Doada pela família Mondadori em 1974 e em exposição permanente no Palazzo Te desde 1983, a coleção inclui 19 obras de Federico Zandomeneghi e 13 de Armando Spadini.

A decisão da família Mondadori foi motivada pelo desejo do público de ter acesso às pinturas coletadas com tanto entusiasmo por Arnoldo Mondadori e pelo objetivo informativo do museu.

Federico Zandomeneghi (1841-1917) foi uma figura importante entre os artistas italianos do final do século XIX, e várias exposições monográficas de seu trabalho foram realizadas nos últimos anos.

Veneziano de nascimento, depois de uma experiência formativa com os Macchiaioli em Florença, mudou-se para Paris em 1874. Aqui ele desenvolveu seu próprio estilo pessoal de impressionismo. Ele foi particularmente influenciado pela pintura de Degas, como pode ser visto claramente em obras como Al caffè e La grande danseuse.

Os pastéis altamente originais em exibição no Palazzo Te (La lezione, Il risveglio, Il compito, para citar alguns) demonstram o hábil uso de Zandomeneghi de cores claras e luminosas. Também são notáveis ​​suas cenas da vida cotidiana, muitas vezes com sujeitos do sexo feminino, onde sua atenção é focada em gestos e nos sentimentos que eles despertam.

Seus últimos anos foram dedicados a obras de natureza morta, também bem representadas na coleção Palazzo Te.

As pinturas de Armando Spadini (1883-1925) no Palazzo Te revelam muito sobre as preferências de Arnoldo Mondadori como colecionador: seu amor por óleos e estudos da luz no ar e cenas íntimas e familiares. Exemplos disso incluem Maternità, Bambini all’aria aperta, Bambina (Anna) tra i fiori e Il mattino.

Intimidade revelada
A exposição também apresenta obras de Zandomeneghi e Spadini, dois pintores muito importantes de Mântua. Ambos os artistas formaram formas usando a luz: Zandomeneghi pinta figuras altamente estruturadas, enquanto Spadini usa cores brilhantes para representar os personagens em sua intimidade diária.

Um impressionista veneziano
O núcleo da coleção de arte moderna do Palazzo Te é composto pela doação Arnoldo Mondadori (2 de novembro de 1889, Poggio Rusco-8 de junho de 1971, Milão). A editora de renome, nascida na província de Mântua, decidiu doar as obras de Federico Zandomeneghi e Armando Spadini a uma instituição pública. Seu desejo era abrir uma galeria de arte em Segrate, onde sua empresa está sediada. Após sua morte, sua esposa Mimma Berardi e seus irmãos decidiram doar a coleção para o Museu de Mântua, cidade onde foi fundada em 1907 a editora italiana mais importante do século XX. Uma parte da doação foi exibida pela primeira vez no Palazzo Te em 1974, depois em 1983, toda a coleção foi exibida. Estas pinturas são principalmente obras de artistas contemporâneos, muitos de Mântua. A coleção reflete o gosto de Arnoldo Mondadori: há algo íntimo nessas pinturas, quase domésticas; o uso da luz desempenha um papel importante e lembra o impressionismo francês. Federico Zandomeneghi, de Veneza, nos dá alguns dos melhores exemplos desse uso da luz: aqui ele representa, criando uma atmosfera semelhante à de um conto de fadas, cenas da vida cotidiana. Ele se mudou para Paris em 1884, onde se tornou amigo de Renoir e Degas, e participou de quatro das oitavas exposições impressionistas, começando em 1879. Esta pintura mostra uma cozinheira segurando um prato, sua atitude delicada e atenciosa é bem representada pela contraste notável entre os diferentes tons de cor. O trabalho foi concluído em 1881.

No café (Femme au bar)
Este é talvez o trabalho mais célebre do autor. A cena se passa em Paris, capital do estilo de vida frívolo dos anos 80 do século XIX.

Zandomeneghi era um excelente pintor de retratos. Aqui, uma mulher usando um véu se senta de uma maneira sedutora e alusiva. Um homem está bebendo, de outro, vemos apenas a mão. Seus lábios vermelhos, a grande flor em seu vestido escuro e suas luvas amarelas se destacam, ela parece se oferecer ao espectador e está cercada por um grupo sensual de homens.

Um ramo de flor
O estilo desta pintura, que remonta a 1894, é particularmente uma reminiscência da obra de Pierre-Auguste Renoir (1841 – 1919). Em particular, sua influência é visível no tom rosado das bochechas e roupas da criança; ela parece quase esmagada pelo peso de um buquê de flores muito grande, embora o equilíbrio de composição seja perfeito: a grande seção que representa a caminhada lateral está quase vazia, enquanto a parte superior da pintura mostra uma explosão de pétalas coloridas.

No estudo do pintor
Uma característica fundamental do trabalho de Zandomeneghi é que ele dá a impressão de estar pintando em tons pastel.

De fato, os elementos constitutivos de sua pintura são linhas coloridas, longas e curtas, justapostas e às vezes sobrepostas.

Ele captura as figuras em uma espécie de êxtase sereno, completamente imerso no que estão fazendo. Nesta pintura, datada de 1896, uma senhora de chapéu florido observa alegremente o trabalho do pintor, apoiando-se graciosamente em seu guarda-chuva.

O tapete em primeiro plano é magnífico, temos a impressão de que podemos alcançá-lo e tocá-lo. Como sempre, dentro do ateliê aqui retratado, há pinturas espalhadas por toda parte, são muito expressivas, embora sejam apenas esboçadas.

Fantasticheria
A jovem absorvida mostra seu vestido branco e rosa na frente de uma madeira, as cores dominantes são aqui verde e rosa. O vermelho da fita que ela está usando no cabelo capta a atenção dos telespectadores. O impressionismo ensinou a Zandomeneghi a arte de separar as cores e eliminar o preto, obtendo um efeito muito mais leve.

Miette
Este trabalho, pintado nos primeiros anos do século XX, representa algo muito italiano. Não é apenas a escolha das cores que lembra a bandeira italiana, mas também as características da garota, que é semelhante aos personagens retratados nas obras de Macchiaiuoli e, mais especificamente, de Giovanni Fattori (1825 – 1908). À medida que envelhecia, o artista parecia voltar à arte clássica de sua terra natal, mas sem deixar de lado o que havia aprendido sobre o uso da luz durante sua experiência francesa.

Menina com flores
A menina parece se mover em um espaço abstrato, onde as cores dominantes são azul e cinza. O vestido dela parece emergir do fundo desse remendo azul e o ilumina. Também o laço no cabelo vermelho é azul. Ela está segurando flores com uma haste longa, sua atitude é de intensidade devota. Uma pequena obra-prima, pintada por volta de 1915, de graça diária e charme cromático.

Dançarino
A referência óbvia deste trabalho da primeira década do século XX é a pintura de Edgar Degas (1834-1917). Os temas favoritos do grande pintor impressionista francês eram, de fato, os dançarinos, retratados em todos os tipos de poses, frequentemente pegos do palco, se preparando ou se aquecendo. É o caso da garota de Zandomenghi, completamente imersa em seu próprio reflexo. Não encontramos a graça e o movimento que caracterizam as pinturas de Degas; o contraste entre o rosa das meias e o azul de seu tutu torna esse trabalho muito poderoso. Além disso, dois detalhes em particular são dignos de atenção: de um lado, um espelho com qualidade mecânica; do outro, uma cortina suave e leve. Os dois elementos parecem delimitar um palco para o dançarino que está parado no centro.

Couve-flor
Neste trabalho, datado de 1917, manifesta-se a atenção dada à natureza morta, tanto pelos pintores impressionistas quanto por Zandomeneghi. Embora esse não seja um dos principais temas encontrados nas pinturas da época, é um assunto que permite, como é visível na obra de Manet, focar na aparência dos objetos. As coisas parecem desfeitas; aqui os vegetais são quase uma desculpa para experimentar pinceladas e cores, e um objeto tão familiar parece estar enobrecido.

Maçãs
Este trabalho presta muito mais atenção aos aspectos formais da pintura. Aqui a fruta é usada, como por exemplo, em Cézanne, para criar volumes e criar contraste entre diferentes áreas da pintura em que cores diferentes são usadas. Zandomeneghi é frequentemente criticado por uma certa rigidez. Sua arte, no entanto, também consiste em imobilizar alguns aspectos da vida, colocando-os dentro de um espelho sem fim. Além disso, olhando atentamente para a tela, é possível distinguir traços rápidos que recompõem continuamente as cores e brincam com a luz, uma luz que é mais veneziana do que parisiense.

Maternidade
O florentino Armando Spadini é considerado o fundador da escola romana. Em sua curta vida, ele participou de uma importante série de exposições na Itália; além disso, realizou uma exposição individual na Exposição Internacional de Arte de Veneza em 1924. Mãe e filho são um tema recorrente na obra de Spadini: ele os retrata com um toque pós-impressionista, criando figuras do quase nada, enriquecidas por um excelente cromático qualidade. Neste trabalho, concluído em 1911, uma criança cochilando se apoia no seio de uma mãe feliz, em um ambiente burguês que faz da representação da intimidade seu ponto forte.

Grupo familiar
Mesmo Spadini, apesar das poucas trocas com artistas estrangeiros, sabe bem a importância da pintura impressionista. Nesse grupo de mãe, filho, filha e empregada, corpos e vestidos parecem desfeitos em um turbilhão de sensações, que evoca as pinturas de Renoir. No entanto, já estamos na segunda década do século XX. A artista cria traços e movimentos típicos do pós-impressionismo, nos braços longos da mãe e no padrão das decorações florais da tapeçaria, que torcem de maneira não natural para abraçar os personagens.

Rapaz com um prato de frutas
Com Spadini, é difícil distinguir entre esboços e trabalhos concluídos. O que se torna evidente aqui, no entanto, é a capacidade de retratar a infância pelo que ela é, uma mistura contínua de emoções sinceras, incluindo felicidade e perplexidade. Aqui, a criança parece explorar com olhos vívidos a realidade circundante, enquanto enrijece seu corpo, sentada ao lado de um belo prato cheio de frutas, que ilumina a pintura com suas cores vivas. O trabalho é datado de 1913.

Menina entre flores
Aqui está uma das obras-primas do pintor, provavelmente datada dos anos 1915. Na parte de trás da tela, há o desenho de uma galinha. Novamente, Renoir é o nome que vem à mente. Poderíamos falar aqui sobre o impressionismo de pânico, porque a imagem da menina é maravilhosamente misturada com as flores que ela está prestes a pegar, e elas parecem acariciar sua juventude. No triunfo das cores, notamos o magnífico ornamento de orelha que parece estar florescendo enquanto emerge sob seus cabelos. Olhos e lábios são pintados como fendas em um rosto gentilmente sorridente, perdidos em uma expressão feita quase inteiramente de luz.

Garotos ao ar livre
O que se expressa aqui é o amor do pintor pela infância, retratado sem retórica. Spadini permanece em contato próximo com a realidade. Isso é demonstrado por este trabalho, que remonta a 1915, no qual duas crianças são retratadas, uma menor e a outra alguns anos mais velha, enquanto pensativa pensativa em um parque. As árvores atrás deles proporcionam o cenário perfeito, uma luz verde e sombras roxas, para representar finamente essa época difícil. A criança à esquerda coloca a mãozinha no queixo, enquanto segura o que talvez seja uma bola com a outra mão, olhando para o outro lado, como se tentasse adivinhar o que o futuro lhe reserva.

Menino com verde
A criança parece explorar com as mãos os vários tipos de vegetais que alguém deixou na mesa. Aqui as cores ficam fortes, o vermelho é visível em muitas áreas da tela, também nas bochechas do bebê, contrastando com os olhos azuis e os grossos cabelos escuros, que também mostram alguns reflexos azuis. Essa pintura pode ser definida corretamente como expressionista, porque no canto superior esquerdo há uma área onde a cor assume: talvez seja um armário, mas é difícil distinguir qual é o objeto, porque não há mais referência figurativa típico do impressionismo.

A manhã
Outra obra-prima que data de 1918. O artista fez um esboço preliminar da pintura que leva o mesmo nome. Nele faltam as flores que em parte cobrem a mãe. A pintura é bastante grande e impressionante: uma criança bem construída se volta para um público que a admira. A mulher está sentada em uma cama lindamente decorada com cortinas floridas, o cobertor escuro parece se desdobrar em ondulações; ela está abraçando e acariciando seu filho. A pintura mostra a força de um vínculo inquestionável e intacto. Os críticos da época falavam da influência de Rubens e Renoir, porque as características dos personagens de Spadini às vezes lembram a abundância excessiva do pintor flamengo. A doçura da cena é no entanto transmitida de maneira direta e sincera.

Árvores em Villa Borghese
O grande parque de Roma é aqui pintado de uma maneira muito expressiva. A grama e as folhas verdes parecem derreter na folhagem quase outonal das árvores mais altas. Spadini não está preocupado com os volumes ou com a representação exata das coisas. O que conta mais é a expressão, a vivacidade e a verdade do sentimento. Assim, suas pinturas são frequentemente pequenos milagres de equilíbrio composicional.

Nu
Este trabalho, datado de 1918, reflete a grande revolução ocorrida na arte contemporânea européia na época. O envolvimento do pintor nesse movimento é visível na graça e simplicidade dessa mulher nua, na tapeçaria e no leito disperso em ondas de cor, na síntese extrema da fruteira: aqui é evidente que Spadini não apenas aprendeu a grande lição de Manet, mas que ele também havia entrado em contato com o trabalho de Henri Matisse. Uma sensualidade suave aparece nas formas nuas, que também transmite a expressão absorvida da jovem que se mostra para nós de uma maneira simples e genuína.

Figura de estudo
Anna, Andrea e Maria, três filhos de Spadini, são as protagonistas deste trabalho, composto nos últimos anos da vida do pintor. Meninos que não são mais crianças olham para algo ou alguém que não podemos ver. Eles parecem estar concentrados, como se estivéssemos ouvindo uma história ou música, não sabemos exatamente o que. O pintor dá movimento ao grupo, transformando a imobilidade dos três garotos em um pequeno turbilhão de sensações que também parecem atravessar as paredes da sala em que estão sentados. Em alguns lugares, os detalhes dos corpos e das roupas desaparecem, em outros lugares em que se destacam com força, como é o caso da fita escura no cabelo de Anna, que também é o centro da composição.

Gatos
O gato é talvez o animal de estimação que pode entrar melhor em contato com as emoções e sentimentos dos homens. Aqui, o pintor, dois anos antes de sua morte, retrata uma cena felina de mãe e filho com a mesma graça usada em muitas de suas pinturas retratando mães e filhos. Os três gatinhos se amontoam em torno da gata mãe, que permanece aparentemente impassível em seu orgulho silencioso. Eles têm cores diferentes e poses diferentes, os três gatinhos são uma obra-prima da vivacidade e da vida triunfante.

Cabeça de mulher
Já doente, Spadini compôs este trabalho representando sua esposa Pasqualina. Essa pintura pode ser definida como representando um tema sagrado; na verdade, anos antes, o pintor havia trabalhado em um achado de Moisés que deve ser visto em relação a essa cabeça. O estilo aqui é severo e desbotado, e parece indicar a aceitação do fim da vida. Um rosto bonito e triste expressa a capacidade de retratar emoções, o principal talento de Spadini, mestre do toque e da cor.

Palazzo Te
O Palazzo Te é um edifício histórico e monumental em Mântua. um bom exemplo do estilo maneirista de arquitetura, construído entre 1524 e 1534 sob encomenda de Federico II Gonzaga, é a obra mais famosa do arquiteto italiano Giulio Romano. O complexo abriga agora o museu cívico e, desde 1990, o Centro Internacional de Arte e Cultura do Palazzo Te, que organiza exposições de arte e arquitetura antigas e modernas.