Resenha da Bienal de Arte de Veneza 2011, Itália

A 54ª Mostra Internacional de Arte, aberta ao público de 4 de junho a 27 de novembro de 2011 no Giardini e no Arsenale. Esta edição da bienal cobre a Exposição Internacional de Arte no Pavilhão Central de Giardini e Arsenale, bem como 89 participações nacionais e 37 eventos colaterais pela cidade.

O tema da exposição intitulado “ILUMinações”, enfatiza a importância da luz e da iluminação, literalmente chama a atenção para a importância de tais empreendimentos em um mundo globalizado. la Biennale di Venezia sempre foi movida por um espírito internacional, e ainda mais agora em uma época em que os próprios artistas se tornaram turistas multifacetados, exigentes e culturais.

A exposição centra-se nos temas de luz e iluminação, ao mesmo tempo que explora ideias relacionadas com ‘nação’. Incorpora várias obras do Antigo Mestre veneziano Tintoretto (1518-1594), pouco ortodoxas e experimentais para a sua época, caracterizadas pela iluminação dramática. Além disso, como parte do conceito curatorial desta edição, quatro artistas foram convidados a criar ‘Para-Pavilhões’, estruturas escultóricas capazes de abrigar obras de outros artistas.

ILUMINAÇÃO
ILLUMInations enfatiza o insight intuitivo e a iluminação do pensamento que é fomentada por um encontro com a arte e sua capacidade de aguçar as ferramentas da percepção. A exposição respeitando e mesmo defendendo o valor da idealização da razão iluminada e um específico da prática acadêmica ocidental europeia. ILUMINAÇÃO concentra-se na “luz” da experiência iluminadora, nas epifanias que vêm com a compreensão intelectual intercomunicativa. The Age of Enlightenment também ressoa em ILLUMInations, testemunhando a vibração duradoura de seu legado.

Questões de identidade e herança sempre foram cruciais para a arte contemporânea e a intensidade da investigação artística sobre essas questões provavelmente não diminuirá no futuro próximo. Historicamente, da Idade das Trevas ao Renascimento, o processo de “ILUMinações” na arte e na cultura pode ser descoberto.

O título também sugere uma ampla gama de associações, desde as poéticas “Iluminações” de Arthur Rimbaud e “Iluminações profanas” de Walter Benjamin sobre a experiência surrealista à venerável arte de manuscritos iluminados medievais e a filosofia da iluminação na Pérsia do século XII. A arte é uma sementeira para a experimentação de novas formas de “comunidade” e para o estudo das diferenças e afinidades que servem de modelos para o futuro.

A arte contemporânea é caracterizada por tendências coletivas e identidades fragmentadas, por alianças temporárias e objetos nos quais o transitório se inscreve – mesmo que sejam fundidos em bronze. O impulso expansivo que impulsionou a arte desde os anos 1960 voltou-se para dentro. A arte não cultiva mais o pathos da anti-arte. A percepção agora está focada nos fundamentos da cultura e da arte, a fim de iluminar as convenções semânticas de dentro. Por um lado, o artefato deu lugar a uma ênfase no processo, enquanto, por outro, o renascimento de gêneros “clássicos” como escultura, pintura, fotografia e filme é motivado por um interesse em dissecar seus códigos e ativar seu potencial adormecido . Essas preocupações vão de mãos dadas com outro aspecto que é de grande relevância hoje:a arte envolve e compromete fortemente seus espectadores.

Muitos dos trabalhos apresentados na 54ª Exposição Internacional de Arte foram criados especialmente para a ocasião, referindo-se diretamente ao tema ILUMINAÇÃO. Nas obras do pintor e arquiteto veneziano desempenham um papel proeminente no estabelecimento de uma relação artística, histórica e emocional com o contexto local. As obras de pintores de arte clássica raramente são exibidas em exposições de arte contemporânea. Através do tema “ILLUMInations”, é fácil constatar que existem alguns elementos que inspiraram a contemporaneidade.

Essas pinturas exercem um apelo especial hoje com sua iluminação quase febril e extática e uma abordagem quase imprudente da composição que subverte a ordem clássica bem definida da Renascença. Embora a autorreflexão seja um fator definidor da arte contemporânea, raramente ela se move além do território coberto pela história do Modernismo.

A incorporação da obra do pintor veneziano do século 16 na Biennale di Venezia transmite sinais inesperados e estimulantes e lança luz sobre as convenções do comércio de arte em relação à arte antiga e contemporânea. As analogias de interesse nesta justaposição não são de natureza formal, mas sim reforçam o significado das obras de arte como veículos visuais de energia.

A arte é um terreno altamente auto-reflexivo que cultiva uma visão lúcida do mundo exterior. O aspecto comunicativo é crucial para as ideias subjacentes à ILLUMInazioni, como demonstrado na arte que muitas vezes declara e busca proximidade com a vibração da vida. Isso é mais importante agora do que nunca, em uma época em que nosso senso de realidade é profundamente desafiado por mundos virtuais e simulados.

Destaques dos Pavilhões Nacionais

Pavilhão da Austrália: The Golden Thread
“The Golden Thread” de Hany Armanious, invocação de formas e culturas antigas, sua adoção de uma transformação quase alquímica de um material em outro e seu interesse em incorporar os processos de fazer e exibir obras de arte nas próprias esculturas, destacam seu desejo de localizar o misterioso dentro do mundano. Argumentando que objetos em nossa vida cotidiana, sopradores de folhas, vasos, bules, cestos, ferros, persianas ou mesmo uma coroa de papelão do Burger King, podem trazer tanto prazer visual, tanto potencial de beleza quanto aquelas coisas projetadas ou considerado no domínio da estética, seu trabalho é um reconhecimento de que há mais neste mundo do que aparenta.

O projeto é panorâmico e engloba ideias e imagens independentemente do local. O trabalho de Armanious é perspicaz, comovente e muitas vezes engraçado. Baseadas no processo de fundição, as esculturas de Armanious apresentam uma dupla visão de objetos que vão da história antiga ao cotidiano. Seus meticulosos moldes de objetos encontrados – geralmente itens redundantes ou descartados que apresentam o desgaste de suas vidas anteriores, são deliberadamente criados em materiais não preciosos, mais comumente resina de poliuretano. A exposição redefine a intenção tradicional do casting, criando múltiplas reproduções idênticas de um objeto e, em vez disso, usa o processo para criar objetos únicos. Tanto o objeto original quanto o molde são frequentemente destruídos, e os objetos inanimados escrupulosamente fundidos tornam-se artefatos de vários tipos,desviando temporariamente o foco do próprio objeto para o processo de sua fabricação e evolução.

Pavilhão do Canadá: Steven Shearer: Exumar para consumir
A exposição individual “Exumar para consumir” inclui uma seleção de pinturas, desenhos e esculturas de Steven Shearer, apresentando obras novas e nunca antes vistas, que vêm de diversas influências, como história da arte, cultura popular e arquitetura vernácula. Adotando e elaborando estilos e temas específicos para a história da pintura de figuras, incluindo aqueles associados ao Simbolismo, Expressionismo e Fauvismo, Shearer traça paralelos formais e temáticos entre a história da arte e aspectos esquecidos ou descartados da sociedade.

Steven Shearer expõe objetos, imagens e ideias da história, mas também do seu próprio passado, reintroduzindo-os de significado inserindo-os em um contexto contemporâneo. Seu trabalho decorre de sua compilação contínua de milhares de imagens que são selecionadas de fontes como fanzines, painéis de mensagens online e santuários de imagens em sites pessoais. Essas fontes fragmentárias funcionam genericamente à medida que são combinadas e recicladas em seu trabalho. Sua arte desperta o potencial psíquico e emotivo dessas imagens e as transforma para refletir sua experiência subjetiva.

Pavilhão da China: Pervasão
A exposição “Pervasion” mostra obras de arte criadas por Cai zhisong, Liang yuanwei, Pan gongkai, Yang maoyuan e Yuan gong. Peng feng apresenta cinco instalações de um único artista com aromas associados à tradição cultural do país (em oposição ao foco tradicional do Ocidente na estética): chá, lótus, licor, incenso e fitoterapia. O trabalho de Cai evoca chá; yuan, o cheiro de incenso; yang’s, ervas medicinais; pan’s, o cheiro de lótus; e liang é o cheiro pungente do tradicional espírito branco da China – ‘baijiu’. ‘Cloud-tea’ por cai zhisong os ‘dispositivos’ pintados de branco são feitos de aço e sinos de vento domésticos e chá. quando movidas pelo vento, as nuvens exalam o cheiro do chá e o som do próprio vento. a fragrância vem do chá longjing,que os monges budistas bebem chá para manter um estado de espírito puro e revigorado. a instalação é projetada para induzir a sensação de estar acordado e iluminado.

Embora apropriadamente relacionado, a névoa ao redor é incidentalmente parte de outra obra, ‘esvaziar incenso’ por yuan gong. usando vinte conjuntos de atomizadores ultrassônicos, o sistema de névoa de água de alta pressão da instalação enche o pavilhão com névoa de incenso atomizada a cada duas horas, a partir de um quadrado de seixos brancos colocado na grama. “Todas as coisas são visíveis” de Yang maoyuan no solo da cisterna de arsenale, os visitantes encontram milhares de potes de remédios. prescrições médicas tradicionais chinesas estão gravadas no interior desses potes, mas do lado de fora não há sinais. De acordo com a teoria da medicina tradicional chinesa, todas as coisas são visíveis, sejam os pontos de acupuntura, meridianos ou colaterais, porém, absolutamente inexistentes para a ciência moderna.

Pavilhão de Chipre: Taxonomia Temporal
“Taxonomia Temporal”, propõe uma sinergia entre os desenhos de objetos ’emocionais’ de Doering e as topografias ‘científicas’ de Christofides. Pretende criar um dinamismo especial através de uma museografia do tempo e do espaço, a exposição visa a texploring por um lado, as relações sociais, políticas e culturais, bem como as tendências e tensões a nível local e global, e por outro lado, tenta operar como os “manuscritos iluminados” medievais que transmitem um conhecimento novo e valioso.

Chipre é representado por duas artistas, Marianna Christofides e Elizabeth Hoak-Doering. Tomando a experiência e a realidade histórica cipriota como ponto de partida, ambos os artistas abordam questões de historicidade, identidade e memória de uma forma particular, traçando e mapeando dados de uma história cultural mais ampla. O trabalho de ambos os artistas afasta-se da experiência de Chipre e do campo da sociopolítica, mas se estende e se transforma de modo a articular um discurso substancial como parte de um sistema global muito mais amplo. Questões de multiculturalismo, cruzamentos, deslocamento, migração e hibridização são pontos comuns em suas pesquisas. Sua reunião dentro do Pavilhão de Chipre visa destacar e negociar posições e contradições existentes em torno da aparente homogeneidade de um ambiente globalizado,ao mesmo tempo, aborda a necessidade profundamente humana de transgressão espiritual e intelectual: aquela que leva a uma redefinição dos sistemas espaço-temporais de existência, bem como a uma reformulação da experiência humana.

Pavilhão do Egito: 30 dias de corrida no espaço
Multimídia “30 Dias de Corrida no Espaço”, de Basiony, registrou as cenas reais do Cairo durante a Primavera Árabe. Uma visualização digital da atividade física do artista enquanto ele corria dentro de uma câmara especialmente instalada. Seus sinais vitais brilhavam nas paredes como gráficos e linhas. A peça foi reprisada na Bienal de 2011, junto com o documentário que Basiony filmou dos protestos na Praça Tahrir enquanto eles aconteciam, de 25 a 27 de janeiro.

Pavilhão da Estônia: uma mulher ocupa pouco espaço
“A Woman Takes Little Space” consiste em seis salas conceitualmente conectadas em um ambiente caseiro e semelhante a um apartamento. Em suas fotos, vídeos e instalações de ambientes site-specific, a artista explora diversos temas, que vão desde a feminilidade e o espaço social até as diferentes representações da mulher na sociedade contemporânea, bem como os trabalhos ‘femininos’. Junto com o foco no espaço, há também uma forte ênfase no tempo, no movimento circular do tempo e em um certo elemento de repetição ritual e “não chegar a lugar nenhum”.

A série de fotografias captura mulheres de diferentes idades e posições sociais em seus locais de trabalho. A série é inspirada por uma afirmação feita em uma coluna de opinião sobre igualdade de gênero que apareceu na mídia estoniana há alguns anos, afirmando que as mulheres precisam de menos espaço para seu trabalho diário do que os homens. Uma das questões que permeiam a exposição diz respeito aos mecanismos que permitem que tais ideias continuem relativamente desimpedidas como resultado de um acordo não dito entre todas as partes. Ao lado de um trabalho que enfoca a esfera privada e o corpo, há também o vídeo Horas Não Sociais, que explora o modelo do ciclo de trabalho e vida social das mulheres por meio da alimentação.

Pavilhão da França: Oportunidade
Uma espetacular instalação intitulada “Chance” de Christian Boltanski, trata de um tema que lhe é caro: sorte, azar e acaso, forças que nos fascinam e impõem suas próprias leis. Um ambiente frenético onde elementos em constante movimento evocam a loteria interminável da vida. Este conjunto de obras de Christian Boltanski também é apresentado como um conto filosófico em que o espectador não se contenta em registrar passivamente uma história, mas se envolve em um verdadeiro jogo. Ele pode ser escolhido pelo destino e, se a sorte lhe sorrir, ganhar um dos trabalhos da mostra.

“Chance” abre para um exame mais amplo do destino. O desenrolar da vida e o ritmo dos nascimentos e mortes levantam a questão do universal e do indivíduo de uma nova forma, do que distingue um ser do outro. Longe de ser sombrio, o ambiente aqui é acolhedor. Mesmo que a brutalidade de um sistema industrial e mecânico prejudique a harmonia neoclássica do prédio, aqui a luz filtrada ilumina os rostos dos recém-nascidos. Periodicamente, um deles é escolhido e, se nada o distingue dos outros na aparência, pode ainda ser aquele cujo poder e fama deixam sua marca na história.

Pavilhão da Alemanha: Christoph Schlingensief
Prêmio Leão de Ouro para Melhor Participação Nacional
No salão principal do Pavilhão Alemão foi apresentado o palco do oratório Fluxus Uma Igreja do Medo vs. o Alienígena Interior, que Schlingensief concebeu para a Ruhrtriennale 2008. Em A Church of Fear vs. the Alien Within, Schlingensief usa suas próprias experiências pessoais para lutar abertamente com os temas universais e existenciais de vida, sofrimento e morte. O palco da peça, que consiste em muitas projeções de filme e vídeo e uma infinidade de elementos esculturais, espaciais e pictóricos, oferece aos espectadores, mais do que qualquer outro de seus cenários, uma instalação total abrangente. Uma das duas alas laterais do pavilhão apresenta uma sala de cinema onde uma programação de seis filmes selecionados de diferentes momentos da carreira de Schlingensief é exibida em uma tela grande. Todos os filmes são digitalizados do estoque original,e foram parcialmente restaurados. O teatro está sempre acessível durante o horário de funcionamento da Bienal e oferece a um público internacional a oportunidade de ver uma seleção significativa de filmes de Schlingensief, incluindo alguns filmes que são legendados pela primeira vez.

A ala esquerda do pavilhão é dedicada ao Operndorf Afrika de Schlingensief, sua vila de ópera na África. Localizado perto de Ouagadougou, a capital de Burkina Faso, inclui uma escola que abriga salas de cinema e música, um café, um hospital e um prédio de teatro central com um salão de festivais. A vila da ópera está sob a liderança de Aino Laberenz e planejada com o arquiteto Francis Kéré. Ao lado de fotografias e documentação das partes já realizadas do projeto africano – e em conjunto com cenas selecionadas da Via Intolleranza II, a última peça de Schlingensief em que colaborou com atores de Burkina Faso – esta parte do pavilhão apresenta uma projeção panorâmica em grande escala de filmagens do cenário natural em torno do canteiro de obras da vila da ópera,filmado por um cineasta africano que o próprio Schlingensief havia encomendado para uso no pavilhão alemão.

Pavilhão da Grécia: além da reforma
Uma instalação site specific intitulada “Beyond Reform” por Diohandi, explora o espaço e o tempo. Com o interior e o exterior do pavilhão revistos, como um espaço existente, que se mantém num determinado momento. A fachada de estilo bizantino era visível através de pequenas rachaduras na superfície de uma nova concha externa que cobre a estrutura original, enquanto água, luz e som eram elementos dominantes no interior do pavilhão. O acesso ao interior era feito por um corredor ascendente que percorria toda a extensão do Pavilhão entre uma superfície de água, conduzindo até a luz pura. Após uma extensa pesquisa sobre a arquitetura e a história do Pavilhão Grego, o novo espaço de Diohandi vê o ambiente circundante se misturar com o interior, oferecendo novas maneiras nas quais a estrutura da construção, luz, som e água podem coexistir.

Diohandi entende o tema “ILUMINAÇÃO” em seu sentido mais profundo e básico. A começar por um espaço muito específico, concreto e estritamente racional, tanto exterior como interior: todo o espaço é remodelado, embora nenhuma destas intervenções afecte de facto a estrutura existente. Também trazem som e luz, indispensáveis ​​à obra. A instalação no Pavilhão Grego de certa forma reflete, com o trabalho específico de Diohandi, o atual estado político da Europa e do mundo em geral. É ao mesmo tempo, obviamente, um comentário sobre a experiência grega contemporânea de recessão econômica e tutela do FMI: um lugar de luz jogado na escuridão e no declínio, segurando, quase à toa ao que parece, as esperanças de reconstrução espiritual e sociopolítica ; em outras palavras,para uma visão de luz que deve trazer clareza de mente, como se fosse a catarse final.

Pavilhão da Índia: todos concordam: está prestes a explodir
O primeiro pavilhão da Índia na Bienal de Veneza, intitulado “Todos concordam: está prestes a explodir”, mostra a coleção de Zarina Hashmi, gravadora e escultora Gigi Scaria, pintora e videoartista, Praneet Soi, artista de mídia mista, e The Desire Machine Collective. Este pavilhão aborda essa ideia através dos tropos da prática transcultural, migração e polinização cruzada. Na verdade, este pavilhão pretende servir como um laboratório no qual testamos certas proposições-chave relativas à cena da arte contemporânea indiana. Por meio dela, pudemos ver a Índia como uma entidade conceitual que não é apenas territorial, mas também extensa em um espaço global do imaginário.

O objetivo de Hoskote, ao fazer sua seleção de artistas, é representar um conjunto de práticas artísticas conceitualmente rigorosas e esteticamente ricas que são encenadas paralelamente ao mercado de arte. Além disso, ainda não foram valorizados pelo sistema de galerias e circuito da casa de leilões. A manifestação indiana também se concentra em posições artísticas que enfatizam a natureza transcultural da produção artística contemporânea: algumas das artes mais significativas que estão sendo criadas hoje se baseiam em uma diversidade de locais e diferentes economias de criação de imagens e histórias culturais variadas.

Pavilhão do Iraque: Água Ferida
“Wounded Water”, uma seleção emocionante com curadoria profissional de 6 artistas iraquianos de duas gerações, incluindo várias mídias artísticas (pintura, performance, vídeo, fotografia, escultura / instalação). Estes são tempos extraordinários para o Iraque. O projeto de criação de um pavilhão oficial do país para a 54ª Bienal de Veneza é um trabalho múltiplo e participativo em andamento desde 2004. Historicamente, passa por um período de grande renovação, após mais de 30 anos de guerra e conflito naquele país. O Pavilhão do Iraque apresenta seis artistas contemporâneos iraquianos internacionalmente conhecidos que são emblemáticos em suas pesquisas artísticas experimentais individuais, resultado de viver dentro e fora de seu país.

Eles representam duas gerações: uma, nascida no início dos anos 1950, experimentou tanto a instabilidade política quanto a riqueza cultural daquele período no Iraque. Ali Assaf, Azad Nanakeli e Walid Siti atingiram a maioridade na década de 1970, durante o período de criação do socialismo político que marcou suas origens. A segunda geração, que incluirá Adel Abidin, Ahmed Alsoudani e Halim Al Karim, cresceu durante o drama da guerra Irã-Iraque (1980-1988), a invasão do Kuwait, as sanções econômicas esmagadoras da ONU e o subsequente isolamento artístico. Esta geração de artistas saiu do país antes da invasão de 2003, encontrando refúgio na Europa e nos EUA por pura fortuna aliada à virtude artística de seu trabalho.Todos os seis artistas, portanto, têm identidades indubitavelmente forjadas com a prática artística contemporânea que une a situação global com a experiência iraquiana e eles representam uma abordagem sofisticada e experimental que é totalmente internacional em escopo.

Pavilhão de Israel: O chão de um homem é o sentimento de outro
“O chão de um homem é o sentimento de outro homem”, de Sigalit Landau, unindo o metafórico e o material numa imagem, poética e política, o título alusivo gera um conceito com amplo espaço para a imaginação. Trabalhando com três elementos essenciais: água, terra e sal, o projeto de Landau está relacionado ao próprio pavilhão israelense. O projeto é site specific, celebrando a água que está ali, as questões de interdependência, as comunidades e sociedades que vivem nesta região, adjacentes umas às outras, compartilhando terra e cultura.

Pavilhão da Itália: Ministério do Patrimônio Cultural e Atividades
Para a tradicional sede do Pavilhão Italiano, ampliado por ocasião do 150º aniversário da Unificação da Itália, foram selecionadas 200 grandes personalidades de reconhecido prestígio internacional que foram solicitadas a indicar um artista que teve um significado na primeira década de neste milênio, de 2001 a 2011. Foram exibidos 200 artistas, resultado de 200 formas diferentes de compreender a arte. Uma representação caleidoscópica que não se limita às escolhas da crítica e não segue as tendências das galerias, mas alimenta a extraordinária união entre arte, literatura, filosofia. O Arsenal também expôs o Museu da Máfia, trazido de Salemi em Veneza, oferecendo o leit-motif da exposição: “A arte não é nossa”.

A exposição Itália: 150 / Bienal: 116. pretendia mostrar uma coleção de particular importância pela variedade, consistência e qualidade artística. A exposição incluiu as obras de Augusto Sezanne, Ettore Tito, Marcello Dudovich, Carlo Scarpa, Albe Steiner, Milton Glaser, Ettore Sottsass, Gianluigi Toccafondo e Studio Tapiro com sede em Veneza. A exposição foi realizada com recursos internos da La Biennale, em particular do ASAC (Arquivo Histórico de Arte Contemporânea), no âmbito do projeto mais amplo de valorização dos seus Fundos. A exposição foi possível graças ao recente trabalho de retrabalho e inventário de toda a coleção de pôsteres com 3.500 peças, representada por 360 pôsteres gerais, além de pôsteres secundários, pôsteres e anúncios.

Pavilhão do Japão: Tabaimo: teleco-sopa
A instalação intitulada “teleco-soup” de Tabaimo, criada a partir da projeção de uma animação multicanal em painéis de espelho, este ambiente multimídia envolvente explora a identidade do país como um estado insular. “Teleco-sopa” conota a ideia de uma sopa “invertida”, ou seja, a inversão das relações entre água e céu, fluido e recipiente, eu e mundo. Cunhada pelo artista, esta frase se baseia em uma tradição intelectual no Japão que luta contra a identidade do país como um estado insular, ou o que nos últimos anos passou a ser conhecido como a “Síndrome de Galápagos”, originalmente usada para descrever a incompatibilidade entre os japoneses tecnologia e mercados internacionais, mas agora aplicáveis ​​a múltiplas facetas da sociedade japonesa na era da globalização.A estrutura da exposição ainda faz referência a um provérbio atribuído ao filósofo chinês Zhuangzi, “Uma rã em um poço não pode conceber o oceano”, e um adendo à versão japonesa da mesma, “Mas ele conhece a altura do céu. ”

Através do uso de uma projeção de animação multicanal e painéis de espelho, Tabaimo transforma o interior do Pavilhão do Japão em um poço e o espaço aberto sob o Pavilhão, que é elevado em pilotis, para o céu. A sucessão de imagens leva ao reconhecimento da largura inimaginável do poço – ou do Japão contemporâneo – e, por meio da orientação antigravitacional da instalação, conecta-se a uma profundidade / altura infinita no mundo eterno do céu abaixo, visível através de uma abertura no andar no centro do Pavilhão. Desta forma, estendendo-se para além dos limites do Pavilhão, a instalação desestabiliza as relações entre cima e baixo, interior e exterior, perspectivas amplas e estreitas, e mergulha os visitantes numa experiência corporal que os leva a questionar,O mundo de um sapo vivendo em um poço é realmente tão pequeno? E, como podemos negociar os pontos de contato entre o indivíduo e o comunitário – como negociamos nossas próprias Síndromes de Galápagos?

Pavilhão da Lituânia: Atrás da Cortina Branca
Behind the White Curtain é uma obra de Darius Mikšys, que tenta reunir e exibir uma exposição simbólica com curadoria de um estado moderno e transformá-la em uma exposição real e arquivo nacional. Atuando como um espelho público autoconstruído e organizado, Behind the White Curtain constitui uma coleção de obras de arte de artistas que receberam uma bolsa estatal do Ministério da Cultura da República da Lituânia nas últimas duas décadas (1992-2010) .

O estado lituano seleciona artistas para uma exposição simbólica, alocando prêmios e bolsas para promover a prática dos artistas lituanos. Pode ser visto como uma programação direcionada de produtos culturais. Dessa forma, o estado atua como um curador, cuja sala de exposições não possui paredes, e cuja exposição está em cartaz há décadas. É possível ver tal exposição? Como se visita? Behind the White Curtain é uma instalação e performance, ocorrendo em ambos os lados da cortina. Um lado serve como espaço de armazenamento para toda a coleção, enquanto o segundo funciona como uma exposição rotativa; moldado de acordo com os interesses específicos de cada visitante.

Pavilhão do Luxemburgo: Le Cercle Fermé
“Le Cercle Fermé” de Martine Feipel & Jean Bechameil, percebe que a noção de espaço é central. O observador tem uma única ideia: a necessidade óbvia de encontrar um novo tipo de espaço. A obra de arte pode ser entendida em vários níveis diferentes que tocam tanto na filosofia quanto na história da arte ou na sociedade. Neste projeto, a gestão do espaço está em crise. Na esteira da filosofia de Jacques Derrida, trata-se de tentar ir além do limite de um lugar para encontrar um novo. Isso se resume a pensar sobre o significado do limite e o significado do espaço que é principalmente o resultado da tradição.

O importante é não ultrapassar ou transgredir a lei cruzando o limite, mas “abrir” um espaço bem no centro do antigo espaço. Esta abertura não cria um novo espaço a ocupar, mas sim uma espécie de bolso escondido dentro do antigo sentido do limite. Trata-se de uma abertura no espaço de acordo com o princípio do deslizamento. Esse deslizamento interno e a recriação do espaço sempre implicam na destruição de uma instituição. A situação ainda parece aberta, mas carecemos de conceitos de ação capazes de responder à crise ecológica e à crise da civilização. Hoje, sem dúvida, é mais urgente do que nunca considerar qualquer reflexão sobre a questão do espaço como obra de civilização, como remodelação da civilização. Modificar o cotidiano remodela completamente nosso mundo.

Pavilhão de Montenegro: A Fábrica de Geladeiras e Águas Límpidas
A exposição intitulada “The Fridge Factory and Clear Waters”, apresenta artistas performáticos em conjunto com Marina Abramović, llija Soskic e Natalija Vujosevic. Obod é uma antiga fábrica de geladeiras de 140.000 metros quadrados situada em Cetinje, capital do antigo reino de Montenegro, e construída durante o regime comunista de Tito. Obod foi fundada para produzir geladeiras para toda a ex-Iugoslávia, e ainda hoje é um exemplo perfeitamente preservado dos ideais do comunismo, industrialização e modernismo que estavam tão perto de bibliotecas, palácios, mosteiros e montanhas centenárias que Montenegro uma localização geográfica tão atraente. O espaço foi convertido em um laboratório de produção, apresentação, distribuição e desenvolvimento de diferentes formas de arte desde a performance, dança,teatro, ópera, cinema e também fomentar a arquitetura, a ciência e as novas tecnologias.

O trabalho de Marina consiste em um vídeo com uma narrativa original e uma curta biografia sobre suas raízes montenegrinas, e explica seu ambicioso projeto de estabelecer dois centros de performance simultaneamente em Montenegro (Europa) e em Hudson, Nova York. O trabalho de Marina Abramović também pode ser visto em “Estruturas Pessoais” com curadoria de Karlyn de Jongh e Sarah Gold, realizado no deslumbrante Palazzo Bembo perto da Ponte Rialto no Canal Grande. Esta mostra coletiva reúne uma interessante combinação de 28 artistas, dos 5 continentes. Sejam artistas consagrados ou menos conhecidos, todos estão unidos por um interesse comum: a dedicação ao conceito de tempo, espaço e existência.

Pavilhão da Nova Zelândia: na primeira vista de Chapman’s Homer
“On first looking into Chapman’s Homer”, de Michael Parekowhai, presta homenagem ao poema com o mesmo título do poeta romântico inglês do século XIX John Keats e faz referência a noções de descoberta, exploração e interação cultural entre o Velho e o Novo Mundo . O artista entende o trabalho de Homer de Chapman de uma forma que combina com a arte performática, muito do significado real do trabalho vem através da música, que preenche o espaço como nenhum objeto pode. Michael Parekowhai cria uma sensação de drama e surpresa para o público.

Pavilhão da Noruega: o estado das coisas
Refletindo sobre os princípios do Passaporte Nansen hoje, e sobre a possibilidade de que a imagem de uma nação possa de fato ser definida por seu internacionalismo, o Office for Contemporary Art Norway (OCA) está organizando ‘The State of Things’, uma série de palestras públicas que fazem parte da representação da Noruega para a 54ª edição da Bienal de Veneza. As palestras públicas, ministradas por intelectuais de renome internacional, refletem sobre temas como diversidade, Europa, meio ambiente, pacificação, direitos humanos, capital, sustentabilidade, migração, asilo, estética e guerra. Cada um dos artigos aborda o ‘estado de coisas’ hoje, baseando-se nos campos de atividade e pesquisa dos palestrantes e no que eles consideram as prioridades intelectuais e políticas de hoje.

Pavilhão da Rússia: zonas vazias
“Zonas vazias”, uma tentativa de ver as ações da CA retrospectivamente como vida na arte. Com foco no paradoxo da escala, a exposição mostra a arte como produção de si mesmo e não de objetos (pinturas, esculturas, instalações). Zonas vazias é o conceito de vida como um tipo único de arte. E essa vida na arte foi demonstrada usando as metáforas criadas para o espaço do Pavilhão Russo.

Foi o primeiro exemplo na Rússia do tipo de arte que tira o espectador de sua condição passiva usual e lhe oferece um papel ativo na criação de um evento artístico. “Os eventos estéticos espaço-temporais que constituem as ‘ações’ de CA foram desenvolvidos tanto nos grandes espaços rurais (campos, matas, rios etc.) e nos textos que apresentam as ações, acompanham e comentam os acontecimentos de uma ação, porém, algumas ações também foram realizadas na cidade e em espaços fechados quando o processo de desenvolvimento de uma linguagem estética contemporânea o exigiu, o CA realizou 125 ações e compilou 10 volumes (o trabalho no 11PthP está em andamento) dos livros Trips out of Town.

Pavilhão da Arábia Saudita: The Black Arch
“The Black Arch” de Mona Khazindar e Robin Start, é muito sobre um ponto de encontro dos dois artistas; de duas visões do mundo; das trevas à luz, e de duas cidades, Meca e Veneza. A obra é um palco montado para projetar a memória coletiva dos artistas do Black, a monumental ausência de cor – e a representação física do Black, remetendo ao seu passado. A narrativa é alimentada por contos inspiradores contados por suas tias e avós e está ancorada em Makkah, onde as irmãs cresceram na década de 1970.

A experiência com a presença física de Black, primeira parte da instalação, é marcante para as artistas, inspiradas nas silhuetas negras das mulheres sauditas. Como contraponto, a segunda parte da instalação é uma imagem espelhada, refletindo o presente. Esses são os parâmetros estéticos da obra. O Black Arch também é sobre uma jornada, sobre a transição; inspirado por Marco Polo e seu companheiro viajante do século 13, Ibn Battuta, ambos exemplos de como unir culturas através de viagens Os artistas se concentram nas semelhanças entre as duas cidades cosmopolitas e seus poderes de inspiração. A dupla visão de duas mulheres, duas irmãs, duas artistas desdobra-se num mundo de rituais e tradições que, no entanto, confronta com simplicidade a realidade quotidiana do comportamento humano.

Pavilhão da Eslovênia: Aquecedores para sensações quentes
A instalação de escultura de Mirko Bratuša Aquecedores para sentimentos quentes é composta por oito peças táteis, antropo e biomórficas, cada uma das quais com cerca de 2 m de altura. Acessórios elétricos ocultos aquecem, umidificam e resfriam as esculturas de argila cozidas. O calor gerado pelo resfriamento das primeiras esculturas foi utilizado para aquecer as demais. Uma rede de conexões é configurada como um sistema de corpos artificiais, que indicam sua dependência mútua. As metafóricas de um sistema artístico assim construído são universalmente aplicáveis ​​à sociedade moderna, na qual tudo acontece em relação mútua: acumular riquezas de um lado do planeta leva à pobreza do outro, explorar a natureza provoca desastres naturais, inquietação social muda política sistemas.

As esculturas de Mirko Bratuša são capturadas em vários estados de emoção. Eles são fantasticamente expressivos, projetados com extravagância escultural e humor refinado. Insinuando fenômenos excêntricos da tradição católica ocidental, eles nos revelam o exótico no lugar-comum. Assim, para atingir um nível mais alto de empatia, eles são feitos de um material decididamente expressivo e não mais comercializado em massa de argila cozida. Eles são táteis, quentes e frios. Eles nos mostram o aspecto psicótico de nossa vida cotidiana, refletem nossos medos e falam de nossa sensação de estarmos perdidos na cultura moderna, onde parece que não podemos mais afetar a política e as relações sociais de poder e que não é mais possível travar o processos de destruição da natureza. Portanto, sugere Bratuša, temos que retornar às percepções elementares,para o reino da sensibilidade perdida.

Pavilhão da Turquia: Plano B
“Plan B”, de Ayşe Erkmen, baseia-se na relação inelutável e complexa que Veneza tem com a água. O projeto de Erkmen transforma uma sala dentro do Arsenale em uma unidade de purificação de água complexa onde as máquinas funcionam como esculturas, envolvendo o público dentro do processo de filtração que eventualmente fornece água limpa e potável de volta ao canal. Cada componente da unidade de filtragem foi separado, disseminando o maquinário por toda a sala e, em seguida, reconectando os elementos com tubos estendidos. Erkmen coreografa as elegantes formas industriais para chamar a atenção para o processo de transformação, ao final do qual a água purificada é devolvida ao canal: um gesto fútil, mas corajoso contra a escala avassaladora do canal e do oceano.

Formalmente, a prática de Erkmen costuma comentar sobre a relação do minimalismo entre as formas industriais e o corpo. Aqui, a instalação gera uma experiência visceral para os espectadores que estão incorporados no mecanismo de transformação. O “Plano B” transmite abstratamente sistemas e processos dos quais fazemos parte diariamente: sangue circulando pelo corpo, Capital fluindo pelas fronteiras, mecanismos de autoridade, suprimento de recursos naturais ao mesmo tempo em que oferece uma referência poética à potencialidade de mudança. Simultaneamente, o trabalho é uma crítica sutilmente humorística da euforia por soluções insustentáveis ​​de curta duração e mudanças nos sistemas e estruturas complexos que nos cercam.

Pavilhão do Reino Unido: I, impostor
“I, imposter” de Mike Nelson, uma instalação envolvente para o pavilhão britânico. A nova adaptação combina camadas de tempo e espaço ao reimaginar a história de uma pousada à beira da estrada do século 17. Projetado para oferecer suporte a rotas de comércio mercantil na Ásia, norte da África e sudeste da Europa, o espaço era palaciano durante seu auge. A última reinterpretação espacial, portanto, reduz o tempo ao integrar a arquitetura do século 17 com artefatos do presente recente, como móveis de plástico e uma televisão desatualizada. Deslocar a instalação de Istambul para Veneza também distorce a percepção da geografia, mas une as histórias compartilhadas das duas cidades como antigos centros comerciais.

Pavilhão dos Estados Unidos da América: Gloria
Com o título “Gloria”, o pavilhão americano reorganizado, há muita poeira no ar lá fora, e com todo o papelão e destroços espalhados em volta dele como uma zona de guerra. Um tanque britânico de 60 toneladas virado de cabeça para baixo, chamado Track and Field, eles consertaram uma esteira ergométrica no topo da trilha direita do tanque. Com apresentações de ginastas americanas foi realizada dentro do pavilhão. Uma réplica da estátua simbólica da Liberdade ficava ao lado do Algorithm, um tubo conectado a um caixa eletrônico em funcionamento, onde o órgão só toca música durante uma transação.

Allora e Guillermo Calzadilla representando os EUA com cinco instalações. Os mais artísticos entendem o evento que costuma ser chamado de Olimpíadas do mundo da arte. Como atletas, eles se preparam rigorosamente e, eventualmente, competem pelo ouro. Gloria, como na glória olímpica, ou na glória da arte, ou na glória da guerra. Mas um tanque virado pode ser facilmente interpretado como um símbolo da glória desbotada da América. O visitante pode ver a relação entre o militarismo, pensar na guerra. A escultura também se relaciona com a gravidade, peso, montagem, performance, som. Portanto, ele tem todos esses tipos de registros múltiplos que o fazem exceder uma única extremidade útil, prática e funcional.

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