Pintura de retrato

A pintura de retrato é um gênero na pintura, onde a intenção é descrever um sujeito humano. O termo “pintura de retrato” também pode descrever o retrato pintado real. Os portraitistas podem criar seu trabalho por comissão, para pessoas públicas e privadas, ou podem ser inspirados pela admiração ou carinho para o assunto. Os retratos são freqüentemente registros estaduais e familiares importantes, bem como lembranças.

Historicamente, as pinturas de retratos primordialmente memorizaram os ricos e poderosos. Ao longo do tempo, no entanto, tornou-se mais comum para os patrões de classe média encomendar retratos de suas famílias e colegas. Hoje, as pinturas de retratos ainda são encomendadas por governos, corporações, grupos, clubes e indivíduos. Além da pintura, os retratos também podem ser feitos em outras mídias, como gravação, litografia, fotografia, vídeo e mídia digital.

História:
Mundo antigo
As raízes do retrato são provavelmente encontradas nos tempos pré-históricos, embora alguns desses trabalhos sobrevivam hoje. Na arte das antigas civilizações do Crescente Fértil, especialmente em Egito , abundam as representações de governantes e deuses. No entanto, a maioria deles foi feita de forma muito estilizada, e a maioria em perfil, geralmente em pedra, metal, argila, gesso ou cristal. O retrato egípcio colocou relativamente pouca ênfase na semelhança, pelo menos até o período de Akhenaton no século 14 aC. Retrato de pintura de notables em China Provavelmente, remonta a mais de 1000 aC, embora nenhum sobrevivesse daquela idade. Retratos chineses existentes voltam para cerca de 1000 dC

A partir de evidências literárias, sabemos que a pintura antiga da Grécia incluiu um retrato, muitas vezes altamente preciso se os louvores dos escritores devem ser acreditados, mas não há exemplos pintados. Os líderes esculpidos de governantes e personalidades famosas como Sócrates sobrevivem em alguma quantidade, e, como os bustos individualizados dos governantes helenistas em moedas, mostram que o retrato grego poderia alcançar uma boa semelhança, e os assuntos foram retratados com relativamente pouco lisonjeiro – os retratos de Sócrates mostram por que ele tinha uma reputação de ser feia. Os sucessores de Alexandre, o Grande, começaram a praticar a adição de sua cabeça (como uma figura deificada) às suas moedas e logo estavam usando a sua.

O retrato retratado romano adotou tradições de retratos de ambos os etruscos e gregos e desenvolveu uma tradição muito forte, ligada ao seu uso religioso de retratos ancestrais, bem como à política romana. Mais uma vez, os poucos sobreviventes pintados, nos retratos de Fayum, o túmulo de Aline e o Severan Tondo, todos do Egito sob o domínio romano, são claramente produções provinciais que refletem estilos gregos e não romanos, mas temos uma riqueza de cabeças esculpidas, incluindo muitos retratos individualizados de túmulos de classe média e milhares de tipos de retratos de moedas.

Meia idade
A maioria dos retratos medievais precoce eram retratos de doadores, inicialmente principalmente de papas em mosaicos romanos e manuscritos iluminados, um exemplo de auto-retrato do escritor, místico, cientista, iluminador e músico Hildegard de Bingen (1152). Tal como acontece com as moedas contemporâneas, houve pouca tentativa de semelhança. Os monumentos do túmulo de pedra se espalharam no período românico. Entre 1350 e 1400, as figuras seculares começaram a reaparecer em pinturas de afrescos e painéis, como no Carlos IV de Theodoric, que recebeu fidelidade, e os retratos voltaram a ter semelhanças claras. Em torno do final do século, os primeiros retratos de óleo de indivíduos contemporâneos, pintados em pequenos painéis de madeira, surgiram em Borgonha e a França, primeiro como perfis, depois em outros pontos de vista. O Diptych de Wilton de ca. 1400 é um dos dois retratos de painel sobreviventes de Richard II de Inglaterra , o mais antigo rei inglês para quem temos exemplos contemporâneos. Os primeiros mestres holandeses do retrato incluem Printers Jan van Eyck, Robert Campin e Rogier van der Weyden. Os retratos de doadores começaram a ser apresentados como presentes, ou participaram das principais cenas sagradas mostradas, e em imagens mais privadas da corte, as imagens até apareceram como figuras significativas, como a Virgem Maria.

Renascimento
O Renascimento marcou um ponto de viragem na história do retrato. Em parte, por interesse no mundo natural e em parte por interesse nas culturas clássicas da Grécia antiga e de Roma, os retratos – tanto pintados como esculpidos – receberam um papel importante na sociedade renascentista e valorizados como objetos e como representações do sucesso terrenal e status. A pintura em geral atingiu um novo nível de equilíbrio, harmonia e percepção, e os maiores artistas (Leonardo, Michelangelo e Raphael) foram considerados “gênios”, elevando-se muito acima do status de comerciante para valiosos servos da corte e da igreja.

Muitas inovações nas várias formas de retrato evoluíram durante este período fértil. Começou a tradição da miniatura do retrato, que permaneceu popular até a era da fotografia, desenvolvendo as habilidades dos pintores das miniaturas em manuscritos iluminados. Retratos de perfil, inspirados em medalhões antigos, foram particularmente populares em Itália entre 1450 e 1500. As medalhas, com suas imagens de dois lados, também inspiraram uma voga de curta duração para pinturas de dois lados no início do Renascimento. A escultura clássica, como o Apollo Belvedere, também influenciou a escolha das poses utilizadas pelos retratáveis ​​do Renascimento, poses que continuaram em uso ao longo dos séculos.

Os artistas do norte da Europa lideraram o caminho em retratos realistas de assuntos seculares. O maior realismo e detalhes dos artistas do norte durante o século 15 deveu-se, em parte, aos melhores pincelados e efeitos possíveis com cores de óleo, enquanto os pintores italianos e espanhóis ainda estavam usando tempera. Entre os primeiros pintores a desenvolver a técnica de óleo, Jan van Eyck. As cores do óleo podem produzir mais textura e graus de espessura, e podem ser colocadas de forma mais eficaz, com a adição de camadas cada vez mais espessas uma sobre a outra (conhecida pelos pintores como “gordura sobre magro”). Além disso, as cores do óleo secam mais devagar, permitindo que o artista faça mudanças com facilidade, como alterar os detalhes faciais. Antonello da Messina foi um dos primeiros italianos a aproveitar o petróleo. Treinado em Bélgica , ele se instalou Veneza por volta de 1475, e foi uma grande influência sobre Giovanni Bellini e a escola do norte da Itália. Durante o século XVI, o petróleo como um meio difundido em popularidade ao longo de Europa , permitindo renderizações mais sutis de roupas e jóias. Também afetou a qualidade das imagens, foi a mudança de madeira para tela, começando em Itália no início do século 16 e se espalhando para Norte da Europa ao longo do próximo século. As lonas resistem a rachar melhor do que a madeira, mantêm os pigmentos melhores e precisam de menos preparação, mas inicialmente eram muito mais escassas do que a madeira.

No início, os europeus do Norte abandonaram o perfil e começaram a produzir retratos de volume e perspectiva realistas. No Países Baixos Jan van Eyck foi um dos principais retratistas. O casamento Arnolfini (1434, Galeria Nacional, Londres ) é um marco da arte ocidental, um exemplo inicial de um retrato de casal completo, soberbamente pintado em cores ricas e detalhes requintados. Mas igualmente importante, mostra a técnica de pintura a óleo recentemente desenvolvida, iniciada por van Eyck, que revolucionou a arte e se espalhou por toda parte Europa .

Principais artistas de retrato alemães, incluindo Lucas Cranach, Albrecht Dürer e Hans Holbein o Jovem que dominaram a técnica de pintura a óleo. Cranach foi um dos primeiros artistas a pintar comissões de tamanho real de tamanho real, uma tradição popular a partir daí. Naquela hora, Inglaterra não tinha pintores de retrato de primeira categoria, e artistas como Holbein eram exigidos pelos clientes ingleses. A pintura de Sir Thomas More (1527), seu primeiro importante patrocinador da Inglaterra , tem quase o realismo de uma fotografia. Holbein fez seu grande sucesso pintando a família real, incluindo Henrique VIII. Dürer foi um grande desenhista e um dos primeiros grandes artistas a fazer uma seqüência de auto-retratos, incluindo uma pintura completa. Ele também colocou sua figura de auto-retrato (como observador) em várias de suas pinturas religiosas. Dürer começou a fazer auto-retratos aos 13 anos. Mais tarde, Rembrandt ampliaria essa tradição.

Dentro Itália Masaccio liderou o caminho na modernização do afresco, adotando uma perspectiva mais realista. Filippo Lippi abriu caminho no desenvolvimento de contornos mais nítidos e linhas sinuosas e seu aluno Raphael ampliou o realismo em Itália para um nível muito maior nas décadas seguintes com suas pinturas de parede monumentais. Durante este tempo, o retrato do noivado tornou-se popular, uma especialidade particular de Lorenzo Lotto. Durante o início do Renascimento, as pinturas de retratos eram geralmente pequenas e às vezes cobertas com tampas protetoras, articuladas ou deslizantes.

Durante o Renascimento, a nobreza florentina e milanesa, em particular, queria representações mais realistas de si mesmas. O desafio de criar visões convincentes e de três quartos estimulou a experimentação e a inovação. Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Domenico Ghirlandaio, Lorenzo di Credi e Leonardo da Vinci e outros artistas ampliaram sua técnica em conformidade, adicionando retratos aos assuntos tradicionais religiosos e clássicos. Leonardo e Pisanello estavam entre os primeiros artistas italianos a adicionar símbolos alegóricos a seus retratos seculares.

Um dos retratos mais conhecidos do mundo ocidental é a pintura de Leonardo da Vinci intitulada Mona Lisa, chamada de Lisa del Giocondo, membro da família Gherardini de Florença e Toscânia e a esposa do rico comerciante de seda florentina Francesco del Giocondo. O famoso “sorriso Mona Lisa” é um excelente exemplo de aplicação de sutil assimetria em um rosto. Em seus cadernos, Leonardo aconselha sobre as qualidades da luz na pintura de retrato:

Um graus de graça muito alto na luz e sombra é adicionado aos rostos daqueles que se sentam nas portas de salas que estão escuras, onde os olhos do observador vêem a parte sombreada do rosto obscurecida pelas sombras da sala, e veja a parte iluminada do rosto com o maior brilho que o ar lhe dá. Através deste aumento nas sombras e nas luzes, o rosto recebe maior alívio.

Leonardo era estudante de Verrocchio. Depois de se tornar um membro da Guild of Painters, ele começou a aceitar comissões independentes. Devido aos seus amplos interesses e de acordo com a sua mente científica, a produção de desenhos e estudos preliminares é imensa, embora sua produção artística acabada seja relativamente pequena. Seus outros retratos memoráveis ​​incluíram as das nobres Ginevra de Benci e Cecilia Gallerani.

Os retratos de comissões sobreviventes de Raphael são muito mais numerosos do que os de Leonardo e exibem uma maior variedade de poses, iluminação e técnica. Em vez de produzir inovações revolucionárias, o grande sucesso de Raphael foi fortalecer e refinar as correntes evolutivas da arte renascentista. Ele foi particularmente especialista em retrato de grupo. Sua obra-prima é a Escola do Atenas é um dos principais afrescos de grupo, que contém semelhanças entre o próprio Leonardo, Michelangelo, Bramante e Raphael, sob a aparência dos filósofos antigos. Não foi o primeiro retrato de grupo de artistas. Décadas anteriores, Paolo Uccello pintou um retrato de grupo, incluindo Giotto, Donatello, Antonio Manetti e Brunelleschi. Enquanto ele se levantava, Raphael se tornou um retratista favorito dos papas. Enquanto muitos artistas renascentistas aceitaram com entusiasmo as comissões de retrato, alguns artistas recusaram, especialmente o rival de Raphael, Michelangelo, que, em vez disso, assumiu as enormes comissões da Capela Sistina.

Dentro Veneza Por volta de 1500, Gentile Bellini e Giovanni Bellini dominaram a pintura de retrato. Eles receberam as mais altas comissões dos principais funcionários do estado. O retrato de Bellini de Doge Loredan é considerado um dos melhores retratos do Renascimento e demonstra bem o domínio do artista sobre as técnicas recém-chegadas de pintura a óleo. Bellini também é um dos primeiros artistas em Europa para assinar o trabalho, embora raramente os namore. Mais tarde, no século 16, Ticiano assumiu o mesmo papel, particularmente expandindo a variedade de poses e sessões de seus assuntos reais. Ticiano era talvez o primeiro grande retratista infantil. Depois que Ticiano sucumbiu à praga, Tintoretto e Veronese tornaram-se os principais artistas venezianos, ajudando a transição para o manierismo italiano. Os manieristas contribuíram com muitos retratos excepcionais que enfatizaram a riqueza material e as poses elegantemente complexas, como nas obras de Agnolo Bronzino e Jacopo da Pontormo. Bronzino fez sua fama retratando a família Medici. O seu atrevido retrato de Cosimo I de Medici mostra o austero governante de armadura com um olhar atento olhando para a extrema direita, em contraste com a maioria das pinturas reais que mostram seus assistentes como soberanos benignos. El Greco, que treinou em Veneza por doze anos, foi em uma direção mais extrema após sua chegada em Espanha , enfatizando sua “visão interior” da babá até o ponto de diminuir a realidade da aparência física. Um dos melhores retratados da Itália do século XVI foi a Sofonisba Anguissola de Cremona, que infundiram seus retratos individuais e grupais com novos níveis de complexidade.

Retrato de corte em França começou quando o artista flamengo Jean Clouet pintou sua aparência opulenta de Francis I de França por volta de 1525. O rei Francisco era um grande patrono de artistas e um colecionador de arte avaro que convidou Leonardo da Vinci a viver na França durante os últimos anos. A Mona Lisa ficou em França depois que Leonardo morreu lá.

Barroco e Rococó
Durante os períodos barroco e rococó (séculos 17 e 18, respectivamente), os retratos tornaram-se registros ainda mais importantes de status e posição. Em uma sociedade dominada cada vez mais por líderes seculares em tribunais poderosos, imagens de figuras opulentemente vestidas eram um meio para afirmar a autoridade de indivíduos importantes. Os pintores flamengos Sir Anthony van Dyck e Peter Paul Rubens se destacaram neste tipo de retrato, enquanto Jan Vermeer produziu retratos na maior parte da classe média, no trabalho e no interior. O retrato de Rubens de si mesmo e sua primeira esposa (1609) em seu traje de casamento é um exemplo virtuoso do retrato de casal. A fama de Rubens se estendeu além de sua arte – ele era um cortesão, diplomata, colecionador de arte e empresário de sucesso. Seu estúdio foi um dos mais extensos da época, empregando especialistas em cena de vida selvagem, paisagens, animais e gênero, além do retrato. Van Dyck treinou lá por dois anos. Charles I, da Inglaterra, empregou Rubens, depois importou van Dyck como seu pintor de corte, cavaleando-o e concedendo-lhe status cortesano. Van Dyck não só adaptou os métodos de produção de Rubens e habilidades de negócios, mas também seus modos e aparência elegantes. Como foi registrado, “Ele sempre foi vestido magnificamente, tinha um equipaje numeroso e galante, e manteve uma mesa tão nobre em seu apartamento, que poucos príncipes não eram mais visitados, ou melhor servidos”. Dentro França , Hyacinthe Rigaud dominou da mesma forma, como um notável cronista da realeza, pintando os retratos de cinco reis franceses.

Uma das inovações da arte renascentista foi a melhoria da representação das expressões faciais para acompanhar diferentes emoções. Em particular, o pintor holandês Rembrandt explorou as muitas expressões do rosto humano, especialmente como um dos principais auto-retratáveis ​​(dos quais ele pintou mais de 60 anos na vida). Este interesse no rosto humano também promoveu a criação das primeiras caricaturas, creditadas na Academia Carracci, dirigidas por pintores da família Carracci no final do século 16 em Bolonha, Itália (ver Annibale Carracci).

Os retratos do grupo foram produzidos em grande número durante o período barroco, particularmente no Países Baixos . Ao contrário do resto da Europa, artistas holandeses não receberam comissões do calvinista Igreja que havia proibido tais imagens ou da aristocracia que era praticamente inexistente. Em vez disso, as comissões provêm de associações cívicas e empresariais. O pintor holandês Frans Hals usou pinceladas fluidas de cores vivas para animar seus retratos de grupo, incluindo os dos guardas civis aos quais ele pertencia. Rembrandt se beneficiou grandemente de tais comissões e da apreciação geral da arte por clientes burgueses, que apoiaram o retrato, a vida selvagem e a pintura de paisagens. Além disso, os primeiros mercados significativos de arte e comerciante floresceram Holanda naquela hora.

Com muita demanda, Rembrandt foi capaz de experimentar com composição não convencional e técnica, como o claro-escuro. Ele demonstrou essas inovações, pioneiras por mestres italianos como o Caravaggio, principalmente no famoso Night Watch (1642). A Lição de Anatomia do Dr. Tulp (1632) é outro bom exemplo do domínio de Rembrandt sobre a pintura de grupo, no qual ele banha o cadáver em luz brilhante para chamar a atenção para o centro da pintura enquanto a roupa e o fundo se fundem em preto, fazendo Os rostos do cirurgião e os alunos são mais destacados. É também a primeira pintura que Rembrandt assinou com seu nome completo.

Dentro Espanha Diego Velázquez pintou Las Meninas (1656), um dos mais famosos e enigmáticos retratos grupais de todos os tempos. Ele memorializa o artista e os filhos da família real espanhola, e aparentemente os assistentes são o casal real que são vistos apenas como reflexos no espelho. Começando como principal pintor de gênero, Velázquez rapidamente se tornou prominente como pintor da corte de Philip IV, destacando-se na arte do retrato, particularmente na extensão da complexidade dos retratos grupais.

Os artistas rococó, que estavam particularmente interessados ​​em ornamentação rica e intrincada, eram mestres do retrato refinado. Sua atenção aos detalhes do vestido e da textura aumentou a eficácia dos retratos como testamentos para a riqueza mundana, como evidenciado pelos famosos retratos de François Boucher de Madame de Pompadour vestidos de roupas de seda ondulantes.

Os primeiros grandes pintores nativos da escola britânica foram os pintores ingleses Thomas Gainsborough e Sir Joshua Reynolds, que também se especializaram em vestir seus assuntos de forma atrativa. O Blue Boy de Gainsborough é um dos retratos mais famosos e reconhecidos de todos os tempos, pintados com escovas muito longas e cor de óleo fino para alcançar o efeito cintilante da roupa azul. Gainsborough também foi conhecido por suas elaboradas configurações de fundo para seus assuntos.

Os dois artistas britânicos tiveram opiniões opostas sobre o uso de assistentes. Reynolds empregando-os regularmente (às vezes apenas faz 20% da pintura), enquanto Gainsborough raramente fazia. Às vezes, um cliente extraia uma promessa do artista, assim como Sir Richard Newdegate do retratista Peter Lely (o sucessor de van Dyck em Inglaterra ), que prometeu que o retrato seria “do começo para você acabar com as minhas mãos novas”. Ao contrário da exatidão empregada pelos mestres flamengos, Reynolds resumiu sua abordagem ao retrato, afirmando que “a graça e, podemos acrescentar, a semelhança, consiste mais em tomar o ar geral do que em observar a semelhança exata de cada característica “. Também proeminente em Inglaterra foi William Hogarth, que ousou buck métodos convencionais, introduzindo toques de humor em seus retratos. Seu “Auto-retrato com Pug” é claramente mais uma tomada humorística em seu animal de estimação do que uma pintura auto-indulgente.

No século 18, as pintoras ganharam nova importância, particularmente no campo do retrato. Nobres artistas femininos incluem a pintora francesa Élisabeth Vigée-Lebrun, a artista pastel italiana Rosalba Carriera e a artista suíça Angelica Kauffman. Também durante esse século, antes da invenção da fotografia, retratos em miniatura – pintados com incrível precisão e muitas vezes envoltos em ouro ou armaduras esmaltadas – eram altamente valorizados.

No Estados Unidos John Singleton Copley, educado na refinada forma britânica, tornou-se o principal pintor de retratos em tamanho real e em miniatura, com suas imagens hiperrealistas de Samuel Adams e Paul Revere, especialmente bem-considerado. Copley também é notável por seus esforços para mesclar o retrato com a arte academicamente mais reverenciada da pintura da história, que ele tentou com seus retratos grupais de militares famosos. Igualmente famoso foi Gilbert Stuart, que pintou mais de mil retratos e foi especialmente conhecido por seu retrato presidencial. Stuart pintou mais de 100 réplicas de George Washington sozinho. Stuart trabalhou rapidamente e empregou pinceladas mais suaves e menos detalhadas do que Copley para capturar a essência de seus assuntos. Às vezes, ele faz várias versões para um cliente, permitindo que a babá escolha seus favoritos. Observado por seus tons de bochecha rosada, Stuart escreveu: “A carne é como nenhuma outra substância sob o céu. Tem toda a alegria da loja de seda-mercer sem a sua brincadeira, e toda a suavidade do velho mogno, sem sua tristeza”. Outros proeminentes retratistas americanos da era colonial foram John Smibert, Thomas Sully, Ralph Earl, John Trumbull, Benjamin West, Robert Feke, James Peale, Charles Willson Peale e Rembrandt Peale.

século 19
No final do século 18 e início do século 19, os artistas neoclássicos continuaram a tradição de descrever os assuntos nas últimas modas, que para as mulheres até então, significavam vestidos diáfugos derivados de estilos de roupas gregas e romanas antigas. Os artistas usaram a luz dirigida para definir a textura e a simples arredondamento dos rostos e membros. Os pintores franceses Jacques-Louis David e Jean-Auguste-Dominique Ingres demonstraram virtuosismo nesta técnica semelhante a um desenhista, bem como um olhar intenso para o caráter. Ingres, um estudante de David, é notável por seus retratos em que um espelho é pintado atrás do assunto para simular uma visão traseira do assunto. O retrato de Napoleão no seu trono imperial é um passeio de força de retrato régio. (veja a galeria abaixo)

Os artistas românticos que trabalharam durante a primeira metade do século XIX pintaram retratos de líderes inspiradores, mulheres lindas e assuntos agitados, usando pinceladas vivas e dramáticas, às vezes temperamentais, de iluminação. Os artistas franceses Eugène Delacroix e Théodore Géricault pintaram retratos particularmente bonitos deste tipo, especialmente os cavaleiros corridos. Um exemplo notável de artista de período romântico em Polônia , que praticou um retrato de cavaleiro foi Piotr Michałowski (1800-1855). Destaca-se também a série de retratos de pacientes mentais de Géricault (1822-1824). O pintor espanhol Francisco de Goya pintou algumas das imagens mais pesquisadoras e provocativas do período, incluindo La maja desnuda (1797-1800), bem como retratos de tribunais famosos de Charles IV.

Os artistas realistas do século 19, como Gustave Courbet, criaram retratos objetivos retratando pessoas de classe baixa e média. Demonstrando seu romantismo, Courbet pintou vários auto-retratos mostrando-se em diferentes modos e expressões. Outros realistas franceses incluem Honoré Daumier que produziu muitas caricaturas de seus contemporâneos. Henri de Toulouse-Lautrec relatou alguns dos artistas famosos do teatro, incluindo Jane Avril, capturando-os em movimento. O pintor francês Édouard Manet, foi um importante artista de transição cujo trabalho paira entre realismo e impressionismo. Ele era um retrato de uma visão notável e técnica, com sua pintura de Stéphane Mallarmé sendo um bom exemplo de seu estilo de transição. Seu contemporâneo Edgar Degas era principalmente um realista e sua pintura Portrait of the Bellelli Family é uma renderização perspicaz de uma família infeliz e um dos seus melhores retratos.

Dentro América , Thomas Eakins reinou como o principal pintor de retratos, levando o realismo a um novo nível de franqueza, especialmente com seus dois retratos de cirurgiões no trabalho, bem como os de atletas e músicos em ação. Em muitos retratos, como “Retrato da Sra. Edith Mahon”, Eakins transmite corajosamente as emoções infelizes de tristeza e melancolia.

Os realistas deram lugar principalmente aos impressionistas na década de 1870. Em parte devido aos seus escassos rendimentos, muitos impressionistas confiaram em família e amigos para modelar para eles, e eles pintaram grupos íntimos e figuras únicas no exterior ou em interiores cheios de luz. Observados por suas superfícies cintilantes e ricos desenhos de pintura, os retratos impressionistas são, muitas vezes, desarmantemente íntimos e atraentes. Os pintores franceses Claude Monet e Pierre-Auguste Renoir criaram algumas das imagens mais populares de sitters e grupos individuais. A artista americana Mary Cassatt, que treinou e trabalhou em França , é hoje popular até hoje por suas atraentes pinturas de mães e filhos, como é Renoir. Paul Gauguin e Vincent van Gogh, ambos pós-impressionistas, pintaram retratos retratáveis ​​de pessoas que conheciam, redemoinhando de cor, mas não necessariamente lisonjeiras. Eles são igualmente, se não mais, celebrados por seus poderosos auto-retratos.

John Singer Sargent também atravessou a mudança do século, mas rejeitou o Impressionismo e pós-impressionismo. Ele era o pintor retratador mais bem sucedido de sua era, usando uma técnica principalmente realista, muitas vezes efervescente com o brilhante uso da cor. Ele era igualmente apto em retratos individuais e grupais, particularmente de famílias de classe alta. Sargent nasceu em Florença , Itália para os pais americanos. Estudou em Itália e Alemanha , e em Paris . Sargent é considerado o último grande expoente da tradição de retrato britânico que começa com van Dyck. Outro proeminente retratista americano que treinou no exterior foi William Merritt Chase. A pintora da sociedade americana Cecilia Beaux, chamada “mulher Sargent”, nasceu de um pai francês, estudou no exterior e ganhou sucesso em casa, aderindo aos métodos tradicionais. Outro retratista em comparação com Sargent por sua técnica exuberante foi o artista parisiense de origem italiana, Giovanni Boldini, um amigo de Degas e Whistler.

O internacionalista James Abbott McNeill Whistler, de origem americana, estava bem ligado aos artistas europeus e também pintou alguns retratos excepcionais, mais famoso seu “Arranjo em cinza e preto, a mãe do artista” (1871), também conhecido como “Mãe de Whistler”. Mesmo com seus retratos, como com suas paisagens tonais, Whistler queria que seus espectadores se concentrassem no arranjo harmônico de forma e cor em suas pinturas. Whistler usou uma paleta moderada para criar os efeitos pretendidos, estressando o equilíbrio de cores e tons suaves. Como afirmou, “como a música é a poesia do som, a pintura é a poesia da visão, e o assunto não tem nada a ver com a harmonia do som ou da cor”. A forma e a cor também foram centrais para os retratos de Cézanne, enquanto a técnica de cores e escovas mais extremas domina os retratos de André Derain e Henri Matisse.

O desenvolvimento da fotografia no século XIX teve um efeito significativo no retrato, suplantando a câmera anterior obscura, que também havia sido usada anteriormente como um auxílio na pintura. Muitos modernistas reuniram-se para os estúdios de fotografia para fazerem seus retratos, incluindo Baudelaire que, apesar de proclamar a fotografia como “inimigo da arte”, se sentiu atraído pela franqueza e poder da fotografia. Ao fornecer uma alternativa barata, a fotografia substituiu o mais baixo nível de pintura de retrato. Alguns artistas realistas, como Thomas Eakins e Edgar Degas, ficaram entusiasmados com a fotografia da câmera e acharam que era uma ajuda útil para a composição. A partir dos impressionistas, os pintores de retratos encontraram inúmeras maneiras de reinterpretar o retrato para competir efetivamente com a fotografia. Sargent e Whistler estavam entre aqueles estimulados a expandir sua técnica para criar efeitos que a câmera não conseguiu capturar.

século 20
Outros artistas do início do século XX também expandiram o repertório de retratos em novas direções. O artista fautista Henri Matisse produziu retratos poderosos usando cores não naturalistas, até chatas, para tons de pele. Cézanne baseou-se em formas altamente simplificadas em seus retratos, evitando detalhes ao enfatizar as justaposições de cores. O estilo único do austríaco Gustav Klimt aplicou motivos bizantinos e tinta dourada para seus retratos memoráveis. Seu aluno Oskar Kokoschka foi um importante retratista da classe alta vienense. O artista espanhol prolífico Pablo Picasso pintou muitos retratos, incluindo várias renderizações cubistas de suas amantes, nas quais a semelhança do sujeito é grosseiramente distorcida para conseguir uma afirmação emocional bem além dos limites da caricatura normal. Um excelente pintor feminino da virada do século XX, associado ao impressionismo francês, foi Olga Boznańska (1865-1940). Os pintores expressionistas forneceram alguns dos mais assustadores e atraentes estudos psicológicos já produzidos. Artistas alemães como Otto Dix e Max Beckmann produziram exemplos notáveis ​​de retrato expressionista. Beckmann era um prolífico autorretratista, produzindo pelo menos vinte e sete. Amedeo Modigliani pintou muitos retratos em seu estilo alongado que depreciou a “pessoa interior” em favor de estudos estritos de forma e cor. Para ajudar a alcançar isso, ele enfatizou os olhos e as sobrancelhas normalmente expressivos até o ponto de fendas enegrecidas e simples arcos.

A arte britânica foi representada pelos Vorticistas, que pintaram alguns retratos notáveis ​​no início do século XX. O pintor Dada Francis Picabia executou numerosos retratos em sua moda única. Além disso, os retratos de Tamara de Lempicka capturaram com êxito a era Art Deco com suas curvas simplificadas, cores ricas e ângulos afiados. Dentro América , Robert Henri e George Bellows foram bons retratados das décadas de 1920 e 1930 da escola realista americana. Max Ernst produziu um exemplo de um retrato colegial moderno com sua pintura de 1922 “All Friends Together”.

Um contributo significativo para o desenvolvimento da pintura de retrato de 1930-2000 foi feito por artistas russos, trabalhando principalmente nas tradições da pintura realista e figurativa. Entre eles devem ser chamados Isaak Brodsky, Nikolai Fechin, Abram Arkhipov e outros.

Produção de retrato na Europa (excluindo Rússia ) e o Américas geralmente declinado nas décadas de 1940 e 1950, resultado do crescente interesse pela abstração e na arte não figurativa. Uma exceção, no entanto, foi Andrew Wyeth, que se tornou o principal pintor realista americano. Com Wyeth, o realismo, apesar de evidente, é secundário às qualidades tonais e ao humor de suas pinturas. Isto é apropriadamente demonstrado com sua série histórica de pinturas conhecidas como as imagens “Helga”, o maior grupo de retratos de uma única pessoa por qualquer artista importante (247 estudos de sua vizinha Helga Testorf, vestida e nua, em ambientes variados, pintada durante o período 1971-1985).

Na década de 1960 e 1970, houve um avivamento do retrato. Artistas ingleses como Lucian Freud (neto de Sigmund Freud) e Francis Bacon produziram pinturas poderosas. Os retratos de Bacon são notáveis ​​por sua qualidade de pesadelo. Em maio de 2008, o retrato de Freud em 1995, Supervisor de Benefícios, foi vendido em leilão pela Christie’s em Cidade de Nova York por US $ 33,6 milhões, estabelecendo um recorde mundial para o valor de venda de uma pintura por um artista vivo. Muitos artistas americanos contemporâneos, como Andy Warhol, Alex Katz e Chuck Close, fizeram do rosto humano um ponto focal de seu trabalho. A pintura de Warhol de Marilyn Monroe é um exemplo icônico. A especialidade de Close era enorme, retratos retrógrados de “cabeça” de tamanho real, baseados em imagens fotográficas. Jamie Wyeth continua na tradição realista de seu pai, Andrew, produzindo retratos famosos cujos assuntos variam de presidentes a porcos.