Filme remodernista desenvolvido nos Estados Unidos e no Reino Unido no início do século XXI, com idéias relacionadas com as do movimento artístico internacional Stuckism e seu manifesto, Remodernism. Os principais números são Jesse Richards e Peter Rinaldi.
Manifesto e Filosofia
Em 27 de agosto de 2008, Jesse Richards publicou um Manifesto Remodernista de 15 pontos, pedindo uma “nova espiritualidade no cinema”, usando a intuição na produção cinematográfica, bem como descrevendo o filme remodernista como sendo “despojado, minimalista, lírico”. , tipo punk de cinema “. O ponto 4 é:
As idéias japonesas de wabi-sabi (a beleza da imperfeição) e mono sem consciência (a consciência da transitoriedade das coisas e os sentimentos agridoces que acompanham sua passagem), têm a capacidade de mostrar a verdade da existência e devem sempre ser consideradas ao fazer o filme remodernista.
Há também várias declarações polêmicas feitas no manifesto que criticam Stanley Kubrick, cineastas que filmam em vídeo digital, assim como Dogme 95. Em dezembro de 2008, a revista de cinema turca Bakiniz traduziu o manifesto para o turco e logo depois a revista polonesa Red traduziu para o turco. em polonês.
O filme remodernista exige um retorno ao significado emocional e espiritual no cinema, bem como uma ênfase em novas idéias de estrutura narrativa e subjetividade. Elementos do Cinema No Wave, da New Wave francesa, do cinema punk, do expressionismo, do cinema espiritual e transcendental, assim como as idéias de Antonin Artaud sobre o Teatro da Crueldade ajudaram a levar a esse novo movimento cinematográfico. Eles defendem as obras de Andrei Tarkovsky, Yasujiro Ozu, Robert Bresson, Jean Rollin, Michelangelo Antonioni, Jean Vigo, Amos Poe, Jean Epstein e Nicholas Ray, entre outros, além do filme de Bela Tarr, Satantango e Ave Maria, de Jean-Luc Godard.
História
A idéia do Stuckism em relação ao cinema e à fotografia começou em 2001, quando Jesse Richards e Nicholas Watson começaram a lançar trabalhos como The New Haven Stuckists Film Group. Em 8 de março de 2008, o filme Shooting at the Moon fez sua estreia em Londres no Horse Hospital durante o evento FLIXATION Underground Cinema Club. A Remodernist Film and Photography foi fundada por Richards e Smith em 2004.
Filmes mais tarde vistos como Remodernist incluem Youngblood (1995) por Harris Smith, Shooting at the Moon (1998-2003) por Jesse Richards e Nicholas Watson, e Medway Bus Ride (1999) por Wolf Howard.
Amos Poe faz parte do movimento, que ele disse ser “apenas um bando de garotos”. Ele disse em 2008:
Eu acho que remodernista é a próxima variação do pós-modernista, que é pegar algo que estava na cultura antes e depois transformá-lo em outra coisa, como tirá-lo do contexto. Então é meio que pop art de certa forma. Eu estava usando Warhol como uma espécie de lata de sopa. É como refazer isso, mas é feito de uma maneira completamente moderna, porque está usando a tecnologia e a sensibilidade do contemporâneo em vez da nostalgia.
No final de agosto de 2009, uma Aliança Internacional de Cineastas Remodernistas foi iniciada por Jesse Richards, a fim de promover a discussão e colaboração entre os seguidores do manifesto. Os cineastas incluem Jesse Richards, Harris Smith, Christopher Michael Beer, Dmitri Trakovsky, Kate Shults, Peter Rinaldi e Khurrem Gold of America, Roy Rezaali da Holanda, Rouzbeh Rashidi do Irã e Dean Kavanagh da Irlanda.
Em outubro de 2009, com a intenção de “desenvolver e explicar melhor os conceitos de filmes remodernistas”, uma série de artigos de Jesse Richards, Peter Rinaldi e Roy Rezaali foi publicada na revista MungBeing.
Richards disse: “O remodernismo rejeitou o pós-modernismo por seu ‘fracasso em responder ou abordar quaisquer questões importantes de ser um ser humano'”, e que o Remodernismo é “buscar a verdade, estabelecer conexões significativas” e “abordar a sombra”.
Em seu ensaio Concepts and Craft no Remodernist Film, Richards disse que a arte cinematográfica remodernista “abraça o amador”, envolve a idéia de cineastas “se ensinarem a pintar quadros, tentarem atuar em seus próprios filmes e dos outros (especialmente se forem tímido), ser modelos nus para outros artistas, meditar, adorar se são religiosos, fazer coisas que afetam seus níveis de consciência, tentar coisas que os deixam nervosos ou desconfortáveis, sair e se envolver na vida, encontrar aventura, para saltar no oceano. Eu acho que é a exploração do artesanato “.
O artigo explica as diferenças entre o cinema modernista, pós-modernista e remodernista, descrevendo Robert Bresson e Andrei Tarkovsky como “primeiros realizadores remodernistas”, e observa filmes que enfatizam “pequenos momentos”, incluindo o filme de Bela Tarr Satantango, “… Cada momento do filme Satantango é um bom exemplo deste tipo de exploração de “momentos” – o filme começa com um tiro de dez minutos seguindo as vacas que saem de um celeiro e perambulam por um coletivo agrícola degradado. são todos ignorados na maioria dos exemplos do cinema moderno, e isso é uma coisa terrível e terrível “.
Richards diz sobre o cinema remodernista:
Acredito que a maneira mais eficaz de realmente fazer um trabalho subjetivo e autêntico envolve um “endereçamento da sombra” (como Billy Childish e Charles Thomson descreveram). Agora o que isso significa exatamente? Isso pode significar que você está realmente obcecado com pêlos pubianos, ou talvez você esteja realmente envergonhado por uma deficiência física ou mental que você tenta esconder, ou como Billy Childish, você foi abusada quando criança. Essas coisas, essas “sombras” que escondemos em nós mesmos, precisam ser trazidas à luz do dia – em nossos filmes, em nosso trabalho, em nossa poesia.
Em outro artigo, intitulado A Quick Primer e History, Richards relaxa as críticas no manifesto contra o vídeo digital, observando que ele pode “ter um lugar no cinema remodernista”, mas que deve receber uma nova linguagem, e que atualmente “imita”. (s) filme “. O artigo também amplia o objetivo do movimento, explicando o vínculo comum entre os cineastas remodernistas, sendo uma busca pela verdade, conhecimento, autenticidade e espiritualidade em seu trabalho, mas com diferentes abordagens para alcançar esse objetivo.
Peter Rinaldi, analisa o manifesto e compartilha seus “pensamentos pessoais” sobre ele em seu ensaio, The Shore, como visto em The Deep Sea. Particularmente, ele defende as críticas do digital e, mais tarde, de Stanley Kubrick, dizendo em primeiro lugar, “na maior parte, a” facilidade “do vídeo levou à degradação nas imagens criadas”, e:
Eu acho que, na maior parte, a geração que eu cresci tinha Kubrick como seu gigante. Seu trabalho tem um “perfeccionismo” místico que é inspirador às vezes. Esse perfeccionismo é um anátema para a mentalidade remodernista e, por muitas razões saudáveis, esse gigante (ou qualquer gigante que domine seu trabalho) deve cair em nossas mentes. Nós devemos nos tornar o gigante.
O resto do artigo atrai conexões diretas entre idéias no manifesto e alguns ensinamentos cristãos e budistas.
Em junho de 2010, depois de publicar uma carta de Richards sobre o Manifesto do Filme Remodernista em seu site, o crítico de cinema Roger Ebert twittou: “Muito discutido em blogs de filmes sérios: O Manifesto do Filme Remodernista. Lars von Trier, saia da cidade”.
Na passagem, colaboração em tamanho de recurso
Em fevereiro de 2010, a revista cinematográfica australiana Filmink anunciou a próxima produção de um longa-metragem compilado por membros do movimento cinematográfico remodernista, que a revista diz “recorda movimentos artísticos do final do século XIX e início do século XX que viram artistas tentando se esforçar em direção à liberdade e autenticidade artística “. O filme, que consistirá de peças de dez minutos de vários membros do movimento cinematográfico” de todo o mundo “, está programado para estrear em dezembro de 2010 em Nova York. Os cineastas participantes incluem: Peter Rinaldi Kate Shults, Rouzbeh Rashidi, Dean Kavanagh, Roy Rezaali, Heidi Beaver e Christopher Michael Beer. O Manifesto de Cinema Remodernista de Richards “forma a base” do projeto conjunto.
A estréia do filme foi anunciada para 13 de novembro de 2011 no Quad Cinemas em Nova York.
Em novembro de 2011 a edição impressa de Filmink, estudioso de cinema, crítico e programador Jack Sargeant escreveu sobre o movimento e In Passing, referindo-se ao movimento como “o novo cinema pessoal” e descrevendo a evolução do “cinema lírico” do trabalho de Andrei Tarkovsky, Wim Wenders, Jim Jarmusch, Bela Tarr e até os cineastas remodernistas.
Sargeant vai para descrever In Passing:
O filme não é nem um trabalho totalmente experimental, nem um filme fixado na narrativa clássica; em vez disso, In Passing explora a passagem do tempo e a relação do tempo com o espaço cinematográfico. Muitas vezes focando em detalhes íntimos, mas pequenos – a exploração de um crustáceo, o barulho da chuva na janela, gatos brincando, o oceano disparado de um carro em movimento, um casal olhando para uma câmera sabendo que o filme que eles estão fazendo fracassar – e encontrar algo liricamente pungente e até pessoal nesses momentos transitórios. Há cenas em que as pessoas parecem desaparecer, não são mais vistas na tela, mas o espaço que ocupavam ainda ressoa com seus ecos, movendo-se através do sublime poético. Em comum com Wim Wenders, Jim Jarmusch e Gus Van Sant, e filmes como Meek Cutoff, há uma sensação de saudade dos filmes que compõem In Passing. Essa sensação de saudade não está necessariamente enraizada na sensação de estar longe de casa, mas no sentido de que, mesmo em casa, os protagonistas ainda estão em busca de seu lugar no mundo cotidiano.
Exemplos de filmes remodernistas
Atirando na Lua – Jesse Richards e Nicholas Watson, (1998–2003)
Encerramento da Catarse – Rouzbeh Rashidi, (2011)
Filmes de Fred Kelemen (que escreveu o manifesto de 1990 do Compressionism Poetic – PoCo)
O cavalo de Turim – Béla Tarr e Ágnes Hranitzky (2011)
O sono tem sua casa – Scott Barley (2017)