Música das Filipinas inclui artes de performance musical nas Filipinas ou por filipinos compostos em vários gêneros e estilos. As composições são frequentemente uma mistura de diferentes influências asiáticas, espanholas, latino-americanas, americanas e indígenas.
As músicas das Filipinas são uma mistura de sons europeus, americanos e nativos. Influenciado pela música das Filipinas 377 anos de herança da Espanha colonial, rock and roll ocidental, hip-hop e música popular dos Estados Unidos, a música folclórica da população Austronesa e Indo-Malayan música Gamelan.
Música Primal
Uma série de gravações feitas em músicas tocadas no local é música primal. Não precisa ser repetido e deve ser realizado apenas uma vez.
Música indígena
Notáveis compositores de canções folclóricas incluem o Artista Nacional de Música Lucio San Pedro, que compôs o famoso “Sa Ugoy ng Duyan”, que lembra sobre o toque amoroso da mãe para seu filho. Outro grande compositor conhecido como compositor patriótico, Antonio Buenaventura.
Música gong
As músicas de gongo filipino podem ser divididas em dois tipos: o gongo plano comumente conhecido como gangsà e tocado pelos grupos na região da Cordilheira dos gongos patronais tocados entre os grupos islâmico e animista no sul das Filipinas.
Kulintang refere-se a um instrumento de gongo tocado nas ilhas do sul das Filipinas, junto com seus variados conjuntos de acompanhamento. Grupos diferentes têm maneiras diferentes de jogar o kulintang. Dois grandes grupos parecem se destacar na música kulintang. Estes são o Maguindanaon e o Maranaw. O próprio instrumento kulintang pode ser atribuído à introdução de gongos no sudeste da Ásia, vindos da Índia antes do século 10 dC, ou, mais provavelmente, à introdução de badalos de gongo comandados por Java via Índia no século XV. No entanto, o conjunto kulintang é a forma mais avançada de música de antes do final do século XVI e o legado dos europeus no arquipélago filipino.
A tradição da música do conjunto kulintang é regional, antecedendo o estabelecimento das atuais Filipinas, Indonésia e Malásia. Ela transcende a religião, com grupos étnicos budistas, hindus animistas e cristãos em Bornéu, Flores e Sulawesi, jogando kulintangan; e grupos muçulmanos que tocam o mesmo gênero de música em Mindanao, Palawan e no arquipélago de Sulu. É distantemente relacionado com os conjuntos de gamelão de Java e Bali, bem como as formas musicais no Sudeste Asiático, principalmente por causa do uso para os mesmos sons de gongo que tocam melódico e percussivo.
Música de influência hispânica
A Espanha governou as Filipinas por 333 anos, e a influência hispânica na cultura filipina é onipresente. Essa influência pode ser facilmente percebida na música folclórica e tradicional, especialmente nas regiões de tagalo e visayana, onde a influência espanhola era maior.
Música Rondalla
O Rondalla é uma orquestra de cordas tradicional que compreende instrumentos do tipo bandolim de duas cordas, como o banduria e o laud; um violão; um contrabaixo; e muitas vezes um tambor de percussão. O rondalla tem suas origens na tradição rondalla ibérica e é usado para acompanhar várias formas de canções e danças de influência hispânica.
Harana e Kundiman
Harana e Kundiman são canções líricas populares que datam do período espanhol e são habitualmente usadas em rituais de namoro. O Harana está enraizado na tradição mexicano-espanhola e baseia-se nos padrões rítmicos da habanera. O Kundiman, por sua vez, tem origens pré-coloniais das partes tagalófonas do país, usa um ritmo de três metros e é caracterizado por começar em uma chave menor e passar para uma grande chave no segundo tempo.
Na década de 1920, Harana e Kundiman tornaram-se mais populares depois que artistas como Atang de la Rama, Jovita Fuentes, Conching Rosal, Sylvia La Torre e Ruben Tagalog os apresentaram a um público mais amplo.
Tinikling
O Tinikling é uma dança de Leyte que envolve dois artistas individuais que batem em postes de bambu, usando-os para bater, bater e deslizar no chão, em coordenação com um ou mais dançarinos que pisa e entre os postes. Esta é uma das danças filipinas mais icônicas, e é semelhante a outras danças de bambu do Sudeste Asiático.
Cariñosa
A Cariñosa (que significa “carinhosa” ou “carinhosa”) é a dança nacional e faz parte do conjunto de danças folclóricas filipinas de María Clara. É notável pelo uso do leque e do lenço na ampliação dos gestos românticos expressos pelo casal realizando a tradicional dança de namoro. A dança é semelhante ao mexicano Jarabe Tapatío, e está relacionada com as danças Kuracha, Amenudo e Kuradang na área de Visayas e Mindanao.
Música Original Pilipino
Música original de Pilipino, agora mais comumente chamada de música Pinoy original, música filipina original ou OPM, originalmente se referia apenas a canções pop filipinas, particularmente baladas, como aquelas populares após o colapso de seu predecessor, o Manila Sound do final dos anos 70.
Entre os anos 1950, 1960 e antes dos anos 1970, surgiram Sylvia La Torre, Diomedes Maturan, Ric Manrique Jr., Ruben Tagalog, Helen Gamboa, Vilma Santos, Edgar Mortiz, Carmen Camacho, entre muitos outros.
Na década de 1970, artistas populares foram Nora Aunor, Tirso Cruz III, Pilita Corrales, Eddie Peregrina, Ramon Jacinto, Victor Wood e Asin. Os mais importantes artistas de música pop filipinos foram Claire dela Fuente, Didith Reyes, Rico Puno, Ryan Cayabyab, Basil Valdez, Celeste Legaspi, Hajji Alejandro, Rey Valera, Freddie Aguilar, Imelda Papin, Eva Eugenio, Marco Sison, Nonoy Zuniga, Leah Navarro, Cinderela, Tillie Moreno, Ric Segreto, Janet Basco, Namorados (banda filipina), Hotdog, VST & Co., e muitos outros.
Entre as décadas de 1980 e 1990, a OPM foi liderada por artistas como Regine Velasquez, Pops Fernandez, APO Hiking Society, Kuh Ledesma, José Mari Chan, Dingdong Avanzado, Rodel Naval, Janno Gibbs, Ogie Alcasid, Joey Albert, Lilet e Martin Nievera. , Manilyn Reynes, Lea Salonga, Kristina Paner, Rachel Alejandro, Raymond Lauchengco, JoAnne Lorenzana, Francis Magalona, Sharon Cuneta, Sheril Cruz, Keno, Lou Bonnevie, Zsa Zsa Padilla e Gary Valenciano, entre muitos outros.
Na década de 1990, artistas famosos incluíram Eraserheads, The Company (grupo vocal), April Boy Regino, Smokey Mountain, Rivermaya, Jaya, Agot Isidro, Dessa (cantora filipina), Isabel Granada, Vina Morales, Donna Cruz, Jolina Magdangal, Jessa Zaragoza , Ariel Rivera, Fronteira do Sul, Carol Banawa, AfterImage, Lado A, Andrew E., Lani Misalucha, Ella May Saison, Joey Ayala, Viktoria (cantora), Meninos de Abril, Color It Red, Roselle Nava e Blakdyak, entre muitos outros.
Nos anos 2000 e 2010, os principais artistas da OPM incluem Sarah Geronimo, Julie Anne San José, Angeline Quinto, Jonalyn Viray, Kitchie Nadal, Berço da Barbie, KZ Tandingan, Aiza Seguerra, Toni Gonzaga, Nina, Yeng Constantino, Piolo Pascual, Jovit Baldivino KZ Tandingan, Nyoy Volante, Spongecola, Jennylyn Mercado, Kim Chiu, Mark Bautista, Christian Bautista, Charice, Jed Madela, Erik Santos, Parokya Ni Edgar, Kamikazee, Milby Sam, Abra, James Reid, Sheryn Regis e Gloc-9, entre muitos outros.
Bandas subterrâneas surgiram e junto com elas estavam suas percepções de idealismo e auto-expressão. O famoso letrista de Circle’s End, Geno Georsua chegou ao topo como o expressionista melodramático. O baixista Greg Soliman, da UST Pendong, entende o título como o melhor baixista da música underground.
Desde a sua origem, o OPM foi centrado em Manila, onde o tagalo e o inglês são as línguas dominantes. Outros grupos etnolinguísticos, como Visayan, Bikol e Kapampangan, apesar de fazer música em suas línguas nativas, raramente foram reconhecidos como OPM. Casos inusitados incluem a música Bisrock (música rock visayana) “Charing”, da banda Davao, 1017. Os defensores do multiculturalismo e os federalistas freqüentemente associam a discrepância à hegemonia cultural centrada no tagalog de Manila. Tendo criado com sucesso um subgênero de rock filipino que eles chamam de “Bisrock”, os Visayans, de longe, têm a maior coleção de música moderna em sua língua nativa, com grandes contribuições das bandas Visayan Phylum e Missing Filemon. No entanto, uma banda chamada Panciteria dos Groupies que vem de Tacloban, uma cidade que fala Winaray, lançou um álbum mp3 gratuito para download no Soundclick.com em 2009, contendo 13 músicas do Tagalog e apenas uma música muito curta no idioma Cebuano.
Seguindo o exemplo, estão os Kapampangans. O videoclipe de estréia de “Oras” (“Time”) da banda de Kapampangan, Munduts, na cidade de Tarlac, penetrou na MTV Pilipinas, tornando-se o primeiro videoclipe de Kapampangan a se juntar às fileiras de outros videoclipes filipinos. RocKapampangan: O Nascimento do Philippine Kapampangan Rock, um álbum de remakes modernos de canções extemporâneas populares de Kapampangan por várias bandas Kapampangan também foi lançado em fevereiro de 2008, e foi regularmente tocado pelo canal Infomax-8 da Kapampangan e via uma das maiores rádios FM do Central Luzon estações, GVFM 99.1. Inspirado pelo que os moradores locais chamam de “renascimento cultural de Kapampangan”, Ronnie Liang rendeu à Kapampangan traduções de algumas de suas canções populares como “Ayli” (versão de Kapampangan de “Ngiti”), e “Ika” (versão de Kapampangan de “Ikaw”) para o seu álbum reempacotado.
Apesar do crescente clamor por música não-tagalo e não-inglesa e pela maior representação de outras línguas filipinas, a indústria musical filipina local, que está centrada em Manila, é imprescindível em arriscar investimentos em outras localidades. Algumas de suas principais razões incluem a barreira da língua, o pequeno tamanho do mercado e a ênfase sócio-cultural do regionalismo nas Filipinas.
A primeira competição de composição do país, o Festival de Música Popular de Metro Manila, foi fundada em 1977 e lançada pela Fundação de Música Popular das Filipinas. O evento contou com muitos cantores e compositores proeminentes durante o seu tempo. Realizou-se anualmente durante sete anos até a sua interrupção em 1985. Mais tarde foi revivido em 1996 como o “Metropop Song Festival”, que durou mais sete anos antes de ser interrompido em 2003 devido ao declínio da sua popularidade. Outra variação do festival foi estabelecida, chamada de competição Himig Handog, que começou em 2000, operada pela ABS-CBN Corporation e sua gravadora subsidiária Star Records. Cinco competições foram disputadas até o momento entre 2000 e 2003 e foram revividas em 2013. Diferentemente de suas antecessoras, a competição tem diferentes temas que refletem o tipo de músicas escolhidas como finalistas a cada ano. Em 2012, o Festival de Música Popular das Filipinas foi lançado e é dito ser inspirado pela primeira competição de composições.
Música pop
O OPM pop tem sido regularmente exibido na cena da banda ao vivo. Grupos como Neocolours, Side A, Introvoys, The Teeth, Yano, True Faith, Passage e Freestyle popularizaram canções que refletem claramente o caráter sentimental do OPM pop.
No novo milênio até os anos 2010, os famosos artistas de música pop filipinos incluíram Sarah Geronimo, Erik Santos, Yeng Constantino, Mark Bautista, KZ Tandingan e Christian Bautista, entre muitos outros.
Música coral
A música coral tornou-se uma parte importante da cultura musical filipina. Ela remonta ao coro de igrejas que cantam durante a missa nos velhos tempos. Em meados do século XX, a realização de grupos corais começou a surgir e tornou-se cada vez mais popular com o passar do tempo. Além de igrejas, universidades, escolas e comunidades locais criaram coros.
Arranjos corais filipinos como Robert Delgado, Fidel Calalang, Lúcio San Pedro, Eudenice Palaruan entre outros incluíram nos vastos repertórios de corais arranjos belos de OPM, canções folclóricas, canções patrióticas, canções de novidade, canções de amor e até canções estrangeiras.
Os filipinos Madrigal Singers (originalmente a Universidade das Filipinas Madrigal Singers) é um dos grupos corais mais famosos não só nas Filipinas, mas também em todo o mundo. Vencedor de competições internacionais, o grupo se tornou um dos grupos corais mais formidáveis do país. Outros grupos corais premiados são a Universidade de Santo Tomas Singers, os Philippine Meistersingers (Ex-Embaixadora da Universidade Adventista das Filipinas), os Embaixadores da Canto UP e o Coro de Concerto UP, entre outros.
Musica rock
Os Estados Unidos ocuparam as ilhas de 1898 a 1946 e introduziram o blues americano, a música folclórica, o R & B e o rock & roll, que se tornaram populares. No final dos anos 1950, artistas nativos adaptaram as letras do Tagalog para o rock norte-americano, resultando nas origens seminais do rock filipino. A conquista mais notável no rock filipino dos anos 60 foi o hit “Killer Joe”, que impulsionou o grupo Rocky Fellers, alcançando o número 16 nas paradas de rádio americanas.
Até a década de 1970, músicos de rock populares começaram a escrever e produzir em inglês. No início dos anos 1970, o rock começou a ser escrito usando as línguas locais, com bandas como a banda Juan Dela Cruz estando entre as primeiras bandas populares a fazê-lo. Letras de mixagem de tagalo e inglês também foram popularmente usadas dentro da mesma música, em canções como “Ang Miss Universo Ng Buhay Ko” (“A Miss Universo da Minha Vida”) pela banda Hotdog, que ajudou a inovar o som de Manila. A mistura das duas línguas (conhecida como “taglish”), embora comum no discurso casual nas Filipinas, foi vista como um movimento ousado, mas o sucesso de Taglish em canções populares, incluindo o primeiro hit de Sharon Cuneta, “Mr. DJ”. Quebrou a barreira para sempre.
Músicos de rock filipinos adicionaram música folclórica e outras influências, ajudando a levar ao sucesso revolucionário de Freddie Aguilar em 1978. “Anak” (“Child”) de Aguilar, sua gravação de estréia, é a gravação filipina mais bem sucedida comercialmente, e foi popular em toda a Ásia e Europa, e foi traduzida para vários idiomas por cantores de todo o mundo. Asin também invadiu a cena musical no mesmo período e era popular.
O rock popular tornou-se a música de protesto filipina dos anos 80, e o “Bayan Ko” de Aguilar (“My Country”) tornou-se popular como um hino durante a Revolução EDSA de 1986. Ao mesmo tempo, uma contracultura rejeitou o surgimento de letras com foco político. Em Manila, uma cena de punk rock se desenvolveu, liderada por bandas como Betrayed, The Jerks, Urban Bandits e Contras. A influência da nova onda também foi sentida durante esses anos, liderada por The Dawn.
Os anos 80 viram o surgimento de Asin (banda), Sampaguita (cantora), Coritha, Florante, Mike Hanopol e Heber Bartolome.
A década de 1990 viu o surgimento de Eraserheads, considerado por muitos nacionais filipinos como o grupo número um na cena filipino de gravação. Na sequência do seu sucesso foi o surgimento de uma série de influentes bandas de rock filipino, como True Faith (banda), Yano, Siakol, Teeth (banda), Parokya ni Edgar e Rivermaya, cada um dos quais mistura a influência de uma variedade de subgêneros de rock em seu estilo.
O rock filipino nos anos 2000 também se desenvolveu para incluir hard rock, heavy metal e rock alternativo como Razorback, Wolfgang, Greyhoundz, Slapshock, Queso, Bamboo, Kamikazee, Franco, Urbandub e as bandas progressivas Paradigm, Fuseboxx, Earthmover e Eternal Now. .
Os anos 2010 assistiram ao surgimento de vários atos não assinados de diferentes subgêneros de outro formato de rock: a música independente. Indie age como Autotelic, Bullet Dumas, Ang Bandang Shirley, Batotas, BP Valenzuela, Ela só tem dezesseis anos, The Ransom Collective, Oh, Flamingo !, Sud, Jensen e The Flips, MilesExperience, História de Tom, Ben & Ben, IV de Espadas, Clara Benin e Reese Lansangan, entre outros.
Festivais de rock surgiram nos últimos anos e tem sido um evento anual para alguns dos entusiastas do rock / metal. Um grande evento é o Pulp Summer Slam, em que bandas locais de rock / metal e bandas internacionais como Lamb of God, Anthrax, Death Angel e Arch Enemy se apresentaram.
O gênero neo-tradicional na música filipina também está ganhando popularidade, com artistas como Joey Ayala, Grace Nono, Bayang Barrios e Pinikpikan colhendo relativo sucesso comercial, utilizando os sons musicais tradicionais de muitas tribos indígenas nas Filipinas.
Hip hop
Hip-hop filipino é uma música hip-hop interpretada por músicos de ascendência filipina, tanto nas Filipinas quanto no exterior, especialmente por filipino-americanos. Sabe-se que as Filipinas tiveram a primeira cena musical de hip-hop na Ásia desde o início dos anos 80, em grande parte devido às conexões históricas do país com os Estados Unidos, onde o hip-hop se originou. A música rap lançada nas Filipinas apareceu em diferentes idiomas, como Tagalog, Chavacano, Cebuano, Ilocano e Inglês. Nas Filipinas, Francis M., Gloc-9, Abra (rapper), Michael V. e Andrew E. são citados como os rappers mais influentes do país, sendo os primeiros a lançar álbuns de rap mainstream. Depois vieram as rapperas MC Lara e Lady Diane.
Outros gêneros
Uma série de outros gêneros estão crescendo em popularidade no cenário musical filipino, incluindo vários grupos alternativos e bandas tribais que promovem a consciência cultural das Ilhas Filipinas.
Da mesma forma, o jazz experimentou um ressurgimento da popularidade. O ímpeto inicial foi fornecido pelo WDOUJI com o seu premiado lançamento independente “Ground Zero”, distribuído pela já extinta N / A Records, em 2002, e pelo quarteto de jazz Buhay, liderado por Tots Tolentino, no ano anterior. . Isso abriu o caminho para as tentativas posteriores mais notáveis do que é o supergrupo de jazz filipino Johnny Alegre Affinity, lançando seu álbum de estréia de mesmo nome em 2005 sob a Candid Records, com sede em Londres. Mon David também fez as rondas do circuito musical de Las Vegas. Entre os artistas do sexo feminino, Mishka Adams foi o mais proeminente. Um desenvolvimento recente é a fusão da palavra falada e jazz e também com o rock, principalmente atribuída ao Radioactive Sago Project. Outros nomes notáveis da tarde são Bob Aves com seu jazz etnofused, The Jazz Volunteers e Akasha, que ancoraram o agora legendário jazz underground no Freedom Bar por quase metade dos 11 anos de sua existência. Hoje, jazz jams subterrâneos são realizados em um bar chamado TAGO jazz bar, localizado na Main Avenue, Cubao. Novos grupos de jazz surgiram no cenário do jazz local, a saber, Swingster Syndicate foi pioneiro no pós-bop e moderno jazz trad, e Camerata Jazz, conhecido por seus arranjos e sons filipinos de jazz.
Canções de novidade Pinoy se tornou popular na década de 1970 até o início de 1980. Populares cantores de novelas nessa época foram Reycard Duet, Fred Panopio e Yoyoy Villame. Novelty pop age nos anos 90 e 2000 incluindo Michael V., Bayani Agbayani, Masculados, Vhong Navarro, Sexbomb Girls, Joey de Leon (“Itaktak Mo”), Viva Hot Babes e Willie Revillame.
A música bossa nova e latina é popular desde os anos 1970. Artistas como Annie Brazil estavam ativos na década de 1970, enquanto, mais recentemente, Sitti tem recebido ótimas críticas por suas capas de canções populares da bossa nova.
Embora tenha havido uma florescente cena underground de reggae e ska, particularmente na cidade de Baguio, é apenas recentemente que os gêneros foram aceitos no mainstream. Atos como o Brownman Revival, o Put3ska, o Roots Revival of Cebu e o The Brown Outfit Bureau de Tarlac City foram fundamentais na popularização do chamado “Island Riddims”. Há também um revival mod modificado, liderado por Juan Pablo Dream e uma grande cena indie pop.
A música eletrônica começou em meados da década de 1990 no submundo de Manila, liderado por luminares como Manolet Dario, do Consórcio. Em 2010, artistas locais começaram a criar músicas eletropop próprias. A partir de agora, a maioria das músicas eletrônicas são usadas em comerciais. A única estação de rádio até agora que puramente toca música eletrônica é a 107,9 U Radio. A década de 2010 também começou a ascensão de produtores eletrônicos indie, DJs e artistas com os gostos de Somedaydream, Borhuh, Kidwolf, Zelijah, John Sedano, MVRXX, MRKIII, Bojam, CRWN, NINNO, Kidthrones e Jess Connelly.
Música folclórica das Filipinas
A música folclórica das Filipinas como a música popular de outros países reflete a vida das pessoas comuns, que geralmente vivem em cidades e não em cidades. Como outras músicas indígenas da Ásia, a maior parte da música indígena das Filipinas está relacionada ao meio ambiente. Pelo contrário, a maioria deles usa escala diatônica em vez de escala pentatônica.
Integração Oriente e Ocidente
Como a paisagem do país, a música indígena das Filipinas é um produto da sua história colorida. A música indígena das Filipinas tem sido influenciada pelo tipo de cultura que já viu, e não é surpresa que seja tão boa quanto a música na China ou na Índia, como soa como a Europa.
Como pessoas que trabalham e usam, a música indígena das Filipinas pode ser considerada ocidental ou não ocidental, e embora existam outras divisões em cada categoria, ela ainda mostra a civilização de um grupo. Através da música folclórica, é bom ver que os filipinos têm uma profunda fé em Deus, nas famílias próximas e no meio ambiente.
Música vocal
A música vocal continua a ser a forma mais importante de música encontrada em grupo étnico nas Filipinas. E embora também existam musicais feitos para dançar, a música ainda é a melhor organizada pelos Filipinos Acadêmicos.
De acordo com o livro Philippine Literature: Folk Songs, de Mauricia Borromeo, as canções indígenas do país podem ser classificadas como canções ocidentais, malá-salmo e sekulares de grupos indígenas.
Despertar ocidental
Segundo Borromeo, as canções indígenas das Filipinas no Ocidente têm características:
melodiyang madaling awitin,
silabik e verso,
forma simples,
no prefeito ou menor,
com voltas ou reviravoltas
e acompanhamento simples.
Melodiya
A música ocidental influenciou a canção folclórica das Filipinas através da Espanha. Como as Filipinas estão sujeitas à ocupação espanhola há mais de 300 anos, não é de admirar que uma pessoa possa ouvir semelhanças na Música Folclórica desses dois países.
Este tipo de música é geralmente encontrado entre os nativos que aceitam crenças cristãs porque eles tiveram um relacionamento mais longo com os espanhóis do que os grupos não-cristãos.
A Broadcasting Music das Filipinas também testemunhou os exames de Dorothy Scarborough, que ele disse:
(em inglês)
Uma música que começa como partitura, devidamente creditada ao autor e compositor, pode ser alterada quanto a palavras ou música, ou ambos, por cantores que a aprendem e a transmitem oralmente, para se tornarem uma canção folclórica. O fato de que esse lugar talvez seja conhecido como música publicada não faz diferença. “… nenhuma música folk genuína é a duplicata exata de qualquer outra versão da mesma música. Cada versão ou variante tem seu próprio valor.” (Scarborough 1935: Prefácio)
(em tagalo)
Uma música começa como uma peça de música, que está no autor e nos elogios do compositor, que podem ser substituídos como palavras ou música, ou ambos, por cantores que aprenderam e trouxeram na boca, que parece ser uma canção folclórica. O fato de que, onde quer que seja possível aprender como música impressa, não faz diferença. “… não há música folclórica genuína com uma cópia exata de qualquer versão com a mesma música. Cada versão ou variação tem sua própria privacidade.” (Scarborough 1935: Prefácio)
É evidente que músicas como Bisaya-Bisaya, como Matud Nila e Ocasionalmente, também são consideradas canções folclóricas, embora algumas passagens digam que são feitas por Ben Zubiri e Nitoy Gonzales.
No caso do registro, é fácil cantar mesmo que um cantor não estude a música. A maioria dessas músicas tem apenas um intervalo de registro entre seis e onze tons, enquanto o registro normal de voz padrão é de 14 tons ou uma ave e meia.
Eles também são cantados de maneira não estressada e, embora possam ser usados em falsete, como os antigos, também podem ser usados. Se há momentos em que essas músicas são plagiadas, muitas delas são bem faladas por voz, como as usadas na música popular.
Estimativa e Estela
A maioria dos músicos de estilo ocidental pode ter um corredor clássico, você tem quatro linhas com uma mortalha, ou música, você tem quatro linhas com 12 sílabas cada. E apesar de não combinar, as linhas acabam em assonância.
Apesar das semelhanças nas canções folclóricas espanholas, a música folclórica indígena das Filipinas não usava longos mellismas. Portanto, One Word for Every Note no filme The Sound of Music é fácil de ver nas canções folclóricas filipinas.
As características do Canção Indígena Comum das Filipinas também são características de ser stropical, onde apenas uma melodia é usada em todos os estágios. Ficará bem nas Baladas, embora o chamado strophic modificado, como a música irlandesa ‘Red Is the Rose’, seja difícil de encontrar. O modo dual também é comumente usado, enquanto que, apesar de um único tom em todos os estágios, há outro refrão de tom diferente.
Popularidade
Ao contrário dos países da Irlanda, Hungria e República Checa, sempre foi a identidade nacional da música indígena das Filipinas. Este é provavelmente o resultado de cada região ter sua própria linguagem.
E embora existam aqueles que estão tentando se engajar em diferentes línguas, ninguém conseguiu ensiná-lo no nível primário. Com exceção das músicas infantis, a música indígena não presta atenção às salas de aula. Consequentemente, é evidente que as canções folclóricas são apenas canções infantis.
A entrada na televisão também contribuiu para a sua rápida perda de popularidade, uma vez que os filipinos viram imediatamente a cultura popular da Europa e dos Estados Unidos. E, embora muitos europeus gostem de dizer música, os filipinos correm sempre o risco de perder música folclórica.
Tentativas de recrutamento
Houve ocasiões na música nativa das Filipinas para quase todos eles como a peça central da música. Sob os 300 anos de ocupação espanhola nas Filipinas, não houve nenhum encontro de música folclórica. E embora tenha havido ocasiões na era americana, isso só ocorreu no final do século XX, enquanto os românticos europeus vêem a importância das canções indígenas.
Durante a ocupação americana das Filipinas, houve tentativas de reunir música folclórica, mas foi apenas nos últimos anos. A primeira coleção de pe. Morice Vanoverberg em 1919 sobre a música indígena dos Lepanto Igorot do Norte. Isso é apenas as únicas letras incluídas nesta coleção não são os tons.
A coleção intitulada Filipino Folk Songs por Emilia Cavan é considerada a primeira coleção com um tom. Foi publicado em 1942. Mas a coleção feita por Norberto Romualdez na década de 1950 continua sendo a mais importante desta disciplina. É nomeado após o Philippine Progressive Music Series e também se tornou um livro de ensino de ensino padrão para as escolas.
Infelizmente, os americanos eram assistentes de Romualdez e traduziram as letras dessas músicas das línguas originais para o filipino e o inglês. Isto é devido ao desejo desta coleção para trazer os sentimentos patrióticos filipinos. Este é o fato de que o Folclore Filipino Nacional, Filipinas Nossa Terra Nativa e até mesmo as Filipinas, o Belo, são uma adaptação da América o Belo na lista de canções. Também tem algumas músicas das canções folclóricas de outros países.
Uso comercial
Alguns cantores de rock tentaram trançar as canções folclóricas na década de 1970, bem como naquela época nos Estados Unidos. Eles incluem os cantores Joey Ayala, Bayang Barrios, Freddie Aguilar e o grupo Salt.
Vários músicos sérios também o entesaram, mas ninguém conseguiu colocá-lo nas paradas como nos Estados Unidos. Hoje, não é mais suficiente atrair os cantores populares e apenas aqueles que estão estudando música nas universidades têm promovido isso.