Resenha do LA Art Show 2018, Califórnia, Estados Unidos

A LA Art Show, a mostra internacional de arte contemporânea mais abrangente da América, inaugurou oficialmente a temporada de arte de 2018 da cidade no Los Angeles Convention Center em 10 de janeiro de 2018. A LA Art Show é uma experiência internacional de arte incomparável com mais de 100 galerias de mais de 18 países exibindo pinturas, esculturas, trabalhos em papel, instalações, fotografia, design, vídeo e performance.

Aproveitando a empolgação do ano passado, DIVERSEartLA dedica mais de 60.000 pés quadrados no LA Art Show à arte performática, instalações, exposições e programas com curadoria de grandes museus e organizações artísticas como LACMA, MOLAA, The AUTRY e MUSA Museum of the art Guadalajara. A seção DIVERSEartLA é dedicada a nutrir a energia criativa de colecionadores, artistas, curadores e instituições, fornecendo uma plataforma de arte contemporânea que ajuda a fortalecer. cpmmect amd emgage a comunidade dinâmica de LA e seus diversos públicos com o mundo.

Desfrute das instalações mais conceituais e abstratas do LA Art Show, como os sacos de pancadas “Left or Right” de Antuan Rodriguez e “Space Boat” de Bunnie Reiss em Littletopia. O trabalho de Adrienne Stein foi de particular destaque, com suas figuras etéreas entrelaçadas com a flora e a fauna, e foi uma luz realista na seção de Littletopia contemporânea. Obras de todo o mundo estiveram em exibição, combinando arte de 18 países, incluindo a Exposição Nacional da China.

Uma nova seção da mostra, intitulada “DESIGN LA ART”, trouxe design de interiores e arquitetura para a mostra. Com esta nova seção, estamos homenageando a já rica história da cidade nos domínios do design e da arquitetura, bem como apresentando uma programação inovadora sobre a fusão crescente dessas duas disciplinas.

O foco da feira é a América Latina e a Orla do Pacífico. O evento apresenta uma variedade de arte contemporânea e moderna, clássica e outras cenas de arte especializadas que muitas vezes comandam seus próprios shows dedicados. Apresentações radiantes são trazidas à vida por uma variedade de galerias que moldam a esfera artística de Los Angeles como um espaço totalmente acessível para expressão. A tradição e o prestígio da LA Art Show, já totalmente consolidados na cidade e arredores, fazem dela uma das principais feiras americanas de arte contemporânea.

Los Angeles emergiu como um epicentro global de arte e cultura, com uma influência multicultural distinta e interligada, única na cidade. A diversidade é a nossa força e a arte tem mais impacto quando inclui ou transcende todas as fronteiras. Enquanto LA surge como um destino de classe mundial para a arte, o LA Art Show continua a liderar o caminho com uma programação inovadora e experiências únicas para um público colecionador em expansão.

O LA Art Show cria uma das maiores feiras de arte internacionais dos Estados Unidos, proporcionando uma experiência de arte empolgante, envolvente e privilegiada para patrocinadores, seus convidados selecionados e clientes VIP. A mostra atrai uma lista de elite de galerias nacionais e internacionais, artistas aclamados, curadores conceituados, arquitetos, profissionais de design, juntamente com colecionadores exigentes.

O LA Art Show também é conhecido por uma agenda robusta de eventos especiais durante o fim de semana; nos últimos anos, os tópicos variaram de belas-artes a moda e cinema. A programação deste ano destaca temas importantes relacionados ao mundo da arte contemporânea, incluindo o trending topic, no que se refere a arquivos digitais originais e colecionáveis ​​no setor de belas-artes.

Mais de 200.000 pés quadrados de espaço de exposição estão comprometidos com as galerias proeminentes de hoje. Essas galerias nacionais e internacionais, além de seus estandes, organizam exposições especiais que estão na vanguarda do crescente movimento de arte contemporânea. A feira oferece um extraordinário conjunto de trabalhos e experiências em setores especializados.

LA Art Show 2018
O LA Art Show 2018 cria uma das maiores feiras de arte internacionais dos Estados Unidos, proporcionando uma experiência de arte empolgante, envolvente e privilegiada para patrocinadores, seus convidados selecionados e clientes VIP. A mostra atrai uma lista de elite de galerias nacionais e internacionais, artistas aclamados, curadores conceituados, arquitetos, profissionais de design, juntamente com colecionadores exigentes.

Este ambiente cultural inovador e excepcional atrai executivos e membros do conselho de empresas do sul da Califórnia, representantes do governo estadual, municipal e municipal, bem como líderes de instituições culturais da região. Os participantes são criadores de tendências, influenciadores e consumidores alfa, que buscam e exigem o que há de mais novo e melhor em todas as áreas de suas vidas – arte, design, comida, tecnologia e viagens sendo pontos de paixão específicos.

Para sua 23ª edição, a mostra continua sua expansão no mercado de arte global com uma nova parceria com o Museu das Artes de Guadalajara, bem como expositores de mais de 18 países. Os expositores que retornaram incluem os pesos pesados ​​Patrick Painter, Timothy Yarger, SM Fine Art e muito mais. ROOTS, uma seção dedicada a obras históricas, retorna pelo segundo ano consecutivo com expositores como MS Rau Antiques, Rehs Gallery e Maxwell Alexander, para citar alguns. O retorno de Littletopia com as galerias crescentes da cena artística contemporânea. DESIGN LA foi uma nova adição à mostra, com foco em arte funcional, móveis modernos, decoração de destaque, objetos arquitetônicos, joias e muito mais.

Core – Core é um espaço com curadoria para galerias reconhecidas em todo o mundo como líderes na arte contemporânea. As galerias exibidas aqui continuamente educam, inspiram e encantam os colecionadores ávidos do mundo com as vozes mais procuradas do mercado.

Modern + Contemporary – A maior seção da programação no LA Art Show, Modern + Contemporary exibe o vasto espectro da pintura contemporânea, ilustração, escultura e muito mais de galerias em Los Angeles, Pacific Rim e países ao redor do mundo.

Roots – Honrando as vozes e movimentos anteriores, o ROOTS é um espaço de exposição dedicado para galerias que exibem obras históricas e artistas contemporâneos que seguem essas tradições.

Design LA Art – O Design LA Art serve como um espaço com curadoria para mostrar galerias de design internacionais proeminentes. Design LA Art fornece um mercado de arte para design contemporâneo colecionável e arte funcional, exibindo o melhor em objetos de design, arte, joias, arquitetura e móveis apresentados ao lado das galerias modernas e contemporâneas líderes globais da atualidade.

Works On Paper – Works on Paper é um espaço de exposição dedicado à exibição de fotografias e outros trabalhos que não sejam em telas tradicionais.

Project Space – Vindos de todo o mundo, os expositores do Project Space apresentam uma ampla gama de ideias e talentos na forma de exposições individuais, apresentadas pelas galerias participantes.

JEWEL – JEWEL é um espaço dedicado a expositores especializados em artigos de luxo, incluindo joias e outros acessórios que envolvem o mundo das belas-artes.

DIVERSEartLA – Capitalizando a posição da cidade no Pacífico, DIVERSEartLA é uma seção de programação especial dedicada a nutrir a energia criativa de colecionadores, artistas, curadores, museus e organizações sem fins lucrativos internacionais, conectando-os diretamente com o público em Los Angeles. Diversidade e inclusão continuam a ser nossos principais mandatos à medida que refletimos e nos regozijamos. Capitalizando a posição da cidade na Orla do Pacífico, DIVERSEartLA é uma seção de programação especial que dedica mais de 35.000 pés quadrados para alimentar a energia criativa de colecionadores, artistas, curadores, museus e organizações sem fins lucrativos internacionais, conectando-os diretamente com o público em Los Angeles.

Exposições em destaque – expandindo-se além dos limites dos espaços de estandes, as exposições em destaque criam experiências imersivas para envolver o público por meio de obras de arte, performances e outras exposições instigantes oferecidas pelas galerias participantes, destacando trabalhos que foram comentados nos anos seguintes.

Exposições

Dansaekhwa IV: Ritmo Interno – Kim Tae-Ho
O desenvolvimento das obras mais recentes de Kim Tae-Ho coincidiu com a virada do milênio, por volta do ano 2000. Concentrando-se nas pinceladas e na aplicação de cores, em sua maioria, essas obras parecem ser muito diferentes de suas obras anteriores. Acima de tudo, no que diz respeito à mudança de aparência, grossas camadas de tinta formam massas volumosas, que divergem claramente de suas anteriores peças ilusórias bidimensionais. Simultaneamente, existem diferenças na fisicalidade, e elas diferem exclusivamente das composições completas de seus trabalhos em papel.

Em relação ao processo, ele primeiro traça linhas entrelaçadas. Ele cria um ritmo fixo e, depois de construir vinte camadas de tinta, raspa o denso acúmulo de tinta. A cor que está escondida abaixo ganha vida dentro da estrutura. Inúmeros espaços visuais são construídos dentro da formação de grade sobreposta; cada célula é comparável a uma colmeia, produzindo sua própria vida no reino da pintura.

Cristobal Valecillos // YARE: One More Dance
Yare, One More Dance é uma representação multidisciplinar contemporânea de Los diablos de Yare – declarada Patrimônio Cultural Imaterial da Humanidade pela UNESCO. Para celebrar o horário padrão do Pacífico da Getty: a iniciativa LA / LA, o artista invoca o festival anual Los Diablos de Yare criando uma coleção de máscaras feitas à mão. Valecillos criou uma série de fotografias impressionantes em um cenário de marcos icônicos de Los Angeles. Essas imagens provocantes e atraentes incorporam as alegrias e os desafios do espírito humano contemporâneo.

O Dogma que viabiliza nossos tempos mais sombrios, a Propaganda que nos seduz para a cumplicidade, o Basura que nos alimenta, o Matasano a quem confiamos nosso maior amor, o Solo nosso refúgio tecnológico, “El Dulce”, líder da quadrilha que ridiculariza nossos sede, a Asfixia que infligimos à Mãe Terra e à Sangre que tão irresponsavelmente derramamos.

Cadeira do diretor: Matthew Modine
No 30º aniversário do Full Metal Jacket de Stanley Kubrick, “Full Metal Diary” de Matthew Modine oferece um retrato incrivelmente raro e vibrante de um dos filmes de guerra mais icônicos do cinema – de um dos diretores mais enigmáticos da indústria. A exposição é um estudo de um jovem ator sob o aprendizado de uma lenda.

Uma combinação de fotografias de formato médio, raramente vistas, tiradas no set, é exibida ao lado de trechos íntimos e poéticos do diário pessoal do ator. Este olhar por trás da cortina revela insights únicos sobre a metodologia de Kubrick, bem como o complicado processo de um ator lutando para chegar a um acordo com seu ofício. “Full Metal Diary” é um exemplo extraordinário de arte imitando a vida.

Através do espelho – Harmonia Rosales e Aldis Hodge
Through The Looking Glass nasceu da noção de percepção cultural introspectiva. Questiona o envolvimento do espectador com culturas não reconhecidas como suas, bem como os canais educacionais para essas culturas e, finalmente, questiona a responsabilidade do espectador em prosseguir com essas investigações. Criado com o espírito de experimentação social, Through The Looking Glass visa que o público se envolva em uma conversa interna, permitindo-se revelar seu funcionamento mais íntimo.

TV LED com tela dobrável de desenho animado: Lee Nam Lee
Uma tela tradicional de cinco dobradiças asiática é reproduzida em formato digital, onde as imagens estáticas das obras-primas clássicas ganham vida à medida que viajam no tempo. A interação entre os personagens de desenhos animados e as várias imagens icônicas da arte, da guerra e de nossa sociedade fala das muitas faces da civilização moderna. Além disso, uma sensação de cura e restauração é oferecida por meio da transformação sazonal da paisagem nas pinturas clássicas.

Pandemonia
Criado por um artista anônimo de Londres, Pandemonia é um projeto de arte conceitual multimídia centrado em uma personagem feminina construída a partir de símbolos e arquétipos. Seu exterior de plástico assume a forma de um desenho tridimensional a meio caminho entre o real e o imaginário. A Pandemonia engaja o público e estimula os visitantes da mostra de arte a interagir com ela, a participar e a criar sua própria obra de arte única capturada como uma selfie Polaroid.

Em sua performance especial, Pandemonia posa e atua com vários objetos e colírio para os olhos de seu mundo surreal perfeitamente ideal. Os objetos incluem mercadorias Trompe l’oeil, bolsas, animais de estimação, aspiradores de pó, ferros de passar, objetos domésticos e pertences pessoais como joias, óculos – todos ecoando seu vocabulário feminista pop. Ela estava fantasiada, caracterizada por penteados fenomenais e vestidos de látex.

Não sou um troféu: Arno Elias
Estabelecido em 2016, I’m Not A Trophy é uma iniciativa global para criar maior consciência nos atos maliciosos de caça de troféus e caça furtiva de espécies ameaçadas de extinção. Fundada pelo artista francês Arno Elias, a campanha utiliza figuras femininas poderosas, como a supermodelo e atriz internacionalmente celebrada, Cara Delevingne, para representar o compromisso do programa em chamar a atenção para a caça de troféus e, ao mesmo tempo, capacitar as mulheres a lutar contra os estereótipos sexistas.

Conecte os pontos: Logan Maxwell Hagege
O artista contemporâneo americano, Logan Maxwell Hagege, em colaboração com a Maxwell Alexander Gallery, tem o orgulho de apresentar Connect the Dots. Uma instalação que nos traz de volta à nossa infância e nos torna todos artistas. Cada participante tem cinco minutos para conectar os pontos e revelar uma obra de arte original. Conecte os pontos conosco e leve para casa uma obra de arte gratuita com a visão moderna das paisagens ocidentais de Hagege.

Girasoles: Claudio Castillo
O “Girasoles” de Claudio Castillo é um relógio gerador que reproduz 24 animações de um minuto no topo de cada hora e também rastreia a lua e as fases da maré em tempo real. As imagens evoluem indefinidamente em uma progressão aleatória em que nenhuma composição jamais será repetida com precisão, pelo menos não por milhares de anos.

Reconstruindo retratos de memória: Mike Saijo
Este workshop explora os efeitos das mudanças culturais e tecnológicas atuais e recentes na mídia na formação do self. Mike Saijo tira uma fotografia de cada participante, que então imprime diretamente em uma seção de jornal escolhida pelo participante. O hóspede tem a opção de levar o retrato para casa. O estande apresenta retratos em grande escala de influenciadores nas mudanças tecnológicas e culturais atuais.

As Infinity Boxes: Matt Elson
O artista Matt Elson apresenta uma série de caixas que permitem que grupos íntimos de pessoas interajam por meio de espelhos infinitos elaboradamente construídos e montados em seu interior. Esteticamente, são objetos que atraem o observador à distância com a beleza ímpar da caixa e se tornam progressivamente menos compreensíveis durante a interação .

Normalmente duas pessoas se aproximam, olham de cada lado, colocam a cabeça na caixa e se surpreendem com o mundo que se abre dentro dela. As obras tornam-se realmente ativas apenas quando alguém está olhando na caixa de outra direção, criando uma conexão social em um outro mundo criado perceptivamente.

Canções e Poemas II: Erika Harrsch
Depois de ouvir a metamorfose de Philip Glass em um concerto, Harrsch se inspirou e foi contratado para ilustrar o CD deste grande compositor. O trabalho de Harrsh, alinhado tematicamente com a borboleta, compartilha conteúdo baseado na migração e nas circunstâncias circundantes que definem identidade, nacionalidade e mobilidade global. Partindo desses projetos, ela se aprofundou na complexidade da experiência migratória, para abordar as reformas da imigração e a recontextualização das fronteiras físicas.

Erika cria instalações de parede com borboletas recortadas incorporando imagens de moeda internacional. Os padrões e ondas circulares criados por borboletas e desenhos de moedas representam os países de onde as pessoas estão se mudando, refletindo sobre como esses influxos em massa moldam os mercados econômicos.

SABRE: Pintura ao vivo
SABRE, também conhecido como Ryan Weston Shook, é um artista plástico americano que se originou como grafiteiro. Descrito como um dos “melhores e mais respeitados artistas em seu campo” pelo Washington Post, o SABRE se junta ao LA Art Show na noite de abertura para criar uma obra original que esteve em exibição durante todo o show.

Alcançando fama internacional aos 21 anos, o SABRE criou o maior grafite do mundo na margem do rio LA, que era visível e documentado por satélites no espaço. Ao longo de anos de pinturas dedicadas e muitas vezes perigosas, ele ajudou a conscientizar o público sobre a verdadeira forma de arte do graffiti. Seu trabalho influenciou uma geração de artistas e designers gráficos e se tornou uma parte influente do entretenimento moderno, mídia social e arte para reforma social. Ele continua a fazer pinturas vibrantes, hipnotizantes e muitas vezes políticas em sua casa em Los Angeles. Sua arte pode ser encontrada em galerias e coleções particulares ao redor do mundo. Enquanto isso, ele continua a criar conversas públicas sobre, e ultrapassar os limites, a que a arte deve (ou não deve) ser confinada.

O mundo do desenho de Jung-Gi Kim
Jung-Gi Kim é um desenhista coreano e também um artista de quadrinhos. Não há nada no mundo que ele não possa desenhar. Tudo o que ele experimentou ou nunca experimentou pode ser descrito por ele perfeitamente. Seu professor é a própria natureza. Seu trabalho pode ser explicado apenas pelas leis da natureza. Os temas de seu desenho são tão infinitos quanto o universo que resultou do big bang.

Seu trabalho é realista – e mesmo assuntos irreais parecem muito realistas. Somos persuadidos por sua explicação sem palavras, suas linhas se soltando. Isso pode ser visto como o ‘desenho’ perfeito que todos podem imaginar e sonhar. Seu mundo tem sido perfeito desde a adolescência, e ele persiste em seus esforços para mantê-lo, está sempre criando com a mão, em constante evolução.

LA: Ley Lines
Artistas de diferentes comunidades ao redor de Los Angeles foram cuidadosamente selecionados para mostrar a estética muito distinta das áreas que cada artista personifica. Tendo raízes profundas no movimento do graffiti de Los Angeles, esses artistas também têm experiências básicas na Califórnia, como skate, punk rock, gangues, tatuagem e várias outras disciplinas que são vitais para a rica cultura artística e história de LA.

Conheça as obras desses artistas que emergiram das agruras incessantes das ruas de Los Angeles, elegantemente exibidas como se o espectador fosse recebido na casa de um colecionador particular em um cenário clássico da virada do século. Eles se estabeleceram no ambiente bruto da paisagem urbana de Los Angeles e, nos últimos anos, mudaram-se para algumas das galerias e museus mais prestigiados do mundo.

Programas

DIVERSEartLA
A DIVERSEartLA se dedica a reunir algumas das mais importantes instituições de arte locais e internacionais, museus e organizações sem fins lucrativos para um diálogo elevado e atencioso. DIVERSEartLA foi expandido para abraçar e celebrar as instituições de arte e colecionadores de arte que apóiam a mais nova e maior iteração da comunidade de arte de LA, bem como para criar uma forte conversa sobre uma variedade de eventos e programas. Servindo assim como uma plataforma e recurso para as melhores práticas e liderança de diversidade, incluindo TODAS as comunidades de Los Angeles.

As comunidades de Los Angeles refletem uma variedade impressionante de origens étnicas, e seus arredores naturais icônicos são igualmente variados e vastos. Para homenagear esta biodiversidade única, estamos nos concentrando na representação de artistas contemporâneos de todo o mundo como parte de cada instituição. A importância do enfoque curatorial deste ano deve permanecer comprometida em fomentar e aprender sobre as organizações que apoiam a inclusão e a diversidade. DIVERSEartLA como uma parte essencial para fazer museus e instituições culturais modelos para comunidades pluralistas. Nada é mais importante do que a inclusão em um momento em que a cultura social se define pela divisão.

Orozco metafísico: José Clemente Orozco
O Museu de Artes da Universidade de Guadalajara, México (MUSA) apresenta Orozco Metafísico, exibido pela primeira vez nos Estados Unidos. As imagens, projetadas por um mapeamento multicamadas, pertencem aos murais realizados pelo artista entre 1935 e 1937 no auditório Paraninfo, dentro do prédio onde está localizado o Museu das Artes.

A instalação envolve o público na exploração dos campos de pensamento dos murais de Orozco, bem como da história e dos temas que os inspiraram. A projeção das obras-primas foi acompanhada por uma banda sonora musical, proporcionando aos visitantes uma experiência sensorial abrangente que foi complementada por material gráfico informativo.

Especular (Limiar): Leyla Cárdenas
O escritor colombiano Manuel Hernández B. define a capital de seu país, Bogotá, como um limiar permanente que anuncia a promessa de um lugar que nunca chega. Especular de Leyla Cárdenas fornece uma imagem do mundo real, embora semelhante a um fantasma, desse insight com seu conjunto de impressões fotográficas da fachada neoclássica da estação ferroviária de Bogotá. Esses painéis descontínuos são cortados para coincidir com as diferentes bitolas usadas na Colômbia, que tornavam impossível uma infraestrutura de transporte nacional unificada. Especular faz parte de uma série em que a artista documenta os resquícios arquitetônicos do tecido urbano.

Construída pela primeira vez no final da década de 1880 – simultaneamente com a formação da República da Colômbia – a estação é um símbolo outrora promissor da nação que então se tornou uma ruína moderna abandonada há muito tempo. Cárdenas representa a fachada com duas telas impressas suspensas costas com costas no teto, a mais de seis metros de altura, e correndo a uma distância semelhante ao longo do chão. Cárdenas reflete sobre essas obras ilustrando a “História se repetindo: círculos viciosos e acúmulo de limiares que não levam a lugar nenhum”.

Se você beber cicuta, beberei com você ou uma bela morte; jogador para jogador, cafetão para cafetão.
O ambiente envolvente de Daniel Joseph Martinez faz referência ao retrato seminal de Jacques-Louis David, The Death of Marat (1793), pintado e também reproduzido logo após o assassinato de Marat durante a Revolução Francesa. Enquanto a pintura de David representa um único momento, ao mesmo tempo higienizado e preciso em seus detalhes, Martinez cria uma mise en scène usando três esculturas realistas modeladas a partir do próprio corpo do artista. Elas mostram Marat em seu banho, bem como a assassina Charlotte Corday e o próprio Martinez, ambos de pé atrás de Marat (cada um com uma adaga ensanguentada na mão).

Martinez encena o assassinato de Marat como um espetáculo público cercado por arquibancadas, embora os espectadores também possam mergulhar na cena, sem dúvida tirando selfies. Desta forma, Martinez conecta a pintura de David com o nosso momento presente, dando uma dimensão histórica para a política moderna como forma de teatro, esporte e negócios. Mas Martinez vai ainda mais longe. A morte de Marat rapidamente se tornou um ícone da Revolução Francesa, não porque representava um espetáculo público, mas sim porque fazia circular uma imagem política que focava a atenção no pessoal e no privado. Depois que isso aconteceu, a política como espetáculo não dependia mais do espaço público, estava em nossas mentes.

Aporías Moviles: Nuna Mangiante
Aporías Moviles, uma instalação da artista argentina Nuna Mangiante, é uma instalação multimídia que apresenta retratos com rostos obscurecidos em exibição com vários materiais de construção e construção. Fala da transformação urbana como uma realidade social emergente na América Latina. Mangiante elabora as fotos dos objetos e das paisagens urbanas, Mangiante os sujeita ao que Mangiante quer expressar, Mangiante encerra o significado com formas geométricas para ajudar a decifrar os enigmas da obra de Mangiante, transformando-os em desenhos.

Ao isolar objetos de seu ambiente, eles se tornam símbolos de si mesmos, e quando Mangiante aplica a eles uma capa de grafite plana, ocorre uma distorção. Uma distorção sempre implica uma comparação entre o que é e o que deveria ser. A distorção cria as controvérsias na imagem resultante.

Mural ao vivo: Mateo Romero
O trabalho do renomado artista Pueblo / Cochiti Mateo Romero explora a interseção entre a figuração pós-moderna, imagens nativas e mitos históricos da arte, e o papel da auto-representação em um mundo da arte pós-colonial. Em uma performance que combina comentários culturais e um método de trabalho dinâmico, Romero cria uma pintura mural envolvente e viva destinada à coleção do Museu Autry do Oeste americano.

Brainstorming: Empatia
Octopus Brainstorming: Synesthesia é um trabalho de performance / experiência criado por Victoria Vesna em estreita colaboração com o neurocientista Mark Cohen. O trabalho utiliza EEG em tempo real, ondas cerebrais, vídeo, cor, som. Eles estão explorando as possibilidades de comunicação entre cérebros. Isso faz parte de uma área maior de pesquisa sobre os associados físicos dos processos mentais, como emoções e sentimentos. Desde então, ele evoluiu para incluir a ideia de inteligência incorporada na forma de uma coroa de polvo usada pelos participantes.

Sinestesia: Qual é o sabor da cor Azul?
A sinestesia é uma característica hereditária, como cabelo ruivo ou olhos castanhos, e é encontrada em menos de 3,75% da população mundial. É definido como um disparo cruzado de qualquer um dos cinco sentidos em que uma experiência sensorial desencadeia experiências sensoriais adicionais em um ou mais dos outros quatro sentidos. A sinestesia não substitui um modo sensorial por outro; adiciona percepções de outra modalidade sensorial às percepções “normais” iniciais. Existem pelo menos 60 formas de sinestesia.

Plantigrade, uma instalação experiencial de Marcos Lutyens, apresenta aos clientes um terreno psico-sintético pelo qual são convidados a caminhar descalços, prestando especial atenção às sensações de cor e textura que passam por seus pés. Essa é uma sensibilidade desenvolvida pelo escritor surrealista René Daumal, chamada de visão paróptica e, por extensão, sensação para-tátil. O projeto foi aprimorado com a colaboração do célebre autor e neurologista, Richard E. Cytowic.

Space Palette de Tim Thompson e Paul Sable é um instrumento musical e gráfico inventado por Tim Thompson que permite a você música e pintar visuais simultaneamente, agitando suas mãos nos orifícios de uma moldura de madeira. Nenhuma mídia pré-gravada, sequências ou loops são usados, tudo é gerado em tempo real por suas mãos.

“Esquerda” ou “Direita” / Sacos de perfuração: Antuan Rodriguez
Esquerda ou Direita é um projeto de cura com curadoria de Marisa Caichiolo. A instalação interativa retrata diferentes líderes mundiais e tiranos, e permite ao espectador, por meio de socos nos sacos, liberar raiva, ódio e ressentimento. Essa liberação de emoções negativas transforma esses objetos em ferramentas de desintoxicação e cura mental.

A política global atual criou um ambiente de desrespeito à humanidade e ao nosso planeta. Falta de harmonia, guerra sem sentido, violência, racismo, ignorância, perda de valores e princípios, falta de consciência, superegoes e demagogia, corrupção, desrespeito às mulheres, falsas promessas e mentiras descaradas.

Olhos para a frente
As obras de arte em exibição incluem obras bidimensionais e tridimensionais e variam de representações figurativas a formas altamente abstratas, de acrílico em pinturas a colagem de mídia mista e esculturas de argila a montagens com objetos encontrados.

Obras selecionadas por dez artistas contemporâneos de cor que vivem e trabalham em Los Angeles: April Bey, Chukes, June Edmonds, Loren Holland, Duane Paul, Miles Regis, Ana Rodrigues, Nano Rubio, Holly Tempo e Tim Washington. Apesar de suas diversas origens, interesses e experiências de vida, todos esses artistas compartilham a urgência de serem ouvidos ao abordar questões contemporâneas de raça, classe e gênero, enquanto expressam desencanto com o estabelecimento político e social atual.

PINGUE-PONGUE
A Los Angeles Art Association tem o orgulho de apresentar o PING PONG, uma colaboração multicultural com vários destinos, apresentando artistas de Los Angeles, Miami e Basel. PING PONG é um projeto de exposição independente de arte contemporânea fundado em 2007 para cultivar o intercâmbio artístico entre Basel, Miami e Los Angeles. Isso permite a colaboração entre os Artistas, bem como a realização de obras site specific no próprio local.

O projeto documenta, explora e estimula os empreendimentos artísticos das cidades. Artistas da vitrine do PING PONG Chung-Ping Cheng, Sharon Hardy, Sue Irion, Gershon Kreimer, Samuelle Richardson, Mette Tommerup e mais. Esta iteração do PING PONG é lançada no LA Art Show e viaja para Basel durante a Art Basel em junho e depois para Miami durante a Art Basel Miami Beach.

Conexão é a solução: a arte de Dan Eldon
Em uma época de imensa separação e isolamento, os artistas têm um papel crucial – conectar-se. Dan Eldon foi um ótimo conector. Artista, aventureiro, jornalista e ativista – Eldon usou sua notável criatividade como uma força para o bem, uma cola para unir um mundo desconexo.

Por meio da natureza transcendente do trabalho de Eldon, intitulado “Conexão é a solução: a arte de Dan Eldon”, exploramos a necessidade de união de um dos grandes ativistas criativos de nosso tempo. A arte de Eldon inspirou inúmeras e está em muitas coleções particulares de prestígio, incluindo as de Diana Rockefeller, Bruce Weber, Madonna, Julia Roberts, Christiane Amanpour, Rodie O’Donnell, entre muitos outros.

Aiseborn: Pureza
O Downtown Los Angeles Art Walk tem o prazer de apresentar Aiseborn: Purity, um mural envolvente patrocinado em parte pela ArtsBrookfield que foi concluído em uma performance de pintura ao vivo pelo artista durante a abertura da noite de estreia do LA Art Show. A peça de grandes dimensões homenageia a cultura notável, resiliente, diversa e eclética presente na cidade de Los Angeles. Combinando elementos figurativos, estruturas cristalinas e padrões inspirados em mandalas, o artista de Los Angeles Aiseborn explora construções matemáticas, mistérios energéticos, bem como o potencial de purificação e, em última análise, transformação.

Escultura Nômade: Angel Ricardo Ricardo Rios
O projeto da Escultura Nômade é a desculpa para insistir na tese do Objeto como modelagem do pensamento. A escala dos objetos é usada como uma sedução necessária para chamar a atenção do observador urbano e atarefado, para voltar sua atenção para as artes e a natureza que o cercam. Cada objeto tem cerca de 26 pés de altura, seu caráter inflável proporciona facilidade no transporte – por isso é possível trocar de local e brincar com sua presença em diferentes espaços públicos. As esculturas tornam-se objetos desejados pelos espectadores, cheios de vida e formas sexuais.

Insalubre
O Los Angeles Center of Photography tem o orgulho de apresentar Unsound, uma exposição de vários artistas com fotógrafos de Los Angeles e de todo o país. Unsound fala sobre o esplendor e fragilidade de nosso planeta, nossa psique humana e para o tratamento atual de mulheres e minorias em todo o mundo. O projeto apresenta o trabalho de vários artistas, alguns dos quais já percorreram o mundo e outros que conquistaram seus bairros. Todos estão usando suas lentes para retratar a natureza delicada de seu ambiente e a natureza tênue da existência humana.

Local
O LA Art Show está estrategicamente situado no epicentro dinâmico da cidade. O LA Convention Center é o local ecológico mais avançado do sul da Califórnia, com tetos altos e amplo espaço. Com acesso conveniente ao mundialmente famoso LA LIVE !, ao Grammy Awards, ao Grammy Museum e a um impressionante complexo de entretenimento que inclui o Nokia Theatre, a Staples Center Arena, os melhores restaurantes e o The Ritz Carlton Hotel and Residences. Os patrocinadores das artes dirigem com prazer para Downtown LA para o melhor em Música Clássica (Disney Hall), Teatro (Mark Taper e Ahmanson) e Arte Contemporânea (MOCA, Art District).