Lucio Fontana (19 de fevereiro de 1899 – 07 de setembro de 1968) foi um pintor italiano, escultor e teórico de nascimento Argentina. Ele foi mais conhecido como o fundador do Spatialism e seus laços com Arte Povera. Ele tornou-se um escultor internacional como um escultor e pintor. Em seu trabalho, ele tratou principalmente com os conceitos de espaço. Ele começou como um artista realista, após a Segunda Guerra Mundial, tornou-se a principal figura da arte avant-garde na Itália.
Nascido em Rosario, província de Santa Fe, Argentina de pais imigrantes italianos, ele era o filho do escultor Luigi Fontana (1865-1946). Fontana passou os primeiros anos de sua vida na Itália e voltou para a Argentina em 1905, onde permaneceu até 1922, trabalhando como escultor junto com seu pai, e depois por conta própria. Já em 1926, ele participou da primeira exposição de Nexus, um grupo de jovens artistas argentinos que trabalham na cidade de Rosário de Santa Fé.
Em 1927, Fontana voltou para a Itália e estudou com o escultor Adolfo Wildt, na Accademia di Brera de 1928 a 1930. Foi lá onde apresentou a sua primeira exposição em 1930, organizado pela galeria de arte Milano Il Milione. Durante a década seguinte, ele viajou a Itália ea França, trabalhando com pintores abstratos e expressionistas. Em 1935 ele se juntou a associação Abstraction-Création em Paris e 1936-1949 feitas esculturas expressionnist em cerâmica e bronze. Em 1939, ele se juntou à Corrente, um grupo Milan de artistas expressionistas.
Em 1940 ele retornou à Argentina. Em Buenos Aires (1946), ele fundou a Academia Altamira, juntamente com alguns de seus alunos, e tornado público o Manifesto Branco, onde se afirma que “a matéria, cor e som em movimento são os fenômenos cujo desenvolvimento simultâneo torna-se a nova arte” . No texto, que Fontana não assinou, mas para a qual ele contribuiu activamente, ele começou a formular as teorias de que ele estava a se expandir como Spazialismo, ou Spatialism, em cinco manifestos de 1947 a 1952. Ao retornar da Argentina em 1947, suportado, juntamente com escritores e filósofos, o primeiro manifesto da Spatialism (Spazialismo) **. Fontana tinha encontrado seu estúdio e funciona completamente destruído nos bombardeios aliados de Milão, mas logo também retomou seus cerâmica funciona em Albisola. Em milão,
Após seu retorno para a Itália em 1948 Fontana exibiu sua primeira Ambiente spaziale uma nera luce (Spatial Ambiente) (1949) na Galleria del Naviglio em Milão, uma instalação temporária que consiste numa forma gigante ameba-como suspenso no vazio em uma sala escura e iluminado por luz de néon. De 1949 em diante, ele começou o chamado conceito espacial ou barra série, que consiste em buracos ou barras na superfície das pinturas monocromáticas, desenhando um sinal do que ele chamou de “uma arte para a Era Espacial”. Ele concebeu o spaziale título genérico Concetto ( ‘conceito espacial’) para essas obras e é usado para quase todas as suas pinturas posteriores. Estes podem ser divididos em categorias amplas: o Buchi ( ‘buracos’), começando em 1949, e o Tagli ( ‘barras’), que ele instituiu, em meados da década de 1950.
Fontana muitas vezes revestidas o inverso de suas telas com gaze preto de modo que a escuridão iria brilhar por trás dos cortes abertos e criar uma sensação misteriosa de ilusão e profundidade. Ele então criou um teto de neon elaborado chamado “Luce spaziale” em 1951 para a Trienal de Milão. Em sua série importante de spaziale Concetto, La Fine di Dio (1963-1964), Fontana usa o formato de ovo. Com sua série Pietre (pedras), iniciado em 1952, Fontana fundido a escultural com a pintura por incrustantes as superfícies de suas telas com impasto pesado e vidro colorido. Em seu ciclo de Buchi (buracos), iniciado em 1949-50, ele perfurou a superfície de suas telas, rompendo a membrana da bidimensionalidade, a fim de destacar o espaço atrás da imagem. De 1958 ele purificou suas pinturas criando fosco, superfícies monocromáticas, concentrando-se, assim, a atenção do espectador sobre as fatias que dilaceram a pele da tela. Em 1959 Fontana exibiu pinturas de corte com vários elementos combináveis (ele chamou os quanta sets), e começou a Natureza, uma série de esculturas feitas cortando um corte através de uma esfera de argila de terracota, que posteriormente fundida em bronze.
Fontana envolvido em muitos projetos de colaboração com os arquitetos mais importantes do dia, em particular com Luciano Baldessari, que compartilhou e apoiou sua Investigação sobre o Espaço Light – Estrutura em Neon (1951) na 9ª Triennale e, entre outras coisas, encarregou-o de projetar o teto do cinema no Sidercomit pavilhão na Feira de Milão 21 em 1953.
Por volta de 1960, Fontana começou a reinventar os cortes e perfurações que caracterizaram seu estilo altamente pessoal até esse ponto, cobrindo telas com camadas de tinta a óleo espesso aplicados à mão e escova e usando um bisturi ou faca Stanley para criar grandes fissuras em sua superfície . Em 1961, na sequência de um convite para participar junto com artistas Jean Dubuffet, Mark Rothko, Sam Francis, e outros em uma exposição de pintura contemporânea intitulado “Arte e Contemplação”, realizada no Palazzo Grassi, em Veneza, ele criou uma série de 22 obras dedicadas para a cidade lagoa. Ele manipulou a pintura com os dedos e vários instrumentos para fazer sulcos, por vezes, incluindo fragmentos dispersos de vidro Murano. Fontana foi posteriormente convidado por Michel Tapié para expor as obras no Martha Jackson Gallery, em Nova York.
Entre as últimas obras de Fontana são uma série de Teatrini ( ‘pequenos teatros’), em que ele voltou para uma linguagem essencialmente plana usando backcloths fechados dentro de asas que se assemelham a um quadro; a referência ao teatro enfatiza o ato de olhar, enquanto no primeiro plano uma série de esferas irregulares ou oscilantes, silhuetas onduladas cria um jogo de sombras animada. Outro trabalho a partir desse momento, Trinità (Trinity) (1966), consiste em três grandes telas brancas pontuadas por linhas de furos, abraçado num ambiente teatral feita a partir de folhas de plástico ultramarino vagamente asas assemelhando-se.
Nos últimos anos de sua carreira, Fontana tornou-se cada vez mais interessados na realização de seu trabalho nas muitas exposições que lhe honrados em todo o mundo, bem como na ideia de pureza alcançado em suas últimas telas brancas. Estas preocupações foram destaque em 1966 Bienal de Veneza, para o qual ele projetou o ambiente para o seu trabalho. Na Documenta IV em Kassel, em 1968, ele posicionou uma grande barra de gesso como o centro de um labirinto totalmente branco, inclusive teto e piso (Ambiente spaziale bianco).
Pouco antes de sua morte, ele esteve presente na “Art destruição, destrua criar” demonstração no Museu Finch College of New York. Então, ele deixou sua casa em Milão e foi para Comabbio (na província de Varese, Itália), cidade mãe de sua família, onde morreu em 1968.
Fontana criado uma quantidade abundante de trabalho gráfico com motivos abstratos, bem como figuras, pouco conhecido no mundo da arte, ao mesmo tempo que ele estava produzindo seus abstratas obras perfuradas. Ele também foi o escultor do busto de Ovidio Lagos, fundador do jornal La Capital, em mármore de Carrara.
Fontana teve suas primeiras exposições individuais na Galleria del Milione, Milão, em 1931. Em 1961, Michel Tapié organizou seu primeiro show nos EUA, uma exposição da série de Veneza, ao Martha Jackson Gallery, Nova York. Sua primeira exposição individual em um museu americano foi realizada no Walker Art Center, Minneapolis, em 1966. Ele participou da Bienal de São Paulo e em numerosas exposições em todo o mundo. Entre outros, grandes retrospectivas foram organizados pela Coleção Peggy Guggenheim, em Veneza (2006), Hayward Gallery, Londres (1999), Fondazione Lucio Fontana (1999), eo Centro Georges Pompidou (1987; viajou para La Fundación ‘la Caixa’ Barcelona; Stedelijk Museum, Amesterdão; Whitechapel Gallery, Londres). Desde 1930 trabalho de Fontana tinha sido exibido regularmente na Bienal de Veneza, e ele representou a Argentina várias vezes; ele foi premiado com o Grande Prémio de Pintura na Bienal de Veneza de 1966. Em 2014, o Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris dedica uma retrospectiva ao artista. Tornabuoni de arte realizada uma mostra paralela em sua galeria Avenue Matignon Paris espaço.
Hoje obras de Fontana pode ser encontrada nas coleções permanentes de mais de cem museus ao redor do mundo. Em particular, exemplos da série Pietre estão alojados no Museu Stedelijk, Amesterdão, o Centro Pompidou, Paris, o Museu de Arte Moderna de Nova York, o Galleria Nazionale d’Arte Moderna, em Roma, e o Van Abbemuseum, Eindhoven. jóias de Fontana está incluído na coleção permanente do Museu de Belas Artes de Boston.
estudioso italiano Henry Crispolti editou um de dois volumes catálogo raisonné de pinturas, esculturas e ambientes de Fontana em 2006. Em 2013, Luca Massimo Barbero, Nina Ardemagni Laurini e Silvia Ardemagni publicou um três volumes catálogo raisonné das obras de Fontana em papel, incluindo mais de 5.500 obras em ordem cronológica.
Um, grande trabalho carmesim rara com uma única barra, que Fontana dedicado a sua esposa e que sempre foi conhecido como o Teresita, pegou £ 6,7 milhões ($ 11,6 milhões) em Londres de Christie em 2008, em seguida, um recorde em leilão para o artista. de Fontana Concetto Spaziale, attese (1965), a partir da coleção de Anna-Stina Malmborg Hoglund e Gunnar Hoglund estabeleceu um novo recorde para uma pintura barra em £ 8,4 milhões em Londres da Sotheby em 2015. Ainda mais populares são telas oval de Fontana. Sotheby vendeu um trabalho intitulado spaziale Concetto, la di dio fino (1963) por £ 10,32 milhões em 2008. Parte do círculo Veneza de Fontana, Festival no Grande Canal foi vendido na Christie, em Nova York por US $ 7 milhões em 2008.