Museu de Arte Moderna e Contemporânea de Nice, Provence-Alpes-Côte d’Azur, França

O Museu de Arte Moderna e Contemporânea, também denominado Mamac, é um museu dedicado à arte moderna e contemporânea, aberto desde 21 de junho de 1990 em Nice. Localizado no coração da cidade, próximo à Praça Garibaldi e no prolongamento da “Coulée Verte”, o MAMAC oferece um mergulho na Arte Internacional do Pós-guerra dos anos 1950 aos dias atuais. Com uma coleção de cerca de 1 400 obras de mais de 350 artistas (com uma média de 200 em exibição), o museu oferece – entre outros – um diálogo original entre o Novo Realismo Europeu e a Pop Art americana. O museu também exibe as principais obras de arte minimalista e arte povera. Dois grandes artistas da arte do século 20 formam o coração das coleções: Yves Klein, com uma sala permanente única no mundo, tornada possível graças aos empréstimos de longo prazo dos Arquivos Yves Klein, e Niki de Saint Phalle.

O museu também lança luz sobre a singularidade e a proeminência da cena artística local do final dos anos 1950 ao início dos anos 1970. Nice e a Côte d’Azur foram então um importante local de experimentação e invenção de novos gestos artísticos com artistas de destaque como Yves Klein, Martial Raysse, Arman, Ben e grupos como Supports / Surface. Apesar da singularidade de personalidades e práticas, três questões-chave surgem: o ato de apropriação da vida cotidiana (com os Novos Realistas em particular), uma arte do gesto e da atitude (com Fluxus) e uma exploração analítica da pintura (com Apoio / Superfície e Grupo 70). Esta pesquisa é contextualizada com a criação artística europeia e americana dos últimos sessenta anos.

O edifício do museu localizado próximo à Praça Garibaldi, projetado pelos arquitetos Yves Bayard e Henri Vidal, tem a forma de um arco de tetrápode estendendo-se pelo Cours du Paillon. A monumentalidade do projeto desenvolvido na capa do Paillon permite ligar o museu a um teatro por meio de um terraço, denominado Promenade des Arts. Com sua planta quadrada, sua arquitetura é inspirada nas regras do neoclassicismo. A superfície disponível é de cerca de 4.000 m 2, distribuídos em nove salas de exposição para três níveis. Suas fachadas lisas são revestidas de mármore branco de Carrara. A entrada e a loja encontram-se ao nível da Esplanada Niki de Saint Phalle com vista para a Praça Yves Klein onde também se encontram o auditório e a galeria contemporânea do museu. Os espaços do museu são dedicados no primeiro andar a exposições temporárias,

Os espaços ocupam cinco níveis, incluindo dois conjuntos de 1.200 m2 dedicados às coleções do museu. Um andar e uma sala de projetos são dedicados a mostras temporárias internacionais, alternando exposições temáticas e monografias de grandes artistas dos últimos sessenta anos. Um terraço acessível ao público oferece uma vista panorâmica de Nice.

História
O Museu de Arte Moderna e Contemporânea de Nice foi inaugurado em 21 de junho de 1990. Vários projetos coerentes para a criação desse museu surgiram em Nice na segunda metade do século XX. A primeira estava ligada à reestruturação da Galerie des Ponchettes, projeto apoiado por Henri Matisse e Pierre Bonnard, desenvolvido pelo Dr. Thomas, depois por Jean Cassarini, a primeira prefiguração do Museu de Arte Moderna de Nice. A segunda hipótese que surgiu foi a de construir uma ala moderna no jardim do Museu Masséna. Este projeto foi abandonado para construir um parque de estacionamento.

A ideia foi revivida em meados dos anos 70 com a nomeação de Claude Fournet como Diretor dos Museus de Nice. A inauguração da Galeria de Arte Contemporânea (GAC) e um programa contemporâneo na Galerie des Ponchettes, ofereceram ao público de Nice uma importante vitrine de arte.

Em 1985, a exposição “Autour de Nice” (“Around Nice”) na Acrópole, apresentando um primeiro grupo de obras dos Novos Realistas, a Escola de Nice e Apoio / Superfícies em particular, iria certificar a necessidade de um museu de Arte Moderna e Contemporânea em Nice. No mesmo ano, um acordo firmado com o Estado prevê a execução ao longo de cinco anos de um ambicioso programa de compras de obras de arte. A assistência financeira do Estado à cidade no processo de aquisições dará início ao processo de classificação da futura instituição sob o rótulo de “musée contrôlé par l’état”. Já em 1987, foi assinado um acordo entre a cidade de Nice e o Estado para o financiamento do projeto arquitetônico.

O edifício
Os arquitetos Yves Bayard e Henri Vidal fizeram uma proposta original de uma espécie de arco de tetrápode a cavalo, por um lado no rio Paillon, e por outro lado no eixo da antiga autoestrada N7 que liga a zona portuária e a cidade velha aos bairros que se desenvolveram nos séculos XIX e XX. A arquitetura do museu teve que harmonizar dois elementos que compõem o tecido urbano de Nice: o planejamento urbano da Sardenha e a exótica utopia da Belle Époque.

Uma monumentalidade inspirada nos princípios do Classicismo (planta quadrada, arcatura) corresponde ao traçado da Piazza Garibaldi. Os tons de vermelho ocre da base se entrelaçam com as lisas superfícies de mármore de Carrara das torres, nas quais as oliveiras são esculpidas, para criar um jogo ótico que transpõe para o coração da cidade os registros da ordem e da paz da natureza mediterrânea. A cobertura do Paillon proporciona uma rara oportunidade de ter um terreno no centro da cidade e permite o amplo desenvolvimento de um dispositivo denominado “Promenade des Arts”, constituído por um museu e um teatro e alargado pelo “coulée verte” hoje.

Esta localização crucial no coração da cidade exigia um desenvolvimento alto composto de quatro torres quadradas em uma base de 20 metros de cada lado para uma elevação de 30 metros. Do lado de fora, eles são cegos, mas conectados por passarelas de vidro. Os espaços expositivos estão distribuídos por quatro níveis, mais um nível para o átrio e outro para os terraços acessíveis ao público. O segundo nível acolhe as exposições temporárias, enquanto o terceiro e quarto níveis são dedicados às coleções. O primeiro andar abriga a galeria contemporânea do museu. Os espaços expositivos estão implantados em 10 salas expositivas.

Os terraços são tratados como mirantes de onde a vista abraça amplamente a cidade. Em uma delas, é apresentado Le Mur de Feu (A Parede de Fogo) de Yves Klein, criado com a ajuda da “Direction des Musées de France”; trata-se da edição de um dos projetos desenvolvidos pelo artista para sua exposição Krefeld em 1961.

A praça que liga o museu ao teatro por um lado e ao Palais des Congrès por outro, permite a instalação de esculturas monumentais como o Stabile Mobile de Alexander Calder ou o Monstro do Loch Ness de Niki de Saint Phalle.

As coleções
São 1331 obras de 346 artistas em 13 de outubro de 2014, incluindo 436 pinturas e 292 esculturas e instalações, que oferecem um panorama vanguardista da criação artística desde o final dos anos 1950 até os dias atuais, articulado em torno de diferentes movimentos.

Novo realismo – Pop Art
Sala 4
A coleção MAMAC atesta o surgimento, no final da década de 1950 e início da década de 1960, de movimentos que tomam emprestado da realidade e a reinterpretação da nascente cultura de massa que estava surgindo na França – particularmente em Paris e em torno de um centro de artistas em Nice – e nos Estados Unidos.

Este novo movimento artístico testemunhou tanto quanto criou uma nova linguagem visual. Este movimento “pop”, que soa como uma onomatopeia, encarna uma aspiração coletiva pelo “moderno”, pelo higienizado, pelo espetacular, pelo glamour, pelo lazer, pelo hedonismo e pela projeção de uma forma de vida do futuro.

Vindo da rua, de seus cartazes, da eficácia das propagandas, de revistas esmaltadas com retratos de ícones em voga; estimulada pelas possibilidades oferecidas por novos materiais – redondos, flexíveis, plásticos, cores brilhantes – esta estética aproxima arte e vida, reencontra a criação em estilos populares e deslumbrante, abraça a emergente cultura de massa.

Ao mesmo tempo que a arte cinética, o Pop – sem ser político – carrega consigo um ideal democrático, o desafio do imediatismo da percepção, o ardor de uma juventude ávida por inventar seu novo mundo. O nome desse movimento será Pop em sua trajetória anglo-americana e depois em sua órbita internacional; “Novo Realismo” em sua ascendência franco-europeia e sua reinvenção de uma atitude dada “..

Niki de Saint Phalle
Sala 5
“Na história da arte, Niki de Saint Phalle (1930-2002) é uma exceção. Poucas mulheres artistas gozam do mesmo nível de reconhecimento de um grande público como ela. Ela fez seu nome e seu destino através da liberdade de expressão , a iconoclastia de seus gestos e o excesso de seus projetos. No entanto, há muito ela é objeto de mal-entendidos, confinada às suas icônicas “Nanas”, às suas declarações apaixonadas e ao seu forte sentido de adorno, foi evitada por uma franja masculina críticas por seu trabalho “feminino” e seus comentários sobre o matriarcado, e por historiadoras da arte feministas sob o pretexto de uma possível cumplicidade com estereótipos sexistas. Seu trabalho é finalmente reconsiderado hoje em toda a sua riqueza e complexidade; considerado por sua contribuição única e indiscutível para uma história de formas e gestos;medido por seu compromisso e atenção aos problemas e lutas de seu tempo.

A MAMAC possui uma das três coleções de referência no mundo da obra da artista franco-americana, desde suas primeiras pinturas e montagens no final dos anos 1950, as primeiras pinturas a bala do início dos anos 1960, as icônicas “nanas” e noivas, até ela impressões prolíficas “.
Hélène Guenin

Catherine Marie-Agnès Fal de Saint Phalle nasceu em 29 de outubro de 1930 em Neuilly-sur-Seine. Ela foi a segunda de cinco filhos de Jeanne Jacqueline (nascida Harper) e André Marie Fal de Saint Phalle, originalmente de uma família de banqueiros franceses. O Crash de Wall Street teve várias consequências nos negócios da família e os levou a se mudar para os Estados Unidos. Niki foi então educada em escolas americanas, passando regularmente as férias de verão na França.

Este duplo sentido de pertença é um símbolo dos laços artísticos existentes entre a França e os Estados Unidos desde o início dos anos 1960. Isso foi exemplificado pela presença em Paris de artistas de renome internacional, como Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Willem de Kooning, Jackson Pollock, que foram convidados a expor em galerias parisienses conhecidas, incluindo as de Ileana Sonnaben, e em museus como o Museu de Arte Moderna da Cidade de Paris.

Sem nenhuma educação artística formal que não seu próprio instinto e a certeza de que era seu destino, Niki de Saint Phalle – que começou a pintar seu universo mental repleto de fantástico de uma forma herdada de Matisse, Ensor, de Dubuffet e Pollock – criou assemblages , coletando todos os tipos de pequenos objetos e detritos. Ela aperfeiçoou essas idéias em seus relevos monumentais e em seus tirs de ação, que, por sua própria natureza, convenceram o crítico Pierre Restany da necessidade absoluta de incluí-los no grupo de “Nouveaux Réalistes”.

Desenvolvendo uma abordagem que envolvia uma espécie de liberação, refletindo sua necessidade de expulsar uma certa violência, Niki de Saint Phalle começou a trabalhar com esculturas em 1963. De montagens em baixo-relevo, ela mudou para criações 3D com seus primeiros Nanas em 1964. Essas esculturas , em cores fortes e com curvas generosas, simbolizava a mulher moderna, libertada das tradições. Os Nanas são pretos, amarelos e rosa, eles são multirraciais para refletir o mundo.

Ela se dedicou incansavelmente por muitos anos à defesa das minorias culturais e à integração das populações negras na sociedade americana.

Yves Klein
Sala 6
Nascido em 1928 em Nice, Yves Klein foi o primeiro a se tornar judoca. Em 1954, aposta definitivamente na arte e inicia a sua «aventura monocromática». Assumiu o azul ultramar, ao qual deu o seu nome «IKB» (International Klein Blue). Depois, embarcou na busca do imaterial e realizou performances com os seus «pincéis vivos». Klein vai além de toda representação artística aceitando que a beleza está presente no estado invisível e que sua missão como artista é apreendê-la onde ela estiver. Sua obra atravessa os limites da arte conceitual, corporal e do acontecer, e ilustra uma diversidade de práticas e formas que inegavelmente fazem de Yves Klein um dos artistas mais inovadores de sua época.

A segunda metade do século XX foi profundamente marcada pela criatividade de Yves Klein, através dos seus monocromos, o acontecimento central do vazio, a utilização do ouro e do rosa numa trilogia de cores. Marcou seu tempo graças também ao uso de esponjas embebidas em cores puras, bem como à utilização do fogo como pincel. Hoje sua criatividade continua influenciando as novas gerações de artistas e pesquisadores. Yves Klein morreu em 1962, aos 34 anos, e deixou para trás uma grande obra intensa, mas também audaciosa e infinita.

Esta sala, única em todo o mundo, contou com o apoio dos Arquivos Klein e de colecionadores privados que generosamente depositaram as suas obras no MAMAC.

É na parede de um porão pertencente à família de Arman que Klein pintou seus primeiros monocromos azuis, por volta de 1947-1948. Em 1955, conheceu Tinguely, César, Raysse e Restany em Paris e expôs no Salon des Réalités Nouvelles, uma nova pintura de uma única cor, que foi recusada e gerou polêmica. A partir de 1956, as exposições de Monocromos se sucedem.

Começou o seu «Período Azul» em 1956 ao escolher um azul ultramarino já existente, extremamente saturado que é, segundo Klein, «a expressão mais perfeita da cor azul». Klein é na época fascinado pelo pigmento puro ultramar, de uma intensidade incomparável. Mostra pela primeira vez a instalação «pigmentos puros» na Colette Allendy’s em maio de 1957, tentando mostrar «a cor em si»:

Pigmentos puros – pigmentos puros, exibidos no solo, tornaram-se a própria pintura, e não uma imagem suspensa; sendo o meio fixador o mais imaterial possível, ou seja, é uma força de atração que se dirige apenas a si mesma. Não alterou os grãos de pigmento, como inevitavelmente faz o óleo, a cola ou mesmo meu fixador especial. O único problema com isso: a pessoa fica naturalmente ereta e olha para o horizonte. »

Movimentos e artistas
Os Novos Realistas Europeus com os artistas Nice Arman, Yves Klein e Martial Raysse, ao lado de César, Christo, Niki de Saint Phalle, Mimmo Rotella, François Dufrêne, Jean Tinguely, Gérard Deschamps, Daniel Spoerri, Raymond Hains, Jacques Villeglé, Alain Jacquet
A versão americana com arte pop é representada por uma coleção de obras de Roy Lichtenstein, Robert Indiana, Andy Warhol, James Rosenquist, Claes Oldenburg, Tom Wesselmann, John Chamberlain, Jim Dine, George Segal e o neodadaísta Robert Rauschenberg.
A Escola de Nice com Ben está ligada a várias obras representativas do Fluxus como com Robert Filliou
A Arte Povera reúne vários artistas incluindo Pier Paolo Calzolari, Michelangelo Pistoletto ou Enrica Borghi
Suporta / Superfícies está representada com Noël Dolla, Marcel Alocco, André-Pierre Arnal, Louis Cane, Daniel Dezeuze, Vincent Bioulès, Marcel Devade, Christian Jaccard, Bernard Pagès, Jean-Pierre Pincemin e Claude Viallat.
O minimalismo americano e o campo de cores são ilustrados por Morris Louis, Paul Jenkins, Kenneth Noland, Jules Olitski, Ellsworth Kelly, Sol Lewitt, Larry Poons (en), Frank Stella e Joseph Kosuth
Minimalismo europeu com François Morellet, Olivier Mosset, Jean-Pierre Raynaud, John Armleder, Bernar Venet, Jan Voss
A figuração dos anos 60 e 80, de Hervé Télémaque, Bernard Rancillac, Antonio Recalcati, Ernest Pignon-Ernest, Keith Haring, Sandro Chia, Robert Combas, Hervé di Rosa, Rémi Blanchard, François Boisrond, Robert Longo, Jean-Charles Blais
Há também obras de Serge Charchoune, Alexander Calder, Joseph Cornell, Hans Hartung, Lucio Fontana, Nicolas de Staël, Simon Hantai, Pierre Soulages, Olivier Debré, Victor Vasarely, Karel Appel, Paul Mansouroff, Annette Messager, Jan Fabre, Ai Weiwei etc.

Doações e depósitos
Desde a inauguração, Yves Klein beneficia de uma sala onde estão reunidas vinte obras suas, várias das quais pertencem ao acervo permanente do museu.

Em outubro de 2001, Niki de Saint Phalle deixa grande parte de sua coleção para a cidade de Nice para o museu: o corpo da doação é composto por 170 obras, incluindo 63 pinturas e esculturas, 18 gravuras, 40 litografias, 54 serigrafias e muitos documentos originais. Entre as esculturas monumentais está o Monstro de Loch Ness.

As embalagens da Christo fazem parte do depósito feito pela Lilja Art Fund Foundation.

Em 2004, o artista suíço Albert Chubac ofereceu cerca de uma centena de obras ao Musée Niçois.

Em 2010, o colecionador Khalil Nahoul doou 94 obras (pinturas, desenhos, gravuras) incluindo peças de Pierre Soulages, Francis Bacon e Hans Hartung.

Em 2014, a Berggreen doou obras de John Armleder, Jean-Charles Blais, François Morellet, Claude Viallat ou Jean Michel Alberola.

Exposições temporárias
Ao longo dos anos, o MAMAC propôs grandes exposições coletivas internacionais: Klein Byars Kapoor (2012), Intra-Muros (2004), De Klein à Warhol (1997); Chimériques polymères, le plastique dans l’art du XXème siècle (1996); shows monográficos de artistas proeminentes Liz Magor (2017), Ernest Pignon-Ernest (2016), Wim Delvoye (2010), Robert Longo (2009), Richard Long (2008), Robert Rauschenberg (2005), Niki de Saint-Phalle (2002 ), Arman (2001), Yves Klein (2000), Tom Wesselmann (1996); ao enfatizar a relação especial com a vizinha região do Norte da Itália com as apresentações individuais de Giovanni Anselmo (1996), Gilberto Zorio (1992), Pier Paolo Calzolari (2003) ou Michelangelo Pistoletto (2007).

Sobre Nice. 1947-1977
Os elementos aqui reunidos fazem parte da grande exposição “A respeito de Nice. 1947-1977”, organizada em 2017 no âmbito da Bienal “Nice 2017. École (s) de Nice” e por ocasião do presumido aniversário do nascimento de esta efervescência artística.

A Escola de Nice dada ou a lista de suas figuras-chave, existiu desde o final dos anos 1950 uma onda de forças fortes, dinâmicas e artísticas em Nice. O museu e as suas colecções testemunham a riqueza desta história, posta em perspectiva num contexto internacional, numa altura em que surgiram estes gestos. Uma constelação de ações e atitudes surgiu na área, à medida que personalidades carismáticas marcaram a sua presença, com o objetivo de criar ligações entre Nice e as capitais internacionais do mundo da arte.

Em Paris, em 1977, o Centre Pompidou celebrou essa vitalidade com a exposição “A propos de Nice”, orquestrada por Ben – um dos principais protagonistas desse épico movimento. Um famoso episódio deu início ao lendário nascimento do movimento, o da divisão simbólica do mundo compartilhada por três jovens na praia de Nice em 1947: Yves Klein se apropriando do azul infinito do céu; o poeta Claude Pascal apreendendo o ar e Arman retomando a posse da terra e suas riquezas. Esta ação inaugural, uma busca pelo absoluto, o espírito de desafio e indiferença, abriu o caminho para uma cena ativa no coração e em reação à tranquilidade da cidade litorânea.

Para além das narrativas que tradicionalmente definem a Escola de Nice numa sucessão de movimentos: Novo Realismo, Fluxus, Suportes / Superfícies, etc., as atitudes e gestos primordiais reúnem estas gerações de artistas com práticas heterogéneas: uma revolução das formas, uma insolência de atitudes, um apetite pela irreverência e um fascínio pelas narrativas. Além de uma história estética, “The School of Nice” testemunha o surgimento de personalidades em um contexto cosmopolita e em uma cidade então em plena mutação.

Riviera Francesa
No filme A Propos de Nice de 1930, o cineasta Jean Vigo lança um olhar satírico sobre a cidade de lazer, onde turistas ricos e ociosos vivem ao lado de residentes locais ocupados com as atividades da temporada. Uma geração depois, Nice oferece um contraste notável entre uma certa modernidade, com sua “manada de transatlânticos em cores brilhantes e berrantes, uma vitrine de utensílios de plástico baratos” * e seus globetrotters de verão, e o isolamento cultural de jovens artistas obcecados com o ato de criar, – esses contrastes, sem dúvida, agem como o terreno fértil para sua energia e comportamentos dissidentes.

Embora o surgimento de uma cena artística não possa ser explicado apenas pelo seu contexto local, seria igualmente improdutivo ignorar a especificidade de Nice como cidade e o que ela produzia e proibia no início dos anos 1960. Foi na praia de Nice que Yves Klein sonhou em se apropriar do infinito do céu e no passeio à beira-mar que Ben e seus pares sonharam ações que conectassem arte e vida. Entre as cadeiras azuis e a multidão de verão, os artistas encontraram e remodelaram o mundo, desafiando os estereótipos que representavam o glamour da Côte d’Azur no exterior. Arman colecionou token de cassino, Martial Raysse criou deslumbrantes evocações pop do mundo à beira-mar e Claude Gilli evocou as paisagens Azure em painéis recortados de cores vivas. Essas referências aos caçadores de prazer,

Maravilhas modernas?
No início da década de 1960, influenciado pelo desenvolvimento do turismo internacional e pela americanização da sociedade francesa, Nice se identificou com a juventude, o hedonismo e o crescente consumo de massa. Essa busca perpétua pelo novo e pela produção em massa lançaria as bases para a relação dos artistas com a apropriação e subversão da realidade. “Sim, Nice é o nosso paraíso pacífico e pasteurizado. A partir daqui, poderia ser criada uma arte que adira a essa realidade fabricada”, escreveu o crítico Jean-Jacques Lévêque em 1967.

Diante dessa obsessão vertiginosa com o novo, a fabricação de objetos baratos e ilusões, os artistas inventaram novas formas. Eles distorceram este mundo, com sua aspiração ridícula de posse, de forma satírica ou anti-establishment, destacando por meio do fascínio pelo asséptico sua busca fatal pela juventude eterna. Desse espetáculo do cotidiano, os artistas produziram uma nova beleza unindo excessos e mau gosto. Eles propuseram uma sociologia das “maravilhas modernas” inspirada nos restos de uma sociedade movida pela acumulação, usando a repetição até o ponto de ruptura e a proliferação para corromper e degradar objetos, e alegremente destruíram os ícones do mundo moderno. Ao fazer isso, eles compuseram uma ode desenfreada aos excessos do culto à posse e à obsolescência programada.

A busca pelo absoluto – a invenção de ações
Em 1947, três jovens, no alvorecer de sua prática artística, compartilharam o mundo “diante desse mar estúpido onde os velhos consomem a França e a arte”. * Esse conto original e mítico apresentava o horizonte da ambição, um testemunho da busca pela absoluto que era indiferente e obcecado pela conquista. Numa cidade ainda dividida entre o conservadorismo e o modernismo, longe dos círculos parisienses, desencadeou uma série de futuras ações e práticas artísticas radicais baseadas em gestos performáticos e na busca de excessos. Yves Klein criou seu Saut dans le vide (Leap into the Void) nos subúrbios de Paris, Bernar Venet compôs sua própria “queda” em uma pilha de detritos durante seu serviço militar em Tarascon, e Ben jogou Deus no mar do porto de Agradável.

Essas ações retratam o retrato desse espírito questionador, entre a trivialidade, a irreverência e o desejo de onipotência, incluindo o gosto pelo humor infantil e pela competição. Algumas ações podem ser vistas como uma paródia da abstração lírica ainda dominante, um ato de crítica à sociedade; outros usaram uma abordagem analítica e material ou tentaram capturar os “estados momentâneos” de ser e do mundo. A partir da marca de objetos cotidianos ou elementos da natureza em um batismo de fogo, essas ações podem oferecer uma maneira de conectar a natureza transitória do ser ao desejo da arte pela eternidade?

Questionando pinturas e atitudes – Théâtre Total
Em meados da década de 1960, vários jovens artistas foram reunidos pela revista Ben’s e pela Nice School of Decorative Arts, com Charvolen, Maccaferri, Miguel, Dolla e seu professor Viallat, que acabou sendo demitido em 1966-67 por causar agitação política . Engajados na exploração analítica e material da pintura, Chacallis, Maccaferri, Miguel, Charvolen e Isnard reuniram-se no contexto de uma exposição na casa de Chacallis em Vieux-Nice em janeiro de 1971. Este evento foi a primeira exposição oficial do Groupe 70, posteriormente seguido de um convite para o teatro de Nice.

A experiência coletiva chegou ao fim em 1973, após sua participação na 8ª Bienal de Paris. Entre 1968 e 1973, o crítico de arte e poeta Raphaël Monticelli e o artista plástico Marcel Alocco criaram a “INterVENÇÃO”, reunindo os membros do Groupe 70 e vários membros do Apoios / Superfície para debates teóricos e organização de exposições. Foi então que Marcel Alocco iniciou seu trabalho com figuras, primeiro aplicando padrões estilizados em lençóis, antes de cortá-los e desconstruí-los em seus famosos patchworks. Por fim, à margem desta pesquisa acadêmica, Jacques Martinez, que atuou na área, desvelou sua própria linguagem pictórica, a partir dos conceitos de superfícies, materiais e ações.

La Cédille qui Sourit
O artista americano George Brecht, um pioneiro da arte conceitual, e o artista francês Robert Filliou, que dominava a arte do comum, decidiram se estabelecer em Villefranche-sur-Mer, perto de Nice, para abrir uma livraria sem loja “. Um centro internacional de criação permanente “sob o símbolo do humor, La Cédille qui Sourit (a Cedilha que Sorri).

De outubro de 1965 a março de 1968, joias, edições fac-símile, gravuras e obras de arte originais foram exibidas sem hierarquia. As atividades do La Cédille qui Sourit às vezes aconteciam em um local na Rue de May 12, que estava “sempre fechada, apenas aberta a pedido”, mas mais frequentemente nas ruas e bares da cidade velha. Robert Filliou o descreveu da seguinte maneira: “Jogamos, inventamos e reinventamos objetos, nos relacionamos com os humildes e poderosos e bebemos e falamos com os vizinhos.” * Prenunciando as formas críticas refletindo sobre o significado de nossa existência e seu mundo que surgiu nos movimentos culturais ocidentais em torno de maio de 1968, La Cedille qui Sourit foi uma tentativa de aproximar arte e vida em uma pequena vila na Côte d’Azur, cuja história assombra a criação artística internacional moderna.

Suportes / superfícies
Considerada a última aventura artística do movimento de vanguarda na França, Suportes / Superfícies teve uma influência efêmera, mas poderosa (1970-1972) em Nice, tornando-a local de importantes experiências. Diante dos desafios trazidos pela arte da apropriação e pela arte das atitudes, os artistas do movimento sustentaram que a pintura ainda era possível e começaram a reinventar os fundamentos da arte. Ferramentas tradicionais foram substituídas por matérias-primas. Telas esticadas sobre molduras foram substituídas por telas gratuitas e tecidos comuns. A ênfase foi colocada no processo artístico e na interação entre ações e suportes. Paralelamente a esses atos críticos, a apresentação de obras de arte também foi questionada por meio de métodos de exibição não convencionais.

Projetos conduzidos ao ar livre nas ruas da vila de Coaraze no verão de 1969 sob o impulso de Jacques Lepage, então na costa do Mediterrâneo no verão de 1970 representaram importantes períodos de experimentação e interação com o público, dando destaque aos nômades e caráter experimental das obras de arte dos Suportes / Superfícies.

Pintura Questionando
Em meados da década de 1960, vários jovens artistas foram reunidos pela revista Ben’s e pela Nice School of Decorative Arts, com Charvolen, Maccaferri, Miguel, Dolla e seu professor Viallat, que acabou sendo demitido em 1966-67 por causar agitação política . Engajados na exploração analítica e material da pintura, Chacallis, Maccaferri, Miguel, Charvolen e Isnard reuniram-se no contexto de uma exposição na casa de Chacallis em Vieux-Nice em janeiro de 1971. Este evento foi a primeira exposição oficial do Groupe 70, posteriormente seguido de um convite para o teatro de Nice. A experiência coletiva chegou ao fim em 1973, após sua participação na 8ª Bienal de Paris.

Entre 1968 e 1973, o crítico de arte e poeta Raphaël Monticelli e o artista plástico Marcel Alocco criaram a “INterVENÇÃO”, reunindo os membros do Groupe 70 e vários membros do Apoios / Superfície para debates teóricos e organização de exposições. Foi então que Marcel Alocco iniciou seu trabalho com figuras, primeiro aplicando padrões estilizados em lençóis, antes de cortá-los e desconstruí-los em seus famosos patchworks. Por fim, à margem desta pesquisa acadêmica, Jacques Martinez, que atuou na área, desvelou sua própria linguagem pictórica, a partir dos conceitos de superfícies, materiais e ações.

Projetos
Cerca de cem eventos por ano fazem do museu um lugar para morar e compartilhar. Visitas guiadas, workshops, encontros com artistas ou pesquisadores, tours de contação de histórias, palestras ou projeções, visitas de dança, concertos, performances e eventos, promovem a acessibilidade da arte contemporânea a um público mais amplo e transformam o museu em um playground para artistas de diversas áreas. Ao longo do ano, a equipe do museu constrói uma constelação de redes com empresas, associações, estudantes, assistentes sociais para inventar programas específicos e formas de reinventar o museu.

Há vários anos, o MAMAC está empenhado em novas leituras ativas da história da arte, ancorado em questões sociais contemporâneas; o destaque de figuras singulares e a produção de novas histórias. A nossa relação com a Natureza e a forma como os artistas lidam com os desafios ecológicos é um dos principais assuntos levantados no programa.

A sala de projetos ou galeria contemporânea é dedicada aos experimentos mais atuais ou linguagens visuais da arte contemporânea local e internacional.

Biblioteca
O museu possui uma biblioteca própria voltada para a cena artística internacional do pós-guerra, reunindo: Documentação relacionada às atividades do museu: catálogos, gravuras de artistas e livretos; Mais de 13.000 catálogos de exposições, ensaios, monografias, revistas …

Ramo
Entre outros MAMAC organizado: Gustav Metzger. Remember Nature (fevereiro de 2017); A propos de Nice. 1947-1977 (verão de 2017); Cosmogonies, au gré des éléments, uma mostra de grupo multidisciplinar e histórica focada na cocriação com a Nature de Yves Klein a Thu-Van Tran e Otobong Nkanga (verão de 2018); Inventing Dance: in and around Judson, New York, 1959-1970 (Winter 2018); Le diable au corps. Quand l’Op art électrise le cinéma (verão 2019) sobre a relação entre arte e cinema nos anos 1960.