Maneirismo, também conhecido como Late Renaissance, é um estilo de arte européia que surgiu nos últimos anos da Alta Renascença italiana por volta de 1520 e durou até o final do século 16 na Itália, quando o estilo barroco começou a substituí-lo. O maneirismo do norte continuou no início do século XVII.

Nome dado à fase estilística na arte da Europa entre a Alta Renascença e o Barroco, cobrindo o período de c 1510-20 a 1600 É também por vezes referido como Renascimento tardio, e o afastamento do classicismo da Alta Renascença já é evidente nos últimos trabalhos de Leonardo da Vinci e Rafael, e na arte de Michelangelo desde meados de sua carreira criativa. Embora os artistas do século XVI tenham tomado como ponto de partida o vocabulário formal da Alta Renascença, eles o usavam de maneiras que eram diametralmente oposto ao ideal harmonioso a que originalmente serviu. Há, portanto, boas razões para considerar o maneirismo como uma fase estilística válida e autônoma, um status reivindicado por historiadores de arte do início do século XX. O termo também é aplicado a um estilo de pintura e pintura. desenho praticado por artistas que trabalham em Antuérpia um pouco antes, de c 1500 a c 1530

Estilisticamente, o maneirismo engloba uma variedade de abordagens influenciadas e reagindo aos ideais harmoniosos associados a artistas como Leonardo da Vinci, Rafael e Michelangelo primitivo. Onde a arte da Alta Renascença enfatiza a proporção, equilíbrio e beleza ideal, o Maneirismo exagera essas qualidades, muitas vezes resultando em composições que são assimétricas ou artificialmente elegantes. O estilo é notável por sua sofisticação intelectual, bem como por suas qualidades artificiais (em oposição a naturalistas). Ela favorece a tensão e a instabilidade composicional, e não o equilíbrio e a clareza da pintura renascentista anterior. O maneirismo na literatura e na música é notável por seu estilo altamente floral e sofisticação intelectual.

A definição de maneirismo e as fases dentro dele continuam a ser um tema de debate entre os historiadores da arte. Por exemplo, alguns estudiosos aplicaram o rótulo a certas formas modernas de literatura (especialmente poesia) e música dos séculos XVI e XVII. O termo também é usado para se referir a alguns pintores góticos tardios que trabalham no norte da Europa de 1500 a 1530, especialmente os maneiristas de Antuérpia – um grupo não relacionado ao movimento italiano. O maneirismo também tem sido aplicado por analogia à Era de Prata da literatura latina.

Nomenclatura
A palavra maneirismo deriva da maniera italiana, que significa “estilo” ou “maneira”. Como a palavra inglesa “style”, maniera pode indicar um tipo específico de estilo (um estilo bonito, um estilo abrasivo) ou indicar um absoluto que não precisa de qualificação (alguém “tem estilo”). Na segunda edição de suas vidas dos mais excelentes pintores, escultores e arquitetos (1568), Giorgio Vasari utilizou maniera em três diferentes contextos: para discutir a maneira ou o método de trabalho de um artista; descrever um estilo pessoal ou grupal, como o termo maniera greca para se referir ao estilo bizantino ou simplesmente à maniera de Michelangelo; e afirmar um julgamento positivo da qualidade artística. Vasari também foi um artista maneirista, e descreveu o período em que trabalhou como “la maniera moderna”, ou o “estilo moderno”. James V. Mirollo descreve como os poetas “bella maniera” tentaram superar em virtuosidades os sonetos de Petrarca. Essa noção de “bella maniera” sugere que os artistas inspirados procuraram copiar e melhorar seus predecessores, em vez de confrontar a natureza diretamente. Em essência, “bella maniera” utilizou o melhor de uma série de materiais de origem, sintetizando-o em algo novo.

Como um rótulo estilístico, o “maneirismo” não é facilmente definido. Foi usado pelo historiador suíço Jacob Burckhardt e popularizado pelos historiadores da arte alemães no início do século XX para categorizar a arte aparentemente não-categorizada do século 16 – arte que não mais era encontrada para exibir as abordagens harmoniosas e racionais associadas à Alta Renascença. “Alta Renascença” conota um período que se distingue pela harmonia, a grandeza e o renascimento da antiguidade clássica. O termo maneirista foi redefinido em 1967 por John Shearman após a exposição de pinturas maneiristas organizadas por Fritz Grossmann na Manchester City Art Gallery em 1965. O rótulo “maneirismo” foi usado durante o século XVI para comentar o comportamento social e transmitir um virtuoso refinado. qualidade ou para significar uma certa técnica. No entanto, para escritores posteriores, como o Gian Pietro Bellori do século 17, “la maniera” foi um termo pejorativo para o declínio percebido da arte depois de Rafael, especialmente nas décadas de 1530 e 1540. A partir do final do século XIX, os historiadores da arte comumente usaram o termo para descrever a arte que segue o classicismo renascentista e precede o barroco.

No entanto, os historiadores diferem quanto ao maneirismo ser um estilo, um movimento ou um período; e enquanto o termo permanece controverso, ainda é comumente usado para identificar arte e cultura européias do século XVI.

Origem e desenvolvimento
No final da Alta Renascença, jovens artistas vivenciaram uma crise: parecia que tudo o que poderia ser alcançado já havia sido alcançado. Não há mais dificuldades, técnicas ou outras, a serem resolvidas. O conhecimento detalhado da anatomia, da luz, da fisionomia e do modo como os seres humanos registram a emoção na expressão e no gesto, o uso inovador da forma humana na composição figurativa, o uso da gradação sutil do tom, todos alcançaram a perfeição. Os jovens artistas precisavam encontrar um novo objetivo e buscavam novas abordagens. Nesse ponto, o maneirismo começou a emergir. O novo estilo desenvolveu-se entre 1510 e 1520 em Florença, ou em Roma, ou nas duas cidades simultaneamente.

Origens e modelos
Este período foi descrito como uma “extensão natural” da arte de Andrea del Sarto, Michelangelo e Rafael. Michelangelo desenvolveu seu próprio estilo em tenra idade, um profundamente original que foi muito admirado no início, em seguida, muitas vezes copiado e imitado por outros artistas da época. Uma das qualidades mais admiradas por seus contemporâneos foi sua terribilità, uma sensação de grandeza inspiradora, e artistas subsequentes tentaram imitá-la. Outros artistas aprenderam o estilo apaixonado e altamente pessoal de Michelangelo copiando as obras do mestre, uma maneira padrão que os alunos aprendiam a pintar e a esculpir. Seu teto da Capela Sistina forneceu exemplos para eles seguirem, em particular sua representação de figuras colecionadas, freqüentemente chamadas de ignudi e da Sibila da Líbia, seu vestíbulo para a Biblioteca Laurentina, as figuras em seus túmulos de Medici e, acima de tudo, seu Julgamento Final. O último Michelangelo foi um dos grandes modelos do maneirismo. Jovens artistas invadiram sua casa e roubaram desenhos dele. Em seu livro Vidas dos Pintores, Escultores e Arquitetos Mais Eminentes, Giorgio Vasari observou que Michelangelo declarou uma vez: “Aqueles que são seguidores nunca podem passar por quem eles seguem”.

O espírito competitivo
O espírito competitivo foi cultivado por patrocinadores que encorajaram artistas patrocinados a enfatizar a técnica virtuística e competir uns com os outros por comissões. Isso levou os artistas a procurar novas abordagens e cenas dramaticamente iluminadas, roupas e composições elaboradas, proporções alongadas, poses altamente estilizadas e uma falta de perspectiva clara. Leonardo da Vinci e Michelangelo receberam uma comissão de Gonfaloniere Piero Soderini para decorar uma parede no Salão dos Quinhentos em Florença. Esses dois artistas foram definidos para pintar lado a lado e competir uns contra os outros, alimentando o incentivo para ser o mais inovador possível.

Maneirismo inicial
Os primeiros maneiristas em Florença – especialmente os estudantes de Andrea del Sarto, como Jacopo da Pontormo e Rosso Fiorentino, que se destacam por formas alongadas, poses precariamente equilibradas, uma perspectiva desmoronada, ambientes irracionais e iluminação teatral. Parmigianino (um estudante de Correggio) e Giulio Romano (assistente de cabeça de Raphael) estavam se movendo em direções estéticas similarmente estilizadas em Roma. Estes artistas amadureceram sob a influência do Alto Renascimento, e seu estilo foi caracterizado como uma reação ou extensão exagerada do mesmo. Em vez de estudar a natureza diretamente, os artistas mais jovens começaram a estudar a escultura helenística e as pinturas do passado de mestres. Portanto, esse estilo é frequentemente identificado como “anti-clássico”, mas na época era considerado uma progressão natural da Alta Renascença. A fase experimental mais antiga do maneirismo, conhecida por suas formas “anti-clássicas”, durou até cerca de 1540. ou 1550. Marcia B. Hall, professora de história da arte na Temple University, observa em seu livro After Raphael que a morte prematura de Rafael marcou o início do maneirismo em Roma.

Em análises anteriores, observou-se que o maneirismo surgiu no início do século XVI contemporaneamente com uma série de outros movimentos sociais, científicos, religiosos e políticos, como o modelo copernicano, o saque de Roma, e o crescente desafio da Reforma Protestante ao poder. da Igreja Católica. Por causa disso, as formas alongadas do estilo e as formas distorcidas foram interpretadas como uma reação às composições idealizadas predominantes na arte da Alta Renascença. Esta explicação para a mudança estilística radical c. 1520 caiu em desgraça acadêmica, embora a arte maneirista inicial ainda seja nitidamente contrastada com as convenções do Alto Renascimento; a acessibilidade e o equilíbrio alcançados pela Escola de Raphael de Atenas não mais pareciam interessar jovens artistas.

Maniera alta
O segundo período do Maneirismo é comumente diferenciado da fase anterior, chamada de “anti-clássica”. Maneiristas subseqüentes enfatizaram conceitos intelectuais e virtuosismo artístico, características que levaram os críticos posteriores a acusá-los de trabalhar de maneira não natural e afetada (maniera). Os artistas de Maniera olhavam para seu contemporâneo Michelangelo como seu principal modelo; a deles era uma arte que imitava a arte, em vez de uma arte que imitava a natureza. O historiador de arte Sydney Joseph Freedberg argumenta que o aspecto intelectualizador da maniera art envolve esperar que seu público perceba e aprecie essa referência visual – uma figura familiar em um ambiente desconhecido entre “aspas invisíveis, mas sentidas”. O auge do artifício é a tendência do pintor Maniera para deliberadamente apropriar-se indevidamente de uma citação. Agnolo Bronzino e Giorgio Vasari exemplificam esta linhagem de Maniera que durou de 1530 a 1580. Baseada em grande parte nos tribunais e círculos intelectuais da Europa, a arte de Maniera une elegância exagerada com requintada atenção à superfície e aos detalhes: figuras de pele de porcelana se reclinam , luz moderada, reconhecendo o espectador com um olhar frio, se eles fazem contato visual. O assunto Maniera raramente exibe muita emoção e, por essa razão, os trabalhos que exemplificam essa tendência são freqüentemente chamados de “frios” ou “alheios”. Isso é típico do chamado “estilo elegante” ou Maniera em sua maturidade.

Propagação de maneirismo
As cidades de Roma, Florença e Mântua eram centros maneiristas na Itália. A pintura veneziana seguiu um curso diferente, representado por Ticiano em sua longa carreira. Alguns dos primeiros artistas maneiristas que trabalhavam em Roma durante a década de 1520 fugiram da cidade após o saque de Roma em 1527. Ao se espalharem pelo continente em busca de emprego, seu estilo foi disseminado por toda a Itália e no norte da Europa. O resultado foi o primeiro estilo artístico internacional desde o gótico. Outras partes do norte da Europa não tinham a vantagem de tal contato direto com artistas italianos, mas o estilo maneirista marcou presença em gravuras e livros ilustrados. Governantes europeus, entre outros, compraram obras italianas, enquanto artistas do norte da Europa continuaram a viajar para a Itália, ajudando a difundir o estilo maneirista. Artistas individuais italianos que trabalham no Norte deram origem a um movimento conhecido como Maneirismo do Norte. Francisco I da França, por exemplo, foi presenteado com Vênus, Cupido, Loucura e Tempo de Bronzino. O estilo diminuiu na Itália depois de 1580, quando uma nova geração de artistas, incluindo os irmãos Carracci, Caravaggio e Cigoli, reviveram o naturalismo. Walter Friedlaender identificou esse período como “anti-maneirismo”, assim como os maneiristas primitivos eram “anti-clássicos” em sua reação à distância dos valores estéticos do Alto Renascimento.

Fora da Itália, no entanto, o maneirismo continuou até o século XVII. Na França, onde Rosso viajou para trabalhar na corte de Fontainebleau, é conhecido como o “estilo Henry II” e teve um impacto particular na arquitetura. Outros centros continentais importantes do Maneirismo do Norte incluem a corte de Rudolf II em Praga, bem como Haarlem e Antuérpia. O maneirismo como uma categoria estilística é menos freqüentemente aplicado às artes visuais e decorativas inglesas, onde rótulos nativos como “elizabetano” e “jacobino” são mais comumente aplicados. O Maneirismo Artesanal do século XVII é uma exceção, aplicada à arquitetura que se baseia em livros de padrões, e não em precedentes existentes na Europa Continental.

De particular interesse é a influência flamenga em Fontainebleau que combinou o erotismo do estilo francês com uma versão inicial da tradição vanitas que dominaria a pintura holandesa e flamenga do século XVII. Prevalent neste momento foi o “pittore vago”, uma descrição de pintores do norte que entraram nas oficinas na França e na Itália para criar um estilo verdadeiramente internacional.

Escultura
Como na pintura, a antiga escultura maneirista italiana foi em grande parte uma tentativa de encontrar um estilo original que superasse a realização da Alta Renascença, que na escultura essencialmente significava Michelangelo, e grande parte da luta para conseguir isso foi jogada em comissões para preencher. outros lugares na Piazza della Signoria, em Florença, ao lado do David de Michelangelo. Baccio Bandinelli assumiu o projeto de Hércules e Cacus do próprio mestre, mas era pouco mais popular do que é agora, e maliciosamente comparado por Benvenuto Cellini a “um saco de melões”, embora tivesse um efeito duradouro aparentemente introduzindo painéis de relevo no pedestal de estátuas. Como outras obras de seu e de outros maneiristas, remove muito mais do bloco original do que Michelangelo teria feito. Perseu de bronze de Cellini com a cabeça da Medusa é certamente uma obra-prima, projetada com oito ângulos de visão, outra característica maneirista e artificialmente estilizada em comparação com os Davis de Michelangelo e Donatello. Originalmente um ourives, seu famoso saleiro de ouro e esmalte (1543) foi sua primeira escultura e mostra seu talento no seu melhor.

Pequenas figuras de bronze para gabinetes de colecionador, muitas vezes temas mitológicos com nus, eram uma forma renascentista popular na qual Giambologna, originalmente flamenga mas baseada em Florença, se destacava na parte posterior do século. Ele também criou esculturas em tamanho real, das quais duas entraram na coleção na Piazza della Signoria. Ele e seus seguidores inventaram elegantes exemplos alongados da figura serpentinata, freqüentemente de duas figuras entrelaçadas, que eram interessantes de todos os ângulos.

Teóricos adiantados
Giorgio Vasari
As opiniões de Giorgio Vasari sobre a arte da pintura emergem no elogio que ele confere aos outros artistas em seu volume múltiplo Vidas dos Artistas: ele acreditava que a excelência na pintura exigia refinamento, riqueza de invenções (invenzione), expressas através da técnica virtuosa (maniera) e sagacidade e estudo que apareceram na obra finalizada, todos os critérios que enfatizavam o intelecto do artista e a sensibilidade do patrono. O artista agora não era mais apenas um membro treinado de uma guilda local de São Lucas. Agora ele tomou seu lugar na corte ao lado de estudiosos, poetas e humanistas, em um clima que promoveu uma apreciação pela elegância e complexidade. O brasão de armas dos patrões de Vasari, de Vasari, aparece no topo de seu retrato, como se fosse do próprio artista. O enquadramento da imagem em xilogravura da Vida dos Artistas de Vasari seria chamado de “jacobino” em um ambiente de língua inglesa. Nele, os túmulos de Michelangelo, Medici, inspiram as características “arquitetônicas” anti-arquitetônicas no topo, a armação perfurada por papeis, os nus sátiros na base. Como mera moldura, é extravagante: maneirista, em suma.

Gian Paolo Lomazzo
Outra figura literária do período é Gian Paolo Lomazzo, que produziu duas obras – uma prática e uma metafísica – que ajudaram a definir a relação autoconsciente do artista maneirista com sua arte. Seu Trattato dell’arte della pittura, scoltura e architettura (Milão, 1584) é em parte um guia para os conceitos contemporâneos de decoro, que o Renascimento herdou em parte da Antigüidade, mas o Maneirismo elaborou. A codificação sistemática de estética de Lomazzo, que tipifica as abordagens mais formalizadas e acadêmicas típicas do final do século XVI, enfatizava uma consonância entre as funções dos interiores e os tipos de decorações pintadas e esculpidas que seriam adequadas. A iconografia, muitas vezes complicada e obscura, é um elemento mais proeminente nos estilos maneiristas. A sua menos prática e mais metafísica Idéia do Tempo da Piteira oferece uma descrição ao longo das linhas da teoria dos quatro temperamentos da natureza e da personalidade humanas, definindo o papel da individualidade no julgamento e na arte. invenção.

Alguns artistas maneiristas

Jacopo da Pontormo
O José de Jacopo da Pontormo, no Egito, apresenta o que, na Renascença, teria sido considerado cores incongruentes e uma manipulação incoerente do tempo e do espaço.

Rosso Fiorentino e a escola de Fontainebleau
Rosso Fiorentino, que havia sido aluno de Pontormo no ateliê de Andrea del Sarto, em 1530 trouxe o maneirismo florentino para Fontainebleau, onde se tornou um dos fundadores do maneirismo francês do século XVI, popularmente conhecido como “Escola de Fontainebleau”. .

Os exemplos de um estilo decorativo rico e agitado em Fontainebleau disseminaram ainda mais o estilo italiano por meio de gravuras, a Antuérpia e de lá pelo norte da Europa, de Londres à Polônia. O design maneirista foi estendido a bens de luxo, como móveis prateados e esculpidos. Uma sensação de emoção tensa e controlada expressa em elaborado simbolismo e alegoria, e um ideal de beleza feminina caracterizado por proporções alongadas são características desse estilo.

Agnolo Bronzino
Retratos maneiristas de Agnolo Bronzino distinguem-se por uma elegância serena e uma atenção meticulosa aos detalhes. Como resultado, os assistentes de Bronzino foram projetados para projetar uma indiferença e uma distância emocional marcante do espectador. Há também uma concentração virtuosa na captura do padrão preciso e brilho de tecidos ricos.

Alessandro Allori
A Susanna e os Anciãos de Alessandro Allori (1535-1607) (abaixo) é distinguida pelo erotismo latente e pelos detalhes de vida ainda conscientemente brilhantes, em uma composição cheia e contorcida.

Tintoretto
A Última Ceia de Tintoretto (abaixo) se concentra na luz e no movimento, trazendo a imagem para a vida dramática. Ao contrário das visões mais tradicionais da Última Ceia, Tintoretto retrata o Céu se abrindo para a sala, e os anjos olhando com admiração, em consonância com a velha máxima católica de que “Se os anjos fossem invejosos, invejariam a Eucaristia”.

El Greco
El Greco tentou expressar emoção religiosa com traços exagerados. Depois da representação realista da forma humana e do domínio da perspectiva alcançado no alto classicismo renascentista, alguns artistas começaram a distorcer deliberadamente proporções em um espaço irracional e irracional de efeito emocional e artístico. El Greco ainda é um artista profundamente original. El Greco tem sido caracterizado pelos estudiosos modernos como um artista tão individual que ele não pertence a nenhuma escola convencional. Os principais aspectos do maneirismo em El Greco incluem a paleta “ácida”, a anatomia alongada e torturada, a perspectiva e a luz irracionais e a iconografia obscura e problemática.

Benvenuto Cellini
Benvenuto Cellini criou a Cellini Salt Cellar de ouro e esmalte em 1540 com Poseidon e Amphitrite (água e terra) colocados em posições desconfortáveis ​​e com proporções alongadas. É considerado uma obra-prima da escultura maneirista.

Joachim Wtewael
Joachim Wtewael (1566-1638) continuou a pintar no estilo maneirista do norte até o fim de sua vida, ignorando a chegada do barroco, e fazendo dele talvez o último artista maneirista significativo ainda a trabalhar. Seus temas incluíam cenas grandes com natureza morta, como Pieter Aertsen, e cenas mitológicas, muitas pequenas pinturas em gabinetes lindamente executadas em cobre, e a maioria apresentando nudez.

Giuseppe Arcimboldo
Giuseppe Arcimboldo (também escrito Arcimboldi) é conhecido por seus retratos criados a partir de uma composição de natureza-morta.

Arquitetura maneirista
A arquitetura maneirista foi caracterizada por truques visuais e elementos inesperados que desafiavam as normas do renascimento. Artistas flamengos, muitos dos quais viajaram para a Itália e foram influenciados por desenvolvimentos maneiristas, foram responsáveis ​​pela disseminação das tendências maneiristas na Europa ao norte dos Alpes, inclusive no âmbito da arquitetura. Durante o período, os arquitetos experimentaram o uso de formas arquitetônicas para enfatizar relações sólidas e espaciais. O ideal renascentista da harmonia deu lugar a ritmos mais livres e imaginativos. O arquiteto mais conhecido associado ao estilo maneirista e pioneiro na Biblioteca Laurentina foi Michelangelo (1475-1564). Acredita-se que ele tenha inventado a ordem gigante, uma grande pilastra que se estende do fundo até o topo de uma fachada. Ele usou isso em seu projeto para o Campidoglio em Roma.

Antes do século XX, o termo maneirismo tinha conotações negativas, mas agora é usado para descrever o período histórico em termos mais gerais, sem julgamento. A arquitetura maneirista também tem sido usada para descrever uma tendência nas décadas de 1960 e 1970 que envolveu quebrar as normas da arquitetura modernista e, ao mesmo tempo, reconhecer sua existência. Definindo maneiristas nesse contexto, o arquiteto e autor Robert Venturi escreveu “Maneirismo para a arquitetura de nosso tempo que reconhece a ordem convencional em vez da expressão original, mas quebra a ordem convencional para acomodar complexidade e contradição e, assim, engaja a ambigüidade de forma inequívoca.”

Exemplos renascentistas
Um exemplo de arquitetura maneirista é a Villa Farnese em Caprarola. no lado do país acidentado fora de Roma. A proliferação de gravadores durante o século 16 espalhou estilos maneiristas mais rapidamente do que qualquer outro estilo anterior.

Densa com ornamentos de detalhes “romanos”, a porta de exibição no castelo de Colditz exemplifica esse estilo setentrional, caracteristicamente aplicado como um “pedaço de cenário” isolado contra o muro vernacular despretensioso.

A partir do final da década de 1560, muitos edifícios em Valletta, a nova capital de Malta, foram projetados pelo arquiteto Girolamo Cassar no estilo maneirista. Esses edifícios incluem a Co-Catedral de São João, o Palácio do Grão-Mestre e os sete auberges originais. Muitos dos edifícios de Cassar foram modificados ao longo dos anos, especialmente no período barroco. No entanto, alguns prédios, como o Auberge d’Aragon e o exterior da Co-Catedral de St. John, ainda mantêm a maior parte do design original de Cassar.

Maneirismo na literatura e música
Na literatura inglesa, o Maneirismo é comumente identificado com as qualidades dos poetas “metafísicos” dos quais o mais famoso é John Donne. O espirituoso sally de um escritor barroco, John Dryden, contra o verso de Donne na geração anterior, oferece um contraste conciso entre os objetivos barrocos e maneiristas nas artes:

Ele afeta a metafísica, não só em suas sátiras, mas em seus versos amorosos, onde a natureza deveria reinar; e confunde as mentes do belo sexo com boas especulações de filosofia, quando ele deve envolver seus corações e entretê-los com a suavidade do amor.:15 (itálico adicionado)

As ricas possibilidades musicais na poesia do final do século XVI e início do século XVII forneceram uma base atraente para o madrigal, que rapidamente ganhou destaque como a forma musical preeminente na cultura musical italiana, como discutido por Tim Carter:

O madrigal, particularmente em sua aparência aristocrática, era obviamente um veículo para o “estilo elegante” do maneirismo, com poetas e músicos se deleitando com vaidades espirituosas e outros truques visuais, verbais e musicais para encantar o conhecedor.

A palavra maneirismo também tem sido usada para descrever o estilo de música polifônica altamente florida e complexa, feita na França no final do século XIV. Este período é agora geralmente referido como ars subtilior.

Maneirismo e teatro
A antiga Commedia dell’Arte (1550–1621): O contexto maneirista de Paul Castagno discute o efeito do maneirismo no teatro profissional contemporâneo. Castagno foi o primeiro estudo a definir uma forma teatral como maneirista, empregando o vocabulário do maneirismo e da maniera para discutir a tipificação, exagerada e effetto meraviglioso dos quadrinhos dell’arte. Veja a Parte II do livro acima para uma discussão completa das características maneiristas na commedia dell’arte. O estudo é em grande parte iconográfico, apresentando uma evidência pictórica de que muitos dos artistas que pintaram ou imprimiram imagens commedia foram, de fato, provenientes das oficinas do dia, fortemente abrigados na tradição maniera.

A preciosidade nas minúsculas gravuras de Jacques Callot parece desmentir uma escala muito maior de ação. Balli di Sfessania de Callot (literalmente, dança das nádegas) celebra o erotismo descarado da commedia, com falos salientes, lanças posadas com a antecipação de uma resenha cómica e máscaras grosseiramente exageradas que misturam o bestial com o humano. O erotismo dos innamorados (amantes), incluindo o aparecimento dos seios, ou o uso excessivo do véu, estava bastante em voga nas pinturas e gravuras da segunda escola em Fontainebleau, particularmente aquelas que detectam uma influência franco-flamenga. Castagno demonstra ligações iconográficas entre pintura de gênero e as figuras da commedia dell’arte que demonstram como esta forma teatral foi incorporada nas tradições culturais do final do cinquecento.

Commedia dell’arte, disegno interno e a discordia concors
Corolários importantes existem entre o disegno interno, que substituiu o disegno esterno (desenho externo) na pintura maneirista. Essa noção de projetar uma visão profundamente subjetiva como superação da natureza ou princípios estabelecidos (perspectiva, por exemplo), em essência, a ênfase se distancia do objeto para o sujeito, enfatizando agora a execução, exibições de virtuosismo ou técnicas únicas. Essa visão interna está no coração do desempenho da commedia. Por exemplo, no momento da improvisação, o ator expressa seu virtuosismo sem atender às fronteiras formais, decoro, unidade ou texto. Arlecchino tornou-se emblemático da concórdia maneirista discordia (a união dos opostos), em um momento ele seria gentil e gentil, então, em um centavo, tornar-se um ladrão violentamente atuando com seu batte. Arlecchino poderia ser gracioso em movimento, apenas na próxima batida, para desajeitadamente tropeçar em seus pés. Libertado das regras externas, o ator celebrava a evanescência do momento; da mesma forma que Cellini deslumbraria seus clientes, envolvendo suas esculturas, revelando-lhes efeitos de iluminação e um senso do maravilhoso. A apresentação do objeto tornou-se tão importante quanto o próprio objeto.

Neo-Maneirismo
Segundo o crítico de arte Jerry Saltz, o “neomaneirismo” (novo maneirismo) está entre vários clichês que “espremem a vida para fora do mundo da arte”. O neo-maneirismo descreve a arte do século 21 que é revelada por estudantes cujos professores acadêmicos “os assustaram para que sejam agradavelmente mansos, imitativos e comuns”.