O design escandinavo é um movimento de design caracterizado pela simplicidade, minimalismo e funcionalidade que surgiram no início do século 20 e floresceram nos anos 50, nos cinco países nórdicos da Dinamarca, Finlândia, Islândia, Noruega e Suécia.

Visão geral
Em 1914, o dinamarquês Selskabet de Dekorativ Kunst (Companhia de Artes Decorativas) lançou sua revista Skønvirke (da) (literalmente “Graceful Work”). Seu título tornou-se o nome de um novo estilo dinamarquês de artes e ofícios, para rivalizar com Art Nouveau e Jugendstil.

A partir da década de 1930, designers como Alvar Aalto (móveis, tecidos), Arne Jacobsen (cadeiras), Borge Mogensen (móveis), Hans J. Wegner (cadeiras), Verner Panton (cadeiras de plástico), Poul Henningsen (lâmpadas) e Maija A Isola (têxteis impressos) ajudou a criar uma “era de ouro do design escandinavo”.

O Lunning Prize, concedido a designers escandinavos de destaque entre 1951 e 1970, foi fundamental para tornar o design escandinavo uma mercadoria reconhecida e na definição de seu perfil.

Em 1954, o Museu do Brooklyn realizou sua exposição “Design na Escandinávia”, e uma moda para o mobiliário “Escandinavo Moderno” começou na América. O design escandinavo não é de forma alguma limitado a móveis e utensílios domésticos. Ele foi aplicado ao design industrial, como eletrônicos de consumo, telefones celulares e carros.

O conceito de design escandinavo tem sido objeto de debates acadêmicos, exposições e agendas de marketing desde a década de 1950. Muitos enfatizam os ideais de design democrático que foram um tema central do movimento e estão refletidos na retórica que cerca o design contemporâneo escandinavo e internacional. Outros, no entanto, analisaram a recepção do design escandinavo no exterior, vendo nele uma forma de formulação de mitos e política racial.

Nas nações escandinavas

Projeto Dinamarca
Design dinamarquês é um estilo de design funcionalista e arquitetura que foi desenvolvido em meados do século XX. Influenciados pela escola alemã Bauhaus, muitos designers dinamarqueses usaram as novas tecnologias industriais, combinadas com idéias de simplicidade e funcionalismo para projetar edifícios, móveis e objetos domésticos, muitos dos quais se tornaram icônicos e ainda estão em uso e produção, como os de Arne Jacobsen. 1958 Egg chair e 1926 PH-lamps da Poul Henningsen. Após a Segunda Guerra Mundial, as condições na Dinamarca foram ideais para o sucesso no design. A ênfase estava no mobiliário, mas a arquitetura, a prata, a cerâmica, o vidro e os têxteis também se beneficiaram da tendência. A industrialização tardia da Dinamarca combinada com uma tradição de artesanato de alta qualidade formou a base do progresso gradual em direção à produção industrial.

O ponto de partida desta direção do design é tradicionalmente associado à tradição medieval – as instituições básicas foram formadas no século XVI, quando as corporações artesanais básicas foram criadas. No entanto, as principais características do design na Dinamarca foram influenciadas pela nova tradição artística do século XX: o estilo modernista e, depois, o funcionalismo, o estilo internacional, o modernismo e a tradição da Bauhaus. O design dinamarquês, cuja referência direta pode ser considerada a atividade da Royal Porcelain Manufactory Royal Copenhagen, fundada em 1775, sofreu uma influência marcante da tradição neoclássica e romântica. O movimento das artes e ofícios também esteve próximo da ideia artística dinamarquesa, das suas tradições ideológicas e cotidianas.

Uma das características do design da primeira metade do século XX na Dinamarca é a combinação da tradição do classicismo, o movimento das artes e ofícios, modernismo e modernismo. Um dos exemplos dessa direção é o trabalho de George Jensen. O desenvolvimento de novas formas e um novo estilo no design dinamarquês está relacionado com a atividade da revista Kritisk Revy, que contribuiu para a disseminação de idéias do modernismo, do construtivismo e da Bauhaus.

O desenho da segunda metade do século XX está associado a uma integração consistente no sistema internacional. A tradição dinamarquesa dos anos 1950-1970 é o uso de formas simplificadas (Arne Jacobsen), novos materiais (Werner Penton) e novos sistemas tecnológicos (Bang & Olufsen). Como muitos adeptos do estilo internacional, representantes do design dinamarquês perceberam o objeto e a coisa como a quintessência do conceito e da ideia. Uma das principais características do design dinamarquês pode ser chamada de atitude atenta aos materiais e o desejo de demonstrar suas características físicas (por exemplo, a poltrona da Ant Arne Jacobsen). Essa tradição de um sentido de material em meados do século XX foi transferida para novos objetos e texturas, em particular – plástico, vidro e metal.

Kai Boyesen
Hans Wegner
Nils Gammelgard
Nanna Dietzel
Georg Jensen
Kaare Clint
Arnold Krogh
Borghe Mogensen
Werner Panton
Paul Henningsen
Fritz Hansen
Alfred Homann
Finn Jul
Arne Jacobsen
Bang & Olufsen
BoConcept
Copenhaga Real

Design da Finlândia
O design finlandês abrange vestuário, design de engenharia, mobiliário, vidro, iluminação, têxteis e produtos domésticos. A marca “Design from Finland” foi criada em 2011. O Museu de Design da Finlândia (anteriormente chamado de Museu de Arte e Design) tem uma coleção fundada em 1873, enquanto a Universidade de Arte e Design de Helsinki, criada em 1871, agora faz parte da Universidade Aalto. .

A origem e ascensão do design finlandês está associada ao fenômeno do romantismo nacional, que se desenvolveu no século XIX e início do século XX. A publicação de Kalevala por Elias Lennrot em 1835, a influência da arquitetura sueca da segunda metade do século XIX e a conquista da independência em 1917 criaram as condições para a formação de uma escola de arte nacional no campo do design. A peculiaridade da escola finlandesa é a combinação da tradição nacional e os princípios da doutrina arquitetônica internacional. Na primeira metade do século XX, o design finlandês foi moldado pelas idéias do modernismo. Em particular, as obras de Alvar Aalto participaram da importante exposição “Arquitetura Moderna: Exposição Internacional”, realizada no Museu de Arte Moderna de Nova York em 1932 e, de fato, impulsionou o desenvolvimento do estilo internacional. A Finlândia tornou-se um dos países mais importantes, tanto em termos da difusão do estilo internacional, como em termos do desenvolvimento do design em geral. O design clássico finlandês combinou elementos da cultura tradicional (Timo Sarpaneva), motivos naturais (Tapio Virkkala) e princípios de design funcional e minimalista internacional (Alvar Aalto).

No período pós-guerra, o desenvolvimento do design na Finlândia fazia parte de um programa estadual de larga escala relacionado ao apoio e à promoção da cultura nacional. 1951 é considerado o ano do chamado “Milan Miracle”: o design finlandês foi amplamente apresentado na 9ª Trienal de Milão e liderou exposições de design. Em 1954, na décima Trienal de Milão, o estande da Finlândia foi projetado por Tapio Virkkala, mostrando uma ampla gama de trabalhos de uma variedade de materiais e enfocando o caráter “escultural” do design finlandês. Os designers finlandeses de vidreiros, em particular, trabalharam muito para fábricas de sopro de vidro em Murano. O design finlandês aplicado e doméstico reivindicou o status de um objeto artístico. Cada sujeito foi considerado não apenas como um objeto conveniente de utensílios, mas como uma incorporação de uma ideia artística. O período 1960-1970 é considerado a “era de ouro” do design finlandês.

Alvar Aalto
Aino Aalto
Eero Aarnio
Tapio Virkkala
Maria Izola
Inkeri Leivo
Antti Nurmesniemi
Eliel Saarinen
Timo Sarpanieva
Ilmari Tapiovaara
Oywa Toikka
Kai Frank
Klaus Haapaniemi
Kurt Ekholm
Aves com raiva
Arabia
Artek
Fiskars
Iittala
Marimekko
Nokia

Projeto Islândia
O design na Islândia é uma tradição relativamente jovem, começando nos anos 50, mas crescendo rapidamente. As opções limitadas do país para fabricação e sua escolha restrita de materiais forçaram ambos os projetistas a serem inovadores, embora a lã continue sendo um material básico, seja feltrado ou tricotado. O Museu de Design e Arte Aplicada da Islândia, com o objetivo de gravar o design islandês a partir de 1900, foi inaugurado em 1998. A Academia de Artes da Islândia também foi fundada em 1998, seguida por sua Faculdade de Arquitetura e Design, que promoveu um caráter tipicamente islandês. no design da nação.

A peculiaridade do design islandês reside em seu desenvolvimento tardio. A Islândia praticamente não participou da formação de idéias artísticas do início do século XX. Devido ao fato de que o país ocupa uma das posições mais isoladas entre todos os países escandinavos, praticamente não participou do processo artístico consistente dos estados continentais. No entanto, até meados do século XX, a Islândia permaneceu parte da Dinamarca, conquistando a independência apenas em 1944. De importância fundamental para o desenvolvimento do design na Islândia foi a abertura da Escola de Artes Aplicadas em Reykjavik em 1939. A peculiaridade do design islandês é sua atitude específica em relação ao modernismo. Elementos da nova direção surgiram na Islândia, numa época em que o estilo internacional, na verdade, já era um fenômeno estabelecido. A familiaridade com o modernismo coincidiu com a conquista da independência. Em parte, portanto, o modernismo na Islândia era percebido como um símbolo de liberdade e identidade nacional, e não um sinal de doutrina artística cosmopolita.

A especificidade do design islandês é a falta e uso limitado de novos materiais (como vidro, plástico, aço) e um aumento do interesse em matérias-primas naturais: vidro vulcânico, lava congelada, pedra bruta. Com o intuito de apoiar e desenvolver a escola aplicada nacional nos anos 1950-1960, houve uma proibição das importações de móveis na ilha. Desde a década de 1990, a ênfase principal tem sido colocada no desenvolvimento de design gráfico e computador.

Ludwig Gudmundsson
Einar Jounsson
Gunnar Magnusson
Jonas Solmundsson
Helgi Halgrimsson
Valdis Harrisdottir

Design da Noruega
O design norueguês tem uma forte estética minimalista. Itens projetados incluem lâmpadas e móveis. As qualidades enfatizadas incluem durabilidade, beleza, funcionalidade, simplicidade e formas naturais.

O Centro Norueguês de Design e Arquitetura, “DogA”, está instalado em uma antiga estação de transformação em Oslo. A Noruega realiza anualmente uma exposição de design chamada “100% Noruega” na London Design Fair.

A especificidade do design norueguês é uma posição incomum em relação às tendências artísticas internacionais e à tradição da arte local. O sistema norueguês pressupunha a vida de grandes fazendas isoladas do mundo exterior e, ao mesmo tempo, fornecia tudo o que era necessário. A peculiaridade da Noruega é uma combinação de duras condições de vida e conforto que combinam a tradição nacional e os princípios do design internacional.

A peculiaridade da cultura norueguesa é a atenção contínua ao movimento de artes e ofícios associado com as idéias de romance nacional, bem como o interesse constante no estilo modernista, que na Noruega adquiriu semelhanças com o medieval “estilo animal” (o assim -called norueguês “Dragon Style”).

Importante para o desenvolvimento específico do design norueguês foi fundada em 1918 pelo Sindicato de Designers da Noruega (Landsforbundet Norsk Brukskunst, LNB), que apoiou e desenvolveu a tradição do artesanato nacional em vez dos princípios do estilo internacional. As atividades do sindicato deixaram sua marca em todo o sistema da escola de design na Noruega, que estava focada na preservação de formas tradicionais, em vez de manter e desenvolver o conceito de design internacional.

David Andersen
Gustav Gaudernak
Willie Johansson
Gerhard Munthe
Peter Opsvik
Greta Pritz
Frida Hansen
Tias Eckhoff
Hadeland
Porsgrund

Design da Suécia
O design sueco é considerado minimalista, com ênfase na funcionalidade e em linhas simples e limpas. Isso se aplica especialmente ao mobiliário. A Suécia é conhecida por artesanato tradicional, incluindo artesanato em vidro e sami. O design sueco foi iniciado por Anders Beckman (gráficos), Bruno Mathsson (mobiliário), Märta Måås-Fjetterström e Astrid Sampe (têxtil) e Sixten Sason (industrial). As organizações que promovem o design na Suécia são a Svensk Form, a sociedade sueca de artesanato e design, fundada em 1845; a Fundação Sueca de Design Industrial, conhecida como SVID; o Conselho de Artes Sueco; e o Centro Sueco de Arquitetura e Design (conhecido como ArkDes) na ilha de Skeppsholmen em Estocolmo, ao lado do museu de arte moderna.

As idéias do design sueco estão associadas ao conceito de ética protestante, formulado por Max Weber. Essa doutrina ideológica pressupõe rigidez, restrição e considera o trabalho honesto e digno remunerado como parte da identificação religiosa. O ponto de partida do design sueco é o período de simbolismo e modernidade, quando na Suécia sua própria linguagem artística foi formada sob a influência da escola nacional de classicismo, romantismo, sentimentalismo, impressionismo e da tradição simbólica sueca. O artista mais notável e influente desta época pode ser considerado Karl Larsson.

O design sueco procede das vantagens de um padrão de vida seguro, sustentável mas não provocativo. A tradição do design da Suécia no século XX é a combinação de idéias do movimento de artes e ofícios com sua idéia de conforto doméstico e uma radical tradição minimalista do modernismo. Para a Suécia, o design tornou-se uma forma de identidade nacional, uma forma de criar e expressar um carácter nacional que tem as suas características únicas e, ao mesmo tempo, está incluído no sistema de valores europeus.

Gunnar Asplund
Gunnar Wennerberg
Björn Dahlström
Karl Larsson
Ingeborg Lundin
Bruno Matsson
Sigurd Persson
Ingaherd Raman
Sixten Sason
A & E Design
Ericsson
Electrolux
Gustavsberg
Hasselblad
IKEA
Volvo