Modernismo tardio

Nas artes visuais, o modernismo tardio engloba a produção geral da mais recente arte feita entre as conseqüências da Segunda Guerra Mundial e os primeiros anos do século XXI. A terminologia freqüentemente aponta para semelhanças entre o modernismo tardio e o pós-modernismo, embora existam diferenças. O termo predominante para a arte produzido desde a década de 1950 é a arte contemporânea. Nem toda arte rotulada como arte contemporânea é modernista ou pós-moderna, e o termo mais amplo engloba tanto artistas que continuam a trabalhar em tradições modernas e modernistas tardias, quanto artistas que rejeitam o modernismo para o pós-modernismo ou outras razões. Arthur Danto argumenta explicitamente em After the of art que a contemporaneidade era o termo mais amplo, e que os objetos pós-modernos representam um subsetor do movimento contemporâneo que substituiu a modernidade e o modernismo, enquanto outros críticos notáveis: Hilton Kramer, Robert C. Morgan, Kirk Varnedoe, Jean-François Lyotard e outros argumentaram que os objetos pós-modernos são, na melhor das hipóteses, relativos aos trabalhos modernistas.

O jargão que engloba os dois termos modernismo tardio e arte pós-moderna é usado para denotar o que pode ser considerado como a fase final da arte moderna, como arte no final do modernismo ou como certas tendências da arte contemporânea.

Há aqueles que argumentam contra uma divisão nos períodos moderno e pós-moderno. Nem todos os críticos concordam que o estágio denominado modernismo está terminado ou até perto do fim. Não há acordo de que toda arte depois do modernismo é pós-moderna. A arte contemporânea é o termo mais amplamente usado para denotar o trabalho desde aproximadamente 1960, embora tenha muitos outros usos também. A arte pós-moderna também não é universalmente separada do modernismo, com muitos críticos a vendo como meramente outra fase da arte moderna ou como outra forma de modernismo tardio.

Tal como acontece com todos os usos do termo pós-moderno, há críticos de sua aplicação, no entanto, neste momento, esses críticos estão em minoria. Isso não quer dizer que a fase da arte denotada pelo pós-modernismo seja aceita, apenas que a necessidade de um termo para descrever os movimentos da arte após o auge do expressionismo abstrato está bem estabelecida. No entanto, embora o conceito de mudança tenha chegado ao consenso, e se é uma mudança pós-modernista, ou um período modernista tardio, é indeterminado, o consenso é que uma profunda mudança na percepção das obras de arte ocorreu e uma nova era vem surgindo no cenário mundial desde pelo menos a década de 1960.

Na literatura, o termo modernismo tardio refere-se a obras de literatura produzidas após a Segunda Guerra Mundial. No entanto, existem várias definições diferentes de literatura modernista tardia. O mais comum refere-se a trabalhos publicados entre 1930 e 1939, ou 1945. No entanto, há modernistas, como Basil Bunting (1900-1985) e TS Eliot (1888-1965), escrevendo depois de 1945, e Samuel Beckett, que morreu em 1989, foi descrito como um “modernista posterior”. Eliot publicou duas peças na década de 1950 e o longo poema modernista de Bunting “Briggflatts” foi publicado em 1965. Os poetas Charles Olson (1910-1970) e JH Prynne (1936-) são, entre outros escritos na segunda metade do século 20, que foram descritos como modernistas tardios. Há ainda a questão de saber se a literatura modernista tardia difere de maneira importante das obras modernistas produzidas antes de 1930. Para confundir as coisas, mais recentemente o termo modernismo tardio foi redefinido por pelo menos um crítico e usado para se referir a obras escritas depois. 1945, em vez de 1930. Com esse uso, a idéia de que a ideologia do modernismo foi significativamente remodelada pelos eventos da Segunda Guerra Mundial, especialmente o Holocausto e o lançamento da bomba atômica.

Diferenças do pós-modernismo
O modernismo tardio descreve movimentos que tanto surgem como reagem contra tendências do modernismo e rejeitam algum aspecto do modernismo, enquanto desenvolvem plenamente a potencialidade conceitual do empreendimento modernista. Em algumas descrições, o pós-modernismo como um período na arte é concluído, enquanto em outros é um movimento contínuo na arte contemporânea. Na arte, os traços específicos do modernismo que são citados são geralmente a pureza formal, a especificidade do meio, a arte pela arte, a possibilidade de autenticidade na arte, a importância ou mesmo a possibilidade da verdade universal na arte, e a importância de uma vanguarda e originalidade. Este último ponto é de particular controvérsia na arte, onde muitas instituições argumentam que ser visionário, visionário, inovador e progressista é crucial para a missão da arte no presente, e que o pós-moderno, portanto, representa uma contradição do valor de ” arte dos nossos tempos “.

Uma definição compacta oferecida é que, enquanto o pós-modernismo atua na rejeição das grandes narrativas de direção artística do modernismo, e para erradicar as fronteiras entre as formas alta e baixa de arte, para romper o gênero e suas convenções com colisão, colagem e fragmentação. A arte pós-moderna é vista como acreditando que todas as posições são instáveis ​​e insinceras, e portanto ironia, paródia e humor são as únicas posições que não podem ser derrubadas pela crítica ou por eventos posteriores.

Muitas dessas características estão presentes nos movimentos modernos da arte, particularmente a rejeição da separação entre as formas alta e baixa de arte. No entanto, essas características são consideradas fundamentais para a arte pós-moderna, em oposição a apenas presentes em um grau ou outro. Um dos mais importantes pontos de diferença, no entanto, entre o pós-modernismo e o modernismo, como movimentos artísticos, é a posição progressista do modernismo de que as novas obras são mais “avançadas” e avançadas, enquanto os movimentos pós-modernos geralmente rejeitam a noção que pode haver avanço ou progresso na arte em si e, portanto, um dos projetos da arte deve ser a derrubada do “mito da vanguarda”. Isso se relaciona com a negação do que os filósofos pós-estruturalistas chamam de “metanarrativas”.

Rosalind Krauss foi um dos importantes anunciadores da visão de que o vanguardismo havia acabado e que a nova era artística existia em uma normalidade pós-liberal e pós-progresso. Um exemplo desse ponto de vista é explicado por Robert Hughes em O choque do novo em seu capítulo “O futuro que foi”:

Onde esta nova academia começou? Em suas origens, o mito da vanguarda havia considerado o artista um precursor; o trabalho significativo é aquele que prepara o futuro. O culto do precursor terminou por desordenar a paisagem com absurdas afirmações proféticas. A ideia de uma vanguarda cultural era inimaginável antes de 1800. Foi fomentada pela ascensão do liberalismo. Onde o gosto dos tribunais religiosos ou seculares determinava o patrocínio, a inovação “subversiva” não era considerada um sinal de qualidade artística. Também não era a autonomia do artista, que viria com os românticos.

– Robert Hughes, o choque do novo
Como com todos os usos do termo pós-moderno, há críticas à sua aplicação. Kirk Varnedoe, por exemplo, afirmou que não existe tal coisa como pós-modernismo, e que as possibilidades do modernismo ainda não foram esgotadas. Esses críticos estão atualmente em minoria.

Hilton Kramer descreve o pós-modernismo como “uma criação do modernismo no final de sua corrente”. Jean-François Lyotard, na análise de Frederic Jameson, não sustenta que há um estágio pós-moderno radicalmente diferente do período do alto modernismo; em vez disso, o descontentamento pós-moderno com esse ou aquele alto estilo modernista é parte da experimentação do alto modernismo, dando origem a novos modernismos.

Movimentos radicais na arte moderna
Os movimentos radicais no modernismo, a arte moderna e as tendências radicais consideradas influentes e potencialmente precursoras do modernismo tardio e do pós-modernismo surgiram em torno da Primeira Guerra Mundial e, particularmente, em suas conseqüências. Com a introdução do uso de artefatos industriais na arte, movimentos como o cubismo, o dadá e o surrealismo, bem como técnicas como colagem e formas artísticas, como o cinema, e a ascensão da reprodução como meio de criar obras de arte. Tanto Pablo Picasso, o modernista, quanto Marcel Duchamp, o rebelde, criaram obras importantes e influentes a partir de objetos encontrados.

Fauvismo, cubismo, dada, surrealismo como precedente
No início do século XX, após o impacto de Henri Matisse e André Derain como pintores fauvistas e as monumentais inovações de Pablo Picasso e Georges Braque e o sucesso mundial do cubismo e o fortalecimento da vanguarda, Marcel Duchamp exibiu um mictório como escultura. Seu objetivo era que as pessoas olhassem para o mictório como se fosse uma obra de arte, porque ele dizia que era uma obra de arte. Ele se referiu ao seu trabalho como “readymades”. A fonte, foi um mictório assinado com o pseudônimo R. Mutt, que chocou o mundo da arte em 1917. Este e outros trabalhos de Duchamp são geralmente rotulados como Dada.

O dadaísmo pode ser visto como parte da propensão modernista de desafiar estilos e formas estabelecidos, juntamente com o surrealismo, o futurismo e o expressionismo abstrato. Do ponto de vista cronológico, Dada está localizado solidamente dentro do modernismo, mas alguns críticos afirmam que ele antecipa o pós-modernismo, enquanto outros, como Ihab Hassan e Steven Connor, o consideram um possível ponto de transição entre o modernismo e o pós-modernismo.

Fauvismo e Henri Matisse, em particular, tornaram-se uma importante influência tanto no expressionismo abstrato quanto na pintura de campo de cores, marcos importantes do modernismo tardio. A dança é comumente reconhecida como “um ponto-chave da carreira de Matisse e no desenvolvimento da pintura moderna”. Com sua grande extensão de azul, simplicidade de design e ênfase no sentimento puro, a pintura foi enormemente influente para artistas americanos que a viram no MoMA em Nova York.

Alta arte e cultura
O ponto de ignição para a definição do modernismo como um movimento foi a rejeição austera da cultura popular como kitsch por importantes artistas do pós-guerra e formadores de gosto, mais notavelmente Clement Greenberg com seu ensaio Avant-Garde e Kitsch, publicado pela primeira vez na Partisan Review. 1939. Durante as décadas de 1940 e 1950, Greenberg provou ser um crítico de arte articulado e poderoso. Em particular, seus escritos sobre o expressionismo abstrato americano e o modernismo europeu do século XX defenderam de maneira persuasiva a arte e a cultura do Alto. Em 1961, Arte e Cultura, Beacon Press, uma coleção altamente influente de ensaios de Clement Greenberg foi publicada pela primeira vez. Greenberg é pensado principalmente como um crítico de arte formalista e muitos de seus ensaios mais importantes são cruciais para a compreensão da história da arte moderna e da história do modernismo e modernismo tardio.

Jackson Pollock: expressionismo abstrato
Durante o final da década de 1940, a abordagem radical de Pollock à pintura revolucionou o potencial de toda a arte contemporânea que o seguia. Até certo ponto, Pollock percebeu que a jornada para fazer uma obra de arte era tão importante quanto a própria obra de arte. Como as reinvenções inovadoras de pintura e escultura de Pablo Picasso perto da virada do século através do cubismo e da escultura construída, Pollock redefiniu a forma como a arte é feita em meados do século. O movimento de Pollock – longe da pintura de cavalete e da convencionalidade – foi um sinal libertador para seus artistas contemporâneos e para todos os que vieram depois. Artistas perceberam que o processo de Jackson Pollock – trabalhando no chão, lona crua esticada, de todos os quatro lados, usando materiais artísticos, materiais industriais, imagens, não imagens, jogando meadas lineares de tinta, pingando, desenhando, manchando, escovando, arte além de qualquer limite anterior. O expressionismo abstrato em geral expandiu e desenvolveu as definições e possibilidades que os artistas dispunham para a criação de novas obras de arte. De certa forma, as inovações de Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt e outros abriram as comportas para a diversidade e abrangência de toda a arte que as seguia. .

Neo-Dada, colagem e montagem
Relacionado ao expressionismo abstrato estava o surgimento de itens manufaturados combinados – com materiais artísticos, afastando-se das convenções anteriores de pintura e escultura. Esta tendência na arte é exemplificada pelo trabalho de Robert Rauschenberg, cujas “combinações” na década de 1950 foram precursores da arte pop e instalação, e fez uso do conjunto de grandes objetos físicos, incluindo animais empalhados, aves e fotografia comercial.

Leo Steinberg usa o termo pós-modernismo em 1969 para descrever o plano plano de “flatbed” de Rauschenberg, contendo uma série de imagens e artefatos culturais que não eram compatíveis com o campo pictórico da pintura pré-modernista e modernista. Craig Owens vai além, identificando o significado do trabalho de Rauschenberg não como uma representação, na visão de Steinberg, da “mudança da natureza para a cultura”, mas como uma demonstração da impossibilidade de aceitar sua oposição.

Steven Best e Douglas Kellner identificam Rauschenberg e Jasper Johns como parte da fase de transição, influenciada por Marcel Duchamp, entre o modernismo e o pós-modernismo. Ambas usaram imagens de objetos comuns, ou os próprios objetos, em seu trabalho, enquanto retinham a abstração e os gestos pictóricos do alto modernismo.

Pintura abstrata e escultura nas décadas de 1960 e 1970
Na pintura abstrata e escultura durante os anos 1950 e 1960 abstração geométrica surgiu como uma importante direção nas obras de muitos escultores e pintores. Na pintura da pintura de campo de cor, o minimalismo, a pintura de ponta e a abstração lírica constituíam novas direções radicais.

Helen Frankenthaler, Morris Louis, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Richard Diebenkorn, David Smith, Sir Anthony Caro, Mark de Suvero, Gene Davis, Kenneth Noland, Jules Olitski, Isaac Witkin, Anne Truitt, Kenneth Snelson, Al, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Brice Marden, Robert Mangold, Walter Darby Bannard, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Charles Hinman, Sam Gilliam, Peter Reginato, foram alguns dos artistas cujas obras caracterizaram a pintura abstrata e escultura na década de 1960. A abstração lírica compartilha semelhanças com a pintura de campo de cores e o expressionismo abstrato, especialmente no uso livre da pintura – textura e superfície. O desenho direto, o uso caligráfico da linha, os efeitos da pintura escovada, salpicada, manchada, riscada, derramada e salpicada superficialmente se assemelham aos efeitos vistos no expressionismo abstrato e na pintura do campo de cor. No entanto, os estilos são marcadamente diferentes. Afastá-lo do expressionismo abstrato e da pintura de ação das décadas de 1940 e 1950 é a abordagem da composição e do drama. Como visto na pintura de ação, há uma ênfase nas pinceladas, no alto drama composicional, na tensão composicional dinâmica. Enquanto na abstração lírica há um senso de aleatoriedade composicional, toda a composição, drama composicional discreto e relaxado e uma ênfase no processo, repetição e toda a sensibilidade. Durante as décadas de 1960 e 1970, artistas tão poderosos e influentes como Robert Motherwell, Adolph Gottlieb, Phillip Guston, Lee Krasner, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Richard Diebenkorn, Josef Albers, Elmer Bischoff, Agnes Martin, Al Held, Sam Francis, Ellsworth Kelly, Louis Morris, Helen Frankenthaler, Gene Davis, Frank Stella, Kenneth Noland, Joan Mitchell, Friedel Dzubas e artistas mais jovens como Brice Marden, Robert Mangold, Sam Gilliam, John Hoyland, Sean Scully, Elizabeth Murray, Larry Poons, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronnie Landfield, Ronald Davis, Dan Christensen, Joan Snyder, Ross Bleckner, Archie Rand, Richard Saba, Susan Crile, Mino Argento e dezenas de outros continuaram a produzir pinturas vitais e influentes.

Minimalismo e pós-minimalismo
No início dos anos 1960, o minimalismo emergiu como um movimento abstrato na arte (com raízes na abstração geométrica via Malevich, Bauhaus e Mondrian). Importantes artistas que emergiram como pioneiros do minimalismo incluem Frank Stella, Larry Bell, Ad Reinhardt, Agnes Martin, Barnett Newman, Donald Judd, Tony Smith, Carl Smith, Robert Smithson, Sol LeWitt, Dan Flavin, Robert Mangold, Robert Morris e Ronald. Bladen entre outros. Esses artistas também costumavam usar telas moldadas, como no exemplo de Richard Tuttle mostrado à direita. A arte minimalista rejeitava a ideia de pintura relacional e subjetiva, a complexidade das superfícies expressionistas abstratas e o espírito emocional e polêmico presentes na arena da pintura de ação. O minimalismo argumentou que a extrema simplicidade poderia capturar toda a representação sublime necessária na arte. Associado a pintores como Frank Stella, o minimalismo na pintura e na escultura, em oposição a outras áreas, é um movimento modernista tardio e, dependendo do contexto, pode ser interpretado como um precursor do movimento pós-moderno.

Hal Foster, em seu ensaio The Crux of Minimalism, examina até que ponto Donald Judd e Robert Morris reconhecem e superam o modernismo greenbergiano em suas definições publicadas de minimalismo. Ele argumenta que o minimalismo não é um “beco sem saída” do modernismo, mas uma “mudança de paradigma em direção às práticas pós-modernas que continuam a ser elaboradas hoje”.

No final da década de 1960, o termo Pós-minimalismo foi cunhado por Robert Pincus-Witten para descrever a arte derivada minimalista que tinha conteúdo e nuances contextuais que o minimalismo rejeitava e foi aplicada ao trabalho de Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra e novo trabalho de os ex-minimalistas Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt e Barry Le Va e outros.

Rosalind Krauss argumenta que em 1968 artistas como Morris, LeWitt, Smithson e Serra haviam “entrado em uma situação cujas condições lógicas não podem mais ser descritas como modernistas”. A expansão da categoria de escultura para incluir a land art e a arquitetura “trouxe a mudança para o pós-modernismo”.

Minimalistas como Donald Judd, Dan Flavin, Carl André, Agnes Martin, John McCracken e outros continuaram a produzir suas últimas pinturas e esculturas modernistas para o restante de suas carreiras.

Arte de processo
No final da década de 1960, no entanto, a arte processual surgiu como um conceito e movimento revolucionário que abrangia pintura e escultura, através da abstração lírica e do movimento pós-minimalista, e na arte conceitual primitiva. Eva Hesse, Robert Smithson, Walter De Maria, Keith Sonnier, Richard Serra, Nancy Graves, Jannis Kounellis, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Mel Bochner, Wilna Wilke, Lynda Benglis, Robert Morris, LeWitt Sol, Barry Le Va, Michael Heizer, Lawrence Weiner, Joseph Kosuth e Alan Saret, foram alguns dos artistas de processo que surgiram durante a década de 1960. A arte de processo inspirada em Pollock possibilitou que os artistas experimentassem e usassem uma enciclopédia diversa de estilo, conteúdo, material, posicionamento, noção de tempo, escala, tamanho, espaço plástico e real.

Arte pop
O termo “pop art” foi usado por Lawrence Alloway para descrever pinturas que celebravam o consumismo da era pós Segunda Guerra Mundial. Esse movimento rejeitava o expressionismo abstrato e seu foco no interior hermenêutico e psicológico, em favor da arte que retratava e muitas vezes celebrava a cultura material do consumo, a propaganda e a iconografia da era da produção em massa. Os primeiros trabalhos de David Hockney e os trabalhos de Richard Hamilton, John McHale e Eduardo Paolozzi foram considerados exemplos seminais no movimento. Enquanto exemplos posteriores americanos incluem a maior parte das carreiras de Andy Warhol e Roy Lichtenstein e seu uso de Benday dots, uma técnica usada na reprodução comercial. Há uma ligação clara entre as obras radicais de Duchamp, o rebelde dadaísta – com senso de humor; e artistas pop como Claes Oldenburg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein e os outros.

Em geral, a pop art e o minimalismo começaram como movimentos modernistas, uma mudança no paradigma e uma divisão filosófica entre formalismo e anti-formalismo no início dos anos 1970 fizeram com que esses movimentos fossem vistos por alguns como precursores ou transição para a arte pós-moderna. Outros movimentos modernos citados como influentes para a arte pós-moderna são a arte conceitual, o dadá e o surrealismo e o uso de técnicas como montagem, montagem, colagem, bricolagem e formas de arte que usavam gravação ou reprodução como base para obras de arte.

Existem diferentes opiniões sobre se a pop art é um movimento modernista tardio ou se é pós-moderna. Thomas McEvilly, concordando com Dave Hickey, diz que o pós-modernismo nas artes visuais começou com as primeiras exposições de arte pop em 1962, “embora demorasse cerca de vinte anos antes que o pós-modernismo se tornasse uma atitude dominante nas artes visuais”. Frederic Jameson também considera a pop art como pós-moderna.

Uma maneira pela qual a pop art é pós-moderna é que ela quebra o que Andreas Huyssen chama de “Grande Divisória” entre a alta arte e a cultura popular. O pós-modernismo emerge de uma “recusa geracional das certezas categóricas do alto modernismo”. Embora pressupor que o modernismo defende apenas a “alta arte”, e é de alguma maneira certo o que constitui a arte “alta”, é profundamente e basicamente não compreende o modernismo.

Arte de performance e acontecimentos
Durante o final dos anos 1950 e 1960, artistas com uma ampla gama de interesses começaram a empurrar as fronteiras da arte contemporânea. Yves Klein, na França, e Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman e Yoko Ono, em Nova York, foram pioneiras em obras de arte baseadas no desempenho. Grupos como The Living Theatre, com Julian Beck e Judith Malina, colaboraram com escultores e pintores criando ambientes; mudando radicalmente a relação entre público e performer, especialmente em sua peça Paradise Now. O Judson Dance Theatre localizado na Judson Memorial Church, Nova York, e os dançarinos do Judson, notavelmente Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs, Steve Paxton e outros colaboraram com os artistas Robert. Morris, Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg e engenheiros como Billy Klüver. Estas performances foram muitas vezes concebidas para criar uma nova forma de arte, combinando escultura, dança e música ou som, muitas vezes com participação do público. Os trabalhos foram caracterizados pelas filosofias redutivas do minimalismo, pela improvisação espontânea e pela expressividade do expressionismo abstrato.

Durante o mesmo período – no final dos anos 50, até meados da década de 1960, vários artistas de vanguarda criaram o Happenings. Acontecimentos foram encontros misteriosos e muitas vezes espontâneos e improvisados ​​de artistas e seus amigos e parentes em vários locais especificados. Muitas vezes incorporando exercícios de absurdo, exercícios físicos, fantasias, nudez espontânea e vários atos aleatórios e aparentemente desconexos. Allan Kaprow, Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms e Robert Whitman, entre outros, foram notáveis ​​criadores de Happenings.

Fluxus
Fluxus foi nomeado e vagamente organizado em 1962 por George Maciunas (1931-1978), um artista americano nascido na Lituânia. Fluxus traça seus primórdios para as aulas de Composição Experimental de 1957 a 1959 de John Cage na New School for Social Research em Nova York. Muitos de seus alunos eram artistas que trabalhavam em outras mídias com pouco ou nenhum conhecimento musical. Os alunos de Cage incluíam os membros fundadores do Fluxus, Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht e Dick Higgins.

Fluxus encorajou a estética do faça você mesmo e valorizou a simplicidade em detrimento da complexidade. Como Dada antes, Fluxus incluía uma corrente forte de anticomercialismo e uma sensibilidade anti-arte, depreciando o mundo da arte convencional orientado pelo mercado em favor de uma prática criativa centrada no artista. Os artistas da Fluxus preferiram trabalhar com qualquer material que estivesse à mão e criaram seu próprio trabalho ou colaboraram no processo de criação com seus colegas.

Andreas Huyssen critica as tentativas de reivindicar Fluxus para o pós-modernismo como “ou o código mestre do pós-modernismo ou o movimento de arte em última instância irrepresentável – por assim dizer, o sublime do pós-modernismo”. Em vez disso, ele vê Fluxus como um dos principais fenômenos neodatistas dentro da tradição de vanguarda. Não representou um grande avanço no desenvolvimento de estratégias artísticas, embora tenha expressado uma rebelião contra “a cultura administrada dos anos 50, na qual um modernismo moderado e domesticado servia de apoio ideológico à Guerra Fria”.

Alto e baixo
Como uma espécie de resposta a Avant-Garde and Kitsch, de Clement Greenberg, em 1990, Kirk Varnedoe e Adam Gopnik realizaram curadoria de Alta e Baixa: Arte Moderna e Cultura Popular, no Museu de Arte Moderna de Nova York. A exposição tentou elucidar a extensão que os artistas e a alta cultura usavam e da cultura popular. Embora universalmente criticado na época como o único evento que poderia trazer Douglas Crimp e Hilton Kramer juntos em um coro de desprezo. A exposição é lembrada hoje como uma referência do conflito entre modernismo tardio e pós-modernismo.

Movimentos associados à arte pós-moderna

Arte conceitual
A arte conceitual tornou-se um importante desenvolvimento da arte contemporânea no final dos anos 1960, e produziu uma crítica influente sobre o status quo. O modernismo tardio se expandiu e se contraiu no final dos anos 1960 e, para alguns, a arte conceitual rompeu totalmente com o modernismo. Às vezes é rotulado como pós-moderno porque está expressamente envolvido na desconstrução do que faz uma obra de arte, “arte”. A arte conceitual, porque muitas vezes é projetada para confrontar, ofender ou atacar noções mantidas por muitas das pessoas que a visualizam, é vista com particular controvérsia. Duchamp pode ser visto como um precursor da arte conceitual. Assim, porque Fountain foi exibido, era uma escultura. Marcel Duchamp deu a famosa “arte” em favor do xadrez. O compositor de vanguarda David Tudor criou uma peça, Reunion (1968), escrita em conjunto com Lowell Cross, que apresenta um jogo de xadrez, onde cada movimento desencadeia um efeito de iluminação ou projeção. Na estréia, o jogo foi disputado entre John Cage e Marcel Duchamp. Alguns outros exemplos famosos são o 4’33 “de John Cage, que são quatro minutos e trinta e três segundos de silêncio e o Desenho de De Kooning Apagado de Rauschenberg. Muitos trabalhos conceituais tomam a posição de que a arte é criada pelo espectador visualizando um objeto ou como arte, não das qualidades intrínsecas do próprio trabalho.

Instalação de arte
Uma série importante de movimentos na arte que têm sido consistentemente descritos como pós-modernos envolveu arte de instalação e criação de artefatos que são conceituais por natureza. Um exemplo são os sinais de Jenny Holtzer, que usam os artefatos para transmitir mensagens específicas, como “Proteja-me do que eu quero”. Instalação A arte tem sido importante na determinação dos espaços selecionados para os museus de arte contemporânea, a fim de poder realizar as grandes obras que são compostas de grandes colagens de objetos fabricados e encontrados. Essas instalações e colagens geralmente são eletrificadas, com partes móveis e luzes.

Eles são freqüentemente projetados para criar efeitos ambientais, como a Cortina de Ferro de Christo e Jeanne-Claude, que era uma fileira de barris destinados a criar um engarrafamento.

Intermedia e multimídia
Outra tendência na arte que tem sido associada ao termo pós-moderno é o uso de vários meios diferentes juntos. Intermedia, um termo cunhado por Dick Higgins e destinado a transmitir novas formas de arte ao longo das linhas de Fluxus, Poesia Concreta, Objetos Encontrados, Arte da Performance e Arte da Computação. Higgins foi o editor da Something Else Press, um poeta concreto, casado com a artista Alison Knowles e admiradora de Marcel Duchamp. Ihab Hassan inclui, “Intermedia, a fusão de formas, a confusão de reinos”, em sua lista das características da arte pós-moderna. Uma das formas mais comuns de “arte multimídia” é o uso de monitores de fita de vídeo e monitores CRT, denominados videoarte. Embora a teoria de combinar múltiplas artes em uma arte seja bastante antiga e tenha sido revivida periodicamente, a manifestação pós-moderna é frequentemente combinada com a performance art, onde o subtexto dramático é removido, e o que resta são as declarações específicas do artista em questão ou a declaração conceptual da sua acção.

Arte de apropriação e arte neo-conceitual
Em seu ensaio de 1980, The alegor Impulse: Em direção a uma teoria do pós-modernismo, Craig Owens identifica o ressurgimento de um impulso alegórico como uma característica da arte pós-moderna. Esse impulso pode ser visto na arte de apropriação de artistas como Sherrie Levine e Robert Longo porque “imagens imagéticas alegóricas são imagens apropriadas”. A arte de apropriação desbancou as noções modernistas de gênio e originalidade artística e é mais ambivalente e contraditória do que a arte moderna, ao mesmo tempo em que instala e subverte as ideologias, “sendo críticas e cúmplices”.

Neo-expressionismo
O retorno às formas tradicionais de escultura e pintura no final dos anos 1970 e início dos anos 1980, vistas no trabalho de artistas neo-expressionistas como Georg Baselitz e Julian Schnabel, tem sido descrito como uma tendência pós-moderna, e um dos primeiros movimentos coerentes surgem na era pós-moderna. Suas fortes ligações com o mercado de arte comercial levantaram questões, no entanto, tanto sobre seu status como um movimento pós-moderno quanto sobre a definição do próprio pós-modernismo. Hal Foster afirma que o neo-expressionismo foi cúmplice da política cultural conservadora da era Reagan-Bush nos EUA Félix Guattari desconsidera as “grandes operações promocionais batizadas de ‘neo-expressionismo’ na Alemanha”, (um exemplo de uma “moda passageira que mantém” através de publicidade “) como uma maneira muito fácil para ele” demonstrar que o pós-modernismo não é mais do que o último suspiro do modernismo “. Essas críticas ao neo-expressionismo revelam que o dinheiro e as relações públicas realmente sustentaram a credibilidade do mundo da arte contemporânea nos Estados Unidos durante o mesmo período em que as práticas artísticas conceituais e feministas estavam sistematicamente reavaliando a arte moderna.

Crítica Institucional
Críticas sobre as instituições de arte (principalmente museus e galerias) são feitas no trabalho de Marcel Broodthaers, Daniel Buren e Hans Haacke.

Pintura modernista tardia e escultura no século XXI
No início da pintura contemporânea do século XXI, a escultura contemporânea e a arte contemporânea em geral continuam em vários modos contíguos, caracterizados pela ideia de pluralismo. A “crise” da pintura, da escultura e da arte atual e da crítica de arte atual é provocada pelo pluralismo. Não há consenso nem necessidade de um estilo representativo da idade. Existe uma atitude que vale tudo que prevalece; um “tudo acontecendo” e, consequentemente, “nada acontecendo” síndrome; isso cria um engarrafamento estético sem direção firme e clara e com cada faixa na superestrada artística lotada. Consequentemente, magníficas e importantes obras de arte continuam a ser feitas, embora em uma ampla variedade de estilos e temperamentos estéticos, o mercado é deixado para julgar o mérito.A Ciência da Preguiça, de Frank Stella, de 1984, é um exemplo da transição da estabilidade dimensional para a tridimensionalidade e um excelente exemplo do modernismo tardio.

Pintura hard-edge, abstração geométrica, apropriação, hiperrealismo, fotorrealismo, expressionismo, minimalismo, abstração lírica, arte pop, op art, expressionismo abstrato, pintura de campo de cor, pintura monocromática, neo-expressionismo, colagem, intermedia painting, pintura de montagem, pintura digital, pintura pós-moderna, pintura Neo-Dada, pintura em tela, pintura mural ambiental, pintura tradicional, pintura de paisagem, pintura de retratos, são parte dos trabalhos atuais e contínuas da pintura no início do século XXI. A Nova Mural

90 e os séculos XXI, com Gerhard Richter, Bracha Ettinger e Luc Tuymans, por um lado, e por uma aula de como fazer o legado do campo e da abstracção, por um lado e figuralidade, por outro lado.