A música romântica é um período da música clássica ocidental que começou no final do século XVIII ou início do século XIX. Está relacionado com o romantismo, o movimento artístico e literário europeu que surgiu na segunda metade do século XVIII, e a música romântica em particular dominou o movimento Romântico na Alemanha.

No período romântico, a música tornou-se mais explicitamente expressiva e programática, lidando com os temas literários, artísticos e filosóficos da época. Os primeiros compositores românticos famosos incluem Beethoven (cujas obras abrangem tanto este período quanto o período clássico anterior), Schubert, Schumann, Chopin, Mendelssohn, Bellini e Berlioz. O final do século XIX viu uma expansão dramática no tamanho da orquestra e na gama dinâmica e diversidade de instrumentos usados ​​neste conjunto. Além disso, os concertos públicos tornaram-se uma parte fundamental da sociedade urbana de classe média, em contraste com períodos anteriores, quando os concertos eram principalmente pagos e realizados para aristocratas. Compositores famosos da segunda metade do século incluem Bruckner, Johann Strauss II, Brahms, Liszt, Tchaikovsky, Dvořák, Verdi e Wagner. Entre 1890 e 1910, uma terceira onda de compositores, incluindo Mahler, Richard Strauss, Puccini e Sibelius, construíram o trabalho de compositores românticos intermediários para criar obras musicais ainda mais complexas – e muitas vezes muito mais longas. Uma marca proeminente da música do final do século XIX é o seu fervor nacionalista, exemplificado por figuras como Dvořák, Sibelius e Grieg. Outras figuras proeminentes do final do século incluem Saint-Saëns, Fauré, Rachmaninoff e Franck.

Música romântica foi muitas vezes dividida entre diferentes estilos, muitas vezes contrastando uns com os outros. Desde cedo houve uma divisão entre o Novo Alemão e a parte clássica. O novo estilo alemão foi marcado por uma clara ruptura com a música anterior. Era mais emocional na expressão e muitas vezes caracterizada pela chamada música de programação, ou seja, a música seguia um programa ou era inspirada por uma obra literária ou uma obra de arte. O estilo oposto era mais classicamente orientado, o que significa que, embora fosse uma direção mais romântica, podia-se ouvir inspiração de Mozart, Beethoven, Haydn e a guarda mais velha. Geralmente tinha música mais absoluta, ou seja, a música em si estava na frente e não deveria ser misturada com outras formas de arte.

Outra distinção foi na ópera. No início, a ópera era caracterizada tanto pelos descendentes de Gioachino Rossini, onde as belas árias muitas vezes dominavam óperas cômicas, ou ópera, lutando contra forças naturais ou sociais, contrastes e humores. Além disso, a ópera alemã começou a se desenvolver em uma direção fortemente romântica já do Jegerbruden em 1821, onde dominavam os seres sobrenaturais, a batalha contra o mal, o foco medieval e as sagas alemãs e os jornais públicos. Isso levou Richard Wagner. Ele também criou a idéia de Gesamtkunstwerk, que todas as partes da ópera, de cantores a orquestra, ao libreto, à cenografia e à coreografia, a cooperação para contar uma mensagem forte. Wagner usou a orquestra em um grau muito maior do que as óperas anteriores, e escreveu as próprias histórias para que ele pudesse corresponder melhor a tudo. Seu oposto claro foi Giuseppe Verdi, que criou óperas baseadas em peças famosas, poemas ou romances, e se concentrou em orquestração mais simples, ainda focando em músicas e boas melodias. No entanto, Verdi também foi influenciado pela importância do drama, embora ele manteve as óperas de Wagner em um braço de comprimento. No final do romance veio a verdadeira ópera, óperas muito mais realistas sobre o presente e seus desafios, especialmente com Giacomo Puccini como campeão. Estas foram uma sinergia das idéias de Wagner e Verdis sobre a ópera.

Também dentro das sinfonias, havia uma distinção clara entre aqueles inspirados por Hector Berlioz e Franz Liszt e sua música programática (Bedrich Smetana, Anton Bruckner e Pjotr ​​Tsjajkovsky) de um lado, e os seguidores de Mendelssohn e Schumann que se concentravam na música absoluta (John Brahms , Antonín Dvořák e Gustav Mahler) por outro. As sinfonias também foram parcialmente atraídas para as idéias musicais de Wagner. Os fãs da música programada foram mais frequentemente inspirados por Wagner, enquanto os seguidores da música absoluta eram muito mais céticos.

Música romântica também foi um desenvolvimento em balé, novos estilos como opereta apareceu, o vale vienense tornou-se um allemannseie e muitos virtuosos apareceram e elevaram o nível de jogos de concerto. As orquestras estavam crescendo e o maestro tornou-se mais importante. O piano, que já avançava no período anterior, tornou-se dominante em muitos lares e como principal instrumento de vários concertos e performances de ciclos musicais.

Traços
Características frequentemente atribuídas ao romantismo:

uma nova preocupação e entrega à Natureza;
fascinação pelo passado, particularmente a Idade Média e as lendas do cavalheirismo medieval;
uma volta para o místico e sobrenatural, ambos religiosos e meramente assustadores;
um anseio pelo infinito;
misteriosas conotações de afastamento, incomuns e fabulosas, estranhas e surpreendentes;
um foco no noturno, no fantasmagórico, no assustador e aterrorizante;
visão fantástica e experiências espirituais;
uma nova atenção dada à identidade nacional;
ênfase no subjetivismo extremo;
interesse no autobiográfico;
descontentamento com fórmulas musicais e convenções.

Essas listas, no entanto, proliferaram com o tempo, resultando em um “caos de fenômenos antitéticos”, criticados por sua superficialidade e por significar tantas coisas diferentes que não veio a ter um significado central. Os atributos também foram criticados por serem muito vagos. Por exemplo, características do “fantasmagórico e sobrenatural” poderiam aplicar-se igualmente a Don Giovanni, de Mozart, de 1787, e The Rake’s Progress, de Stravinsky, de 1951 (Kravitt 1992, 93-95).

Na música há uma linha divisória relativamente clara na estrutura e forma musical após a morte de Beethoven. Quer se trate de Beethoven como um compositor “romântico” ou não, a amplitude e o poder de seu trabalho deram origem a um sentimento de que a forma sonata clássica e, de fato, a estrutura da sinfonia, sonata e quarteto de cordas haviam se esgotado. Schumann, Schubert, Berlioz e outros compositores românticos antigos tendiam a olhar em direções alternativas. Algumas características da música romântica incluem:

O uso de estruturas musicais novas ou anteriormente não tão comuns como o ciclo da música, o noturno, o estudo de concerto, o arabesque e a rapsódia, ao lado dos gêneros clássicos tradicionais. A música do programa tornou-se um pouco mais comum;
Uma estrutura harmônica baseada no movimento do tônico para o subdominante ou chaves alternativas em vez do tradicional dominante, e o uso de progressões harmônicas mais elaboradas (Wagner e Liszt são conhecidos por suas progressões experimentais);
Uma ênfase maior na melodia para sustentar o interesse musical. O período clássico usava freqüentemente material temático curto, até mesmo fragmentário, enquanto o período romântico tendia a fazer maior uso de temas mais longos, mais plenamente definidos e mais satisfatórios;
O uso de uma faixa mais ampla de dinâmica, por exemplo, de ppp para fff, suportada por grande orquestração;
Usando um intervalo de tons maior (exp. Usando as notas mais baixas e mais altas do piano);

As formas de música romântica
Sinfonia
Levada ao mais alto grau por Ludwig van Beethoven, a sinfonia tornou-se a forma de maior prestígio à qual muitos compositores se dedicavam. Os mais conservadores respeitam o modelo de Beethoven: Franz Schubert, Felix Mendelssohn, Robert Schumann ou Johannes Brahms. Outros mostram uma imaginação que vai além desse quadro, na forma ou no espírito: o mais audacioso deles é Hector Berlioz.

Finalmente, alguns vão além de contar uma história ao longo de suas sinfonias; como Franz Liszt, eles criarão o poema sinfônico, um novo gênero musical, geralmente composto de um único movimento e inspirado em um tema, um personagem ou um texto literário. Como o poema sinfônico é articulado em torno de um leitmotif (motivo musical que permite identificar um personagem, o herói, por exemplo), é para aproximar a música do programa sinfônico.

Mentiu
Este gênero musical surgiu com a evolução do piano em direção ao piano durante o período romântico. O lied é uma música vocal acompanhada principalmente por este instrumento. A música é extraída de poemas românticos e este estilo permite trazer a voz dos sentimentos o mais próximo possível. Um dos primeiros e mais famosos compositores de lieder é Franz Schubert, com O Rei dos Amieiros, no entanto, muitos outros compositores românticos se entregaram ao gênero de mentira como Robert Schumann, Johannes Brahms, Hugo Wolf ou Gustav Mahler.

Concerto
Foi Beethoven quem inaugurou o Concerto Romântico, com seus cinco concertos para piano (especialmente o quinto) e seu concerto para violino. Seu exemplo é seguido por muitos compositores: o concerto rivaliza com a sinfonia no repertório das grandes formações orquestrais.

Finalmente, o concerto permitirá que compositores instrumentais revelem seu virtuosismo, como Niccolò Paganini no violino, e Frédéric Chopin ou Franz Liszt no piano.

O elemento vocal na música romântica
A era romântica não era mais um século de grandes composições vocais. Uma série de compositores a capela ainda existia, requintada e refinada, como Mendelssohn e Brahms, que alcançaram harmonia inconfundível e efeitos cromáticos no século XVI, que era a era florida do estilo a cappella. Especialmente na Alemanha, os meios para alcançar esse refinamento foram as composições corais para homens, que, no entanto, não deviam seu impulso a razões puramente artísticas, já que se tornaram uma expressão de nacionalismo ou atividades partidárias, enquanto o resto de manifestações vocais caiu em desuso. Os grandes campeões do período romântico não pensaram, por um momento, em compor obras para a igreja e assim contribuir para a escuta dos versos da Bíblia.

Oratórios foram escritos, como El paraíso y la peri, de Schumann. Brahms escreveu A German Requiem, um trabalho religioso com texto inteiramente em alemão. Missas e outras obras religiosas também foram escritas. A Ave Maria de Schubert, é uma mentira para canto e piano.

Instrumentação e escala
Como em outros períodos, a instrumentação foi adaptada às exigências musicais do período. Compositores como Hector Berlioz, orquestraram suas obras de uma maneira nunca antes ouvida, dando um novo destaque aos instrumentos de sopro. O tamanho da orquestra padrão aumentou e instrumentos como o flautim e o chifre inglês foram incluídos, os quais foram usados ​​muito ocasionalmente antes. Mahler escreveu sua oitava sinfonia, conhecida como a “Sinfonia dos Mil” pela missa coral e orquestral que é necessária para interpretá-la.

Além de precisar de uma orquestra maior, as obras do romantismo se tornaram mais longas. Uma sinfonia típica de Haydn ou Mozart, compositores do classicismo, pode durar aproximadamente vinte ou vinte e cinco minutos. Já a terceira sinfonia de Beethoven, que é geralmente considerada como o Romantismo inicial, dura cerca de quarenta e cinco minutos. E essa tendência cresceu notavelmente nas sinfonias de Anton Bruckner e atingiu seus níveis máximos no caso de Mahler, com sinfonias que têm uma duração de uma hora (como é o caso do primeiro e do quarto) para sinfonias que duram mais de uma hora e metade (como o terceiro ou oitavo).

Por outro lado, no Romantismo, a importância do instrumentalista virtuoso cresceu. O violinista Niccolò Paganini foi uma das estrelas musicais do início do século XIX. Liszt, além de ser um notável compositor, também era um virtuoso do piano, muito popular. Durante as performances dos virtuosos, eles costumavam se destacar mais do que a música que estavam tocando.

Estes são alguns dos instrumentos que aparecem no Romantismo:

Vento

Contrafagot: Espécies de fagote de grandes dimensões, cujos sons são produzidos até o túmulo de oitavas do fagote comum.

Saxofone: Instrumento de sopro composto por um tubo cônico de metal curvo em forma de U, com várias teclas e um bocal de madeira e cana. Existem vários tamanhos.

English Horn: Instrumento de sopro, maior e mais grave que o oboé.

Tuba: Instrumento de sopro de grandes proporções e sonoridade volumosa e grave.

Teclado

Piano: Embora já existisse no classicismo, o piano é o grande instrumento do romantismo. Permite a maior expressividade aos compositores, que são, muitas vezes, virtuosos deste instrumento.

Breve Cronologia
As raízes clássicas do romantismo (1780-1815)

Na literatura, costuma-se dizer que o romantismo começou na década de 1770 ou 1780, com o movimento alemão chamado Sturm und Drang. Foi influenciado principalmente por Shakespeare, sagas folclóricas, reais ou fictícias, e pela poesia de Homero. Escritores como Goethe ou Schiller mudaram radicalmente suas práticas, enquanto na Escócia Robert Burnstranscreveu a poesia de canções populares. Esse movimento literário se refletiu de várias maneiras na música do período clássico, incluindo a obra de Mozart na ópera alemã, a escolha de canções e melodias que seriam usadas em trabalhos comerciais e no aumento gradual da violência na expressão artística. No entanto, a capacidade ou interesse da maioria dos compositores em aderir ao “Romantismo e à Revolução” era limitada pela sua dependência dos tribunais reais. Um exemplo disso é a história da estréia de Le nozze di Figaro de Mozart, que foi censurada por ser revolucionária.

Mesmo em termos puramente musicais, o romantismo tirou sua substância fundamental da estrutura da prática clássica. Neste período, os padrões de composição e interpretação foram aumentados e padrões e conjuntos de músicos foram criados. Sem perder o motivo, ETA Hoffmann chamou “três compositores românticos” a Haydn, Mozart e Beethoven. Uma das mais importantes correntes internas do classicismo é o papel do cromatismo e da ambigüidade harmônica. Todos os compositores clássicos mais importantes usaram a ambigüidade harmônica e a técnica de se mover rapidamente entre diferentes tonalidades sem estabelecer uma tonalidade verdadeira. Um dos exemplos mais conhecidos desse caos harmônico está no início da Criação de Haydn. No entanto, em todas essas excursões a tensão foi baseada em seções articuladas, um movimento em direção ao dominante ou o relativo maior e uma transparência da textura.

Na década de 1810, o uso de cromatismo e tonalidade menor foram combinados, o desejo de passar para mais tonalidades para alcançar uma faixa mais ampla de música e a necessidade de maior alcance operístico. Enquanto Beethoven foi mais tarde visto como a figura central do movimento, compositores como Muzio Clementi ou Louis Spohrthey representaram melhor o gosto da época para incorporar mais notas cromáticas em seu material temático. A tensão entre o desejo de mais cor e o desejo clássico de manter a estrutura levou a uma crise musical. Uma resposta foi avançar para a ópera, onde o texto poderia conceder uma estrutura mesmo quando não havia modelos formais. ETA Hoffman, agora mais conhecido por sua crítica musical, apresentou com sua ópera Undinae (1814) uma inovação musical radical. (Não confundir com o 1869 de Tchaikovsky). Outra resposta a esta crise foi obtida usando formas mais curtas, incluindo algumas novas, como o noturno, em que a intensidade harmônica em si era suficiente para levar a música adiante.

Primeiros compositores românticos de Joseph Villegas (1815-1850)
Na segunda década do século XIX, a mudança para novas fontes de música, juntamente com um uso mais pronunciado do cromatismo nas melodias e a necessidade de uma expressão mais harmônica, produziram uma mudança estilística palpável. As razões que motivaram essa mudança não foram meramente musicais, mas também econômicas, políticas e sociais. O palco estava montado para uma nova geração de compositores que pudessem falar com o novo ambiente europeu pós-napoleônico.

No primeiro grupo de compositores é geralmente agrupados Beethoven, Louis Spohr, Hoffmann ETA, Carl Maria von Weber e Franz Schubert. Esses compositores cresceram no meio da dramática expansão da vida de concerto do final do século XVIII e início do século XIX, e isso moldou seus estilos e expectativas. Muitos saudaram Beethoven como o modelo a seguir ou, pelo menos, a aspirar. As melodias cromáticas de Muzio Clementi e as óperas de Rossini, Cherubini, Spontini e Mehul também exerceram alguma influência. Ao mesmo tempo, a composição de canções para voz e piano em poemas populares, para satisfazer a demanda de um crescente mercado de casas de classe média, era uma nova e importante fonte de insumos econômicos para os compositores.

As obras mais importantes dessa onda de compositores românticos foram talvez os ciclos de canções e as sinfonias de Schubert, as óperas de Weber, especialmente Oberon, Der Freischütz e Euryanthe. Por enquanto, os trabalhos de Schubert só foram interpretados perante audiências limitadas e só puderam exercer um impacto notável de forma gradual. Pelo contrário, as obras de John Field se encontraram rapidamente, em parte porque ele foi capaz de compor pequenos trabalhos “característicos” para piano e danças.

A próxima coorte de compositores românticos inclui Franz Liszt, Felix Mendelssohn, Frédéric Chopin e Hector Berlioz. Nasceram no século XIX e logo começaram a produção de composições de grande valor. Mendelssohn era particularmente precoce, escrevendo seus primeiros quartetos, um octeto para cordas e música orquestral antes de completar vinte anos. Chopin dedicou-se à música para piano, incluindo estudos e dois concertos para piano. Berlioz compôs a primeira sinfonia notável após a morte de Beethoven, a já mencionada Fantastic Symphony. Liszt compôs música orquestral, mas é conhecido por inovar na técnica de piano, seus estudos transcendentais estão entre os trabalhos que exigem mais virtuosismo.

Ao mesmo tempo, o que hoje é conhecido como “ópera romântica” foi estabelecido, com uma forte conexão entre Paris e o norte da Itália. A combinação de virtuosismo orquestral francês, linhas vocais italianas e poder dramático, juntamente com libretos baseados na literatura popular, estabeleceram as normas que continuam a dominar a cena operística. As obras de Vincenzo Bellini e Gaetano Donizetti foram imensamente populares neste momento.

Um aspecto importante dessa parte do romantismo foi a ampla popularidade dos concertos de piano (ou “recitais”, como Franz Liszt os chamava), que incluíam improvisações de temas populares, peças curtas e longas, como as sonatas de Beethoven ou Mozart. Um dos expoentes mais notáveis ​​das obras de Beethoven foi Clara Wieck, que mais tarde se casaria com Robert Schumann. As novas instalações de viagem oferecidas na época, graças ao trem e depois ao vapor, permitiram o surgimento de grupos internacionais de fãs de pianistas virtuosos, como Liszt, Chopin e Thalberg. Estes concertos foram transformados em eventos por si mesmos. Niccolò Paganini, famoso violinista virtuoso, foi um dos pioneiros desse fenômeno.

Entre o final da década de 1830 e a década de 1840, os frutos desta geração foram apresentados ao público, como os trabalhos de Robert Schumann, Giacomo Meyerbeer e do jovem Giuseppe Verdi. É importante notar que o Romantismo não foi o único, e nem mesmo o mais importante, gênero musical da época, já que os programas de concertos eram amplamente dominados por um gênero pós-clássico, exemplificado pelo Conservatório de Paris, bem como pela música da corte. Isso começou a mudar com o surgimento de certas instituições, como as orquestras sinfônicas com temporadas regulares, uma moda promovida pelo próprio Felix Mendelssohn.

Foi nessa época que Richard Wagner produziu sua primeira ópera de sucesso e começou sua busca por novas formas de expandir o conceito de “dramas musicais”. Wagner gostava de se chamar revolucionário e tinha problemas constantes com seus agiotas e as autoridades; Ao mesmo tempo, cercou-se de um círculo de músicos com idéias semelhantes, como Franz Liszt, com quem se dedicou a criar a “música do futuro”.

Costuma-se indicar que o romantismo literário terminou em 1848, com as revoluções ocorridas naquele ano e que marcaram um marco na história da Europa, ou pelo menos na percepção das fronteiras da arte e da música. Com o advento da ideologia “realista” e a morte de figuras como Paganini, Mendelssohn e Schumann, e a retirada de Liszt do palco, uma nova geração de músicos apareceu. Alguns argumentam que esta geração deveria ser chamada de vitoriana e não romântica. De fato, os últimos anos do século XIX são freqüentemente descritos como romantismo tardio.

Romantismo tardio (1850-1870)
Chegando na segunda metade do século XIX, muitas das mudanças sociais, políticas e econômicas que começaram na era pós-napoleônica foram afirmadas. O telégrafo e as ferrovias uniram muito mais a Europa. O nacionalismo, que foi uma das fontes mais importantes do início do século, foi formalizado em elementos políticos e lingüísticos. A literatura que teve como público a classe média, tornou-se o principal objetivo da publicação de livros, incluindo a ascensão do romance como a principal forma literária.

Muitas das figuras da primeira metade do século dezenove haviam se aposentado ou morrido. Muitos outros seguiram outros caminhos, aproveitando-se de uma maior regularidade na vida de concertos e recursos financeiros e técnicos disponíveis. Nos cinquenta anos anteriores, muitas inovações em instrumentação, incluindo a dupla ação do piano de escape (escarpa dupla), instrumentos de sopro com válvulas e freio (queixo) dos violinos e violas, passaram de algo novo para o padrão. O aumento na educação musical serviu para criar um público mais amplo para a música de piano e concertos de música mais sofisticados. Com a fundação de conservatórios e universidades, abriu-se a possibilidade de os músicos fazerem carreiras estáveis ​​como professores, em vez de serem empresários que dependiam de seus próprios recursos. A soma dessas mudanças pode ser vista na onda titânica de sinfonias, concertos e poemas sinfônicos que foram criados, e a expansão das temporadas de ópera em muitas cidades e países, como Paris, Londres ou Itália.

O final do período romântico também viu o surgimento dos chamados gêneros “nacionalistas”, associados à música popular (folclórica) e à poesia de certos países. A noção de música alemã ou italiana já estava amplamente estabelecida na história da música, mas a partir do final do século 19, os subgêneros russos foram criados (Mikhail Glinka, Musorgski, Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky e Borodin); Checo, finlandês e francês. Muitos compositores eram explicitamente nacionalistas em seus objetivos, procurando compor ópera ou música associada à língua e à cultura de suas pátrias.

Pós-romantismo (1870-1949)
Pode ser considerado um movimento do final do século XIX e início do século XX que difere do romantismo pela exuberância orquestral e da desproporção nos desenvolvimentos sinfônicos, também é caracterizado por um cromatismo intenso que supera Richard Wagner. Nos compositores pós-românticos, observa-se a melancolia que produz a perda da cultura romântica.

Os compositores mais representativos deste estilo foram Anton Bruckner, Erik Satie, Gustav Mahler e Richard Strauss.

O músico romântico
Pela atitude em relação à sociedade e ao mundo, Beethoven tornou-se o modelo do movimento romântico, que ao mesmo tempo era um modelo perigoso. Foi, certamente, a figura deste que proporcionou à era romântica o paradigma de seu conceito de “Artista”. Isto não fez desaparecer a ideia que se tinha de “músico” que emprestava à sociedade um serviço directo, isto é, a canção, organista de igreja, cantor de coro, director de orquestra de teatro e um longo etcetera.

O que está claro é que o palco romântico deu origem ao confronto entre o “artista” e o “filisteu”, como disse musicalmente Robert Schumann em sua obra Carnaval. Com Beethoven começou um período em que as sinfonias, oratórios, música de câmara, coro e lírica, de todos os tipos, e até mesmo as óperas, foram compostas sem ninguém comissioná-las, para um público imaginário, para o futuro e para a eternidade.

O isolamento do músico romântico não ocorreu sem um efeito retroativo em sua personalidade e no caráter de seu trabalho. Antes de 1800, todas as composições tinham que ser suscetíveis à avaliação imediata; se o desvio dos costumes antigos, da tradição, era excessivo, não estava livre de perigos, como mais de um compositor teve a oportunidade de aprender com sua própria experiência. Este foi o caso de Monteverdi, Gluck ou Haydn, entre outros.

Por outro lado, competir na originalidade era mais a exceção do que a regra. Então, as gerações se sucederam. Os músicos românticos resistiram à tradição, e não apenas pararam de evitar a originalidade, mas perseguiram-na e quanto mais livres foram as idéias preconcebidas de que uma obra era, maior a estimativa que ela suscitava.

A música romântica, a música do século XIX, aparece cheia de uma sucessão de personalidades das mais variadas, com uma série de perfis muito mais marcados e diferenciados do que nos séculos anteriores e é uma tarefa muito difícil traçar claramente a trajetória de suas evolução.

Romantismo no século XX (1901 em diante)
Muitos dos compositores que nasceram no século XIX e continuaram a compor no século XX, usaram formas que estavam em clara conexão com a era musical anterior, incluindo Sergei Rachmaninoff, Giacomo Puccini, Richard Strauss e Kurt Atterberg. Por outro lado, muitos dos compositores que posteriormente foram identificados como modernistas, escreveram em seus primeiros trabalhos com um estilo romântico marcante, como Igor Stravinsky (seu balé O Pássaro de Fogo é notável), Arnold Schoenberg (Gurrelieder) e Béla Bartók ( O castelo azul da barba). Mas o vocabulário e a estrutura musical do final do século XIX não pararam por aí; Ralph Vaughan Williams, Erich Korngold, Berthold Goldschmidt e Sergéi Prokófiev continuaram este gênero de composição para além de 1950.

Embora algumas novas tendências, como o neoclassicismo ou a música atonal, questionassem a proeminência do gênero romântico, o interesse em utilizar um vocabulário cromático voltado para a tonalidade permaneceu presente nas obras mais importantes. Samuel Barber, Benjamin Britten, Gustavo Holst, Dmitri Shostakovich, Malcolm Arnold e Arnold Bax, embora se considerassem compositores modernos e contemporâneos, muitas vezes mostravam tendências românticas em seus trabalhos.

O romantismo atingiu um ponto mais retórico e artístico por volta de 1960: tudo indicava que o futuro seria formado por gêneros de composição de vanguarda ou com algum tipo de elementos neoclássicos. Enquanto Hindemith retornou a estilos mais reconhecíveis em suas raízes românticas, muitos compositores se moveram em outras direções. Parecia que só na URSS ou na China, onde havia uma hierarquia acadêmica conservadora, o romantismo tinha um lugar. No entanto, no final dos anos 1960, um renascimento da música que teve uma superfície romântica começou. Compositores como George Rochberg passaram da música em série para modelos baseados em Gustav Mahler, um projeto em que ele foi acompanhado por outros como Nicholas Maw e David Del Tredici. Esse movimento é freqüentemente chamado de neo-romantismo e inclui obras como a Primeira Sinfonia de John Corigliano.

Outra área em que o gênero romântico sobreviveu e até floresceu está nas trilhas sonoras. Muitos dos primeiros emigrantes que escaparam da Alemanha nazista eram compositores judeus que haviam estudado com Mahler ou seus discípulos em Viena. A partitura do filme Gone With the Wind, do compositor Max Steiner, é um exemplo do uso de leitmotivs wagnerianos e orquestração de Mahler. A música dos filmes da Idade de Ouro de Hollywood foi composta em grande parte por Korngold e Steiner, assim como Franz Waxman e Alfred Newman. A próxima geração de compositores para cinema, composta por Alexander North, John Williams e Elmer Bernstein, baseou-se nesta tradição na composição da música orquestral para um cinema mais familiar no final do século XX.

Formas musicais de romantismo
O período romântico musical durou de 1770 a 1910, então o instrumento mais utilizado foi o piano. No campo da música instrumental, sua principal herança era a sonata, que alcançara sua mais forte expressão e significado universal nas sinfonias de Beethoven.

O caminho na sinfonia romântica
Desde o início, os românticos adotaram uma atitude relaxada em relação à forma sinfônica.

Por esta altura já tinha sido lançado e editado o Eroica, esse modelo de gravidade suprema que soa como um hino da mais pura estrutura. Essa composição onde nenhum instrumento se impõe dentro do grupo e onde todos contribuem para o objetivo sinfônico global.