Escultura romana

A escultura romana desenvolveu-se na área de influência do Império Romano, com seu centro na cidade, entre o século VI aC e o século V dC Originalmente derivado da escultura grega, principalmente através da mediação etrusca e, em seguida, diretamente, através contato com as colônias de Magna Grécia e com a própria Grécia no período helenístico. Roma, no entanto, tem sua própria arte e escola indígena e independente, mesmo que faça parte das relações e do tráfego contínuo em toda a bacia do Mediterrâneo e além.

O estudo da escultura romana é complicado por sua relação com a escultura grega. Muitos exemplos até das esculturas gregas mais famosas, como o Apollo Belvedere e o Barberini Faun, são conhecidos apenas de “cópias” imperiais romanas ou helenísticas. Ao mesmo tempo, essa imitação foi tomada pelos historiadores da arte como indicando uma estreiteza da imaginação artística romana, mas, no final do século 20, a arte romana começou a ser reavaliada em seus próprios termos: algumas impressões da natureza da escultura grega podem fato basear-se na arte romana.

A tradição grega continuou sendo uma referência constante durante todo o curso da arte escultórica em Roma, mas contradizendo uma opinião antiga e generalizada de que os romanos eram apenas meros copistas, agora é reconhecido que eles não apenas foram capazes de assimilar e desenvolver suas fontes com habilidade , mas também para dar uma contribuição original e importante a essa tradição, visível principalmente no retrato, um gênero que gozava de prestígio singular e que deixou exemplos de grande habilidade técnica e alta expressividade, e na escultura decorativa dos grandes monumentos públicos, onde um estilo narrativo de grande força e caráter tipicamente romano desenvolvido.

Os pontos fortes da escultura romana estão no retrato, onde eles estavam menos preocupados com o ideal do que os gregos ou egípcios antigos, e produziram obras muito marcantes e em cenas de relevo narrativo. Exemplos de escultura romana são abundantemente preservados, em total contraste com a pintura romana, que foi amplamente praticada, mas quase toda foi perdida. Autores latinos e alguns gregos, particularmente Plínio, o Velho, no Livro 34 de sua História Natural, descrevem estátuas, e algumas dessas descrições correspondem a obras existentes. Enquanto grande parte da escultura romana, especialmente em pedra, sobrevive mais ou menos intacta, ela é frequentemente danificada ou fragmentada; estátuas de bronze em tamanho natural são muito mais raras, pois a maioria foi reciclada por seu metal.

A maioria das estátuas era realmente muito mais realista e frequentemente colorida quando criada originalmente; as superfícies de pedra bruta encontradas hoje se devem ao pigmento perdido ao longo dos séculos.

Após a consolidação do Império Romano, outras influências estrangeiras, especialmente as orientais, provocaram uma separação progressiva do cânon grego, no sentido de uma simplificação formal da tendência abstrata, que estabeleceu as bases da arte bizantina, cristã primitiva e medieval. Esse processo, no entanto, foi intercalado com vários períodos de recuperação do classicismo, que além de fortalecer o vínculo simbólico com o passado foram úteis para manter a coesão cultural e política do vasto território. Nem mesmo a cristianização do império conseguiu determinar a exclusão das referências pagão-clássicas da escultura romana e, até o século V, quando a unidade política finalmente quebrou, os modelos clássicos continuaram sendo imitados, mas adaptados aos temas do novo social,

Por mais que essa síntese tente se manter em uma cronologia mais ou menos ordenada e tente estabelecer a especificidade de cada fase, o estudo da escultura romana provou ser um desafio para os pesquisadores, uma vez que sua evolução é tudo menos lógica e linear. As tentativas de impor um modelo formal de desenvolvimento como um sistema orgânico na história da escultura romana são imprecisas e irrealistas. Apesar das diferenças entre os estudiosos em muitos pontos, agora temos uma idéia mais ou menos clara sobre as características gerais de cada estágio evolutivo, mas a maneira pela qual essas características evoluíram e se transformaram de um estágio para outro se mostrou um processo muito complexo ainda está longe de ser bem compreendido. o ecletismo, ainda mais pronunciado do que o observado durante o helenismo,

Além do grande mérito intrínseco da produção escultórica romana, o hábito generalizado de copiar obras gregas antigas e a persistência de alusões ao classicismo grego ao longo de sua história, mesmo através do cristianismo primitivo, mantiveram viva uma tradição e uma iconografia que de outra forma poderiam ter. foi perdido. Assim, devemos a Roma boa parte de nosso conhecimento da cultura e arte da Grécia antiga e, além disso, a escultura romana – juntamente com a escultura grega – foi de fundamental importância na formulação da estética do Renascimento e do Neoclassicismo, atestando sua vitalidade e significado nos tempos modernos, além de ser considerado hoje como um dos corpos artísticos mais importantes da cultura ocidental,

Visão geral
A arte romana primitiva foi influenciada pela arte da Grécia e pela dos etruscos vizinhos, muito influenciadas por seus parceiros comerciais gregos. Uma especialidade etrusca era quase uma efígie de tumba em tamanho real, em terracota, geralmente em cima de uma tampa de sarcófago apoiada em um cotovelo na pose de uma lanchonete naquele período. Quando a República Romana em expansão começou a conquistar o território grego, primeiro no sul da Itália e depois em todo o mundo helenístico, exceto no Extremo Oriente parta, a escultura oficial e patrícia tornou-se em grande parte uma extensão do estilo helenístico, do qual elementos romanos específicos são difíceis de desembaraçar, especialmente porque muitas esculturas gregas sobrevivem apenas em cópias do período romano. No século 2 aC, “a maioria dos escultores que trabalhavam em Roma” eram gregos, muitas vezes escravizados em conquistas como a de Corinto (146 aC), e os escultores continuavam sendo na maioria gregos, geralmente escravos, cujos nomes raramente são registrados. Um grande número de estátuas gregas foi importado para Roma, seja como espólio ou como resultado de extorsão ou comércio, e os templos eram frequentemente decorados com obras gregas reutilizadas.

Um estilo italiano nativo pode ser visto nos monumentos da tumba de romanos prósperos da classe média, que muitas vezes apresentavam bustos de retrato, e o retrato é sem dúvida a principal força da escultura romana. Não há sobrevivências da tradição de máscaras de antepassados ​​que foram usadas em procissões nos funerais das grandes famílias e expostas em casa, mas muitos dos bustos que sobrevivem devem representar figuras ancestrais, talvez dos grandes túmulos familiares, como o Tumba dos Cipós ou a mausoléia posterior fora da cidade.

A famosa cabeça de bronze, supostamente de Lucius Junius Brutus, é datada de várias formas, mas é considerada uma sobrevivência muito rara do estilo itálico sob a República, no meio preferido de bronze. Da mesma forma, cabeças severas e vigorosas são vistas nas moedas dos cônsules e, no período imperial, moedas e bustos enviados ao redor do Império para serem colocados nas basílicas das cidades provinciais eram a principal forma visual da propaganda imperial; até Londinium tinha uma estátua quase colossal de Nero, embora muito menor que o Colosso de Nero, com 30 metros de altura, em Roma, agora perdido. O túmulo de Eurysaces the Baker, um bem-sucedido libertado (c. 50-20 aC) tem um friso que é um exemplo incomumente grande do estilo “plebeu”. O retrato imperial foi inicialmente helenizado e altamente idealizado, como no cameo de Blacas e em outros retratos de Augusto.

Os romanos geralmente não tentavam competir com obras gregas autônomas de façanhas heróicas da história ou da mitologia, mas desde o início produziam obras históricas em relevo, culminando nas grandes colunas triunfais romanas com relevos narrativos contínuos em torno deles, dos quais aqueles comemorando Trajano (113 dC) e Marco Aurélio (em 193) sobrevivem em Roma, onde o Ara Pacis (“Altar da Paz”, 13 aC) representa o estilo greco-romano oficial da maneira mais clássica e refinada, e as esculturas de Sperlonga no seu mais barroco. Algumas esculturas públicas romanas tardias desenvolveram um estilo maciço e simplificado que às vezes antecipa o realismo socialista soviético. Entre outros exemplos importantes, estão os relevos reutilizados anteriormente no Arco de Constantino e na base da Coluna de Antonino Pio (161),

Todas as formas de pequenas esculturas de luxo continuaram a ser apadrinhadas, e a qualidade pode ser extremamente alta, como na Taça Warren de prata, na Taça Lycurgus de vidro e em grandes aparições como Gemma Augustea, Gonzaga Cameo e “Great Cameo of France”. Para uma seção muito mais ampla da população, a decoração em relevo moldada de vasos de cerâmica e pequenas figuras foram produzidas em grande quantidade e com qualidade considerável.

Depois de passar por uma fase “barroca” do final do século II, no século III, a arte romana abandonou em grande parte, ou simplesmente se tornou incapaz de produzir, escultura na tradição clássica, uma mudança cujas causas permanecem muito discutidas. Até os monumentos imperiais mais importantes agora mostravam figuras atarracadas e de olhos grandes em um estilo frontal severo, em composições simples que enfatizavam o poder em detrimento da graça. O contraste é ilustrado de forma famosa no Arco de Constantino de 315 em Roma, que combina seções no novo estilo com rodelas no estilo greco-romano completo anterior retirado de outros lugares, e os Quatro Tetrarcas (c. 305) da nova capital de Constantinopla, agora em Veneza. Ernst Kitzinger encontrou nos dois monumentos as mesmas “proporções atarracadas, movimentos angulares,

Essa revolução de estilo logo precedeu o período em que o cristianismo foi adotado pelo estado romano e pela grande maioria do povo, levando ao fim de grandes esculturas religiosas, com grandes estátuas agora usadas apenas para imperadores, como nos famosos fragmentos de um estátua acrolítica colossal de Constantino, e o colosso do século IV ou V de Barletta. No entanto, os cristãos ricos continuaram a solicitar relevos para os sarcófagos, como no sarcófago de Junius Bassus, e uma escultura muito pequena, especialmente em marfim, foi continuada pelos cristãos, baseando-se no estilo do díptico consular.

Materiais
Devido à influência etrusca, os primeiros materiais usados ​​pela escultura em Roma são terracota e bronze. No entanto, os artistas rapidamente se aproveitaram de um material de fácil acesso na região, calcário ou travertino. A partir do século II aC. BC, os escultores romanos começaram a usar pedras da Grécia, principalmente mármore dos pentélicos e de Paros. Na época de Júlio César, a abertura das pedreiras de mármore Luna (atualmente Carrara) perturba os hábitos dos artistas: a partir de agora, a maioria das estátuas e monumentos da cidade de Roma será feita desse material, mármore de Carrara. Os trabalhos mais modestos produzidos nas províncias geralmente usam recursos locais. O gosto por pedras coloridas como granito cinza ou pórfiro se desenvolve sob a Flávia (final do século I).

A maioria das obras esculpidas que sobreviveram aos tempos modernos são feitas de pedra. Como resultado, é difícil avaliar a parcela original de esculturas em bronze ou metais preciosos (ouro, prata), a maioria das quais foi remodelada para recuperar o material de partida.

Tecnologia
Cenas mostradas em relevos como o da coluna de Trajano e as mostradas em sarcófagos revelam imagens da tecnologia romana perdida há muito tempo, como balistas e o uso de serras movidas a roda d’água para cortar pedras. Este último foi descoberto apenas recentemente em Hieropolis e comemora o moleiro que usou a máquina. Outros relevos mostram máquinas de colheita, como foram descritas por Plínio, o Velho, em seu Naturalis Historia.

Escultura romana e sociedade
Roma era uma sociedade com grande sensibilidade visual. As artes visuais agiam como uma espécie de literatura acessível às grandes massas, pois a grande maioria de sua população era analfabeta e incapaz de falar o latim erudito que circulava entre a elite; através deles, a ideologia predominante foi reafirmada e foi um meio de disseminar a imagem de grandes personalidades. Nesse contexto, a escultura gozava de uma posição privilegiada que ocupava todos os espaços públicos e privados, enchendo as cidades com uma proliferação de obras de várias técnicas artísticas.

Grande parte da escultura produzida em Roma pertence ao tema religioso ou está relacionada de alguma forma. E com freqüência também retratos eram associados a temas sagrados. Como em qualquer outra cultura, Roma produzia imagens para o culto religioso e elas estavam presentes em todos os lugares, desde os grandes templos públicos até as habitações mais modestas. Sua presença tornou-se comum em grandes esculturas em bronze e mármore – estátuas, grandes sarcófagos, relevos arquitetônicos, camafeus gravados em pedras preciosas – em pequenas estátuas de terracota, placas simples de funeral, máscaras mortuárias de cera – cujo custo estava ao alcance de as classes mais humildes; mesmo em moedas, que podem ser entendidas como um relevo em miniatura e acessíveis à grande massa popular. Jaś Elsner explica:

«Tais imagens, em busca de sujeitos imperiais de todas as formas de vida social, econômica e religiosa, ajudaram a construir uma unidade simbólica entre os vários povos que compunham o mundo romano, concentrando seu senso de hierarquia em uma pessoa suprema. Quando um imperador morria, seus herdeiros podiam louvar suas esculturas como um deus – proclamando a continuidade na sucessão e erigindo templos em sua homenagem. Quando um imperador foi derrubado, suas imagens foram violentamente suprimidas na damnatio memoriae, a supressão da memória que informava visualmente a população de mudanças na autoridade política (…). o politeísmo não era uma religião de escrituras e doutrinas, a estrutura de uma igreja hierárquica e centralizada; era antes um conjunto de locais de culto, rituais e mitos, administrados por comunidades e frequentemente por padres hereditários. Ele era eclético e diversificado, amplo, pluralista e tolerante. Imagens e mitos fornecem ao mundo antigo as principais formas de “teologia”. »

Quando o cristianismo se tornou a religião oficial, o papel da arte mudou radicalmente, embora não perdesse sua importância central. O deus cristão não era conhecido por imagens, mas pelas escrituras, seus profetas e comentaristas. No entanto, a escultura e seu repertório de representações naturalistas convencionais foram adotados pela nova igreja, usada para a composição de alegorias., E continuaram sendo usados ​​como decoração nas esferas secular, pública e privada; até o fim do império, serviu como registro histórico, para a prática de retratos, ou como forma de enfatizar a herança clássica compartilhada por todos, a fim de estabelecer a unidade cultural no momento em que as periferias estavam começando a desenvolver sua própria cultura com alto grau de independência, e era cada vez mais difícil manter o território unificado.

Desenvolvimento
A arte romana primitiva foi influenciada pela arte da Grécia e pela dos etruscos vizinhos, muito influenciadas por seus parceiros comerciais gregos. Uma especialidade etrusca era quase uma efígie de tumba em tamanho real, em terracota, geralmente em cima de uma tampa de sarcófago apoiada em um cotovelo na pose de uma lanchonete naquele período. Quando a República Romana em expansão começou a conquistar o território grego, primeiro no sul da Itália e depois em todo o mundo helenístico, exceto no Extremo Oriente parta, a escultura oficial e patrícia tornou-se em grande parte uma extensão do estilo helenístico, do qual elementos romanos específicos são difíceis de desembaraçar, especialmente porque muitas esculturas gregas sobrevivem apenas em cópias do período romano. No século 2 aC, “a maioria dos escultores que trabalhavam em Roma” eram gregos, freqüentemente escravizados em conquistas como a de Corinto (146 aC), e os escultores continuavam sendo na maioria gregos, muitas vezes escravos, cujos nomes raramente são registrados. Um grande número de estátuas gregas foi importado para Roma, seja como espólio ou como resultado de extorsão ou comércio, e os templos eram frequentemente decorados com obras gregas reutilizadas.

Um estilo italiano nativo pode ser visto nos monumentos da tumba de romanos prósperos da classe média, que muitas vezes apresentavam bustos de retrato, e o retrato é sem dúvida a principal força da escultura romana. Não há sobrevivências da tradição de máscaras de antepassados ​​que foram usadas em procissões nos funerais das grandes famílias e expostas em casa, mas muitos dos bustos que sobrevivem devem representar figuras ancestrais, talvez dos grandes túmulos familiares, como o Tumba dos Cipós ou a mausoléia posterior fora da cidade. O famoso “Capitoline Brutus”, uma cabeça de bronze supostamente de Lucius Junius Brutus, é datado de várias maneiras, mas é considerado uma sobrevivência muito rara do estilo itálico sob a República, no meio preferido de bronze. Da mesma forma, cabeças severas e fortes são vistas nas moedas dos cônsules, e no período imperial moedas e bustos enviados ao redor do Império para serem colocados nas basílicas das cidades provinciais eram a principal forma visual da propaganda imperial; até Londinium tinha uma estátua quase colossal de Nero, embora muito menor que o Colosso de Nero, com 30 metros de altura, em Roma, agora perdido. O túmulo de Eurisaces, o Baker, um bem-sucedido libertado (c. 50–20 aC) tem um friso que é um exemplo extraordinariamente grande do estilo “plebeu”.

Os romanos geralmente não tentavam competir com obras gregas autônomas de façanhas heróicas da história ou da mitologia, mas desde o início produziam obras históricas em relevo, culminando nas grandes colunas triunfais romanas com relevos narrativos contínuos em torno deles, dos quais aqueles comemorando Trajano (CE 113) e Marco Aurélio (em 193) sobrevivem em Roma, onde o Ara Pacis (“Altar da Paz”, 13 aC) representa o estilo greco-romano oficial da maneira mais clássica e refinada. Entre outros exemplos importantes, estão os relevos reutilizados anteriormente no Arco de Constantino e a base da Coluna de Antonino Pio (161). Os relevos de Campana eram versões mais baratas em cerâmica dos relevos de mármore e o gosto pelo alívio foi do período imperial expandido para o sarcófago.

Todas as formas de pequenas esculturas de luxo continuaram a ser apadrinhadas, e a qualidade pode ser extremamente alta, como na Taça Warren de prata, na Taça Lycurgus de vidro e em grandes aparições como Gemma Augustea, Gonzaga Cameo e “Great Cameo of France”. Para uma seção muito mais ampla da população, a decoração em relevo moldada de vasos de cerâmica e pequenas figuras foram produzidas em grande quantidade e com qualidade considerável.

Depois de passar por uma fase “barroca” do final do século II, no século III, a arte romana abandonou em grande parte, ou simplesmente se tornou incapaz de produzir, escultura na tradição clássica, uma mudança cujas causas permanecem muito discutidas. Até os monumentos imperiais mais importantes agora mostravam figuras atarracadas e de olhos grandes em um estilo frontal severo, em composições simples que enfatizavam o poder em detrimento da graça. O contraste é ilustrado de forma famosa no Arco de Constantino de 315 em Roma, que combina seções no novo estilo com rodelas no estilo greco-romano completo anterior retirado de outros lugares, e os Quatro Tetrarcas (c. 305) da nova capital de Constantinopla, agora em Veneza. Ernst Kitzinger encontrou nos dois monumentos as mesmas “proporções atarracadas, movimentos angulares,

Essa revolução de estilo logo precedeu o período em que o cristianismo foi adotado pelo estado romano e pela grande maioria do povo, levando ao fim de grandes esculturas religiosas, com grandes estátuas agora usadas apenas para imperadores, como nos famosos fragmentos de um estátua acrolítica colossal de Constantino, e o colosso do século IV ou V de Barletta. No entanto, os cristãos ricos continuaram a solicitar relevos para os sarcófagos, como no sarcófago de Junius Bassus, e uma escultura muito pequena, especialmente em marfim, foi continuada pelos cristãos, baseando-se no estilo do díptico consular.

Tradição etrusca-romana
Entre os séculos VII e VI aC, os etruscos dominavam a parte centro-norte da península italiana, e pelo menos alguns dos reis semi-lendários de Roma eram etruscos. Sua arte, que já era em grande parte uma interpretação do estilo grego arcaico, tornou-se a arte dos romanos. Como fariam mais tarde com a arte grega, os romanos não apenas copiaram os modelos etruscos formais, mas em suas guerras contra eles se apropriaram de suas obras de arte e os levaram para a decoração de sua capital. As primeiras esculturas feitas em Roma, conhecidas até hoje no século VI aC, e seu estilo é totalmente etrusco. O famoso Apolo de Veii, desta época, nos dá uma boa informação sobre as tendências estéticas então em vigor.

Os etruscos eram especialistas em vários gêneros esculturais, desde estatuárias funerárias e sarcófagos a grupos monumentais, e em muitos aspectos antecipavam a estética do prosaico que os romanos mais tarde desenvolveriam. Eles eram mestres nas “cenas de gênero”, que representavam a vida comum, pessoas do povo em atividades características, e também no retrato que se mostravam arquitetos de primeira linha. Mas talvez o local mais original fosse na arte funerária. Eles desenvolveram uma tipologia específica para urnas funerárias, que consistia em um baú decorado com relevos e fechado por uma tampa na qual havia um retrato reclinado do morto, de corpo inteiro, às vezes acompanhado por sua esposa, um modelo que os romanos adotariam em muitos de seus sarcófagos. Museu Nacional Etrusco e Hypogeum of Volumni, uma cripta em Perugia com vários sarcófagos, são exemplos bem conhecidos. Apesar do progressivo abandono da tradição etrusca durante a fase helenística que viria mais tarde, vestígios dela ainda serão encontrados até a época de Augusto.

Helenismo e neo-atticismo
Enquanto isso, a Grécia evoluiu para seu classicismo, cujo apogeu ocorreu no século IV aC. Naquela época, Roma começou sua expansão para o sul, já independente dos etruscos, após quase um século de lutas pela supremacia regional, entrando em contato mais íntimo com a arte grega através das colônias de Magna Grécia, cuja sofisticada cultura impressionou os romanos. Então, os nobres de Roma começaram a desejar obras gregas em seus palácios e contrataram artistas gregos para fazer cópias das composições mais famosas, às vezes pagando preços fabulosos por elas.

Um pouco mais tarde, Alexandre, o Grande, conquistou a Grécia e trouxe sua arte para a Índia via Pérsia e também para o Egito. O impacto dessa expansão teve dois significados, um sobre os povos conquistados, definindo novas orientações para sua cultura e arte, e um inverso para a própria cultura grega, que assimilou uma variedade de elementos orientais. Com a fragmentação do império alexandrino após a morte do conquistador, formaram-se vários domínios de raízes locais – Bitínia, Galácia, Paflagonia, Pontus, Cappadocia, Egito da dinastia ptolomaica -, que incorporaram novos costumes gregos, evoluindo à sua maneira. O nome helenismo é devido a essa fusão de influências orientais e gregas. O interesse no passado era uma característica distintiva do período. Os primeiros museus e bibliotecas foram fundados, como em Pérgamo e Alexandria,

O historicismo do período fez com que os estilos anteriores fossem imitados em uma síntese eclética, mas com uma secularização progressiva do tema e uma preferência por obras dramáticas e animadas, cuja intensidade expressiva foi comparada por alguns ao estilo barroco. A infância, a morte e a velhice, e até o humor, questões quase sem precedentes no grego clássico, foram introduzidas e amplamente cultivadas. Além disso, um gosto febril se desenvolveu entre as elites de vários países para colecionar arte, onde os romanos provariam ser os mais entusiasmados.

Em 212 aC, os romanos conquistaram Siracusa, uma rica e importante colônia grega na Sicília, adornada com uma profusão de obras de arte helenísticas. Tudo foi saqueado e levado para Roma, onde substituiu a linha de escultura etrusca que ainda era cultivada. O saque de Siracusa foi o impulso final para o estabelecimento definitivo da norma grega no coração da República, mas também encontrou oposição.

Marco Porcio Catone denunciou o saque e a decoração de Roma com obras helênicas, considerando isso uma influência perigosa para a cultura nativa, e lamentando que os romanos aplaudissem as estátuas de Corinto e Atenas e ridicularizassem a tradição decorativa de terracota dos antigos templos romanos. Mas tudo foi em vão. A arte grega havia subjugado a arte etrusco-romana no gosto geral, a ponto de as estátuas gregas estarem entre as mais procuradas presas de guerra e serem exibidas ostensivamente nas procissões triunfal de todos os generais conquistadores.

No triunfo de Lúcio Emílio Paolo Macedonico, após a conquista da Macedônia em 168 aC, desfilaram duzentas e cinquenta carruagens cheias de estátuas e pinturas; e na conquista da Acaia em 146 aC, que decretou o fim da independência grega e submissão ao Império Romano, Plínio diz que Lucio Mummius Achaicus literalmente encheu esculturas de Roma. Pouco depois, em 133 aC, o império herdou o reino de Pérgamo, onde havia uma próspera e original escola de escultura helenística.

Nesse período, a demanda por estátuas era agora enorme e, em Atenas, as oficinas de escultura trabalhavam praticamente apenas para os conhecedores romanos, que demonstravam seu gosto refinado, exigindo obras que imitavam a produção classicista dos séculos V e IV aC, evitando excessos expressivos de obras posteriores. O helenismo, formando uma escola revivalista que tomou o nome de neoatticismo e que continuou a prosperar em Roma até o século II aC A escola de neoatticismo representa a primeira aparição na história de um movimento que pode legitimamente ser chamado de neoclassicismo.

Quando, por algum motivo, era impossível obter originais, especialmente no caso de obras já celebradas, eram feitas cópias em mármore ou bronze, mas aparentemente os romanos não fizeram uma avaliação importante ou distinção estética entre um original e uma cópia, pois comum hoje. Entre as centenas de modelos existentes na produção grega, os romanos favoreciam apenas uma centena, que eram copiados em larga escala, estabelecendo uma padronização da imaginação. Hoje, essa repetitividade parece monótona, mas, para a cultura da época, criou vínculos positivos com tradições simbólicas e ideológicas de prestígio.

Em outros casos, as adaptações eram mais livres e tinham um caráter pastiche, no sentido de que usavam elementos de várias partes para a criação de uma nova obra, ou transformavam estátuas de deuses em retratos romanos, com uma cópia exata do corpo de uma pessoa. criação famosa, mas substituindo a cabeça por uma personalidade romana. Exemplo desse costume é a bela estátua de Marco Claudio Marcello preservada no Museu do Louvre, feita por Cleomene no primeiro século aC a partir de um original grego que representa Hermes Logios (orador de Mercúrio) 400 anos antes, provavelmente por Phidias. Felizmente para nós contemporâneos, a prática da cópia servil de muitas obras-primas gregas para os romanos foi responsável pela conservação de uma vasta iconografia clássica e helenística cujos originais acabaram perdidos na Idade Média.

Dos artistas ativos nesse período, poucos nomes são lembrados e, como ainda não havia escola nativa (ou seja, romana), todos eram gregos. Além dos mencionados Cleomenes, Aristea e Papia de Afrodisia, autores de magníficos centauros hoje nos Museus Capitolinos, e Pasitele, originária de Magna Grécia, mas que se tornou cidadã romana, se distinguiram entre essa neo-escola em Roma. Sua compilação de um catálogo das esculturas mais famosas do mundo era famosa. Como escultor, ele é atribuído a Júpiter em ouro e marfim e numerosas obras em bronze.

Império Romano
Uma mudança na tendência puramente grega anterior para a formação de uma escola nacional de escultura em Roma ocorreu entre o final do segundo século aC e o início do primeiro século aC. Um bom exemplo é o altar de Enobarbus, considerado um precursor da grande arte imperial de Augusto. Criado como uma oferta de Cneo Domizio Enobarbo para o final da campanha militar em Brindisi, foi instalado em frente ao templo de Netuno, que ele havia ordenado construir na mesma ocasião. O altar foi decorado com vários frisos, alguns com cenas mitológicas mais ou menos convencionais e comuns na tradição grega, mas um deles é uma cena de culto, que representa um padre preparando um sacrifício, ladeado pelo oferente, soldados e outros assistentes,

Com Augusto, Roma tornou-se a cidade mais influente e rica do império, resplandecente em mármore, e também o novo centro da cultura helenística, como Pérgamo e Alexandria haviam sido antes, atraindo um grande número de artesãos gregos. E assim como os sucessores de Alexander contribuíram para a sobrevivência da arte grega, enriquecendo-a com novos temas, agora, quando se trata da Era Agostesa, Roma teria dado sua própria e original contribuição à continuidade e renovação de uma tradição que já havia conquistado prestígio. ao longo dos séculos e ditou o caráter de toda a arte produzida lá. Porém, mais do que a mera transferência de atenção cultural para Roma, o que provocou uma mudança na arte até então puramente grega e o surgimento de uma escola genuinamente romana foi a formação de uma.

Na consolidação do império, a cunhagem de moedas, que na verdade são baixos-relevos em miniatura, foi de grande importância. Júlio César legalizou em Roma uma prática helenística e oriental de imprimir a efígie do governante viva nas moedas atuais, quando até então apenas apareciam imagens de divindades ou figuras históricas, e Augusto dirigiu essa prática com ainda mais consciência e pragmatismo político, impondo a sua presença visual e a mensagem do governo na vida cotidiana de todos os cidadãos até as fronteiras do império, e exemplificando como a arte e a agenda política poderiam combinar esforços para garantir um sistema de controle social em larga escala. Esse uso teria pressionado a sociedade que hoje é difícil estimar:

O primeiro grande monumento da escultura imperial foi o Ara Pacis (32 aC), que também foi uma obra-prima da arquitetura romana. Dedicado à deusa Pax, comemorou o retorno bem-sucedido do imperador de uma dupla campanha militar na Gália e na Espanha. O monumento foi decorado com frisos e relevos que mostravam procissões, cenas alegóricas da mitologia e sacrifícios. Em uma das cenas, Tellus, Mãe Terra, é representada, o que é uma interpretação bem diferente de sua colega grega, Gea. Aqui não incorpora uma força violenta e irracional da natureza, como se vê nos vasos e frisos gregos, mas é uma imagem delicada e verdadeiramente maternal de proteção e nutrição. Outras cenas fazem menção enfática aos benefícios da Pax Augustea, e fornecer uma visão clara dos valores que na época pareciam aos romanos verdadeiros – que apenas a prosperidade material oferecida por um estado forte e pacífico poderia promover um desenvolvimento consistente na cultura e na arte – uma ideia repetidamente afirmada na poesia louvável de A Hora. Além disso, Eugénie Strong afirma que, neste imenso altar, os grupos aparecem na arte pela primeira vez em que espectadores e protagonistas participam da mesma cena, mas acrescenta:

«Um estudo cuidadoso dos relevos das Ara Pacis tende a destacar que estamos na presença de uma arte embrionária, ainda longe da maturidade; o escultor é herdeiro da vasta experiência da arte helenística, mas ainda não aprendeu a selecioná-la ou condensá-la. Ele parece impressionado com a novidade e a magnificência de seu tema e, indeciso sobre como deve representá-lo, tenta um pouco de tudo. Mas é uma tentativa válida e, a partir dela, em mais de um século de prática, veremos os triunfos da arte flaviana. Os artistas da era agostiniana não são nem acadêmicos nem decadentes, muito menos imitadores servis. São pioneiros que seguem novos caminhos que levarão mais de cem anos para serem totalmente explorados. ”

Se em termos puramente artísticos a maturidade teve que esperar algum tempo para se desenvolver, em termos ideológicos o trabalho foi bastante avançado. Augusto provou ser um governante capaz e que contava com o apoio do povo. Desde o seu primeiro consulado, ele acumulou acusações até que o Senado lhe ofereceu império e o status de Augusto – na verdade, originalmente um título e não um nome, que significa “divino” – a pedido do povo. Seu reinado foi um período de relativa paz e prosperidade. Ele organizou seu país e favoreceu as artes, não sem tirar proveito dele para promover sua imagem pessoal, como era geralmente usada entre os poderosos. Muitas das estátuas do imperador sobrevivem em museus ao redor do mundo, mostrando-o com uma variedade de atributos, militar, civil e divino.

Um dos mais famosos é o Augusto di Prima Porta, que na verdade é uma elaboração do Doriforo di Policleto, mostrando que, apesar das mudanças sensíveis na cultura de sua época, a tradição grega continuou a ser reverenciada e os modelos antigos copiados, tanto por suas qualidades intrínsecas quanto por representar uma paternidade da cultura romana que dava maior dignidade à nova condição imperial de Roma, com a figura do imperador como o maior de todos os patronos e heróis.

Outros historiadores consideram a dinastia Julio-Claudiana como um período de grandeza na arte romana. Os aspectos que Strong considera indicativos de uma fase de incerteza estética – o mesmo espírito de investigação em várias frentes, a busca de novos efeitos de iluminação e tratamento de superfície, novas formas de criar um sentido narrativo eficaz, estudando a natureza e tentando resolver os problemas de estética. representação do grupo em perspectiva – também são apontados como sinais de consolidação de uma autêntica escola nacional de escultura, impressão que é fortalecida pela observação das realizações no campo dos retratos que estavam sendo seguidos pela República. No entanto, é certo que a influência do neoclassicismo da escola do sótão permaneceu forte, e os modelos gregos idealizados continuaram sendo favorecidos pela disseminação da majestade imperial,

Tipos de escultura

Retrato
O retrato é um gênero dominante da escultura romana, crescendo talvez da ênfase romana tradicional na família e nos ancestrais; o hall de entrada (átrio) de uma casa de elite romana exibia bustos de retratos ancestrais. Durante a República Romana, foi considerado um sinal de caráter não encobrir as imperfeições físicas e descrever homens em particular como rudes e despreocupados com a vaidade: o retrato era um mapa da experiência. Durante a era imperial, estátuas mais idealizadas dos imperadores romanos tornaram-se onipresentes, particularmente em conexão com a religião do estado de Roma. Lápides até da classe média modestamente rica às vezes exibem retratos do falecido desconhecido, esculpido em relevo.

É no retrato que Roma dá sua contribuição mais característica à tradição fundada pelos gregos, uma contribuição que amadureceu muito mais cedo do que em outros gêneros esculturais e que significou que o desenvolvimento da escultura em Roma foi dividido em dois campos, com diferentes aspectos evolutivos. ritmos, o retrato e outros gêneros. Desde a época da República, o retrato era cada vez mais valorizado e, com o tempo, oscilava ciclicamente entre uma tendência classicista idealizante e outra de grande realismo, em parte derivada da expressividade típica da arte helenística. E entre os retratos, o busto e a cabeça isolada foram as formas mais frequentes. Retratos de corpo inteiro eram menos comuns, embora não incomuns. A preferência pelo busto e pela cabeça era uma característica cultural romana típica que criou um enorme mercado em toda a bacia do Mediterrâneo e é explicada principalmente por razões econômicas, sendo essas peças muito mais baratas que uma estátua inteira, mas também pela convicção de que uma melhor identificação individual poderia ser obtida com eles. Para os romanos, de fato, era a cabeça e não o corpo, nem a roupa ou o acessório atribui o centro de interesse no retrato.

Robert Brilliant diz:
«… a identidade específica do sujeito, estabelecida pelas características particulares da cabeça, fora concebida como um apêndice simbólico que não levava em conta a integridade do corpo. Parece que os escultores criaram a cabeça como a principal chave de identificação e a colocaram em um ambiente bem orquestrado, semelhante em conceito, senão intenção, aos cenários prontos, com uma abertura para o rosto, comum entre os fotógrafos de outros países. o começo do século XX. De fato, as inúmeras estátuas de cabeceira sem cabeça que sobrevivem da antiguidade são análogas às cenografias sem atores, ainda mais quando o corpo foi feito por auxiliares antecipadamente, esperando a cabeça esculpida pelo mestre escultor. »

Com a ascensão de Vespasiano, fundador da dinastia Flavia, o estilo misto de idealismo e realismo praticado pelos artistas da dinastia Julio-Claudiana passou por uma mudança, com a retomada das formas helenísticas e uma grande ênfase na descrição realista do assunto. , mesmo quando era sobre o imperador. A técnica também se expandiu com um uso inovador de perfuração, e os retratos femininos desse estágio geralmente são adornados com penteados muito complicados.

Com Traiano, no entanto, o ciclo muda novamente e tende à idealização, levada a um grau ainda maior com Adriano, cujas preferências helenísticas foram bem marcadas. Até os retratos de Marco Aurélio apresentam uma caracterização realista, mostrando um avanço adicional na descrição psicológica e emocional que nos retratos de Caracalla alcançam um alto grau de expressividade e exercem um grande impacto na arte de todo o império. Mas a partir de então, a influência oriental e o interesse em elementos geométricos levam os retratos a adquirir uma aparência progressivamente mais estilizada e abstrata. Com Costantinoth, essa tendência atinge seu ponto mais alto, juntamente com um sentimento de monumentalidade que lembra o classicismo da época de Augusto.

Enquanto os imperadores usavam retratos principalmente para reafirmar seu poder e agenda política, eles eram usados ​​no contexto fúnebre na esfera privada. Bustos, acompanhados de inscrições listando familiares e amigos do falecido, decoravam altares, túmulos e urnas funerárias. Essa tradição estava ligada a uma longa história de exibição de máscaras mortuárias de cera ou terracota de antepassados ​​ilustres nas procissões funerárias das elites, para celebrar e demonstrar sua linhagem patrícia. Essas máscaras foram orgulhosamente mantidas no santuário da família, no larário, juntamente com bustos de bronze, terracota ou mármore. Supõe-se que o costume de fazer máscaras mortuárias, que copiem fielmente as características faciais dos mortos, foi uma das causas do desenvolvimento do gosto pelo realismo no retrato romano.

Estátuas
No caso da estatuária, um problema interessante surge para os pesquisadores modernos quando essas estátuas representavam os retratos do imperador em sua condição deificada, especialmente nos períodos em que a descrição realista estava em vigor com mais força, pois havia uma inconsistência entre a forma de representação de corpo e cabeça. Enquanto a cabeça frequentemente se mostrava com todos os sinais do envelhecimento, os corpos eram representados de acordo com os cânones antigos da escultura grega clássica, idealizados em uma condição de força e juventude eternas. Essas obras estranhas, quando não divertidas, aos olhos modernos, acostumadas a apreciar uma estátua como um todo homogêneo, são compreensíveis quando lembramos as convenções que governavam a arte do retrato,

Assim, sugeriu-se que, na realidade, havia um acordo entre duas partes diferentes, uma para a representação do corpo em termos simbólicos e outra para a representação descritiva da cabeça, com o objetivo de poder identificar claramente o personagem, com uma recusa da interpretação literal do todo. As mesmas convenções pareciam manter uma estatuária privada quando se tratava de representar a genialidade do sujeito e, nesse caso, pertencia ao grupo de monumentos fúnebres. Com o mesmo objetivo, a cabeça de alguma famosa estátua de um deus era frequentemente simplesmente substituída pela de um patrício ou imperador romano, mas parece que não havia dificuldade para os romanos na clara diferenciação entre culto e estátuas simbólicas, entre um estátua de um deus e uma estátua de uma pessoa como um deus. Eles também não hesitaram em simplesmente remover a cabeça de uma estátua de qualquer pessoa e substituí-la pela de outra, quando alguma damnatio memoriae foi executada. Essa prática foi comentada naturalmente na literatura da época, o que confirma a independência entre a cabeça e o corpo na imaginação romana.

Outros tipos de estátuas, decorativas e de culto, na arte romana não acrescentavam nada essencialmente novo, e seus espécimes, embora muitos de grande qualidade, não mostram nada que não tivesse sido completamente experimentado antes pelos gregos e helenistas clássicos e cópias romanas dessa produção seminal continuou a ser produzido até o século V. Contudo, a partir do século II, e com maior força a partir de Constantino I, a crescente penetração da influência oriental levou a uma eliminação progressiva, com alguns períodos de recuperação, do cânon grego, levando à formação de um estilo sintético e abstrato que foram a ponte para a afirmação da arte bizantina e do início da Idade Média.

Arte religiosa e funerária
A arte religiosa também foi uma das principais formas de escultura romana. Uma característica central de um templo romano era a estátua de culto da divindade, que era considerada como “alojada” lá (veja aedes). Embora imagens de divindades também tenham sido exibidas em jardins e parques particulares, a mais magnífica das estátuas sobreviventes parece ter sido imagens de culto. Altares romanos eram geralmente bastante modestos e simples, mas alguns exemplos imperiais são modelados após a prática grega com relevos elaborados, mais conhecido o Ara Pacis, que foi chamado de “a obra mais representativa da arte agostiniana”. Pequenas estatuetas de bronze e estatuetas de cerâmica, executadas com graus variados de competência artística, são abundantes no registro arqueológico, particularmente nas províncias, e indicam que essas eram uma presença contínua na vida dos romanos, seja para votivos ou para exibição devocional privada em casa ou nos santuários da vizinhança. Eles geralmente mostram mais variação regional no estilo do que obras grandes e mais oficiais, e também preferências estilísticas entre diferentes classes.

Os sarcófagos de mármore romano datam principalmente do século II ao IV EC, depois de uma mudança nos costumes funerários romanos de cremação para desumanização, e foram feitos principalmente em algumas cidades importantes, incluindo Roma e Atenas, que os exportaram para outras cidades. Em outros lugares, a lápide da estela permaneceu mais comum. Eles sempre foram uma forma muito cara reservada para a elite, e especialmente nos relativamente poucos exemplos esculpidos de forma elaborada; a maioria sempre foi relativamente simples, com inscrições ou símbolos como guirlandas. Os sarcófagos se dividem em vários estilos, pela área de produção. Os “romanos” foram feitos para descansar contra uma parede, e um lado foi deixado sem entalhe, enquanto “Sótão” e outros tipos foram entalhados nos quatro lados; mas os lados curtos eram geralmente menos elaboradamente decorados nos dois tipos.

O tempo necessário para fazê-los encorajou o uso de assuntos comuns, aos quais poderiam ser adicionadas inscrições para personalizá-los, e os retratos dos falecidos demoraram a aparecer. Os sarcófagos oferecem exemplos de relevos complexos que retratam cenas frequentemente baseadas na mitologia grega e romana ou em religiões de mistério que ofereciam salvação pessoal e representações alegóricas. A arte funerária romana também oferece uma variedade de cenas da vida cotidiana, como jogos, caça e atividades militares.

A arte cristã primitiva adotou rapidamente o sarcófago, e elas são a forma mais comum de escultura cristã primitiva, progredindo de exemplos simples com símbolos para frentes elaboradas, geralmente com pequenas cenas da Vida de Cristo em duas fileiras dentro de uma estrutura arquitetônica. O sarcófago de Junius Bassus (c. 359) é desse tipo, e o sarcófago dogmático anterior é bastante mais simples. Os enormes sarcófagos de Helena e Constantina são grandes exemplos imperiais.

Caixão
O uso de sarcófagos era comum entre os etruscos e gregos, mas em Roma era usado extensivamente apenas a partir do segundo século, quando o hábito de cremação dos mortos foi substituído pelo enterro e expandido por todo o império. Sua produção foi estabelecida em três centros principais – Roma, Ática e Ásia – e dividida em alguns modelos diferentes. Um, o mais comum, era um estojo decorado com relevos figurativos e com uma tampa mais ou menos lisa; outro tipo mostrava outra tampa igualmente decorada, onde os retratos esculturais de corpo inteiro do falecido podiam aparecer, como se estivessem sentados em um banquete, um modelo derivado da arte etrusca. Ambos deram origem a espécimes decorados com relevos de extraordinária sofisticação e complexidade. Um terceiro tipo, confinado a Roma, tinha uma decoração abstrata ou floral e cabeças de animais, principalmente leões,

O centro de produção asiático era caracterizado pela preferência por grandes caixas e formas arquitetônicas, com colunas ao redor, estátuas interpostas e uma imitação de porta em ambos os lados, placas ornamentais e um teto em forma de prisma com acroteri, que simulava uma casa ou templo real, e eles também poderiam ter uma plataforma para colocá-los no topo. Esse tipo, diferentemente dos outros, era frequentemente decorado nos quatro lados, poderia ser um monumento independente, instalado ao ar livre em algumas necrópoles, enquanto os outros costumavam aparecer em nichos nos túmulos e sua decoração era limitada a partes que permaneciam visíveis. A prática romana de enterro em sarcófagos continuou na era cristã, constituindo um dos principais meios para o desenvolvimento da iconografia religiosa.

Levantamentos arquitetônicos
Na tradição de altares monumentais, colunas comemorativas e arcos triunfais, os relevos decorativos usados ​​nessas arquiteturas eram um campo fértil para o desenvolvimento de um estilo narrativo típico dos romanos. Os precursores classicistas foram o Altar de Anobarbus e o Ara Pacis. Outro que merece menção é o friso da Basílica Emília (c. 54 – 34 aC) no Fórum Romano, em vigoroso estilo helenizante, animado, com vislumbres drásticos e completado com cenas de paisagens. Da dinastia Julio-Claudiana, quase nada sobreviveu, mas um testemunho que pode nos dar uma idéia do estilo desse período é um friso encontrado em Roma, que mostra uma procissão de magistrados e padres carregando estatuetas votivas, junto com ajudantes, músicos e outros figuras.

A decoração do Arco de Tito (ca. 81 – 82) foi considerada o ponto mais alto do estilo flaviano. Os painéis que o decoram e mostram o triunfo de Tito têm excelentes qualidades estéticas e demonstram uma grande habilidade no uso do vislumbre para a representação da quadriga do imperador, onde a carruagem aparece vista de frente em direção ao espectador, mas a O artista consegue criar a impressão de que está fazendo a curva à direita. O outro painel representa o saque de Jerusalém, usa esse recurso com o mesmo sucesso, em outro contexto, e ambos têm seu efeito ilusório reforçado pelo uso racional da luz e da sombra. Mas, na verdade, é difícil falar de um “estilo flaviano”, já que em outros lugares há mais relevos estáticos, de natureza bastante clássica e ant pictórica.

No reinado de Trajano pertence a famosa Coluna de Trajano, comemorando a campanha em Dacia entre 101 e 106. É uma coluna grande, completamente coberta por um friso contínuo que forma uma espiral em direção ao topo, e é um exemplo perfeito do estilo narrativo de Relevos históricos romanos. Os episódios se fundem sem interrupção, exceto ocasionalmente uma árvore que atua como uma separação. Trajan aparece várias vezes em diferentes situações. No total, quase 2.500 figuras são esculpidas e o nível técnico é mantido em todo o complexo. Uma característica inovadora é o abandono da perspectiva e o uso de figuras desproporcionais à paisagem circundante, o que dilata a influência oriental que penetrava naquele momento. Hoje vemos apenas formas de mármore, mas seu efeito quando concluído deve ter sido surpreendente porque, de acordo com a prática da época, todas as cenas foram pintadas e decoradas com detalhes de metal. É possível que seu autor tenha sido Apolodoro de Damasco.

Pouco tempo depois, a tendência reverteu para o classicismo. Destaca-se o Arco di Traiano, em Benevento, em um estado excepcional de conservação – apenas as esculturas foram realizadas sob Adriano – e os onze painéis de estilo semelhante, mas ainda melhor executados, que representam o imperador Marco Aurélio em várias cenas. Quatro deles estão agora nos Museus Capitolinos, e os outros foram reutilizados na era imperial para a decoração do Arco de Constantino. A coluna de Marcus Aureliusit é outro grande exemplo da prevalência classicista nesta fase; Embora exista uma multidão de figuras que se acumulam na espiral contínua do friso que circunda o monumento, preserva-se um senso de ordem, elegância, ritmo e disciplina, ausentes na coluna de Trajano.

Esse interlúdio do classicismo, no entanto, teria terminado com Septimius Severus, cujo arco novamente aborda a arte oriental em seu sistema de proporções e no encurtamento da organização de cenas independentes, nas quais quatro grandes painéis narram as campanhas na Mesopotâmia. A partir do século III, praticamente nada sobreviveu, e o que temos como restos são pequenos frisos que mostram figuras ásperas e esboçadas. O mesmo estilo continua ao longo do século IV, como pode ser visto nos frisos superiores do norte e sul do Arco de Constantino, que mostram um contraste acentuado com os outros painéis mais antigos, da época de Marco Aurélio. Os últimos exemplos significativos da escultura arquitetônica romana estão na base do obelisco de Teodósio I, no Hipódromo de Constantinopla,

Jardins e banhos
Aparentemente, vários vasos grandes e bem conhecidos de pedra esculpidos em relevo do período imperial foram usados ​​principalmente como ornamentos de jardim; de fato, muitas estátuas também foram colocadas em jardins, públicos e privados. As esculturas recuperadas do local dos Jardins de Sallust, abertas ao público por Tibério, incluem:

o Obelisco Sallustiano, uma cópia romana de um obelisco egípcio que agora fica em frente à igreja Trinità dei Monti, acima da Piazza di Spagna, no topo da Escadaria da Praça de Espanha
o vaso Borghese, descoberto lá no século XVI.
as esculturas conhecidas como Gália Moribunda e o próprio Gália que mata e sua esposa, cópias em mármore de partes de um famoso grupo helenístico em bronze encomendado a Pérgamo por volta de 228 aC.
o trono de Ludovisi (provavelmente uma peça grega autêntica no estilo severo), encontrado em 1887, e o trono de Boston, encontrado em 1894.
a Amazônia agachada, encontrada em 1888 perto da via Boncompagni, a cerca de vinte e cinco metros da via Quintino Sella (Museo Conservatori).

Os banhos romanos eram outro local para a escultura; Entre as peças conhecidas recuperadas dos banhos de Caracala, estão o Farnese Bull e o Farnese Hércules, além de figuras patrióticas em tamanho real do início do século III, que lembram as obras realistas sociais soviéticas (agora no Museo di Capodimonte, Nápoles).

Outros usos
Entre as pequenas aplicações da escultura, existem estatuetas de culto doméstico, estatuetas e máscaras de teatro, camafeus, objetos de decoração, amuletos e brinquedos infantis. Menos célebres que os grandes gêneros, porém, não são menos importantes que esses, e geralmente dão uma idéia mais exata, íntima e sincera da mentalidade romana, principalmente do povo, além das representações oficiais imponentes.

Cameos
Nesses gêneros menores, os camafeus são os mais luxuosos, limitados às classes mais altas e geralmente usados ​​como jóias. Esculpidas em pedras semipreciosas como ágata, calcedônia, jaspe, ametista e ônix, são consideradas esculturas em miniatura pela apreciação que John Ruskin fez delas, quando até então eram consideradas uma forma de gravura. Essa forma de escultura foi introduzida em Roma pelos gregos helenísticos, que foram os primeiros a alcançar um alto grau de refinamento nesse gênero. Seu tamanho pequeno não deve nos enganar quanto à experiência necessária para esse tipo de trabalho, pois é necessária uma intensa concentração e enorme sensibilidade para trabalhar o grão da pedra e suas diferentes camadas para obter tons sutis de cor e efeitos de luz e transparência. Seu namoro é muito problemático, e muitas peças indicam que foram retrabalhadas em momentos diferentes. Os melhores espécimes tornaram-se peças de colecionador avidamente disputadas, e dentre elas podemos mencionar a fantástica Augustan Gem, um grande pedaço de ônix bicolor esculpido com duas cenas compostas de vários personagens.

Durante o período imperial, os camafeus gozaram de grande prestígio, o que inspirou os romanos a inventar uma derivação de vidro, que oferecia a vantagem de permitir maior controle sobre a cor e a transparência, mas era ainda mais difícil, longo e caro de se trabalhar. da pedra, apresentando consideráveis ​​desafios técnicos, que ainda não foram completamente explorados pelos fabricantes de vidro contemporâneos. No entanto, aparições inteiras de camafeu de vidro com decoração esculpida, como o famoso Portland Vase e o Vase of the Seasons.

Brinquedos
Os brinquedos são encontrados em todas as culturas, e os romanos não foram exceção. Referências literárias abundam desde o período helenístico, e tudo indica que havia uma enorme variedade de objetos destinados ao entretenimento infantil, desde bonecas tradicionais a carrinhos com rodas, móveis, figuras de guerreiros e animais e até casas em miniatura de metal, madeira ou terracota . Os brinquedos são excelentes objetos para estudar as condições econômicas e sociais da época.

Estatuetas de culto particular
Na esfera religiosa, destacam-se as estatuetas de culto particular de muitas divindades do panteão romano e de divindades familiares e regionais. O hábito do antropomorfismo dos deuses era herdado pelos etruscos e gregos e, portanto, praticamente todas as forças naturais e poderes abstratos assumiam um aspecto humano para os romanos e recebiam um culto, embora sua religião não fosse rigidamente organizada e privada (mais que pública). teve um papel importante. Os museus estão cheios de estatuetas de culto doméstico, o que demonstra sua ampla disseminação por todo o império. Sua qualidade artística é muito variável, e acredita-se que aqueles usados ​​por pessoas comuns sejam comuns e pouco atraentes, mas há exemplos de grande refinamento. Nesse campo, não era o aspecto estético das estatuetas que tinham valor,

As estatuetas de amuletos têm uma função semelhante. Na religião romana complexa e multifacetada, a magia teve um papel não insignificante, e os amuletos encontraram seu lugar nela. Os gregos e etruscos os usavam, e vários autores clássicos falam favoravelmente deles, como Plínio e Galeno. Até os romanos fizeram disso um costume generalizado, especialmente durante o final da era imperial. Embora os amuletos fossem geralmente objetos pequenos e portáteis, não necessariamente figuras, uma série de estatuetas que desempenham a mesma função sobrevivem, retratando os espíritos protetores das casas associadas aos ancestrais, os Lares, profundamente reverenciados nos santuários domésticos, ou Priapus, o fálico. deus, cuja imagem era considerada um poderoso remédio contra o mau-olhado, a esterilidade e a impotência, e que era colocada na parte externa da entrada das casas.

Utensílios decorados
Finalmente, resta uma breve menção aos vasos, serviços de mesa, luminárias, maçanetas e muitos outros tipos de utensílios com uma decoração que se aproxima da escultura propriamente dita, uma categoria muito variada de peças que atesta a ampla aplicação da escultura na Roma antiga. Os candeeiros e braseiros podiam ser decorados com imagens em relevo que mostravam cenas religiosas, mitológicas e eróticas, de acordo com o local a que se destinavam e podiam ter um ou mais pés muito ornamentados. Até pratos, panelas, tigelas e vasos podem ter relevos, ou alças e pescoços de formas extravagantes. Em cerâmica, podemos distinguir o tipo de terra selada, um tipo de vaso decorado com gravuras e relevos, com ampla difusão, e os antefixes decorativos, instalados nas bordas dos telhados, que poderiam ser feitos em formas abstratas ou figurativas.

Escultura imperial tardia
Como mencionado acima, os últimos séculos do império (do terceiro ao quinto século) viram o nascimento de um contexto cultural totalmente novo. Às vezes, essa fase de transformação é vista como uma decadência artística, mas é justo lembrar que o cânon grego foi o resultado de uma era e contexto bem definidos e, embora tenha moldado as origens artísticas de Roma e grande parte de seu caminho os tempos e o território haviam mudado e o classicismo estava começando a se tornar uma coisa do passado e uma referência simbólica ou histórica, e não uma realidade viva. Agora Roma tinha sua própria história e entrou em um período de trocas intensas com grandes culturas antigas do Oriente Próximo, cujo corpo de idéias, religiões, arte e aspirações se tornou parte integrante da cultura romana. Da mesma forma, as numerosas províncias imperiais, que se estendiam da Espanha,

Numa era de efervescência cultural e de grande diversidade de princípios estéticos, a permanência dos elementos clássicos em todas as partes, modificada, é certo, em diferentes graus, ainda permitir manter canais de comunicação abertos e agir como uma espécie de lingua franca artístico. O sincretismo sempre foi uma característica da arte romana, mas no final da era imperial assumiu um papel de importância crucial. Após a cristianização do império, as normas da arte pagã foram adotadas pelos imperadores cristãos sem hesitação, embora adaptadas a novos temas. Quando Constantinopla se tornou a nova capital, estava cheia de alusões arquitetônicas e artísticas à “Roma antiga”, um desejo declarado de manter a continuidade das tradições antigas, mesmo que elas precisassem ser reformadas para atender às necessidades de um novo contexto.

Esse processo foi consciente e voluntário, como confirma a literatura da época. Alguns protótipos formais foram mantidos, enquanto um grande repertório de outros modelos estava simplesmente fadado ao esquecimento. O mascaramento das rápidas mudanças sociais e políticas que ocorreram sob as formas eleitas derivadas da herança clássica proporcionou uma coesão cultural importante no momento em que os blocos de construção do império tendiam à diversidade e quando a fragmentação do estado já estava se tornando uma ameaça real. Na realidade, não havia permanência literal do classicismo, o que seria impossível: o que aconteceu foi uma continuidade “seletiva”. Esse processo foi consciente e voluntário, como confirma a literatura da época. Alguns protótipos formais foram mantidos, enquanto um grande repertório de outros modelos estava simplesmente fadado ao esquecimento. O mascaramento das rápidas mudanças sociais e políticas que ocorreram sob as formas eleitas derivadas da herança clássica proporcionou uma coesão cultural importante no momento em que os blocos de construção do império tendiam à diversidade e quando a fragmentação do estado já estava se tornando uma ameaça real. Na realidade, não havia permanência literal do classicismo, o que seria impossível: o que aconteceu foi uma continuidade “seletiva”. Esse processo foi consciente e voluntário, como confirma a literatura da época. Alguns protótipos formais foram mantidos, enquanto um grande repertório de outros modelos estava simplesmente fadado ao esquecimento. continuidade. Esse processo foi consciente e voluntário, como confirma a literatura da época. Alguns protótipos formais foram mantidos, enquanto um grande repertório de outros modelos estava simplesmente fadado ao esquecimento. continuidade. Esse processo foi consciente e voluntário, como confirma a literatura da época. Alguns protótipos formais foram mantidos, enquanto um grande repertório de outros modelos estava simplesmente fadado ao esquecimento.

O mascaramento das rápidas mudanças sociais e políticas que ocorreram sob as formas eleitas derivadas da herança clássica proporcionou uma coesão cultural importante no momento em que os blocos de construção do império tendiam à diversidade e quando a fragmentação do estado já estava se tornando uma ameaça real. conforme confirmado pela literatura da época. Alguns protótipos formais foram mantidos, enquanto um grande repertório de outros modelos estava simplesmente fadado ao esquecimento. O mascaramento das rápidas mudanças sociais e políticas que ocorreram sob as formas eleitas derivadas da herança clássica proporcionou uma coesão cultural importante no momento em que os blocos de construção do império tendiam à diversidade e quando a fragmentação do estado já estava se tornando uma ameaça real. conforme confirmado pela literatura da época. Alguns protótipos formais foram mantidos, enquanto um grande repertório de outros modelos estava simplesmente fadado ao esquecimento. O mascaramento das rápidas mudanças sociais e políticas que ocorreram sob as formas eleitas derivadas da herança clássica proporcionou uma coesão cultural importante no momento em que os blocos de construção do império tendiam à diversidade e quando a fragmentação do estado já estava se tornando uma ameaça real.

A elite continuou a receber educação clássica e permaneceu conservadora. Seus membros leram autores consagrados e, através deles, familiarizaram-se com a tradição ancestral, desenvolvendo um gosto por ela. As cidades, vilas e teatros aristocráticos foram decorados com imagens pagãs ainda. A conversão de Constantino ao cristianismo em 312 provocou uma ruptura com essa tradição, mesmo que não imediatamente ou de forma completa.

De acordo com Rachel Kousser:
«A aristocracia do século IV, portanto, teve que negociar um lugar para si neste mundo contraditório, sem causar um conflito aberto. Os monumentos que foram construídos mantiveram os traços dessa negociação: de forma tradicional, de conteúdo oblíquo, documentam a criação de um novo consenso. As obras de arte mais bem-sucedidas resultantes foram providencialmente inespecíficas; seu objetivo não era proclamar uma identidade definida e única de seus clientes, mas sugerir uma grande quantidade de valores comuns, que permaneciam abertos a uma variedade de interpretações.

Portanto, em vez de enfatizar os vínculos desses trabalhos com ideologias religiosas particulares, afiliações políticas etc. – o que acabaria por indicar um caráter separatista(-) são ressonantes e unificadoras. Para os aristocratas do século IV, essas imagens baseadas em modelos de estátuas clássicas eram veículos úteis para uma auto-representação equilibrada e eficiente; falou-se de um passado compartilhado por todos e de um presente dividido. Dessa maneira, eles ajudaram a garantir a sobrevivência das formas clássicas na arte medieval. (…) As obras de arte resultantes pareciam familiares. Embora hoje pareçam monotonamente convencionais para muitos estudiosos modernos, eles tinham valor na antiguidade tardia. Esses trabalhos identificaram a nova ordem cristã com a venerável tradição, uma tradição que considerava a representação naturalista da forma humana como a maior conquista da escultura. Neste sentido, ”

O prestígio das estátuas pagãs permaneceu alto até o século IV dC; nem mesmo a ascensão do cristianismo e a proibição do antigo culto de Teodósio I em 391 causaram uma destruição imediata de imagens religiosas e decorativas. Prudentius, no final do século IV de nossa era, ainda recomendava que as estátuas de ídolos pagãos fossem preservadas como “exemplos da habilidade dos grandes artistas e como um esplêndido ornamento de nossas cidades”, e Cassiodorustells como os esforços ainda eram feita no século IV para preservar as antigas esculturas pagãs como evidência da grandeza imperial da posteridade. Apesar disso, mais tarde as políticas do papado e do império mudaram, e os monumentos da antiguidade começaram a ser saqueados para recuperar o material para uso em outras obras,

Uso da cor como recurso mimético e expressivo
Como complemento ao trabalho de corte de pedra ou fundição de bronze, o efeito final da peça esculpida foi modificado com a adição de policromia na superfície, uma prática herdada dos gregos e comumente realizada, como mostram os relatos históricos, e que deu para esculturas um aspecto totalmente diferente de como as vemos hoje em museus, apenas de pedra ou bronze. Esse fato histórico, embora conhecido há pelo menos dois séculos, ainda causa surpresa hoje e, de fato, deu origem a um conceito errôneo, mesmo entre arqueólogos e conservatórios de museus que acreditavam que as obras originais eram feitas deixando as aparências do material usado, uma evidência óbvia. erro que foi perpetuado até recentemente. Esse uso decorativo de pigmentos era na verdade um fato fundamental na arte antiga, e não havia estátuas,

Além da pintura, era usado para inserir peças de outros materiais coloridos, como prata e ouro, esmalte, madrepérola e vidro, para destacar certas características ou peças anatômicas e certos tipos de mármore colorido e pedras nobres, como ônix, O alabastro e a sardonia, ricos em veias e transparências multicoloridas, poderiam ser usados ​​em algumas partes do vestuário das estátuas para criar efeitos mais luxuosos. Pesquisas recentes publicadas juntamente com exposições temáticas de grandes obras com a restauração de suas cores originais ofereceram uma visão completamente nova da arte clássica.

Legado
Os romanos foram as primeiras pessoas a se orgulhar de florescer à sombra de uma cultura estrangeira. Virgílio, em sua Eneida, mandou o fantasma de Anchise voltar a Roma, ainda não nascido, para declarar que nas artes e nas ciências ela sempre seria inferior aos gregos, mas os venceria na guerra e na administração pública. Em outra parte, o poeta se vangloriava de que sua musa havia sido a primeira a cantar em versos à maneira de Teócrito, e outros casos semelhantes são abundantes na literatura contemporânea da época. Como foi demonstrado, toda a produção de esculturas romanas era imensa devedora do exemplo grego, e o mesmo aconteceu com outras artes, como poesia, música e arquitetura. Isso é verdade, mas foi interpretado por autores influentes como Arnold Toynbee e Roger Fry como um demérito dos romanos, vendo-os como um povo essencialmente imitativo,

Essa opinião refletia a posição da crítica no final do século 19, que em essência culpava os romanos por não serem gregos, mas ironicamente deriva dos próprios romanos, que mantiveram em relação ao seu papel de epígonos uma atitude que era ao mesmo tempo orgulhoso e modesto. Mas, como vimos, isso não impediu que seus escultores desenvolvessem certos traços de evidente originalidade, reconhecidos por outros críticos, fazendo com que essa acusação, embora baseada em evidências claras, não fosse totalmente correta.

Por outro lado, julgar uma cultura antiga de um ponto de vista moderno é sempre uma manobra imprudente. Os romanos eram caracterizados por geralmente possuírem um alto espírito público e uma forte aversão ao individualismo e excentricidade, que sempre amedrontavam os gregos, e as tradições ancestrais, públicas e familiares, sempre foram objeto de extrema veneração. Virgil conta em ‘Aeneid, a história de Enéias carregando seu ombro na fuga de seu pai de Tróia, que se tornou um modelo de piedade romana, dever honrado para com os pais, e mesmo em tempos devastados por disputas políticas e elites imorais e decadentes, mesmo que comportamentos que hoje vemos como cruéis e bizarros, entre as qualidades mais apreciadas em um romano, eram comuns em toda a sociedade: economia, severitas, frugalitas e simplicitas – economia, austeridade e dignidade, frugalidade e simplicidade – repetidamente elogiadas na literatura contemporânea. Levando esses fatores em consideração, sua aparente falta de originalidade se torna relativa e um traço de identidade cultural. De todas as formas, a escultura nos oferece muito material para podermos estudar todo o legado romano e entender sua atitude peculiar na esfera cultural.

Caindo na escuridão da Idade Média, tanto pela destruição anterior da maioria dos exemplos quanto pela mudança na concepção de arte e valores culturais, a escultura romana teve uma oportunidade no Renascimento de fazer uma nova aparição no cenário artístico. E mais do que uma aparição, era de fato um elemento fundamental para o desenvolvimento de uma nova estética desta época. Raffaello, ciente da vastidão da perda de obras antigas em épocas anteriores, lamentou o hábito de reutilizar mármore e bronze para criar outros objetos, e a descoberta de vários espécimes de alta qualidade da escultura romana nesse período causou sensação na sociedade renascentista, estimulando cópias e novas interpretações, a busca ansiosa por outros restos em inúmeras escavações arqueológicas e o aparecimento de um fluxo de reproduções gravadas.

Durante o barroco, o interesse pela antiga estatuária não diminuiu. Mestres como Bernini eram conhecidos amantes da arte grega e romana, e sua produção deve muito a exemplos antigos e temas clássicos. Também não declinou durante os períodos seguintes. No século XVIII, o traje do “Grand Tour Europeu” foi formado entre as elites, Roma foi a visita obrigatória e o desejo de conhecimento e a aquisição da arte da antiguidade clássica se transformou em uma mania, determinando a aparência do Neoclassicismo. Entre os séculos XVIII e XIX, várias coleções particulares importantes foram formadas em vários países e, na Inglaterra, em particular, também serviram para garantir a boa reputação social dos proprietários e facilitar o acesso a escritórios públicos.

Embora os artistas neoclássicos admirassem a produção grega, sua reinterpretação do estilo clássico se baseava principalmente nos princípios romanos, pelo simples fato de que as obras conhecidas naquela época eram quase todas romanas, e não gregas. Em meados do século XIX, com a reabertura da Grécia para o oeste após um longo domínio turco, com a realização de várias pesquisas arqueológicas que trouxeram à luz uma grande quantidade de obras gregas originais e sob a influência da corrente romântica, a o gosto do público tendia ao helenismo, mas mesmo assim a arte romana caiu em desuso, os novos e ricos norte-americanos mantiveram essa tradição alta. No século XX, no entanto, a revolução modernista levou a uma drástica diminuição na capacidade da arte romana de inspirar as novas gerações de artistas,