Crítica da Bienal de Arte de Veneza 2015, locais de exposições ao redor da cidade, Itália

A 56ª Mostra Internacional de Arte, intitulada All the World Futures, está aberta ao público de 9 de maio a 22 de novembro de 2015 no Giardini della Biennale e no Arsenale. Comemorando o 120º aniversário, a Exposição forma um roteiro unitário que começa no Pavilhão Central (Giardini) e continua no Arsenale. A Bienal constrói a sua própria história e avança ano após ano, que é formada por muitas memórias, mas, em particular, por uma longa sucessão de diferentes perspectivas a partir das quais se pode observar o fenómeno da criação artística contemporânea.

Com curadoria de Okwui Enwezor e organização da Biennale di Venezia presidida por Paolo Baratta, a Art Participations esteve exposta nos históricos pavilhões de Giardini, no Arsenale e na cidade de Veneza. Com mais de 136 artistas de 53 países. Das obras expostas, 159 são expressamente realizadas para a edição deste ano. Os países que participam pela primeira vez na Exposição são Granada, Maurícias, Mongólia, República de Moçambique e República das Seychelles. Outros países estão participando este ano, após anos de ausência: Equador, Filipinas e Guatemala.

A 44 Collateral Events, aprovada pela curadoria da Exposição Internacional e promovida por instituições nacionais e internacionais sem fins lucrativos, apresenta as suas exposições e iniciativas em vários locais da cidade de Veneza.

Futuros de todo o mundo
A Bienal observa a relação entre a arte e o desenvolvimento do mundo humano, social e político, à medida que as forças e fenômenos externos pairam sobre ela. Todos os futuros do mundo investigam como as tensões do mundo exterior agem nas sensibilidades e nas energias vitais e expressivas dos artistas, em seus desejos e em sua música interior. O mundo diante de nós hoje exibe profundas divisões e feridas, pronunciadas desigualdades e incertezas quanto ao futuro. Apesar dos grandes avanços em conhecimento e tecnologia, estamos atualmente negociando uma “era de ansiedade”.

A principal questão colocada pela exposição é a seguinte: como podem os artistas, através de imagens, objetos, palavras, movimentos, ações, textos e sons, reunir públicos no ato de ouvir, reagir, envolver-se e falar, com o objetivo de fazer sentido das convulsões desta era? Mais resumidamente: como a arte reage ao atual estado de coisas?

Esta bienal parte, portanto, da urgência de fazer um balanço da “situação”. Reconhecendo a complexidade da atualidade, tem uma temática abrangente e propõe uma exposição que reúne uma multiplicidade de conteúdos, tanto do ponto de vista temporal – com obras do passado e do presente, muitas das quais encomendadas para esta ocasião – e da linguagem . O coração dessa visão é o espaço da Arena, no Pavilhão Central, que foi palco de leituras, performances, concertos e peças teatrais, que oferecem visões sincrônicas e diacrônicas da sociedade contemporânea.

Tudo é exibido tendo como pano de fundo os 120 anos de história da Bienal. Fragmentos do passado de vários tipos podem ser encontrados em cada esquina, já que a Bienal atua nas áreas de Arte, Arquitetura, Dança, Teatro, Música e Cinema. É a realidade multifacetada e complexa que ajuda a exposição a evitar perigos como esses. A grande montanha de fragmentos de nossa história cresce a cada ano. Em frente está a montanha ainda maior de tudo o que não foi mostrado nas Bienais anteriores.

Pavilhões Nacionais

Pavilhão da Albânia: trilogia albanesa: uma série de estratagemas tortuosos
A “Trilogia Albanesa: uma série de estratagemas tortuosos”, de Armando Lulaj, de Tirana, leva você para trás, a fim de olhar para frente. Lulaj – que não é estranho à Bienal de Veneza, tendo exibido anteriormente na edição de 2007 – usa sua formação diversificada como dramaturgo, autor e diretor de vídeo para examinar regiões em conflito e territórios em perigo. Em sua opinião, a memória coletiva e as tradições culturais da Albânia correm o risco de se perder. Uma reflexão sobre a história social albanesa, um corpus narrativo único articulado em três momentos distintos: a Trilogia Albanesa é uma espécie de cápsula do tempo do passado, com estranhas recordações e troféus que apresenta, contemporaneamente, ficção e material documental. Combinando evocação e documentação,o projeto concentra-se em uma fase histórico-política de extrema importância para a construção de uma identidade não só albanesa, mas internacional.

Para a Bienal, as expressões visuais de Lulaj do período da Guerra Fria em seu país de origem batem no pulso de um passado conturbado e retrabalham uma narrativa embutida para trazer a história albanesa para o momento presente. A série de três partes começa com It Wears as It Grows (2011), seguida pela popular NEVER (2012), e termina com Recapitulation (2015), criada especificamente para a Bienal. Em exibição estão três vídeos e materiais de arquivo, além de um enorme esqueleto de baleia, protagonista e testemunha silenciosa, uma encarnação do Leviatã gigante, o princípio hobbesiano da soberania. Para Armando Lulaj, a Trilogia Albanesa representa a conclusão de muitos anos de pesquisa sobre o período da Guerra Fria na Albânia e, em particular, sobre os temas relativos da memória coletiva e da experiência histórica.reunidos em uma trilogia de filmes em que três fetiches míticos simbolizam o mar, o ar e a terra.

Pavilhão de Andorra: paisagens interiores. Confrontos
Diante da tirania de uma gigantesca memória numérica imposta pelo soft power vertical das grandes empresas de internet, ou onde a amnésia é totalmente impossível porque todos os dados estão armazenados, o perímetro de privacidade de um bilhão de indivíduos desapareceu. A instalação do pintor Joan Xandri, umas vinte pinturas apresentadas como a proa longa de um navio, colocadas de pé no solo e em desordem, muitas vezes de volta à fonte, também ocultando partes de obras adjacentes, convida-nos a refletir e compreender os limites que devemos todos assumir agora a proteção de nossa privacidade, ou mesmo de nossas almas. Ao fazer isso, ele também nos leva a um espaço inusitado onde o observador é atraído por sua imaginação para uma segunda visualização, onde o fluxo se inspira em uma obra que deliberadamente confunde os códigos tradicionais da pintura.

A obra do escultor Agustí Roqué deve ser encarada como uma bela paisagem, tendendo para a horizontal, sem real ponto focal ou centro de simetria, base das naturezas mortas pós-modernas, destinadas a tornar seus espectadores receptivos ao encontro com o desconhecido através de um confronto consigo mesmo e um espaço com o qual eles podem jogar jogos mentais. Agustí Roqué se move com facilidade em um pós-modernismo em que erigiu uma obra com total autonomia, que ao se identificar plenamente com as diversas potencialidades de um preciso sistema de produção, consegue preservar sua liberdade. Três obras agrupadas sob a evocativa etiqueta Inside-Inside, que esclarecem, se fosse necessário algum esclarecimento, a maravilhosa obra sobre o espaço a que há muito dedica toda a sua energia criativa,dando à escultura o objeto adicional de um evento espaço-tempo.

Pavilhão de Angola: Formas de Viajar
“Sobre as formas de viajar”. Coincidindo com os 40 anos da independência portuguesa em 1975, esta exposição colectiva faz uma viagem pela história nacional para abrir caminhos viáveis ​​para os próximos anos. Hospedado no Palazzo Pisani construído ao longo dos séculos XV e XVII, época em que enormes potências marítimas estendiam seus impérios ultramarinos, época em que Portugal se estabeleceu em Angola por meio milênio. Como está implícito em “On Ways of Travelling”, as repercussões da ocupação são ainda vivas na Angola contemporânea, especialmente no tratamento de questões como a forma de conciliar a tradição com a modernidade. Os recentes conflitos civis espalharam ainda mais a frágil construção de um eu angolano. rescaldo de um passado traumático, ventos de esperança estão soprando.A seleção de obras reúne artistas emergentes em torno de Antonio Ole, este diálogo geracional oferece uma visão renovadora da evolução social e cultural de uma nova Angola.

Há um forte impulso para que a geração mais jovem assuma os esforços para moldar um futuro mais brilhante. Símbolo da resistência angolana, o facão é o suporte de uma notável representação pictórica; Délio Jasse apresenta um estudo, em forma fotográfica, da memória, sua sedimentação e o motivo do esquecimento; Nelo Teixeira segue com uma obra em que a madeira forma a estrutura básica e onde a incorporação do objeto trouvé acentua narrativas paralelas; e finalmente Binelde Hyrcan, um artista muito eclético em suas escolhas estéticas, apresenta vídeo e instalação de suas pesquisas mais recentes. A peça central de Ole é composta por duas paredes de chapa metálica, material utilizado em baixadas na periferia dos centros urbanos africanos. A resistência e a sobrevivência humanas são um tema central em sua obra. Solo,garrafas de vidro vazias e pedaços de tecido rasgado importados de Angola são empilhados em vitrines incorporadas, sugerindo a presença de moradores de edifícios improvisados. Perto dali, duas esculturas monumentais feitas de baldes de plástico empilhados desafiam as leis da gravidade.

Pavilhão da Argentina: A Revolta da Forma
A exposição intitulada “A rebelião da forma”, relembrando os artistas premiados em diferentes bienais – Julio Le Park, Antonio Berni e León Ferrari. O espetáculo reflete sobre a condição humana, onde o corpo / corpos são um território privilegiado de vivência, figuras que escapam ou que se pressionam em tensões e quedas modificando sua relação com o espaço e a matéria. Todas as outras peças, das 23 expostas, são coloridas e com aquela resina especial e envolvente que parece encapsular suas obras. A morte tem um relógio e, em cima, gravuras, avisos do item 59, aqueles que oferecem serviços sexuais: é a maravilha da arte grega transplantada para uma travesti do século XXI. Na entrada do Pavilhão, as esculturas distanciam-se do olho humano por falta de pedestais,o que gera um diálogo muito forte com as pessoas. Juan Carlos Distéfano trabalha para transcender o nível local. erguer-se no panorama da arte universal, que ignora as fronteiras físicas e temporais.

‘Mischievous Emma’ é uma homenagem a Spilimbergo da série de uma prostituta que leva esse nome, uma grande mas terrível escultura, é sobre a figura de uma travesti que tem um chinelo até a morte que está chupando seu pescoço branco e preto, e embaixo há um piso que também é um tabuleiro de xadrez nessas duas cores. ‘Los enluminados’, que alude fortemente à violência, onde os diferentes níveis de poder olham para o lado, com as mãos postas sobre os joelhos, em postura de oração e com a cabeça jogada para trás, mostrando a indiferença absoluta de todo um setor de poder em relação ao que acontecia durante a ditadura militar. A escultura de Distéfamo mostra um trabalhador que vê uma pipa emaranhada e é montada em um poste, usando um alicate para cortar o cabo.Ele quer que a pipa voe novamente sob o risco de ser eletrocutado numa metáfora do homem que se imola pelo bem dos outros.

Pavilhão da Armênia
Vencedor do Prêmio Leão de Ouro
O Pavilhão Armênio comemora 100 anos desde o genocídio de mais de um milhão de armênios pelos turcos otomanos durante a Primeira Guerra Mundial. A Mostra repensa a noção de “arménia” e alarga esta reflexão aos conceitos de identidade e memória, justiça e reconciliação, em nome das quais ainda decorrem muitas lutas contemporâneas. Em exposição está uma coleção de obras de artistas ligados à a diáspora de vários países da Europa, das Américas e do Oriente Médio. A instalação em si ocorre no Mosteiro Mekhitarista Armênio, em uma pequena ilha a sudeste de Veneza que é acessível por vaporetto. Muitas obras importantes da literatura europeia e textos religiosos foram as primeiras traduzido para o armênio nesta ilha cênica.Ao longo de seus trezentos anos de história, o Mosteiro de San Lazzaro com seus jardins, antiga gráfica, claustros, museu e biblioteca ajudou a preservar o patrimônio cultural único da Armênia

“Armênia”, uma autoidentidade complexa e irregular construída da diáspora deslocada de sobreviventes do genocídio e seus ancestrais. Contribuições exemplares para o pavilhão incluem as de Nina Katchadourian e Aram Jibilian. Em Eliminação de sotaque (2005), Katchadourian investiga a psicologia por trás da assimilação eletiva, comprando os serviços de treinadores de sotaque (que anunciam pesadamente em comunidades diaspóricas) e, em seguida, treinando seus pais para falar inglês “natural”. Jibilian, um fotógrafo e assistente social em Nova York, apresenta uma série de trabalhos de 2008-15 investigando o legado multivalente do famoso pintor armênio Arshile Gorky: em imagens meticulosamente organizadas, Jibilian e sua família habitam espaços simbolicamente ricos enquanto usam máscaras pintadas para olhar como Gorky,expondo a auto-anulação e disfarce exigidos dos sobreviventes do genocídio e questionando o legado de tragédias passadas nas obras de arte das gerações futuras.

Pavilhão da Austrália: Fiona Hall: Hora do Caminho Errado
“Wrong Way Time” enfoca a “loucura, maldade e tristeza” de três campos principais: disputas globais, finanças e meio ambiente. “Wrong Way Time” entrou em um espaço escuro onde objetos iluminados emergiram das sombras, relógios pintados tiquetaqueando e saindo do tempo; armários carbonizados estavam cheios de coleções de notas, jornais e atlas; intrincadas esculturas de lata martelada surgiram de latas de sardinha; e ninhos de pássaros esculpidos eram feitos de notas de banco rasgadas. A exposição reúne milhares de elementos na exploração dos temas “loucura, maldade e tristeza”. Fiona Hall explica sua exposição como “uma tentativa pessoal de reconciliar um estado de tristeza e caos com a curiosidade e o carinho pelo lugar onde todos vivemos”.

O novo Pavilhão Australiano foi reaberto na 56ª Exposição Internacional de Arte da Bienal de Veneza. Este novo e elegante edifício representa um capítulo ambicioso para a arte australiana internacionalmente, respeitando a importância da herança de Veneza e apresentando o melhor da arte e arquitetura australiana para as gerações futuras no cenário internacional. A exposição colateral Country apresentou o trabalho de 30 artistas aborígines e de Torres Strait Islander de várias áreas do interior da Austrália. A exposição foi resultado da estada de um ano e meio do artista italiano Giorgia Severi na Austrália, com paradas em espaços de arte em todo o continente. Country lidou com o “caldeirão de diferentes culturas nas comunidades australianas”, examinando as ligações entre memória e tradição.

Pavilhão da Áustria: Heimo Zobernig
Zobernig explorou esses temas por meio de pinturas, vídeos e instalações. Além de mostrar obras autônomas, Zobernig alterou o próprio pavilhão, em um gesto em direção ao desafio particular de criar arte em um espaço inerentemente nacionalista e competitivo. O ponto de partida para as deliberações de Heimo Zobernig: como se pode contribuir adequadamente para um ambiente baseado na representatividade do estado-nação onde as vozes individuais competem constantemente pela máxima atenção? Que fenômenos são significativos em tal contexto? E, precisamente para esses fins, o Pavilhão Austríaco, com sua linguagem formal clássica e moderna, oferece um espaço de exposição ideal.

O Pavilhão Austríaco projetado por Josef Hoffmann e Robert Kramreiter e construído em 1934, com seus arcos arredondados clássicos e eixos visuais majestosos, por um lado, e suas formas racionais claras e materiais modernos, por outro, a estrutura muda entre a historicidade e o modernismo . Zobernig remove os elementos arquitetônicos historicizantes do edifício por meio de um monólito preto que parece pairar sob o teto lançando sua sombra em todo o espaço do pavilhão, e uma construção de piso preto que elimina os diferentes níveis do pavilhão. A complexa intervenção de Zobernig relativiza os limites entre o espaço arquitetônico e a natureza, dentro e fora. Sua intervenção arquitetônica, cujos planos isométricos lembram a Nationalgalerie de Mies van der Rohe em Berlim,juntamente com o jardim e a parede posterior do pátio, constituem um recinto fechado onde se pode demorar e refletir sobre os modos de apresentação da arte e sobre a presença humana no espaço.

Pavilhão do Azerbaijão: Além da linha
Vita Vitale e Beyond the Line reúnem artistas contemporâneos internacionais cujos trabalhos expressam preocupações com o destino do nosso planeta. A exposição mostra pela primeira vez a arte original da vanguarda azerbaijana do século passado para um grande público de profissionais da arte. O isolamento de artistas oficialmente não aceitos no Azerbaijão na época da União Soviética foi total. Os artistas tiveram que cavar fundo em si mesmos em busca de inspiração, mas também a encontraram na tradição centenária dos Azeris para artes e ofícios e fabricação de tapetes. Tofik Javadov, Javad Mirjavadov, Ashraf Murad, Rasim Babayev e Fazil Najafov são todos mestres de talentos únicos, cada um dos quais cultivou sua própria prática artística distinta. Eles são unidos por imagens que expressam suas influências culturais profundas,uma linguagem visual simbólica e o uso de estilos nacionais e folclóricos do Oriente Médio de notável sofisticação.

As duas exposições revelam um país a contemplar o seu passado e o seu futuro, bem como o impacto das transformações sociais e industriais do século XX no seu próprio solo e no mundo. Beyond the Line revisita um momento crucial na história do Azerbaijão e retorna suas vozes aos artistas de meados do século da nação, que foram silenciados ou ignorados sob o domínio soviético. Com Vita Vitale, o Azerbaijão olha para o futuro, e além de suas fronteiras geográficas, fornecendo uma plataforma para artistas e cientistas internacionais que lutam com os desafios ecológicos que enfrentamos globalmente hoje e amanhã como resultado de nossos avanços tecnológicos e o consequente aumento do consumismo. Ambas as exposições mostram a gravidade da voz do artista nas questões sociais e ambientais que definem não apenas o passado, o presente,e futuro do Azerbaijão, mas do planeta.

Pavilhão da Bielo-Rússia: Arquivo de Testemunhas de Guerra
War Witness Archive é um inventário artístico da memória sobre as guerras mundiais. O projeto se concentra em uma pessoa – uma testemunha de guerra, conflito, dor de outro ser humano, sofrimento, medo do futuro. “O espaço de comunicação” é criado com a ajuda dos arquivos fotográficos dos momentos decisivos do século XX, a Primeira e a Segunda Guerras Mundiais. O projeto começou como uma pesquisa de arquivo fotográfico relacionado à história da Primeira Guerra Mundial e agora está se desenvolvendo em contraste com o arquivo fotográfico da Segunda Guerra Mundial. O Arquivo forma seu corpo coletando depoimentos sobre acontecimentos passados ​​armazenados na memória de contemporâneos. A exposição no Museu de Arte Contemporânea em 2014 se tornou a primeira encarnação da WWA. O projeto continua seu ciclo de vida, onde um arquivo fotográfico tradicional ganha um novo estado,um estado de metaarquivo.

Pavilhão da Bélgica:
“Personne et les autres” apresentava exposições individuais ou em duo de artistas belgas. Ele desafia a noção de representação nacional, afastando-se do formato tradicional de uma mostra individual e abrindo-se para incluir várias posições e pontos de vista. A exposição explora as consequências das interações políticas, históricas, culturais e artísticas entre a Europa e a África durante o período da modernidade colonial e em suas consequências. Ele investiga micro-histórias desconhecidas ou esquecidas, traz à tona versões alternativas da modernidade que surgiram como resultado de encontros coloniais e relata histórias que se desenrolaram fora e em reação às hierarquias coloniais aceitas. O projeto visa fornecer uma visão sobre as diversas formas – sejam artísticas, culturais ou intelectuais, que foram produzidas durante esse tempo.

Em “Personne et les autres”, o artista belga Vincent Meessen e um grupo de artistas internacionais que ele selecionou como seus colaboradores, olha para o passado colonial da Bélgica e o futuro que ele moldou. A exposição, batizada com o nome de um roteiro de teatro perdido por André Frankin, um crítico de arte belga e um dos primeiros membros da Situationist International (um grupo radical de artistas e filósofos que teriam influenciado a revolução congolesa) sugere a necessidade de uma nova compreensão da os efeitos do colonialismo na arte e no trabalho. Questiona a ideia eurocêntrica de modernidade ao examinar uma herança compartilhada de vanguarda, marcada pela polinização cruzada artística e intelectual entre a Europa e a África, que gerou as chamadas “contra-modernidades” pluralistas.

Pavilhão Brasil: Tanto que não cabe aqui
“Tanto que não cabe aqui”, recontextualiza o ativismo do país nas décadas de 1960 e 1970 na fragmentada realidade social do Brasil contemporâneo. Na década de 1970, as intervenções de Antonio Manuel intercalaram manchetes surreais e imagens adulteradas com artigos autênticos com curadoria de seu sensacionalismo. Manuel representa uma geração de artistas brasileiros movidos pelo autoritarismo a se envolver com temas de violência, instabilidade e corpo. André Komatsu e Berna Reale fazem trabalhos que remetem aos motivos escolhidos por Manuel. A Komatsu faz esculturas prontas com os detritos do capitalismo tardio: tijolos quebrados e blocos de concreto; tinta derramada e paredes abandonadas; ferramentas elétricas congeladas no ato da demolição. Ao contrário de Manuel e Komatsu, que moram na cidade,Reale é natural do Pará, no norte, onde mantém uma carreira alternativa como perita criminal. Sua experiência profissional informa suas performances e instalações, que usam a apresentação disruptiva do corpo para abordar as questões da criminalidade, da violência e da heterogeneidade social endêmica da sociedade brasileira contemporânea.

Pavilhão do Canadá: Canadassimo
A enorme instalação envolvente intitulada Canadassimo, oferece um caminho estranho através do Pavilhão do Canadá, que foi completamente transformado. Abaixo do andaime que obscurece parcialmente a fachada do prédio – criando a impressão de que a exposição ainda está em construção – está a entrada de um dépanneur, uma das pequenas lojas de conveniência de bairro encontradas em Quebec que vendem produtos enlatados e outros utensílios domésticos essenciais. Além dessa loja tipicamente caótica e surrada, há uma sala de estar semelhante a um loft: embora muito mais organizada, essa área é evidentemente o reduto de um entusiasta da reciclagem. Em seguida, vem o que a BGL apelidou de “o estúdio”, um lugar repleto de incontáveis ​​objetos de todos os tipos, incluindo pilhas de latas cobertas com respingos de tinta.Depois de percorrer este bizarro domínio de vida / trabalho, os espectadores podem relaxar um pouco em um terraço que oferece uma vista maravilhosa sobre o Giardini.

BGL, um coletivo canadense conhecido por instalações imersivas e intervenção pública. Muitas vezes descrita como provocativa e crítica, a prática da BGL emprega humor e extravagância para explorar o mundo dos objetos, ao mesmo tempo em que levanta questões sociais e políticas relacionadas à natureza, estilos de vida contemporâneos, economia e sistema de arte. Além de esculturas e performances, as obras do coletivo incluem enormes instalações que mergulham o espectador em situações inesperadas, levando-o a questionar seu próprio comportamento e a rever sua visão da realidade. A BGL é fascinada por uma estética marginal e por pessoas marginais que vivem fora do mainstream, o bricoleur, o collectionneur. Não apenas reciclar, mas reaproveitar e transformar o objeto do cotidiano em outra coisa. Em uma sociedade de consumo,a reciclagem passa a ser uma forma de questionar a sociedade.

Pavilhão do Chile:
“Poéticas de la Disidencia” reúne obras de dois artistas chilenos, a fotógrafa Paz Errázuriz e a artista performática e vídeo Lotty Rosenfeld. Inspiradas pela história política recente do Chile, as três mulheres representam uma geração de ativistas chilenos que se desenvolveu durante os politicamente tumultuados anos 1970, uma década que viu o general Augusto Pinochet derrubar o governo democrático de Salvador Allende em um golpe de Estado sangrento e impor o seu próprio quase 20 anos. ditadura militar de um ano. “Poéticas de la Disidencia”, no entanto, concentra-se no Chile de hoje, explorando sua transição de uma ditadura de volta a um governo democrático.

A fotógrafa Paz Errázuriz navegou na Santiago dos anos 1980 para registrar vidas à margem da rígida sociedade de Pinochet. Seu épico ensaio fotográfico La manzana de Adán apresentou retratos e biografias de travestis underground, prostitutos, uma comunidade que enfrenta a pressão existencial do descaso oficial e da violência do Estado. A curadora do pavilhão, Nelly Richard, é uma importante crítica cultural da mesma geração; o enfoque comum desses três pensadores indica o compromisso do Chile em enfrentar os problemas colocados por sua história recente. A exposição indica um interesse contínuo pelas questões levantadas pelo regime autoritário: as de poder, riqueza, gênero e liberdade.

Pavilhão da China: Outro Futuro
O “Futuro Civil” expressou um entendimento, o “Outro Futuro”, tudo está entre as pessoas e aponta para o futuro. A ordem do mundo não deve ser determinada por poucos. Com o passar do tempo, o comportamento das massas cria ordem, direção e futuro em um movimento aparentemente inconsciente. Os desenvolvimentos da tecnologia digital e da tecnologia de mídia estão facilitando cada vez mais esse processo. O impacto que cada indivíduo pode causar no futuro do mundo está se tornando cada vez mais evidente. Se algumas estradas surgirem em terras virgens, é menos provável que sejam o resultado do projeto de planejadores da cidade e da construção de trabalhadores; pelo contrário, são mais provavelmente formados no longo processo de pisada espontânea pelas massas de uma forma aparentemente desordenada.As massas não são apenas transeuntes que avançam cegamente. Eles são sábios, ativos e espontâneos.

Xu Bing, Qiu Zhijie, Ji Dachun e Cao Fei apresentam atualmente seus trabalhos em diferentes locais desta Bienal. Xu Bing é um dos principais artistas contemporâneos chineses do movimento de vanguarda do final dos anos 1980. Xu criou duas esculturas gigantes e magníficas impressionantes, o “Projeto Phoenix 2015”, a partir dos destroços de canteiros de obras em toda a China. Qiu Zhijie pertence a uma geração mais jovem que trata o vídeo e a fotografia como um novo meio. Seu projeto é intitulado “The Historical Circular” e fala sobre como a história circula de tempos em tempos. A tela parece estar muito lotada, bastante difícil de compreender, mas esteticamente equilibrada. Ji Dachun mostra a relação multifacetada entre as faces do Oriente e do Ocidente da China em suas oito pinturas, enquanto Cao Fei,que é a artista mais jovem desta exposição, apresenta a sua obra em vídeo “La Town”. Cao é conhecida internacionalmente por suas obras multimídia como uma tentativa de levantar suas questões sociais e políticas na China.

Pavilhão da Croácia: Estudos sobre Tremores: O Terceiro Grau
O Pavilhão da Croácia expande a poética dos dois últimos filmes de Damir Očko, TK (2014) e O Terceiro Grau (2015). Ambos os filmes questionam os constrangimentos sociais impostos ao corpo como ser físico e social, ao mesmo tempo que indagam as normas subjacentes inerentes às nossas sociedades. Em O Terceiro Grau, pode-se ver um close-up de cicatrizes na pele resultantes de queimaduras de terceiro grau, rodeadas por um som microtonal de uma nota cristalina. Filmado através de uma instalação de espelhos quebrados que também refletem a equipe de filmagem, a textura da pele torna-se quase um elemento abstrato. Ao incluir o contexto do cenário do filme, O Terceiro Grau revela o que normalmente está escondido da vista e, assim, integra o espectador ao desenvolvimento artístico.

Nesta sala sem título é apresentado um conjunto de 16 desenhos realizados por um dos principais protagonistas do filme TK, um idoso com doença de Parkinson. Cada um desses desenhos lê o início de uma frase de um poema escrito por Damir Očko começando com as palavras “In Tranquility …” Analisando e encenando o contorno da co-dependência entre o artista, o público e a exposição, Damir Očko envolve os espectadores para que se conscientizassem de seu papel no processo artístico. Pois, se o contexto informa, ele também se transforma ao fazer mudanças semânticas e ao mostrar as estruturas internas da arte para criar um novo tipo de retórica, um mecanismo que reforça nossa posição como testemunhas e atores do complexo mundo de hoje.

Pavilhão Cuba: El artista entre la individualidad y el contexto
O Pavilhão de Cuba destaca o alcance imaginário e reflexivo do artista, precariamente equilibrado entre os pólos distintos da individualidade e o contexto em que por acaso estão trabalhando. O pavilhão sublinha a capacidade dos artistas de dar vida a uma estrutura dialógica e narrativa que, partindo da bagagem eidética e identificadora do indivíduo, conduz a uma experiência que se abre ao mundo e ao vivido e ao contexto social e cultural, o campo político e esferas normalizadas. A exposição sublinha a capacidade do artista de imaginar e refletir entre as diferentes individualidades e contextos em que vive e trabalha. El artista entre la individualidad y el contexto nos leva a refletir não só sobre os microssistemas e o contexto cubano, mas também sobre o espaço global,a rede digital, os processos econômicos globais e a área antropológica e ontológica de interesse em áreas geográficas.

Quatro artistas cubanos Luis Gómez Armenteros, Susana Pilar Delahante Matienzo, Grethell Rasúa e Celia-Yunior junto com quatro artistas internacionais Lida Abdul, Olga Chernysheva, Lin Yilin e Giuseppe Stampone representam simbolicamente um espaço intermediário, uma área infinitamente vulnerável onde estamos encorajados a empreender uma jornada. Essa jornada reside na mudança substancial de nossos sistemas perceptivos, na contaminação dos processos criativos com o tecido urbano, o design e a renovação tecnológica – todos os quais são apenas sistemas distantes da realidade em Cuba. Este projeto apresenta uma seleção das práticas artísticas de uma geração que, por um lado, absorve a força de seus próprios arquivos, seus traços ideológicos revolucionários intrínsecos, intimidade e subjetividade como fonte infinita de input e, por outro,atravessa a realidade social e atravessa a transformação ética e estética.

Pavilhão de Chipre: dois dias depois da eternidade
“Two Days After Forever” tem como ponto de partida a invenção da arqueologia e seu papel instrumental em forjar a narrativa mestra da história. Refletir sobre o que significa coreografar uma história, navegar em seus múltiplos pólos e existir em um presente tão carregado pelo peso de ideologias contestadas. As décadas de 1960 e 1970 foram um importante período de transição para a República de Chipre. Christodoulos Panayiotou investiga e se apropria de materiais de arquivo dessa época da história de seu país, enfocando as construções oficiais e acidentais da identidade nacional – especialmente através das lentes da cerimônia cultural e do espetáculo.

Utilizando uma diversidade de estratégias, Panayiotou questiona como a tradição é formada e como a autoria e a autenticidade são governadas. Por meio de um ato de encenação meticuloso, o artista critica o tecido hiperbólico e aspiracional da modernidade e sua noção inconsistente de progresso. Tesselas antigas, emprestadas do Museu Arqueológico de Nicósia, são recompostas como obras de arte efêmeras, antes de serem devolvidas à sua casa em Chipre, onde voltam ao seu antigo status de ruínas anônimas no final da exposição. Two Days After Forever adopta uma multiplicidade de modos, é uma exposição que dorme, desperta e dá corpo a diferentes temporalidades. Como tal, manifesta-se como uma antropologia do movimento dentro e fora do pavilhão, envolvendo diferentes públicos em todo o Mediterrâneo.Central para esta coreografia é a variação de Panayiotou em A morte de Nikiya de La Bayadère, que coloca a arqueologia e a posição balética definitiva do Arabesque em conversa direta por meio de uma performance contínua que mescla biografia com imaginários históricos.

Pavilhão Tcheco e Eslovaco: Apoteose
“Apoteose”, baseada na pintura monumental do artista secessionista Tcheco Alphonse Mucha, Apoteose dos Eslavos: Eslavos pela Humanidade. David aborda a pintura de Mucha a partir da posição de um gesto de artista contemporâneo de apropriação e reinterpretação da obra de Mucha, representada por um retrabalho em preto e branco da imagem original, simultaneamente constitui um ato de desconstrução potencializado por sua intervenção sutil nas partes individuais da composição na forma de apócrifos. O ponto da instalação com cruzamentos intertextuais é o espectador ativo, com toda uma gama de experiências mentais, emocionais e visuais interessantes através da participação em um espaço vazio e um espaço apertado com o ponto focal principal de um corredor,que apresenta ao espectador o desafio de mergulhar na “arqueologia do conhecimento e das memórias”. O espectador / participante encontra a Apoteose reinterpretada, refletida em uma parede espelhada de dimensões idênticas, e se torna uma parte efêmera dela.

O espelho é uma metáfora importante no contexto desta obra, pois oferece ao espectador a possibilidade de autorreflexão e introspecção. A instalação baseada na meditação e na ludicidade motiva os destinatários a considerar questões geopolíticas e socioculturais em uma linha do tempo de mais de um século e faz perguntas relacionadas à reavaliação de conceitos como casa, país, nação, estado, a história dos tchecos e da etnia eslava. Desta forma, a Apoteose torna-se também uma instalação específica do tempo que é um estímulo ao pensamento crítico sobre uma série de questões políticas, econômicas, socioculturais, filosóficas e sociológicas sérias que fazem referência ao passado e ao presente do mundo nas relações mais amplas. em que as questões locais e globais se cruzam.

Pavilhão do Equador: Água Dourada: Espelhos Negros Apocalípticos
“Gold Water: Apocalyptic Black Mirrors”, um verdadeiro manifesto a favor da vida e da arte. Maria Veronica cria uma paisagem multimídia com suas novas instalações polípticas vídeo-áudio, incorporando desenhos, vídeo, fotografia, objetos e som como técnicas visuais inter-relacionadas, que se apresentam, como ela diz, em um “tecno-teatro” onde o elemento água, como um a fonte da vida proclama um novo estado de espírito. Seus vídeos se preocupam em criar novas experiências por meio da relação entre o choque do espectador e as projeções inusitadas e com a forma como a mensagem se inscreve misteriosamente após a experiência com o inesperado, criando realidades que transformam a natureza do objeto para colocá-lo em um ambiente desconhecido contexto proporcionando-lhe uma nova identidade. A artista deplora os excessos, exageros,intoxicação e deriva da indústria, que penetra até o cerne da natureza e altera a “energia vibratória da água” e o “significado simbólico, histórico e cultural do ouro”.

O projeto é construído em torno de um símbolo forte: a lareira, que tem a forma de um cubo como uma cozinha de ponta, mas com uma nova identidade. A relevância desta estrutura realista reside na sua universalidade, permitindo ao artista criar uma obra original que metaforicamente evoca a humanidade em processo de esquecimento de si mesma. Uma parede de uma série de micro-ondas recuadas em trilhos mostra as imagens de um paraíso perdido que lembra as paredes da caverna de Platão. Vários vídeos mostram as imagens de uma fábrica de engarrafamento de água: ritmos embaralhados em um fundo de metal dão origem a estrelas que se abrem e se transformam como novas galáxias. Outro vídeo mostra ouro virtual e incandescente em uma luta eterna contra a água e evoca o caos. O ouro como índice econômico se tornou uma promessa de beleza.

Pavilhão do Egito: você pode ver?
“Can You See ?,” desafia o espectador: os artistas esconderam uma mensagem à vista de todos. A palavra PAZ é escrita em cinco estruturas tridimensionais gramadas que superam a escala humana de legibilidade. Enquanto navega neste espaço textual incerto, o visualizador é ainda confrontado por uma “realidade aumentada” sobreposta no espaço da galeria por meio da interface de tablets anexados. Essa interação virtual oferece aos espectadores a opção de escolher duas narrativas ramificadas, positivas ou negativas, que se desenrolam no espaço, alterando a palavra PAZ em cenas variadas e, às vezes, conflitantes.

Um caminho estreito criado em MDF branco e coberto de ventos de astroturf ao redor do espaço, criando rampas, declives acentuados e passagens. Um punhado de tablets Samsung foram colocados em estandes por todo o espaço de uma forma que tem as dicas visuais de um show de “arte” patrocinado por uma empresa bem chato. Uma trilha sonora que pode levar o título “Meadow in Springtime” em Muzak toca. Os tablets têm suas câmeras apontadas para um logotipo colado na grama falsa que diz “PAZ” no alfabeto latino e na escrita árabe. Acontece que as rampas e caminhos também criam essa mesma insígnia se vistos de cima.

Pavilhão da Estônia: não adequado para o trabalho. A História do Presidente
“Inadequado para o trabalho. Um conto de presidente”, retratado como uma ópera fictícia fragmentada, a exposição é uma instalação multimídia com vídeos e objetos encontrados exibidos ao lado de materiais de arquivo. A Chairman’s Tale é uma ópera fictícia fragmentada, que segue um presidente de uma fazenda coletiva da Estônia soviética sendo julgado por atos de homossexualidade na década de 1960. A exposição reúne materiais de arquivo da Estônia Soviética e a estética elegante da ópera.

Samma adota estratégia semelhante, que é destacada pelo título Não Adequado para o Trabalho, retirado da gíria da internet 3 e aplicado à história do Presidente para enfatizar a precária posição profissional e social de todos os indivíduos submetidos ao escrutínio do poder. Além disso, a terminologia do computador se refere à natureza penetrante da sociedade midiática, que nos torna testemunhas passivas da história e de suas discriminações, discórdias e contradições. O debate social sobre os direitos LGBTI intercepta a questão mais ampla da violação dos direitos humanos fundamentais, tão comuns no passado e nos dias de hoje. Nesse sentido, a história do Presidente torna-se a ponta do iceberg para uma denúncia mais ampla dirigida a todos os tipos de discriminação: cultural, social, política, religiosa, sexual e racial. Portanto,mais uma vez, para nos lembrar que a arte é sempre para a convivência das diferenças.

Pavilhão da Finlândia: horas, anos, éons
O IC-98 transforma o Pavilhão em uma câmara que guia os espectadores para os Giardini em outro plano de temporalidade: o tempo profundo começa a ressoar por meio de ciclos fugazes de vida, e o espaço aparece como matéria escura infinita. O jardim como um microcosmo de conhecimento e poder colonial sobre o mundo da diversidade cultural, assim como da biodiversidade, agora aparece como um reino regido pelas transformações pelas quais apenas uma árvore pode viver. Como o emaranhado de diferentes escalas de tempo e relações causais no trabalho do IC-98 sugere, a teleologia nos falha aqui e os horizontes futuros vacilam. As árvores podem muito bem herdar a terra, mas que tipo de terra devemos perguntar.

Animações e instalações criando reinos metaforicamente carregados de coordenadas incertas, essas paisagens são moldadas por forças entrelaçadas da natureza e da tecnologia, navegação e exploração, clima e migração. O espectador é convidado a entrar neste mundo. A nova instalação de mídia mista do IC-98 continua seu ciclo de trabalhos Abendland que, nas próprias palavras dos artistas, visa “mostrar um mundo sem seres humanos, a nova paisagem mutante construída sobre os restos da civilização humana. Isso não é um paraíso, não uma existência pastoral recuperada. Horas, anos, Aeons encapsula as investigações críticas de longo prazo dos artistas – de salas de reuniões de poder e limites do espaço público a fronteiras ecológicas – em um novo trabalho épico em que matéria e mito se fundem das mudanças sísmicas de hoje.Isso é o que significa lidar com os resultados finais do Antropoceno.

Pavilhão da França: rêvolutions
“Rêvolutions”, como um ecossistema experimental que revela o estado da natureza em constante evolução através do som, luz e movimento. Céleste boursier-mougenot transforma o pavilhão francês de um vasto espaço abobadado em um oásis de floresta cinética destinado à reflexão e retiro. Através da interação entre artifício e forma orgânica, o pavilhão é transformado em um ecossistema surreal de poesia e experiência meditativa. O trabalho de Boursier-Mougenot freqüentemente usa a intervenção tecnológica para criar ambientes multissensoriais, colocando o espectador em contato direto com um mundo experiencial que o artista descreve como um fenômeno, como um organismo vivo, indissociável das condições de seu surgimento e das circunstâncias do presente.

Os visitantes são guiados para dentro e através do espaço por três árvores artificiais misteriosas e trêmulas, que formam padrões maiores de movimento coreografado e geram seu próprio som monótono. À primeira vista, você não percebe que a árvore, que fica no meio do arejado pavilhão da França, se move. Apenas olhando atentamente, das salas laterais do pavilhão, para este imponente pinheiro silvestre, percebe-se a sua “dança”. Combinando natureza e tecnologia, Céleste Boursier-Mougenot, artista e musicista, concebeu uma instalação (que também é coreográfica) inspirada nas “coisas maravilhosas” dos jardins maneiristas. A árvore se movimenta no pavilhão dependendo de seu metabolismo, do fluxo de seiva e da variação de luz e sombra do ambiente.Elementos de design e móveis dentro do pavilhão oferecem pontos de referência variáveis ​​para os espectadores, e a própria estrutura é parcialmente coberta por uma espuma artificial, projetada para uma série anterior, que flui e se expande em resposta aos sons da instalação.

Pavilhão da Geórgia: borda rastejante
“Fronteira rastejante” é a realidade com a qual se confrontam a Geórgia e outros países pós-soviéticos e que deve a sua existência à posição geopolítica do país. O pavilhão da Geórgia pretende evidenciar ao máximo esta realidade e intervir numa das plataformas mais importantes para a arte contemporânea. Ele serve como uma mensagem política e social, trazendo uma espécie de dissonância para o cenário político atual da Europa. O conceito principal é uma narrativa de eventos estruturada como uma analogia da cadeia de DNA, que existe em seu ambiente usual e muitas vezes passa despercebida antes de ser afetada por fatores externos que provocam. O Rastreamento de Fronteira está principalmente associado ao traçado de fronteiras de maneira furtiva, e a tragédia pessoal de muitas pessoas por trás disso muitas vezes passa despercebida.

O Pavilhão da Geórgia tem a forma de uma loggia kamikaze que hospeda uma exposição do Grupo Bouillon, Thea Djordjadze, Nikoloz Lutidze, Gela Patashuri com Ei Arakawa e Sergei Tcherepnin e Gio Sumbadze. A exposição aborda a criação dessa arquitetura informal, uma manifestação da recusa das estruturas dominantes, a fim de incorporar a liberdade provisória, a autodeterminação local e a apropriação contemporânea do legado infraestrutural dos planos diretores soviéticos. A exposição pretende apresentar a extraordinária gama de informalidade, soluções ascendentes e o conceito de auto-organização na arte e arquitetura georgianas.

Pavilhão da Alemanha: Fabrik
Fabrik, alude a uma fábrica onde, ao invés disso, são produzidas imagens. Portanto, as seis obras expostas no pavilhão, adotam a metáfora das imagens para expressar as interconexões e a circulação de pessoas, ideias e bens no mundo contemporâneo, globalizado e digital. “Fabrik” apresenta quatro respostas artísticas a questões de trabalho, migração e revolta, com cada projeto tendo seu próprio estágio dentro do edifício volumoso, do porão ao telhado. O Pavilhão Alemão atua como uma fábrica dinâmica de arte e ideias, continuando no uso histórico do país do espaço de exposição de pé-direito alto como um reflexo da história, memória e identidade. Unindo essas diversas abordagens para a produção de arte,o Pavilhão Alemão tem como objetivo iluminar as maneiras como a mídia visual transforma a realidade em ficção, a fim de despertar os comentários sociais necessários.

Olaf Nicolai ocupa a área da cobertura para um evento expositivo de sete meses, onde atores foram coreografados em uma misteriosa cadeia de produção. Ele ativa o telhado como uma “heterotopia” de liberdade potencial. A videoinstalação Factory of the Sun (2015) de Hito Steyerl é construída entre a imaginação documental e a virtual, como é típico de sua abordagem teórica engajada. As apostas políticas reais são canalizadas através de lentes ficcionais para pensar sobre o futuro da cultura visual e da circulação de imagens. Tobias Zielony continua seu trabalho de documentário intensificado de pessoas à margem da sociedade, que reúne fotos de refugiados africanos em Berlim e Hamburgo em uma narrativa sobre migração. O filme de asmina Metwaly e Philip Rizk, Out on the Street (2015) é um “jogo de câmara experimental “ambientado em uma comunidade da classe trabalhadora no Egito, onde a dupla tem documentado agitação desde 2011. Este caso de dinâmica de poder dentro de uma fábrica privatizada levanta preocupações de exploração e dominação capitalista relevantes em todo o mundo.

Pavilhão da Grã-Bretanha: Sarah Lucas
“I Scream Daddio”, exposição individual de Sarah Lucas, reprisou e reinventou os temas que passaram a definir sua arte fortemente irreverente, gênero, morte, sexo e as insinuações que residem em objetos do cotidiano. Humor é negociar as contradições levantadas pela convenção. Até certo ponto, humor e seriedade são intercambiáveis. Caso contrário, não seria engraçado. Ou devastador. Ao longo deste último grupo de obras, o corpo – sexual, cômico, majestoso – continua sendo um ponto crucial de retorno, enquanto a obra de Lucas continua a confrontar grandes temas com uma sagacidade distinta. Essas musas obscenas e poderosas formam uma linha de coro que subverte a objetificação tradicional da forma feminina na história da arte masculina, enquanto relembra os moldes corporais incompletos que Lucas criou ao longo de sua carreira,como You Know What (1998) ou CNUT (2004).

As obras da exposição incluem Maradona, uma figura grandiosa em alegre repouso, parte homem, parte mastro, parte louva-a-deus, que fica em duplicado no centro da exposição. Batizado em homenagem ao icônico jogador de futebol argentino, a figura se agacha no chão. O corpo feminino aparece mais literalmente em uma série de esculturas de gesso de pares fragmentários de pernas que são graciosamente animadas por sua combinação com a mobília doméstica comum que aparece desde as primeiras instalações de Lucas. Outras obras são mais domésticas em escala e assunto. As esculturas de Lucas ‘Tit Cat – novamente derivadas de modelos feitos de meia-calça recheada, combinam as formas rijas de gatos com orbes pendentes e amarradas. Arqueando e empinando, suas caudas pendendo e empinandoessas estranhas criaturas metamórficas resumem a maneira como a arte de Lucas desliza entre os registros reais e surreais.

Pavilhão da Grécia: Por que olhar para os animais? Agrimiká.
A instalação intitulada “Por que olhar para os animais?” recrie uma loja de peles de animais e couro da cidade grega central de Volos dentro do edifício neoclássico. AGRIMIKÁ sugere que o antropocentrismo dos humanos, que nos leva a nos definirmos como “não selvagens e diferentes de todos os outros animais”, desperta uma série de preocupações que vão desde política e história até economia e tradições. O AGRIMIKÁ da preocupação de Papadimitriou, junto com a loja de Volos, são aqueles animais que resistem tenazmente à domesticação. Eles coexistem com humanos em uma condição em que os papéis de presa e predador estão constantemente mudando – mas o caçador humano geralmente prevalece com a presa animal como troféu. No entanto, esses são os animais que aparecem na maioria das cosmologias e mitologias fundamentais.

A lojinha de Volos é um “objet trouvé” restaurado dentro do pavilhão grego. A realidade da loja é a expressão e a documentação da personalidade única do seu proprietário, que testemunhou grande parte da história da Grécia moderna e manteve uma atitude crítica em relação a ela. A loja Agrimiká, que aparece inalterada no tempo e no lugar, é análoga ao espaço circundante do pavilhão neoclássico, também deixado inalterado. O pavilhão cria o contexto que carrega e revela este “objet trouvé” espacial. Na paisagem “arruinada” do pavilhão grego, os animais não domesticáveis, os agrimiká, tornam-se o veículo de uma alegoria contemporânea dos despossuídos, e tentativas de galvanizar nossa resistência instintiva à decadência que nos cerca.Esta apresentação da relação dos humanos com os animais desperta uma série de preocupações que vão desde a política e história até a economia e tradições, ética e estética, medo do estrangeiro e do incompreensível, e nosso profundo antropocentrismo que nos permite nos definir como não selvagens, diferente de todos os outros animais.

Pavilhão da Guatemala: Sweet Death
“Sweet death” apresenta a decadência da sociedade contemporânea em suas diferentes expressões, atinge direto ao coração. A exposição é uma expressão marcante da sociedade contemporânea. Os artistas capturaram não apenas a essência da decadência que afeta diferentes ambientes de nossa sociedade, mas expressaram essa morte lenta e inexorável com ironia. “O sonho dos italianos” representando o cadáver de Berlusconi criado por Garullo & Ottocento com uma expressão de êxtase em um caixão de vidro transparente, como uma espécie de Branca de Neve pronta para acordar a qualquer momento, está criando um contraste entre a suposta santidade deste homem e a verdade inegável da decadência da política italiana. A decadência da morte na Itália está afetando também a indústria do cinema,representada pela escultura dedicada a Luchino Visconti e sua Morte em Veneza em memória de uma elegância antiga e perdida da produção cinematográfica italiana.

A seção mais dramática da exposição é aquela dedicada às obras de artistas guatemaltecos. Testiculos qui non habet, Papa Esse non posset (isto é, não se pode ser papa sem testículos), de Mariadolores Castellanos e mostrando a figura emblemática e mítica da papa Joana, símbolo de heresia e fraqueza de uma crença religiosa governada por séculos apenas por homens. Decadência e morte são mostradas pela representação de uma infância distorcida e perdida em que personagens da Disney, Barbie e Bonecas assumem um significado negativo. De grande impacto é a caveira gigante e negra criada por Sabrina Bertolelli dominando a sala de Memento Mori e Vanitas, a que se segue a última exposição focada na morte culinária. Os artistas do grupo “La Grande Bouffe” zombam das novas tendências culinárias,como a culinária molecular. Um dos principais trabalhos é o proposto por Luigi Citatella e que mostra uma criança diante de um prato magro símbolo de uma lacuna alimentar impressionante entre países como Guatemala e Itália.

Pavilhão da Santa Sé: No Principio… la parola si fece carne
“No início… o Verbo se fez carne”, estruturado em dois pólos: O Verbo transcendente, que revela a natureza comunicativa do Deus de Jesus Cristo; e o Verbo feito carne, trazendo a presença de Deus na humanidade, principalmente quando esta aparece ferida e sofrendo. A sua unidade inseparável produz um dinamismo dialético, irregular, elíptico, acelerado abruptamente, abruptamente abrandado, para solicitar nos artistas como no público uma reflexão sobre uma combinação que está na raiz da própria humanidade. À luz da consonância do atual percurso de investigação com o tema escolhido, pela variedade das técnicas utilizadas e pela sua proveniência geográfica e cultural, três jovens artistas escolhidos para a mostra trazem influências de diferentes origens, com diferentes experiências, visão ,ética e estética.

Pavilhão da Hungria: identidades sustentáveis
“Identidades sustentáveis” reflete sobre como os conceitos-chave do nosso mundo foram reduzidos a slogans cativantes. O conceito curatorial baseia-se no espaço do pavilhão húngaro em Veneza e nos objetos móveis de Cseke. O foco da instalação é o espaço cognitivo criado pelo movimento e pela eletrônica. A instalação com uma rede cinética luminosa de tubos de folha de PVC que se cruzam suspensa acima da cabeça do observador. Esses canais translúcidos contêm bolas brancas que são empurradas pelos caminhos por ventiladores. Às vezes, as bolas se encontram e colidem, emulando os padrões migratórios humanos e os conflitos que eles às vezes instigam. Uma grande almofada de folha, que infla e esvazia como se respirasse, aterra a instalação em um estábulo,massa orgânica e serve como um contraponto de equilíbrio para o sistema frenético de movimento acima. Uma peça sonora, feita em colaboração entre Cseke e Ábris Gryllus, complementa a instalação.

Pavilhão da Indonésia: Voyage Trokomod
Intitulada “Trokomod”, a exposição inclui um trabalho com tema de viagem específico do local que Heri Dono desenvolveu junto com arquitetos e artesãos locais de Bandung, Java Ocidental e Yogyakarta. A peça central do show, uma fusão do Cavalo de Tróia grego e um dragão de Komodo indonésio, é um grande barco na forma do réptil nativo da Indonésia, sua pele de metal manchada um comentário sobre a mineração colonial de ouro. Os espectadores puderam entrar no dragão para olhar através dos periscópios para os artefatos ocidentais, como uma estátua de um homem com uma peruca branca de crina de cavalo encaracolada, mudando a direção tradicional voltada para o leste do olhar exotizante.

Pavilhão do Irã: Destaques Iranianos
Intitulado “O Grande Jogo”, o Pavilhão do Irã está repleto de obras de artistas de todo o Oriente Médio e Sudeste Asiático. A exposição tem como inspiração os emaranhados históricos, políticos, econômicos, religiosos e sociais da região e apresenta um agrupamento de artistas ansiosos por responder à sua realidade cotidiana. Irã, Índia, Paquistão, Afeganistão, Iraque, Repúblicas da Ásia Central, Região Curda, uma consideração de que a área geográfica desses países é, de fato, um território historicamente único, seu destino indissoluvelmente ligado por sua situação histórica e cultural: em torno deles lugares ali aconteceram, e ainda acontecem, o que desde o século XIX ficou conhecido como “O Grande Jogo” pela supremacia na Ásia. Um emaranhado de questões políticas, econômicas, religiosas,e as situações sociais também encontram expressão e interpretação na arte produzida nesses locais.

A exposição pretende mostrar através da obra de cerca de quarenta artistas que trabalham na região e que estão particularmente atentos às questões político-sociais. A exposição demonstra a centralidade dessa questão e como ela é percebida e reestabelecida por um público internacional por meio da linguagem da arte contemporânea; já foi expressa em grandes shows internacionais, mas ainda é prejudicada pelas genuínas dificuldades existenciais de quem vive em primeira mão um emaranhado de contradições: uma imagem espelhada precisa do que poderia ser o resultado linguístico da globalização. Portanto, esta não é uma visão geral da arte desses países – que agora, pelo menos para alguns deles, é bem conhecida – mas é um genuíno “impulso” conceitualem um dos lugares que é cotidiano e superficialmente considerado protagonista da mídia. O tema escolhido para a mostra implica obviamente que essas obras foram escolhidas entre aquelas que abordam de forma mais significativa os problemas em análise.

Pavilhão do Iraque: beleza invisível
“Beleza invisível” apresenta cinco artistas contemporâneos de todo o Iraque e da diáspora. Os artistas trabalham em uma variedade de mídias e o Pavilhão inclui novas obras produzidas especificamente para a exposição, bem como obras que foram redescobertas após longos períodos de desatenção. A exposição foi acompanhada por uma exibição de mais de 500 desenhos feitos por refugiados no norte do Iraque. O artista de renome mundial Ai Weiwei selecionou alguns desses desenhos para uma publicação importante que será lançada na Bienal. “Beleza Invisível” é como uma membrana frágil que registra as oscilações de uma prática artística permeada pela condição atual do país e pelo estado das artes.

“Beleza invisível” refere-se tanto aos assuntos incomuns ou inesperados nas obras que estavam em exibição quanto à inevitável invisibilidade dos artistas iraquianos no cenário internacional. A relação da arte com a sobrevivência, manutenção de registros, terapia e beleza estão entre os muitos temas levantados pela exposição. O título infinitamente interpretável pretende revelar as diversas formas de abordagem da arte geradas por um país que foi submetido a guerras, genocídios, violações dos direitos humanos e, no último ano, a ascensão de Ísis. A demolição sistemática do patrimônio cultural do Iraque por Ísis, vista recentemente na destruição de sítios históricos centenários em Hatra, Nimrud e Nínive e os eventos no Museu de Mosul, tornou mais importante do que nunca focar nos artistas que continuam a trabalhar no Iraque.

Pavilhão da Irlanda: Aventura: Capital
Intitulado “Aventura: Capital que traça uma jornada do mito ao minimalismo pela Irlanda e Grã-Bretanha”. Combinando elementos escultóricos, de vídeo e de arquivo, Adventure: Capital foi o projeto mais ambicioso de Lynch até hoje, reunindo deuses do rio notas, arte pública em aeroportos regionais, pedreiras abandonadas, um campo em Cork e uma rotunda em Wexford, em uma jornada narrativa que explora noções de valor e o fluxo de capital através de uma lente antropológica.

A prática multimídia de Sean Lynch o posiciona em algum lugar entre o artista e o contador de histórias. Semelhante a um historiador ou etnógrafo, ele revela histórias não escritas e histórias esquecidas, extraindo leituras alternativas de lugar, eventos e artefatos por meio de suas obras. As projeções, fotografias e instalações escultóricas de Lynch referem-se a uma forma contemporânea da tradição bárdica irlandesa; narrativas perdidas da herança social e cultural irlandesa são revividas e ganham uma nova forma por meio de sua prática artística.

Pavilhão de Israel: Tsibi Geva | Arqueologia do Presente
O Pavilhão Israelense, uma instalação específica para o local, inclui paredes cobertas por venezianas e um trabalho em grande escala que consiste em objetos domésticos encontrados, que são colocados em um canto atrás de paredes de vidro. Tsibi Geva embrulhou o edifício em pneus de carro velho e encheu-o com uma mistura de objetos arquitetônicos e domésticos encontrados. O exterior do pavilhão é coberto por uma grade de mais de 1.000 pneus de carros usados ​​importados de Israel e amarrados para criar uma camada protetora que cobre as paredes da estrutura, incluindo as janelas, deixando apenas a entrada exposta.

Ao intervir diretamente na estrutura da galeria, Geva da mesma forma corrói as categorias confortáveis ​​que governam a experiência tradicional da arte, “dentro” e “fora”, “arte” e “parede da galeria”. O espaço resultante, intitulado “Arqueologia do Presente”, concentra as muitas ambigüidades – políticas, formais, existenciais, espaciais – presentes na obra de Geva em um locus singular de estimulação visual. Pinturas com ladrilhos de cerâmica, arame, janelas e treliça, e uma modificação da estrutura do pavilhão usando materiais de construção encontrados e reaproveitados, como pneus e blocos de cimento, que se estendem de superfícies internas para externas, perturbando as qualidades excludentes do físico muro. Nos níveis superiores,Geva instalou pinturas em grande escala e outras esculturas de objetos encontrados, que apresentam uma variedade de artefatos contidos dentro de gaiolas de metal com um perfil triangular. Cada um desses apresenta um padrão diferente na estrutura de metal, com alguns emulando alvenaria e outros parecendo mais abstratos.

Pavilhão da Itália: Codice Italia
Intitulada “Codice Italia”, a exposição é uma viagem pela arte contemporânea italiana, destacando algumas constantes, que compartilham um “código genético” comum. Os artistas da Codice Italia pretendem reinventar a mídia, ao mesmo tempo em que se valem do material iconográfico e cultural existente de forma problemática. Embora o trabalho desses artistas esteja em sintonia com os resultados mais audaciosos da pesquisa artística internacional, eles evitam a ditadura do presente. A exposição confere autonomia à obra de cada artista e está organizada em “salas”, cada uma albergando uma obra de arte e um arquivo de memória. A par dos trabalhos dos artistas convidados, a mostra apresenta algumas homenagens de Peter Greenaway,William Kentridge e Jean-Marie Straub e uma videoinstalação de Davide Ferrario apresentando um insight sobre qual memória de Umberto Eco.

Pavilhão do Japão: a chave na mão
A instalação, intitulada “The Key in the Hand”, uma instalação de Chiharu Shiota, consistindo em dois barcos, fios vermelhos e um grande número de chaves, de uma rede de fios vermelhos profundos, cada fio preso a uma chave – do teto. O imenso acúmulo de chaves entrelaçadas, solicitadas de doadores internacionais no site da artista, impregna o espaço de energia psíquica, concentrando as lembranças individuais em uma espécie de memória compartilhada global. O rico simbolismo da chave inspira ainda mais o espectador a seguir o caminho conceitual de Shiota, emergindo de tragédias coletivas e dramas pessoais em um futuro desconhecido e otimista de novas conexões e oportunidades não especificadas.

Chaves são coisas familiares e muito valiosas que protegem pessoas e espaços importantes em nossas vidas. Eles também nos inspiram a abrir a porta para mundos desconhecidos. Chiharu Shiota usa chaves fornecidas pelo público em geral que estão imbuídas de várias lembranças e memórias que se acumularam ao longo de um longo período de uso diário. Conforme eu crio o trabalho no espaço, as memórias de todos que fornecem suas chaves para Chiharu Shiota se sobrepõem às minhas próprias memórias pela primeira vez. Essas memórias sobrepostas, por sua vez, combinam-se com as de pessoas de todo o mundo que vêm ver a bienal, dando a eles a chance de se comunicarem de uma nova maneira e entenderem melhor os sentimentos uns dos outros.

Pavilhão da Coreia: as maneiras de dobrar o espaço e voar
“The Ways of Folding Space & Flying”, explora o papel do artista em uma sociedade que muda rapidamente. Os artistas Moon Kyungwon e Jeon Joonho apresentam este novo trabalho site-specific, uma complexa peça de arquitetura, apresentando uma parede de vidro projetada por Kim Seok-chul e Franco Mancuso, na Coréia, e filmado um vídeo sobre um universo pós-apocalíptico. A obra se refere aos conceitos taoístas de distância física e a habilidade sobrenatural de se mover entre o tempo e o espaço. Uma obra sobre a necessidade do ser humano de superar obstáculos e fisiologia da forma como os artistas imaginam e desafiar as limitações físicas.

O título é derivado das palavras coreanas chukjibeop e bihaengsul, na cultura oriental, essas noções foram pesquisadas não apenas como meios de prática meditativa, mas também como um meio de chegar a um estado de emancipação completa tanto da mente como do corpo, do físico limitações e forças naturais. A exposição reflete sobre o desejo humano de superar as barreiras e estruturas físicas e percebidas que nos prendem, apesar do absurdo de tais imaginações. embora algumas teorias e hipóteses científicas tenham realmente apoiado a possibilidade de concretizar essas noções aparentemente rebuscadas, elas permanecem em grande parte nos domínios da parábola e da fantasia, sintetizando assim nosso anseio intrínseco de transformar o mundo ao nosso redor.

Pavilhão do Kosovo: especulando no azul
“Especulando no Azul”, apresentação solo de Flaka Haliti, refletindo sobre o significado de fronteiras, democracia, liberdade e mobilidade “. Sua abordagem é a de recontextualizar a política global por meio do desligamento de seu regime de aparência. A metáfora do horizonte, simultaneamente emblema de possibilidade e enigma de nossas limitações é tecido no tecido de nosso passado e presente. Ao recorrer ao significado universal desta metáfora, o artista remove a economia da imagem do horizonte de qualquer contexto espaço-temporal específico e especula sobre sua validade como uma verdade eterna.Com Especulando sobre o Azul, Flaka Haliti posiciona o observador em um espaço intermediário que oscila entre expansão e confinamento, proximidade e distância;um espaço que abre múltiplas dimensões temporais simultaneamente e por isso é vivido como um trabalho de atualização constante.

Os esqueletos de objetos tipo barreira que ocupam o espaço expositivo são uma referência à estética das paredes de concreto erguidas entre nações e regiões como materialização de conflitos. A instalação de Haliti visa desmilitarizar e descontextualizar este regime estético específico, despojando as colunas à sua essência material e justapondo-as com elementos que são por natureza resistentes ao conceito de fronteira. Nesse cenário, o horizonte e o fundo pictórico azul criam uma contra-imagem ao conceito de fronteira e funcionam como uma ferramenta para levantar novas perspectivas. A interação dos elementos e das diferentes imagens que eles geram é o método da artista para criar um espaço intermediário que permite a experiência subjetiva dos espectadores que se envolvem com seu trabalho.

Pavilhão da Letônia: axila
Formas inovadoras do Pavilhão da Letônia encontradas na vida cotidiana. Em garagens que lembram laboratórios caseiros e oficinas instaladas em pátios rurais, esses homens provam que nossa atitude em relação às tecnologias e ao mundo dos produtos manufaturados não deve ser de consumo passivo. “ARMPIT”, uma instalação de arte multimídia de Katrīna Neiburga e Andris Eglītis. É um sistema esculpido de construções edilícias entrelaçadas com video-histórias sobre um peculiar fenômeno local, os “elfos de garagem”, que costumam passar seus momentos de lazer mexendo em vários mecanismos em oficinas criadas para este hobby.

Andris Eglītis criou um elenco improvisado do microcosmo peculiar das comunidades de garagem. É um sistema caleidoscópico de estruturas de construção esculpidas, feitas de materiais de construção pré-fabricados da arquitetura vernácula da favela. A estrutura do edifício está entrelaçada com as narrativas em vídeo de Katrīna Neiburga. Seus retratos dos membros das comunidades de garagem residem como habitantes imaginários da casa recém-instalada, que lembra uma mistura entre um convento e uma loja de doces. Katrīna Neiburga costuma trabalhar com mídias baseadas no tempo, usando-as em sua arte investigativa socioantropológica, instalações multimídia e cenografia. Andris Eglītis tende para o tradicional em sua escolha de mídia;seu desejo de experimentar pinturas e novas formas esculturais o levou a se voltar para os exercícios arquitetônicos como uma prática vivenciada pelo corpo em oposição à arte baseada em conceitos.

Pavilhão da Lituânia: Museu
Intitulado “Museu”, um projeto desconstrói os mitos da história da arte lituana que ganharam terreno durante o período da ocupação soviética. A história “Museu” é uma narrativa hipertextual em primeira pessoa de Dainius Liškevičius, entrelaçada por lógica, conceitual e ligações formais, formas de protesto político do período soviético apresentadas na exposição, as personalidades históricas que representam essas formas e artefatos culturais, com fragmentos e peças da carreira do artista e sua arte.

Pavilhão do Luxemburgo: Paradiso Lussemburgo. Filip Markiewicz
Intitulada “Paradiso Lussemburgo”, uma obra assume a forma de um vasto teatro total que ocupa integralmente as seis salas do pavilhão. Filip Markiewicz apresenta uma imagem mental do Luxemburgo combinada com uma reflexão sobre a identidade contemporânea. As várias ondas de imigração registadas desde o início do século XX no Luxemburgo fizeram com que o país fosse visto como uma espécie de refúgio de integração. Mais uma vez, há uma forte alusão à imagem do Luxemburgo transmitida por alguns meios de comunicação estrangeiros, o paraíso fiscal, tema aqui abordado de frente mas também com uma certa ironia.

Ao mesmo tempo museu, laboratório criativo, espaço de animação cultural que combina dança, performance, DJing, leitura, arquitectura e música, o Paradiso Lussemburgo apresenta o Luxemburgo, no contexto europeu e mundial, como uma amostra nacional em que as várias nacionalidades e culturas que constituem o mesma identidade, são combinados. É uma viagem aos limites de uma identidade plural e complexa, de uma forma que é crítica, política e fantástica.

Pavilhão da Macedônia: Estamos todos sozinhos
Intitulado “Estamos todos nisto”, Hristina Ivanoska e Yane Calovski abordam a noção de fé nas múltiplas e simultâneas condições sócio-políticas de hoje. O projeto faz referência a uma série de fontes intrincadas: um afresco da igreja de St. Gjorgi em Kurbinovo, pintado por um autor desconhecido no século 12, bem como escritos de Simone Weil, Luce Irigaray e notas pessoais de Paul Thek datando da década de 1970. Enquanto busca por valores políticos nas representações de fontes estéticas e literárias formais, a obra carrega uma urgência específica de articular maneiras como continuamente engajamos e separamos o passado do presente enquanto questionamos a noção de fé.

Enquanto busca por valores políticos nas representações de fontes estéticas e literárias formais, o trabalho carrega uma urgência específica para articular maneiras como continuamente engajamos e separamos o passado do presente enquanto questionamos a noção de fé. Os desenhos e colagens de Yane Calovski referem-se a correspondências recentemente descobertas de Paul Thek na coleção Marzona em Berlim, abordando a dificuldade de sobreviver ao criar, produzir e manter o próprio trabalho e manter a fé no idealismo da produção colaborativa. Além disso, abordando o valor da poética oculta nos detalhes posicionados bem além dos clichês mundanos da própria necessidade de produzir linguagem, Calovski literalmente pinta ícones invisíveis, adquiridos por meio do descarte físico da imagem como um símbolo religioso.

Pavilhão das Maurícias: de um cidadão, você colhe uma ideia
O Pavilhão das Maurícias, baseado em um diálogo entre artistas mauricianos e europeus, não é apenas uma fatia da cena artística mauriciana, mas também uma visão das convenções ocidentais quando se trata de avaliar a “arte agora”. Desafiando os cânones estéticos e ideológicos uns dos outros , discutindo teoria e prática da arte, herança colonial e relações pós-coloniais, educação e politização da cultura. Com esta abordagem indireta da ideia de inclusão e diferença, realizada pelo trabalho de treze artistas proeminentes em seus respectivos países, o Pavilhão das Maurícias visa para “tirar a temperatura” do mundo da arte global, e possivelmente fornecer, além de muitas perguntas e algumas respostas.

Pavilhão do México: possuindo natureza
“Possessing Nature” investiga a relação entre arquitetura, infraestrutura e poder global. “Possuindo a Natureza” partiu de múltiplos pontos de investigação, paralelismos, intenções, urgências e atos de reflexão. Concebido como um aparato de engenharia cuja função é evocar, Possessing Nature apresenta-se como uma escultura monumental, um sistema hidráulico, uma câmara de ressonância, um espelho e um canal. Peça da (contra) infra-estrutura, que enfatiza dois momentos da modernidade: a materialidade e o dinamismo, bem como a sua arrogância e os limites do seu sonho. É evocativo porque é a natureza que flutua, que flui, cai, se banha e transborda.

Como escultura monumental, cria uma tensão no espaço expositivo de tal forma que chega a oprimi-lo. Por ser um sistema hidráulico, ele usa a pressão da água retirada da lagoa para gerar turbulência no interior do monumento, acalmando a água em sua foz. Este espelho de água então recebe e refrata as imagens que são projetadas em sua superfície. A ‘aguada’ produzida entre o espelho e a projeção, por sua vez, gera uma preocupação na textura da imagem, que acaba descarregando violentamente seu próprio caráter espectral. A escultura faz parte do “sistema de drenagem”, como monumento, ruínas e espectro, mas também “drenagem” como ação simbólica que cíclica e atemporalmente drena todo fluxo natural e vital para uma posse, ou seja, despojada. Desse modo,Possuir a Natureza é uma ferida, um duto, um fosso: um sistema de drenagem colocado no coração militar de uma cidade prostrada na água.

Pavilhão da Mongólia: outra casa
O Pavilhão da Mongólia apresenta Unen Enkh e Enkhbold Togmidshiirev, dois artistas que trabalham com materiais orgânicos da vida nômade da Mongólia e levantam questões sobre os problemas globais da alteridade cultural e da alienação moderna da natureza. Construído sobre o legado histórico da relação de Veneza com nômades e mongóis, o Pavilhão da Mongólia consiste em dois tipos de apresentação de arte: um pavilhão sedentário no Palazzo Mora e um pavilhão nômade. A nova era da globalização é característica da alta tecnologia e da mobilidade entre continentes, muitas vezes resultando em questões de pertencimento. O Pavilhão da Mongólia responde ao problema global de deslocamento por meio de uma noção multifacetada de “casa”como o local para compartilhar energias entre povos e culturas em qualquer parte do mundo global.

Pavilhão de Moçambique: Coexistência de Tradição e Modernidade no Moçambique Contemporâneo
O pavilhão de Moçambique, um país de cultura heterogênea. A exposição da produção artística contemporânea com foco em objetos tradicionais e modernos para explicar as relações da arte com a espiritualidade. A exibição incorpora itens de produção cultural, como encostos de cabeça, cerâmica, máscaras, contas, esculturas, estátuas, cestas e escarificações corporais, que são usados ​​para expressar a identidade cultural, beleza e o status social dos membros da comunidade; e, especialmente, objetos usados ​​para rituais de adivinhação. Sugere-se que esta exposição tem como objetivo destacar a importância e relevância contínua que a arte tradicional tem na contemporaneidade e explorar o seu papel nos desenvolvimentos culturais atuais. Nesta análise de objetos tradicionais, é importante esclarecer o papel da adivinhação e seu lugar central na sociedade.

O valor espiritual e a finalidade de um objeto afetam seu valor estético para os africanos. Esses objetos podem ser importantes para as pessoas por serem relíquias de família, que vinculam o indivíduo aos ancestrais, ou, ainda, por possuírem um significado histórico. Os objetos também são importantes porque, além de transportadores de espiritualidade, ligam o indivíduo a um passado cultural. Um dos principais desafios é o fato de que a arte tradicional, como um importante componente da arte moderna, assim como da vida cotidiana, vem ganhando seu lugar dentro do conceito mainstream de arte em todo o mundo, influenciada por movimentos artísticos, dos quais jovens criativos figuram com destaque, para o futuro da humanidade.

Pavilhão da Holanda: herman de vries – ter todas as formas de ser
O projeto intitulado “ser de todas as maneiras”, uso de materiais orgânicos e pavilhão holandês redesenhado, pigmentos de terra, no Giardini e, mais adiante, em vários locais na lagoa. Representação da natureza concebida por Herman de Vries. Ao lado de obras de arte recentes do artista holandês, o pavilhão abriga obras criadas especificamente para a cidade de Veneza, que vêm sendo analisadas como um habitat, um ecossistema a explorar. Natura mater está localizada na Lazzaretto Vecchio. A ilha agora desabitada já abrigou uma área de quarentena para aqueles que se pensavam estar sofrendo com a peste ou subsequentes surtos de doenças infecciosas, decorados por botões de rosa, plantas do pântano.

Pavilhão da Nova Zelândia: poder secreto
O projeto de Simon Denny para o pavilhão da Nova Zelândia foi dividido em dois espaços – as áreas de desembarque do Aeroporto Marco Polo e as Salas Monumentais da Biblioteca Nazionale Marciana na Piazzetta San Marco. A instalação no aeroporto está situada na zona do lado ar. Secret Power aborda a interseção de conhecimento e geografia na era pós-Snowden. Ele investiga linguagens atuais e obsoletas para descrever o espaço geopolítico, com foco nos papéis desempenhados pela tecnologia e design. Os contextos e histórias de ambos os locais fornecem estruturas altamente produtivas para Secret Power, e foram diretamente envolvidos por meio do trabalho.

Simon Denny é o primeiro artista da Bienal a usar o terminal do Aeroporto Marco Polo. A instalação de Denny opera entre as fronteiras nacionais, misturando as linguagens da exibição comercial, design contemporâneo de interiores de aeroportos e representações históricas do valor do conhecimento. Denny “arrastou e soltou” duas reproduções fotográficas em tamanho real do interior decorado da Biblioteca no chão e nas paredes do saguão de desembarque, cruzando a fronteira entre o espaço Schengen e não Schengen. Na Biblioteca Marciana, foi parcialmente exibida uma vitrine solicitada por o impacto dos vazamentos de slides do PowerPoint do denunciante da NSA Edward Snowden descrevendo os programas ultrassecretos de vigilância das telecomunicações dos EUA para a mídia mundial, que começaram em 2013. Esses slides destacaram o papel da Nova Zelândia no trabalho de inteligência dos EUA,como membro da aliança Five Eyes, liderada pelos EUA.

Pavilhão Nordic Pavilion: Rapture
“arrebatamento”, como um conjunto de atuações de músicos e vocalistas em momentos específicos; e uma publicação em três partes que explora a relação entre o corpo humano e o som, através do visual, do sônico e do corpo arquitetônico. O som, por sua natureza , permeia fronteiras, mesmo as invisíveis. Ao longo da história, o medo tem sido associado aos efeitos paradoxais que a música tem sobre o corpo e a mente, e seu poder como um descentralizador e recompensador do controle. Camille Norment trabalha com a armonica de vidro que cria música etérea do toque de dedos em vidro e água – e um coro de 12 vozes femininas. entrelaçando esses elementos dentro do próprio pavilhão, a norma cria um espaço imersivo e multissensorial, que reflete sobre a história do som, conceitos contemporâneos de consonância e dissonância,e a água, o vidro e a luz de Veneza.

Antoinette, a armonica de vidro foi inicialmente celebrada por curar pessoas com sua música fascinante, mas depois foi proibida porque se pensava que induzia estados de êxtase e despertava excitação sexual nas mulheres. Reconhecida como capaz de induzir estados semelhantes ao sexo e às drogas, a música ainda é vista por muitos no mundo como uma experiência que deve ser controlada, principalmente em relação ao corpo feminino, e ainda assim é cada vez mais utilizada como ferramenta de controle, especialmente sob as justificativas da guerra. Num contexto contemporâneo, Norment explora as tensões que esta música suscita hoje, criando um espaço multissensorial, que reflete sobre a história do som, conceitos contemporâneos de consonância e dissonância, e a água, vidro e luz de Veneza.O artista compõe um coro de vozes que correspondem às notas não resolvidas do tão censurado trítono dos “diabos” e da armonica de vidro, e este coro mergulha os visitantes em “Rapture”.

Pavilhão do Peru: ruínas perdidas
Intitulado “Misplaced Ruins”, de Gilda Mantilla e Raimond Chaves, aborda os problemas de engajamento da diferença cultural, evocando as negociações translacionais e transnacionais exigidas pela mobilidade internacional e “pertencimento” social, cultural, ideológico e linguístico. Abundam as alusões ao Peru: arquitetura pré-colombiana, expansão urbana, jornalismo tablóide, economia underground, eventos da história recente, música tradicional, as rodovias cheias de outdoors e até mesmo as condições climáticas locais (céu geralmente nublado em Lima). No entanto, essas alusões, traduzidas pelos artistas, tornam-se citações ambíguas: a referência culturalmente específica é traída pelos pontos cegos de sua tradução: agendas políticas, interesses investidos, equívocos.Mantilla e Chaves sugerem que aquilo que diferentes grupos de pessoas podem considerar “seus”: cultura, história, tradições, é sempre um local de luta.

Pavilhão das Filipinas: Amarre uma corda ao redor do mundo
O Pavilhão das Filipinas no Palazzo Mora exibe o filme Genghis Khan de Manuel Conde, de 1950, ao lado de obras de artistas contemporâneos como o artista de mídia Jose Tence Ruiz e o cineasta Mariano Montelibano III. A mostra promete dialogar sobre a “história do mar e sua relação com o mundo atual, as reivindicações de patrimônio e a luta dos Estados-nação por um caráter vasto e intensamente contestado”.

Na tangente a Genghis Khan, a obra de Jose Tence Ruiz faz referência à Sierra Madre na obra Shoal. Ruiz evoca a nave espectral como uma silhueta ambivalente de um cardume por meio de uma montagem de metal, veludo e madeira. Manny Montelibano apresenta a peça de vídeo multicanal Um estado traçado no mar oeste das Filipinas. Ele se concentra no som de épicos e frequências de rádio que cruzam a extensão e as vinhetas de modos de vida aparentemente monótonos nas ilhas. Do ponto de vista de Palawan, umbral de Bornéu e do Mar da China Meridional, ele filma as condições do impossível: o que faz um mar comum e onde fica a fronteira e o limite, a melancolia e a migração.

Pavilhão da Polônia: Halka / Haiti. 18 ° 48’05 “N 72 ° 23’01” W
Um engajamento com temas multiculturais, marcado por Joanna Malinowska e Christian Tomaszewski, decidiu revisitar seu plano louco de trazer ópera para os trópicos. A ópera escolhida para encenar foi a Halka de Stanisław Moniuszko, uma trágica história de amor destruída pela diferença de classes, considerada a “ópera nacional” da Polónia desde a sua estreia em Varsóvia em 1858. O pano de fundo histórico desta ópera foi, no início dos anos 1800, Napoleão enviou o seu tropas no Haiti colonial para reprimir uma insurgência de escravos. Uma legião polonesa, procurando aliar-se à França contra seus próprios ocupantes, Prússia e Áustria, juntou-se ao exército; ao perceber que os haitianos estavam lutando por sua liberdade, os soldados poloneses se voltaram contra os franceses e ajudaram na revolução.

Em uma tentativa de minar o romantismo colonial de Fitzcarraldo, eles decidem confrontar um conjunto de realidades históricas e sociopolíticas particulares encenando “Halka”, considerada a “ópera nacional” da Polônia, no aparentemente improvável local de Cazale, Haiti, uma vila habitada por os descendentes. Em 7 de fevereiro de 2015, uma apresentação única de “Halka” foi apresentada a um público local extasiado em uma estrada de terra sinuosa. Uma colaboração entre artistas poloneses e haitianos, o evento foi filmado em um take a ser apresentado posteriormente como um panorama projetado em grande escala no Pavilhão Polonês da Bienal de Veneza.

Pavilhão de Portugal: I was Your Mirror / poemas e problemas
O projeto “I’ll Be Your Mirror” de João Louro toma emprestado o título de uma música do Velvet Underground. As obras criadas especificamente para o Pavilhão de Portugal e que têm se mostrado extraordinariamente bem adaptadas ao espaço de cada sala da Biblioteca do Palazzo Loredan, evidenciam a preocupação que João Louro sempre demonstrou em gerar novos aspectos semânticos e levantar dúvidas sobre as normas aceites pelo nosso visual cultura, bem como na conversão do papel do espectador no de participante, criando lugares inventados e imaginando cenas e habitando palavras que nos permitem cultivar nossos desejos e aspirações mais profundas. Nessas criações, Louro enfatiza a linguagem visual e seus métodos de expressão, e considera a interpretação como uma forma de comunicação entre a obra de arte e o espectador,tentar constituir novas esferas de pensamento para sentir, refletir e intercambiar.

Louro apresenta um panorama da sua carreira, das suas convicções artísticas e culturais, das suas preocupações e decisões estéticas e sociológicas. Através de elementos retirados do Minimalismo e da Arte Conceptual, Louro constrói o seu próprio mundo a partir dos vestígios que as suas leituras, a música e o cinema deixaram no seu caminho; fundindo esses traços, ele constrói uma espécie de autobiografia, um diário pessoal, no qual os textos ou acontecimentos são carregados de significado. Ele reitera seu questionamento sobre o significado e a eficiência simbólica da imagem e da linguagem, usando a invisibilidade ou o apagamento como estratégias para nos lembrar que o acesso nos é negado e que o espectador sempre faz parte da obra: a obra se coloca como um espelho, conferindo ao espectador o papel principal. João Louro ‘O trabalho conceitual é um questionamento sobre os limites e a capacidade expressiva da imagem, refletindo fora da estreita margem da própria obra de arte.

Pavilhão Romani: Adrian Ghenie: Sala de Darwin
“Darwin’s Room”, uma exposição de pinturas recentes de Adrian Ghenie. Adrian Ghenie é conhecido por pinturas temperamentais, geralmente retratos ou interiores, que ele enfeita com manchas de abstração em pinceladas. Ghenie investiga o personagem de Charles Darwin e o desenvolvimento e subsequentes perversões do século 20 de sua hipótese culminante, a evolução. A exposição em três partes abrange vários anos da produção recente de Ghenie, incluindo uma série de autorretratos que o artista criou como Darwin. Em suas pinturas, o artista desnuda as principais figuras históricas de sua gravidade e, por sua vez, da própria usabilidade da história como narrativa definidora e orientadora.

O título “Sala de Darwin” refere-se não apenas a uma série de retratos (e autorretratos disfarçados) do grande naturalista britânico, mas também à exploração da história do século XX por Ghenie como um »laboratório de evolução expandido,« com ideias seminais lutando pela sobrevivência e dominação como parte de um entrelaçamento alegórico de histórias passadas e futuras. A construção conceitual da exposição como um todo é baseada na visão do artista sobre o mundo contemporâneo, definido pela memória e desejo, revolta e espetáculo.

Pavilhão da Rússia: O Pavilhão Verde
O Pavilhão Russo apresenta o Pavilhão Verde de Irina Nakhova.
A pintora e artista de instalações Irina Nakhova contribuiu para o desenvolvimento do conceitualismo de Moscou (ou russo), um movimento que tentou minar a ideologia e o imaginário socialistas. Nakhova descreve os ambientes como “uma instalação total em” colaboração com Shchusev “. O exterior do pavilhão, pintado de verde, remete ao Pavilhão Vermelho de Kabakov (1993), cuja fachada vibrante e interior vazio durante a 45ª Bienal de Veneza enfatizaram o significado da cor para o pós-modernismo russo, bem como o conceito de vazio, “como algo que paira no ar”, que foi central para os conceitualistas de Moscou.

A divisão de Shchusev do Pavilhão Russo em cinco espaços discretos levou Nakhova a revisitar sua série Rooms dos anos 1980, onde o espectador estava ativamente envolvido em um experimento artístico. Nakhova faz um uso resoluto das cores “supremastistas”, verde, vermelho brilhante e preto; um uso criativo de vídeos, como para a impressionante “cabeça do piloto” na sala 1; e uma manipulação surpreendente da arquitetura do pavilhão, uma abertura cadenciada de uma clarabóia para estabelecer uma conexão rítmica entre os diferentes níveis do pavilhão e ao mesmo tempo entre os visitantes, por exemplo, para criar uma experiência verdadeiramente envolvente, quase física, para o público. Como Kabakov para a Bienal para mostrar a arte contemporânea russa movendo-se do localismo para a cena artística internacional, Nakhova “O Pavilhão Verde “novamente olha para fora, para o lugar global dos artistas russos na era pós-soviética.

Pavilhão San Marino:
Intitulado “Projeto Amizade: Escultura e Arquitetura da Arte”, o pavilhão da República de San Marino exibiu 10 esculturas no salão do Ateneo Veneto. As estruturas são expostas em tecidos brancos suspensos no solo, com veios gravados nas lajes. Enrico Muscioni e Massimiliano Raggi colaboraram com os escultores chineses Fan Haimin, Fu Yuxiang, Min Yiming, Nie Jingzhu, Wu Wei, Wang Yi, Shen Jingdong, Zhang Hongmei, Zhang Zhaohong e Zhu Shangxi, e um grupo de estudos de professores e alunos do Universidade de San Marino.

Pavilhão da Sérvia: United Dead Nations
Intitulada “Nações Mortas Unidas”, a instalação visa estabelecer um diálogo sobre o que representa a noção de nação em nossos tempos pós-globais, colocando em foco as nações que não existem mais como tais, mas cujos fantasmas ainda estão condicionando o geo. : Império Austro-Húngaro, Império Otomano, União Soviética, República Democrática Alemã, Iugoslávia, etc. Com isso, o espectro multifacetado de desejos e conflitos, que a noção de nação incorpora, é considerado e as questões de natureza e permanência de as nações de hoje estão sendo impostas. United Dead Nations recriam um político ausente e possibilitam sua vida alternativa no regime estético da arte, abrindo novas relações representacionais dentro do campo do visual – o espaço onde a realidade social é traduzida em formas e imagens.

Ivan Grubanov enfatiza o processo de construção de imagens ao envolver as bandeiras mortas como modelos, meios e materiais durante seu ritual de pintura. A intenção do artista está na criação de um novo campo simbólico, que questione os quadros de valor da arte, ao mesmo tempo que permite que as autoridades reestabelecidas de nações mortas continuem competindo no domínio do visível. A memória das culturas perdidas pela convulsão social e política do século XX Presumivelmente inspirado pela renomeação de seu país natal de Iugoslávia para “Sérvia”, Grubanov explora a história recente de uma nação, desde a dissolução até o início. Grubanov explora o legado de nações recém-dissolvidas, em uma instalação que reúne suas bandeiras. Sujos e amassados ​​uns sobre os outros no chão do pavilhão,a pilha de símbolos nacionais obsoletos explora a natureza efêmera da identidade em face da turbulência política.

Pavilhão das Seychelles: um pôr do sol mecânico
O Pavilhão das Seychelles dizendo à comunidade internacional que são mais do que um cartão postal perfeito de praias de areia, palmeiras e águas azul-turquesa. As Seychelles são uma cultura rica e complexa cujas histórias são contadas por meio de seu artista. George Camille usa muitos cabos industriais grossos. Cada cabo é retirado e a fiação interna é então separada de seu revestimento escuro e moldada em folhas. Este trabalho multimídia usa materiais que foram desativados, recuperados e adquiridos localmente nas Seychelles. O trabalho de Leon Wilma Lois Radegonde “consiste em telas envelhecidas, ‘objets trouves’, onde ele deixa suas marcas de manchas de petróleo, branqueamento do sol e terra em decomposição, tudo inscrito, costurado e cauterizado. Para especular sobre o futuro é preciso entender a própria história .A identidade das Seychelles está sendo redefinida em grande velocidade. As vozes frequentemente abafadas de seus artistas estão lançando uma nova luz sobre a riqueza e a complexidade de sua cultura.

Pavilhão de Singapura: Sea State
Sea State é um projeto iniciado em 2005 pelo artista e ex-velejador olímpico Charles Lim que examina a relação de Cingapura com o mar por meio de material fílmico, fotográfico e de arquivo. Quando pensamos em uma nação como uma coisa física, imaginamos uma massa de terra. No entanto, a verdadeira fronteira de qualquer país que toca o mar não é a extremidade da terra, mas a água. A fronteira real e a fronteira imaginada são bastante diferentes, especialmente para uma ilha como Cingapura. O estado do mar torna essa fronteira visível. Traz à tona o que normalmente fica em segundo plano, as verdadeiras profundezas do mar e nosso inquieto inconsciente marítimo.

A estrutura do projeto é inspirada no código da Organização Meteorológica Mundial para medir as condições do mar, que enumera os vários estados que vão desde calmo, moderado e fenomenal. Ele busca questionar e redefinir a compreensão de Cingapura de suas fronteiras terrestres e marítimas, e o esforço do país para recuperar o controle sobre seu meio ambiente. A prática de Charles Lim origina-se de um envolvimento íntimo com o mundo natural, mediado e informado por pesquisa de campo e experimentação, performance, desenho, fotografia e vídeo. As suas obras tornam visível uma ecologia costeira dinâmica, mostrando como as infraestruturas do capitalismo global não substituem o meio marítimo, mas o habitam e transformam. Em uma era de rápidas trocas globais, o complexo,os espaços transnacionais do mar abrigam uma interação dinâmica entre natureza e cultura, enquadrando muitas das principais ansiedades de nosso tempo. Abraçando uma variedade de mídias e disciplinas, o Pavilhão de Cingapura nos leva a lugares que até recentemente eram apenas uma coisa da teoria onírica.

Pavilhão da Eslovênia: UTTER / a necessidade violenta da presença corporificada da esperança
O projeto intitulado “UTTER / A necessidade violenta da presença corporificada da esperança” abraça o próprio cerne do objetivo de Jaša de criar uma obra de arte como uma postura poética e uma presença dinâmica e politizada. A obra é concebida como uma instalação espacial e performance in loco que une o artista, seus colaboradores e o público. O projeto consiste em uma instalação, um desenho arquitetônico ativado para se tornar um reflexo de pensamentos e uma performance duracional que expressa a necessidade de (re) atuar como uma forma corporificada. Esses elementos coexistem e se entrelaçam para formar a experiência integral da obra de arte. O projeto concentra-se em três grandes temas: resistência, colaboração e esperança. A postura energética de cada tema foi resolvida, em parte,por meio de uma coexistência de longo prazo de um corpo performativo dentro de uma concha arquitetônica, a co-criação de ações performativas repetitivas e a produção de momentos harmônicos. Uma situação polifônica de visual, som e performance foi submetida a um rigoroso roteiro semanal.

Um dos artistas contemporâneos mais prolíficos e reconhecidos pela crítica da Eslovênia, JAŠA é impulsionado por suas interpretações rapsódicas de situação, narrativa, escultura e performance. Por meio de sua conexão alquimista com o material e o conteúdo, JAŠA transforma espaços em experiências, levando-os a seus potenciais poéticos e extáticos. Em sua criação, uma instalação site-specific, performance duracional baseada na ideologia da união complementa seu desejo de reagir e formular uma visão da experiência comunitária da arte como realidade. Considerando as demandas e êxtases da performance duracional repetitiva, o projeto é um ato estruturado de disciplina. É um apelo à sensibilidade coletiva. Por meio de ações repetitivas contínuas, conhecimentos, gestos e a transformação desses gestos em rituais,o grupo de performers convoca uma força rebelde, que pelo poder da poesia invoca uma realização pandêmica da ideia de comunidade e unificação.

Pavilhão da Espanha: os assuntos
O Pavilhão Espanhol explora o Dalí de entrevistas e palavras, Dalí o assunto. Projeto coletivo onde Dalí esteve presente como sujeito, embora não representado por sua obra. Revela Dalí através de outras vozes, de artistas que estão conceitualmente ligados a ele e entre si. Partindo da sensualidade do sujeito-pessoa, a exposição passa a explorar outros temas que também se prestam a interpretações extraordinárias. Homenagem à “persistência da memória”, suas palavras e entrevistas, mais do que sua obra, inspiram três projetos dentro do Pavilhão Espanhol. Dalí torna-se um conceito sobre o qual Salazar, Cabello / Carceller e Ruiz usam filmes, histórias em quadrinhos e objetos para reinventar as esferas pública e privada de um ícone. Como o título do pavilhão sugere, os “assuntos”não apenas refletem a conceituação social de Dalí, mas também refratam os meios pelos quais a sociedade cria identidade.

Cabello / Carceller desenhou uma proposta artística que gira em torno da ideia de múltiplas identidades e da possibilidade de indefinição. Sua performance, filme e trabalho de instalação, enraizados em posturas feministas e teoria queer, oferecem uma visão crítica sobre a definição de identidade e a luta política do indivíduo. O espírito de Dalí também estará presente no próprio jornal do lendário artista. No Pavilhão da Espanha, Pepo Salazar apresenta uma obra que segue o seu modus operandi particular, uma criação atomizada que mistura momentos e tipos e cria um quadro em que todas as opções são possíveis. À semelhança de Dalí, Pepo Salazar expande o âmbito da ação artística desrespeitando as convenções e cultivando um conhecimento profundo do que significa trabalhar no campo da arte. Salazar ‘O projeto do pavilhão está vinculado à Declaração da Independência da Imaginação e dos Direitos do Homem à Sua Própria Loucura, de Salvador Dalí.

Pavilhão da África do Sul: O que resta é amanhã
O Pavilhão da África do Sul, intitulado “O que resta é amanhã”, apresenta uma série de obras de artistas que estão profundamente investidos em iterações locais de poder, liberdade e liberdade civil. O projeto pretende não só representar uma obra recente e importante da África do Sul, mas também desencadear um debate complexo e dinâmico sobre a relação entre o momento contemporâneo e as narrativas do passado. O projeto não pretendia simplesmente apresentar obras que sustentassem um espelho para nossa sociedade, ou oferecer uma ladainha de erros e injustiças para dar a um público internacional uma noção do zeitgeist local. Em algumas áreas, engajamos o passado, individualmente e em conjunto, por exemplo, o setor público, o projeto e a curadoria de museus, a prática arquitetônica, que nos obrigaram ocasionalmente a habitar o passado.

Para explorar o caminho do futuro, você precisa ter uma compreensão clara e um pensamento profundo sobre o passado. O passado da África do Sul foi complicado. Eles nos conectam a um conglomerado de relações que não apenas emergem do passado (do imperialismo e do colonialismo), mas também se distanciam das grandes narrativas da história que dão origem às noções de nação e estado. Os artistas cujas obras são aqui apresentadas aventuram-se neste terreno. Eles discordam de suposições arraigadas sobre quem está dentro e quem está fora. Eles têm a sensação de que há uma narrativa de pertencimento que deve ser interrogada. “formas mais lentas de violência que estão nos devorando de dentro para fora. Isso nos fez desconfiar da nostalgia e dos perigos de uma abordagem mitológica e museológica da história. Mas, mesmo assim,não abandonamos a ideia de que o passado é uma referência importante, a chave para saber o que fazer, mesmo que, como humanos, pareçamos incapazes de aprender com nossos erros.

Pavilhão da República Árabe Síria: Origini della civiltà
A exposição “Origens da Civilização” reitera o seu apoio ao desenvolvimento de um diálogo entre expressões estéticas livres que representam a aparência mutável e multifacetada do contemporâneo. Para responder a este tema, o Pavilhão apresenta os trabalhos de artistas da Síria Narine Ali, Ehsan Alar, Fouad Dahdouh e Nassouh Zaghlouleh, Itália Aldo Damioli, Mauro Reggio e Andrea Zucchi, China Liu Shuishi, Espanha Felipe Cardeña, Albânia Helidon Xhixha e Ukrain Svitlana Grebenyuk, enfocando uma fisionomia estilística que amadureceu em circunstâncias ambientais e históricas muito diferentes, mas capaz de superar as fronteiras nacionais.

Helidon Xhixha também fez um iceberg cercado pelas águas de Veneza, que ameaçam submergir pela maré. Feito de aço inoxidável polido para um brilho espelhado, ele reflete a cidade e seu ambiente aquático. Iceberg de Xhixha (2015) balança junto com o movimento das correntes e do vento. Tal movimento, junto com a mudança da luz e do tempo e a passagem de barcos e pessoas, faz com que a superfície reflexiva do iceberg mude tão continuamente quanto o mundo que ele espelha. Mas, embora essas visões encantem os olhos, essa obra também serve como um lembrete e um aviso. Afinal, foi o derretimento glacial que formou as manchas de terra nas quais Veneza foi fundada. E agora, graças ao aumento das temperaturas causado pela degradação do meio ambiente,é o derretimento glacial (entre outros fatores) que ameaça varrer do mapa a cidade e seus tesouros artísticos e históricos.

Pavilhão da Suécia: Lina Selander. Escavação da imagem: impressão, sombra, espectro, pensamento
Título “Escavação da imagem: Impressão, Espectro de sombra, pensamento.” As instalações cinematográficas de Selander frequentemente se baseiam em eventos históricos, e ela usa abordagens ensaísticas e arqueológicas para descobrir como as imagens privadas e públicas definem a memória ou a história. Selander apresenta suas obras separadas em uma espécie de metamontagem abrangente, que vai bem com a forma das obras individuais, até porque há referências, temas e até imagens que eles têm em comum.

Todas as obras giram de uma forma ou de outra em torno do status da imagem, como representação, memória, objeto, impressão ou superfície, e nossas relações com ela. Eles examinam as representações oficiais de eventos históricos, bem como as linguagens visuais e aparelhos que os produzem, sublinhando que a história em muitos aspectos é a história dos dispositivos e tecnologias de registro. Além disso, as obras compartilham uma relação com os desejos e fracassos da modernidade, por exemplo, através dos desastres de Chernobyl e Hiroshima, que são justapostos com imagens da natureza, cruzando os efeitos visuais de processos fotográficos, geológicos e nucleares para criar novas sedimentações de significado.

Pavilhão da Suíça: Nosso Produto
A instalação imersiva intitulada “Nosso Produto”, ativa o conhecimento mobilizado no desenvolvimento tecnológico, científico e conceitual de produtos, subvertendo os sentidos culturalmente consolidados de arte ‘. O projeto é composto por elementos imateriais como luz, cor, cheiro, som e componentes orgânicos como hormônios e até bactérias. Materiais escolhidos por Pamela Rosenkranz, por exemplo, bionina, evian, necrion, neoteno, silicone … As pessoas estão mais familiarizadas com as substâncias físicas que as compõem. no entanto, suas qualidades estéticas aparentemente puras e atemporais que emitem têm uma base biológica. Abeel, Abeen, Aben, Afriam, Afrim, Afristil, Albatom…. são os ingredientes do nosso produto, produtos químicos imaginários e de biotecnologia,criado por uma indústria hiperavançada para transmitir sensações, funções vitais e até mesmo alívio para nossas dores. Seus nomes científicos e industriais são continuamente declamados.

Rosenkranz isola os espaços interiores do pavilhão suíço com plásticos, preenchendo o com uma massa monocromática de líquido, a cor agora é usada na indústria de publicidade de hoje como um meio comprovado de aumentar fisicamente a atenção. A cor da pele eurocêntrica, derivada de uma história natural mais ampla que envolve migração, exposição ao sol e nutrição, é contrastada por um revestimento verde que cobre o manto do edifício. o pátio externo é iluminado por luz verde artificial que faz a distinção entre o interior e o exterior; enquanto uma pintura de parede que é biologicamente atraente, dissolve ainda mais essa separação entre cultura e natureza. A instalação se apropria de reflexos estéticos imemoriais dos quais tanto a arte quanto a cultura comercial dependem, mas os torna cognitivamente perturbadores.

Pavilhão da Tailândia: Terra, Ar, Fogo e Água
Em muitas visões de mundo clássicas, acredita-se que quatro elementos básicos constituem os componentes essenciais de que tudo consiste. Terra, ar, fogo e água. O conceito de Tassananchalee era que independentemente de quão longe o mundo progrediu e independentemente dos caminhos que “Todos os Futuros do Mundo” possam tomar, os elementos constituintes básicos da vida são eternos. Tendo desenvolvido a imagem de seu conceito por meio de pinturas de mídia mista, Tassananchalee transforma seus símbolos para Terra, Ar, Fogo e Água em grandes esculturas de corte a laser, aço inoxidável, alumínio e neon. Luz e sombra desempenham um papel central nessas obras. Iluminados com luzes ambientais e coloridas, modeladas, neon, as composições de laser e hidro-corte de símbolos elementares são irradiados nas placas de metal projetadas e fundidas.As grandes esculturas apresentadas no Pavilhão Nacional da Tailândia são metáforas para o Tempo e o Mundo. Os elementos clássicos referem-se a conceitos filosóficos antigos que hoje são geralmente comparados aos “estados da matéria” contemporâneos. O estado sólido, o estado gasoso, o plasma e o estado líquido.

Pavilhão da Turquia: Respiro
A exposição, intitulada “Respiro” (que significa “respiração” em italiano), enche a Sale d’Armi do Arsenale com obras multimídia que usam o símbolo universalmente reconhecido de um arco-íris para explorar conceitos de transformação e experiência humana compartilhada. Dois arco-íris de neon em grande escala, específicos para o local, feitos de linhas de cor frágeis e oscilantes – iluminam uma série de 36 painéis de vitrais que retratam imagens relacionadas à natureza, espiritualidade e o sublime. “Respiro indo além da geopolítica, para um contexto mais amplo de mais de um milhão de anos, voltando à criação do universo e ao início dos tempos, de volta ao primeiro arco-íris, o primeiro ponto mágico de luz. paisagem sonora meditativa,arranjado por Jacopo Baboni-Schilingi e inspirado por um desenho de Sarkis que ilustra as cores do arco-íris como um “sistema de partições”, brinque sobre a instalação, dia e noite.

Pavilhão Tuvalu: Cruzando a Maré
Intitulado “Crossing the Tide”, reflete o apelo de pequenas nações insulares que enfrentam os efeitos da mudança climática global. Isso se manifesta pelo aumento do nível do mar e pelo aumento de tempestades severas que causam inundações e, em última análise, ameaça o futuro dessas pequenas nações insulares como Tuvalu, localizada no Oceano Pacífico. O projeto apresenta um pavilhão inundado. Ele conecta a inundação do Tuvalu com a inundação de Veneza. Ao cruzar a maré no Pavilhão Tuvalu sobre passarelas ligeiramente submersas, os visitantes se encontram em um espaço imaginário, uma paisagem de sonho, composta apenas de céu e água.

O Pavilhão Tuvalu representa um ambiente natural, mas essencialmente feito pelo homem e é obra do artista chinês de Taiwan Vincent JF Huang. O projeto revela um mundo constituído apenas de céu e água. O primeiro capítulo do antigo livro chinês de Zhuangzi, “Free and Easy Wandering”, descreve esse mundo na história de um peixe gigante chamado Kun que se transforma em um enorme pássaro chamado Peng. Quando Peng bate suas asas, o mar agita. Peng sobe para uma altura enorme. O céu está azul e, quando o pássaro olha para baixo, tudo é azul também. O livro de Zhuangzi é um dos textos básicos da filosofia taoísta. Ele considera maneiras de a humanidade alcançar a felicidade e a liberdade vivendo em harmonia com o mundo natural e se tornar “vagando livremente”.Mas a verdade é que não vivemos mais de acordo com a natureza e, em vez disso, enfrentamos muitos desastres ambientais.

Pavilhão da Ucrânia: Esperança!
Intitulado “Esperança!”, A declaração otimista da UkrainePavilion sobre o futuro deste país instável no meio de uma luta política interna. Esse otimismo, no entanto, e a dramática transparência da estrutura do pavilhão de vidro, são problematizados pela nuance moral presente nas obras expostas. Ao destacar o trabalho de jovens artistas, revela uma atitude crítica e apartidária em relação ao conflito, sendo marcado por um profundo compromisso pessoal e solidariedade com a Ucrânia. Em vez de permitir que a ideologia conduza a narrativa, o pavilhão ucraniano mobiliza a arte como uma força crítica, introduzindo uma reflexão radical para uma nação consumida pela reação.

Pavilhão dos Emirados Árabes Unidos: 1980 – Hoje: Exposições nos Emirados Árabes Unidos
O pavilhão dos Emirados Árabes Unidos remonta a 100 pinturas, esculturas, fotos e outros objetos de arte criados nas últimas quatro décadas por 15 artistas dos Emirados. Hassan Sharif se apropriou e fez seus próprios tropos, conceitos e materiais dos movimentos Fluxus e Construcionismo Britânico. As obras fazem amplo uso de plásticos comerciais coloridos e outros objetos encontrados. Esculturas de Al Saadi em forma de animais, as esculturas aqui são feitas de madeira e ossos de animais que ele encontrou em suas viagens pelos Emirados Árabes Unidos. Seus colares coloridos em uma vitrine adjacente usam madeira, osso, fragmentos de cerâmica e plásticos comerciais. Esculturas de metal, pedra e madeira de Mohammed Abdullah Bulhiah, várias das quais lembram a simplicidade elegante.Todos estão instalados no espaço de 250 metros quadrados como uma coleção lotada de obras em conversação entre si, ao invés de uma cronologia didática.

Pavilhão dos Estados Unidos da América: Joan Jonas: Eles vêm até nós sem uma palavra
A instalação intitulada “eles vêm até nós sem uma palavra”, do pioneiro videoartista e performático joan jonas, que busca evocar a fragilidade da natureza em uma situação em rápida mutação por meio de uma videoinstalação que inclui desenhos e elementos escultóricos. Parcialmente influenciados pelos escritos do autor islandês halldór laxness e sua representação poética do mundo natural, cada uma das galerias do pavilhão dos EUA trata de um assunto específico relacionado à natureza, como abelhas ou peixes, e estão ligados por meio de fragmentos de histórias de fantasmas provenientes de uma tradição oral em cape breton, nova scotia, formando uma narrativa não linear que liga uma galeria à outra. Em cada sala, duas projeções de vídeo dialogam entre si, uma que representa o motivo principal do espaço,e a outra como a narrativa fantasma, criando um fio visual contínuo que o percorre.

Espelhos ondulados autônomos concebidos por Jonas e feitos à mão em murano especificamente para esta exposição, são colocados dentro de cada sala; ao lado dos desenhos e pipas distintivos da artista e uma seleção com curadoria de objetos que foram usados ​​como adereços em seus vídeos. esta organização de diferentes elementos cria a sensação de um cenário. A rotunda do pavilhão também é revestida por espelhos semelhantes, com contas de cristal veneziano antigas penduradas em uma estrutura semelhante a um lustre suspensa no meio do teto. A atmosfera geral reflete o observador e o exterior do contexto do pavilhão dos EUA dentro do giardini pubblici, interceptado por imagens em movimento. O projeto envolve a questão de como o mundo está mudando tão rápida e radicalmente, mas não aborda o assunto direta ou didaticamente,as ideias são implícitas poeticamente por meio do som, da iluminação e da justaposição de imagens de crianças, animais e paisagem.

Pavilhão do Uruguai: Global Myopia II (lápis e papel)
Intitulado “Global Myopia” (lápis e papel), uma instalação específica do local de papel, adesivos e lápis. Os desenhos, esculturas e instalações de Marco Maggi codificam o mundo. Compostos por padrões lineares que sugerem placas de circuito, vistas aéreas de cidades impossíveis, engenharia genética ou sistemas nervosos, seus desenhos são um tesauro do infinitesimal e do indecifrável. A linguagem abstrata de Marco Maggi refere-se à forma como a informação é processada em uma era global, e seu trabalho desafia a própria noção de desenho. Os diminutos papéis são divulgados ou conectados de acordo com as regras de trânsito e sintaxe específicas ditadas por qualquer acúmulo de sedimentos.

Um skin de papel sem letras, nem caligrafia, livre de recados, exposto aos poucos, conforme nenhum plano anterior, nas paredes do pavilhão uruguaio. As colônias de adesivos de papel nas paredes dialogam com uma trilha de iluminação personalizada fornecida pela Erco. Miríades de sombras de alta definição e projeções incandescentes infinitesimais visam diminuir a velocidade do observador. O projeto divide o ato de desenhar em duas etapas. Primeiro, cortando um alfabeto de 10.000 elementos durante o curso de 2014 em Nova York, e segundo usando os elementos pré-cortados para escrever nas paredes do pavilhão durante a primavera de 2015. Da mesma forma, o projeto separa os dois elementos-chave de desenho, lápis e papel, em dois espaços – desenhos em papel no espaço principal e uma instalação de lápis na primeira sala.

Pavilhão do Zimbábue: Pixels de Ubuntu / Unhu: explorando todas as diferentes facetas das identidades sociais, físicas e culturais de nossas sociedades contemporâneas do passado, presente e futuro
Intitulado “Pixels of Ubuntu / Unhu”, Explorando as identidades sociais e culturais do século 21. Quando obras ou arte são criadas, ganham novos significados que fazem com que o conceito cresça. As obras da exposição são unificadas por um toque leve e quase mínimo, com o branco sendo o fundo dominante e o “gráfico” sendo o estilo dominante para a maioria das obras, juntas, elas nos trazem ruminação e reflexão sobre os pontos fracos da vida com um pequeno “l” e a consciência da vida com “L maiúsculo”, que é muito da filosofia do Zimbábue, sublinhada por Ubuntu no título do pavilhão. O pavilhão do Zimbábue traça um caminho de estabilidade e autodeterminação, que é um paradigma para o seu futuro e uma contribuição ponderada para “Todos os Futuros do Mundo”.

A série de dez peças de Msimba Hwati faz com que todos os visitantes apreciem quem somos nesta vida. Cada uma é uma versão em preto e branco de uma fotografia, a única cor e diferença em cada peça sendo entregue por um patch de círculo de marca, uma alusão irônica à história do retrato e à perda do individualismo na era do branding, mídia social e Tecnologia. “A Presença do Passado” de Chazunguza é uma oscilação entre o vídeo em uma sala e a impressão na outra, cada uma nos fornecendo vinhetas dramatizadas da vida no Zimbábue. Telas de Nyandoro que se quebraram, desenhos que se transformam em pinturas e pinturas que se tornam instalações . O trabalho é tanto uma resposta a um presente, que desafia qualquer medida de normalidade ou convenção, quanto uma busca para inventar um futuro,que pode oferecer esperança sem exigir o cumprimento da convenção.

Eventos colaterais

001 Inverso Mundus. AES + F
Magazzino del Sale n. 5, Dorsoduro, Organização: VITRARIA Glass + A Museum
A gravura medieval Inverso Mundus retrata um porco destripando o açougueiro, uma criança punindo seu professor, um homem carregando um burro nas costas, homens e mulheres trocando papéis e fantasias e um mendigo em trapos dando esmolas majestosamente a um homem rico. Nesta gravura há demônios, quimeras, peixes voando pelo céu e a própria morte, seja com uma foice, ou atrás da máscara do Doutor Peste.

Em nossa interpretação do Inverso Mundus, cenas absurdas do carnaval medieval aparecem como episódios da vida contemporânea. Personagens encenam cenas de utopias sociais absurdas, mudando suas próprias máscaras. Produtos de limpeza metrosexual cobrem a cidade com escombros. Mulheres inquisidoras torturam homens em dispositivos do estilo IKEA. Crianças e idosos são travados em uma luta de kickboxing. Inverso Mundus é um mundo onde as quimeras são animais de estimação e o entretenimento do Apocalipse.

Catalunha em Veneza: singularidade
Cantieri Navali, Organização: Institut Ramon Llull
Se hoje Raymond Williams decidisse sobre mais entradas para seu célebre texto Palavras-chave, certamente incluiria “singularidade”. O termo se refere ao momento em que as inteligências artificiais ultrapassam a capacidade e o controle humanos. Em matemática, descreve um ponto em que um determinado objeto matemático não é definido ou “bem-comportado”, por exemplo, infinito ou não diferenciável.

O cineasta Albert Serra Juanola toma essa noção como ponto de partida em seu novo filme. O cinema de Serra afirma que ter consciência do mundo não é simplesmente resultado da existência da mente, mas sim da mente em ação. Ligar o cinema à condição de singularidade significa fomentar a crença na noção de que pensamento, vontade e imaginação não são feitos da mesma substância que o mundo, objetos e coisas, mas de imagens, sentimentos e ideias.

Conversão. Grupo de Reciclagem
Chiesa di Sant’Antonin, Organização: Museu de Arte Moderna de Moscou
Esta instalação site-specific propõe que a globalização das redes de informação e o culto às novas tecnologias são, de certa forma, comparáveis ​​à conversão histórica ao cristianismo. O Grupo Recycle frequentemente se volta para a história para ilustrar questões atuais e aspectos chocantes do estilo de vida contemporâneo.

Suas esculturas e baixos-relevos em materiais modernos freqüentemente assumem a aparência de monumentos antigos que exibem a devastação do tempo, como artefatos de alguma civilização perdida. Embora as formas e composições deste projeto sejam influenciadas pela iconografia cristã tradicional, eles introduzem motivos contemporâneos. A conversão propõe um paralelo entre o iluminismo cristão e a revolução tecnológica digital, onde o conhecimento sagrado que antes residia nos céus agora está localizado no espaço intangível de “The Cloud.

País
Fundação Gervasuti Fundamentalis, Organização: Fundação Gervasuti
Exposição que resulta da permanência de um ano e meio do artista italiano Giorgia Severi nos territórios australianos, em contacto direto com a comunidade artística indígena. Sua jornada envolveu várias paradas em espaços artísticos de todo o continente. O país é um caldeirão de diferentes culturas, suas obras uma investigação sobre a memória e a tradição.

Distribuindo uma variedade de mídias, de artesanato a arte sonora, somos convidados a contemplar o equilíbrio volátil entre os seres humanos e a natureza.

Dansaekhwa
Palazzo Contarini-Polignac, Organização: The Boghossian Foundation
Dansaekhwa descreve uma forma de arte e um movimento coreano que surgiu no início dos anos 1970 e continuou durante os anos 1980. Embora Dansaekhwa possa ser entendido como compartilhando semelhanças com a arte monocromática ocidental e o minimalismo, é diferente de ambos em termos de sua formação histórica, prática estética e crítica social subjacente.

Dansaekhwa articula uma flexibilidade e afinidade pictórica removendo o excesso de cor. Escovar, arrancar, riscar a tinta e empurrar tintas a óleo no verso da tela é um ato físico, que aparece como um elemento e um desempenho importante do processo de produção e torna a pintura imprevisível. O pano de fundo de Dansaekhwa são elementos seminais considerando os valores estéticos em constante mudança e a história contínua do ativismo e da crítica política refletindo os fenômenos sociais.

Despossessão
Palazzo Donà Brusa, Organização: Capital Europeia da Cultura Wroclaw 2016
Organizada pela cidade de Wroclaw, Capital Europeia da Cultura 2016, a exposição tem como ponto de partida a história dos deslocamentos da cidade no pós-guerra. Partindo deste contexto histórico, ele explora dimensões contemporâneas de deslocamentos, de perda de casa e busca de refúgio em um novo, muitas vezes hostil, lugar estrangeiro.

Artistas da Polônia, Ucrânia e Alemanha são guiados pelo reconhecimento de uma dimensão universal e atemporal da expropriação e suas manifestações psicológicas e materiais. A destituição, pertencente tanto à privação quanto ao exorcismo, sugere uma distinção entre “nosso”, “seu próprio” e um “outro” indesejável. É nesta perda e desejo de pertencimento que analisamos uma relação complexa entre espaço e identidade.

EM15 apresenta o Leisure Land Golf de Doug Fishbone
Docas de Arsenale, Organização: EM15
O Princípio do Lazer é o tema curatorial que orienta a apresentação de estreia do EM15 na Bienal e se manifesta por meio de duas novas produções artísticas: Leisure Land Golf de Doug Fishbone, um campo de golfe em miniatura projetado por artistas totalmente jogável que os visitantes são convidados a jogar, e Protetor solar (www .sun-screen.uk), um projeto online que explora o espaço confuso que existe entre o trabalho e o lazer.

O Princípio do Lazer considera o conceito de turismo e comércio como uma metáfora para explorar as complexidades econômicas globais atuais por meio de um dos princípios definidores do lazer – o do consumo e como esse consumo molda nossa identidade. EM15 é um coletivo de East Midlands, Reino Unido, e compreende o Beacon Art Project, One Thoresby Street, QUAD e New Art Exchange em associação com a Nottingham Trent University.

Eredità e Sperimentazione
Grand Hotel Hungaria & Ausonia, Organização: Istituto Nazionale di BioArchitettura – Sezione di Padova
Este evento desenvolve-se através da representação de um processo decorativo realizado pelo artista inglês Joe Tilson envolvendo uma fachada não decorada do edifício Art Nouveau do Grande Hotel Ausonia & Hungaria no Lido de Veneza.

Há uma visão diurna com materiais e instrumentos tridimensionais e uma visão noturna com instrumentos de mídia de vídeo. Visão noturna: uma representação multimídia com uma projeção da decoração proposta para uma fachada do hotel. Visão diurna: duas exposições didáticas com peças construídas em escala. No exterior, no jardim, encontra-se uma estrutura de 12 metros quadrados com telhas de vidro Murano e suporte estrutural, protótipo do revestimento colocado na parede. Junto ao átrio do hotel, no histórico Meeting Hall, encontra-se uma exposição de documentos históricos, esboços, pinturas da artista e plantas.

Frontiers Reimagined
Museo di Palazzo Grimani, Organização: Tagore Foundation International
O fenômeno da globalização, onde as culturas estão colidindo e se fundindo como nunca antes, oferece fontes ricas e complexas de inspiração para os artistas. Frontiers Reimagined examina os resultados desses emaranhados culturais por meio do trabalho de 44 pintores, escultores, fotógrafos e artistas de instalação que estão explorando a noção de fronteiras culturais.

Esses artistas emergentes e estabelecidos – que vêm de uma vasta paisagem geográfica que se estende do Ocidente à Ásia e à África – compartilham uma perspectiva verdadeiramente global, tanto em sua existência física, vivendo e trabalhando entre culturas quanto em seus esforços artísticos. Cada um demonstra a riqueza intelectual e estética que surge quando os artistas se envolvem no diálogo intercultural.

Glasstress Gotika
Fondazione Berengo, Organização: The State Hermitage Museum
A mostra apresenta obras de arte contemporânea em vidro, todas com temática gótica, de mais de cinquenta artistas convidados de mais de vinte países que criaram obras com os mestres do vidro de Murano. Essas obras são justapostas a artefatos de vidro medievais escolhidos da coleção permanente do Museu Estatal Hermitage em São Petersburgo, um dos museus mais antigos e famosos do mundo.

Glasstress Gotika explora como as idéias medievais se insinuaram imperceptivelmente na consciência moderna, apesar de todos os avanços tecnológicos da sociedade atual e como o conceito gótico informa a arte contemporânea.

Graham Fagen: Escócia + Veneza 2015
Palazzo Fontana, Organização: Escócia + Veneza
A ambição do trabalho de Fagen e a complexidade de seu vocabulário o posicionam como um dos artistas mais influentes que trabalham na Escócia atualmente. Ele atrai o fascínio pela poesia, formas musicais específicas e artifício teatral para se concentrar em ideias de nacional, social e político.

Trabalhar com escritores, diretores de teatro, músicos e compositores permite que ele aproveite a experiência, o conhecimento e as especialidades fora de si. Neste novo trabalho, as contribuições do compositor clássico Sally Beamish, do cantor e músico de reggae Ghetto Priest e do produtor musical Adrian Sherwood estão claramente incorporadas, embora a autoria de Fagen nunca seja distraída ou corroída. A instalação de Fagen atrai o espectador em uma jornada, um percurso coreografado.

Grisha Bruskin. Coleção de um arqueólogo
Ex-Chiesa di Santa Caterina, Organização: Centro Studi sulle Arti della Russia (CSAR), Università Ca ‘Foscari Venezia
Uma viagem ao futuro entre as ruínas do Império Soviético. Uma grande instalação de trinta e três esculturas que emergem de escavações arqueológicas no interior de uma antiga igreja. Eles são os pseudo-artefatos de uma civilização recente e extinta.

Para este projeto, Bruskin usa personagens de sua pintura Fundamental’nyi leksikon (1985–1986), uma coleção de arquétipos da URSS. Ele reproduz as figuras em tamanho natural, depois destrói as esculturas, reúne os fragmentos e os molda em bronze. Ele então os enterra na Toscana por três anos ao lado das ruínas já enterradas do Império Romano. Ele finalmente os desenterra, e agora as estátuas emergem das águas turvas em que Veneza se encontra. Vários impérios perdidos se encontram no presente.

Bienal de Veneza
A Bienal de Arte de Veneza, uma exposição de arte visual contemporânea, é assim chamada porque é realizada bienalmente, em anos ímpares; é a bienal original na qual outras outras partes do mundo são modeladas. A Biennale Foundation tem uma existência contínua apoiando as artes, bem como organizando os seguintes eventos separados:

La Biennale di Venezia foi fundada em 1895. Paolo Baratta é seu presidente desde 2008, e antes disso de 1998 a 2001. La Biennale, que está na vanguarda da pesquisa e promoção de novas tendências da arte contemporânea, organiza exposições, festivais e pesquisas em todos os seus setores específicos: Artes (1895), Arquitetura (1980), Cinema (1932), Dança (1999), Música (1930) e Teatro (1934). Suas atividades estão documentadas no Arquivo Histórico de Arte Contemporânea (ASAC), recentemente reformado por completo.

Este modelo expositivo conduziu a um pluralismo de expressões: para as acomodar, os espaços expositivos cresceram para necessidades estratégicas, incluindo uma ambiciosa restauração da área do Arsenale que ainda está em curso. A Biennale Arte foi reconhecida como líder mundial em exposições de arte contemporânea, e os países participantes aumentaram de 59 (em 1999) para 89 em 2015. A Biennale Architettura também foi reconhecida como a melhor do mundo.

O relacionamento com a comunidade local tem sido fortalecido por meio de atividades educacionais e visitas guiadas, com a participação de um número crescente de escolas da região de Veneto e não só. Isso espalha a criatividade na nova geração (3.000 professores e 30.000 alunos envolvidos em 2014). Essas atividades foram apoiadas pela Câmara de Comércio de Veneza. Também foi estabelecida uma cooperação com universidades e institutos de pesquisa que realizam tours especiais e estadias em exposições. Nos três anos de 2012-2014, 227 universidades (79 italianas e 148 internacionais) aderiram ao projeto Biennale Sessions.

Em todos os setores tem havido mais oportunidades de investigação e produção dirigidas à geração mais jovem de artistas, em contacto direto com professores conceituados; isso se tornou mais sistemático e contínuo por meio do projeto internacional Biennale College, agora executado nas seções de Dança, Teatro, Música e Cinema.