a técnica de esmalte (pintura multicamadas). Este último é muito usado na pintura teatral; Não é por acaso que o pintor teatral pinta suas enormes “telas” no chão.

A técnica de envidraçamento implica um meio diluído, em que até mesmo a menor camada de tinta brilha até a última camada de tinta aplicada.

Tradicionalmente, isso é feito da seguinte maneira: o motivo, que mais tarde deve adornar a perspectiva como uma pintura, é primeiramente desenhado com carvão – por meio de uma haste de carvão (um pedaço de carvão na haste longa) sobre o substrato de tecido preparado. O precursor de carbono é então desenhado com uma cor diluída (geralmente um tom sépia ou marrom); mas não apenas os contornos, mas também a elaboração extensiva. Aqui você já pode obter uma plasticidade da pintura, cobrindo áreas que precisam ser mais escuras várias vezes. Esse processo, que serve para concretizar seu pré-desenho e “segurar” a superfície da pintura, é chamado de sinterização. Sobre a sinterização, os trabalhos de pintura são esmaltados, e a sinterização ainda é visível. No final, as luzes e a escuridão ficam um pouco mais opacas. No decorrer de pinturas de grande escala que são encontradas principalmente em casas de ópera, é aconselhável fixar o pré-estiramento de carvão com um esmalte muito grande por meio de uma pistola. Nesta tecnologia de processo, a textura granulada da impressão, que também é retida em uma pintura translúcida subseqüente, combina com um padrão de pulverização, se for trabalhada com uma pistola de pintura.

O pintor teatral é – além de sua habilidade artística – também um pintor de imitação, de mármore, pedra, madeira, ferrugem, patina, etc. Para cada imitação existem as várias técnicas e truques; sobre esmalte de cerveja para estrutura de mármore “wrap” ou Kolzkörner “beat”. Aqui, no entanto, a prioridade é dada ao efeito remoto, como em todas as pinturas teatrais; porque o próximo espectador, que olha para o trabalho no palco, geralmente fica a pelo menos dois metros e meio de distância.

Ocupação e atividade
A profissão de pintura de palco ainda é chamada de pintura teatral no uso linguístico. Sua trajetória de treinamento só foi oficialmente reconhecida na antiga Alemanha Ocidental desde fevereiro de 2000. O aprendizado dessa profissão ocorre principalmente no âmbito de uma formação profissional e geralmente é de três anos. Hoje, a maioria dos cursos de treinamento está no sistema dual (isto é, baseado na escola e na empresa), assim como em casos individuais apenas operacionalmente. Existem três escolas vocacionais conhecidas na Alemanha: uma em Berlim, uma em Essen e uma em Baden-Baden. A única universidade na Alemanha a oferecer pintura teatral está localizada em Dresden. Tanto para o programa de graduação quanto para a maioria das empresas de treinamento, um portfólio de trabalhos artísticos como uma aplicação é um pré-requisito necessário. Até o momento, não existe nenhum mestrado para o caminho de treinamento; Todos os pintores de palcos são ou não qualificados, habilidosos trabalhadores ou estudantes de pós-graduação.

Os pintores de teatro são empregados principalmente em teatros e óperas estaduais e municipais, seu local de trabalho é a sala de pintura. No entanto, há um número crescente de empresas ou estúdios de decoração independentes; em que pintores de palco freelance, mas também artistas ou pintores decorativos são empregados. Nas produções cinematográficas, também, são empregadas pintoras de palco que fornecem o conjunto com suas pinturas.

Coleções
Coleções maiores de pintura teatral histórica foram preservadas na Alemanha no Meiningen Theatre Museum (decorações do período de turnê de Meininger, 1874-1890) e no Ravensburg Concert Hall (decorações do pintor da corte de Stuttgart Wilhelm Plappert, 1902-1910).