Pintura de paisagem

A pintura de paisagem, também conhecida como paisagem, é a representação em arte de paisagens – paisagens naturais como montanhas, vales, árvores, rios e florestas, especialmente onde o tema principal é uma visão ampla – com seus elementos dispostos em uma composição coerente . Em outras obras, os fundos de paisagem para figuras ainda podem formar uma parte importante do trabalho. O céu está quase sempre incluído na visão, e o clima geralmente é um elemento da composição. Paisagens detalhadas como um assunto distinto não são encontradas em todas as tradições artísticas, e se desenvolvem quando já existe uma tradição sofisticada de representação de outros assuntos.

As duas tradições principais brotam da pintura ocidental e da arte chinesa, voltando bem mais de mil anos em ambos os casos. O reconhecimento de um elemento espiritual na arte paisagística está presente desde os seus primórdios na arte do Leste Asiático, baseando-se no taoísmo e em outras tradições filosóficas, mas no Ocidente apenas se torna explícita com o Romantismo.

As visualizações da paisagem na arte podem ser inteiramente imaginárias ou copiadas da realidade com diferentes graus de precisão. Se o objetivo principal de uma imagem é descrever um lugar real, específico, especialmente incluindo edifícios de forma proeminente, é chamado de uma visão topográfica. Tais vistas, extremamente comuns como impressões no Ocidente, são muitas vezes vistas como inferiores às paisagens de belas artes, embora a distinção nem sempre seja significativa; Ocorreram preconceitos semelhantes na arte chinesa, onde a pintura literária geralmente representava visões imaginárias, enquanto os artistas profissionais da corte pintaram visões reais, muitas vezes incluindo palácios e cidades.

Tipos de paisagem:
Devido à forma como o tema da paisagem é tratado, três tipos fundamentais podem ser distinguidos:

A paisagem “cósmica” ou “sublime”, na qual a natureza é apresentada de forma selvagem, paisagens imensas que não representam necessariamente lugares realmente existentes, e em que o homem se sente perdido. Dentro desta linha seria a “paisagem naturalista” que reflete uma natureza grandiosa, abundante e selvagem, em que os fenômenos atmosféricos aparecem como tempestades. É típico de artistas do norte da Europa, especialmente a pintura alemã, como Dürer, Elsheimer ou Friedrich.

Natureza “dominada” pelo homem, como no caso da paisagem flamenga ou holandesa. A presença do homem faz com que a natureza não pareça ameaçadora. Muitas vezes, acaba por ser uma “paisagem topográfica”, que necessariamente representa um lugar preciso e identificável, com uma natureza apresentada da maneira mais humilde. Dentro desta linha podem ser citados Patinir, Pieter Brueghel, os mestres mais velhos ou holandeses do século XVII.

Natureza “colonizada” pelo homem, que é típico da paisagem italiana. Aparecem campos cultivados de alívio, colinas, vales e planícies com casas, canais, estradas e outras construções humanas; A natureza não é mais uma ameaça, mas o homem também fez sua. Dentro deste tipo de paisagem, pode-se falar da “paisagem clássica”, onde uma natureza ideal e grandiosa é representada. A representação não é credível, mas recomposta para sublimar a natureza e apresentá-la perfeita. Neste tipo de paisagem, uma história geralmente está escondida. É tópico a presença de elementos da arquitetura romana, combinados com uma montanha ou uma colina e com um plano aquático. Este tipo de “paisagem ideal” foi criado por Annibale Carracci, seguido por Domenichino e o francês Poussin. Durante séculos, a paisagem italiana foi o modelo acadêmico sendo também a Itália o país ao qual artistas de toda a Europa se formaram.

De outro ponto de vista, referido ao assunto que é representado e não tanto à maneira como é tratado, é possível diferenciar entre:

Marinas em composições que mostram oceanos, mares ou praias.
Composições de paisagens fluviais com rios ou córregos.

As paisagens naturais representam paisagens como florestas, selvas, desertos, bosques e outros estados do território sem a presença do ser humano.
As paisagens Costumbristas são aquelas que simbolizam costumes e tradições de lugares específicos como, por exemplo, as paisagens típicas das cidades colombianas representadas na pintura popular.

Paisagens estelares ou paisagens turcas são representações de nuvens, formações climáticas e condições atmosféricas.
As paisagens lunares mostram paisagens da visão da lua na terra.

As paisagens urbanas mostram cidades.
Hardscape ou paisagens difíceis, em que o que é representado são áreas como ruas pavimentadas e grandes complexos de negócios ou indústrias.

Paisagem aérea ou aérea, mostrando a superfície terrestre vista acima, especialmente a partir de aviões ou espaçonaves. Quando o ponto de vista é muito pronunciado para baixo, o céu não é apreciado. Este gênero pode ser combinado com outros, como na arte etérea nebulosa da Georgia O’Keeffe, a paisagem lunar etérea de Nancy Graves ou a paisagem urbana etérea de Yvone Jacquette.

Paisagem de sonhos, em composições semelhantes às paisagens (geralmente surreal ou abstrata) que procuram expressar a visão psicanalítica da mente como um espaço tridimensional.

História
As primeiras formas de arte em todo o mundo representam pouco que realmente poderia ser chamado de paisagem, embora as linhas de chão e, às vezes, as indicações de montanhas, árvores ou outras características naturais estão incluídas. As primeiras “paisagens puras”, sem figuras humanas, são afrescos da Grécia Minoense de cerca de 1500 aC.

As cenas de caça, especialmente aquelas colocadas na vista fechada das camas de junco do Delta do Nilo do antigo Egito, podem dar um forte senso de lugar, mas a ênfase é sobre formas de plantas individuais e figuras humanas e animais em vez da configuração global da paisagem. Os afrescos do túmulo de Nebamun, agora no Museu Britânico (1350 aC), são um exemplo famoso.

Para uma descrição coerente de uma paisagem inteira, é necessário algum sistema áspero de perspectiva, ou escala para a distância, e isso parece desde a evidência literária ter sido desenvolvida pela primeira vez na Grécia antiga no período helenístico, embora não haja exemplos em grande escala. Mais paisagens romanas antigas sobrevivem, a partir do século I aC, em especial, afrescos de paisagens que decoram salas que foram preservadas em sítios arqueológicos de Pompéia, Herculano e em outros lugares, e mosaicos.

A tradição de tinta chinesa de shan shui (“montanha-água”), ou a paisagem “pura”, em que o único sinal da vida humana é geralmente um sábio, ou um vislumbre de sua cabana, usa paisagens sofisticadas para enquadrar assuntos, e a paisagem artística deste período mantém um status clássico e muito imitado dentro da tradição chinesa.

Tanto as tradições romanas como as chinesas geralmente mostram grandes panoramas de paisagens imaginárias, geralmente apoiadas por uma série de montanhas espetaculares – na China, muitas vezes com cachoeiras e em Roma, muitas vezes incluindo mar, lagos ou rios. Estes foram usados ​​com freqüência, como no exemplo ilustrado, para colmatar o espaço entre uma cena de primeiro plano com figuras e uma vista panorâmica distante, um problema persistente para os paisagistas. O estilo chinês geralmente mostrava apenas uma visão distante, ou usava um solo ou uma névoa para evitar essa dificuldade.

Um grande contraste entre a pintura de paisagem no Oeste e no Leste Asiático tem sido que enquanto no Ocidente até o século 19 ocupava uma posição baixa na hierarquia de gêneros aceita, na Ásia Oriental, a pintura chinesa clássica de tinta de montanha era tradicionalmente a mais forma prestigiosa de arte visual. As teorias estéticas em ambas as regiões dão o status mais elevado às obras vistas para exigir a maior parte do imaginário do artista. No Ocidente, esta era a pintura da história, mas no Leste Asiático era a paisagem imaginária, onde praticantes famosos eram, pelo menos em teoria, literários amadores, incluindo vários imperadores da China e do Japão. Muitas vezes eram também poetas cujas linhas e imagens se ilustravam.

No entanto, no Ocidente, a pintura da história exigiu um contexto extensivo da paisagem onde apropriado, então a teoria não funcionou totalmente contra o desenvolvimento da pintura de paisagens – durante vários séculos as paisagens foram regularmente promovidas ao status de pintura de história pela adição de pequenas figura para fazer uma cena narrativa, tipicamente religiosa ou mitológica.

Pintura de paisagem ocidental:

Pintura de paisagem medieval
No início da arte medieval ocidental, o interesse pela paisagem desaparece quase que inteiramente, mantendo-se vivo apenas em cópias de obras antiquadas, como o Utercht Psalter; A última reformulação desta fonte, em uma versão gótica inicial, reduz as paisagens anteriormente extensas a algumas árvores que enchem lacunas na composição, sem sentido do espaço total. Um ressurgimento no interesse da natureza inicialmente se manifestou principalmente em representações de pequenos jardins, como o Hortus Conclusus ou aqueles em tapeçarias millefleur. Os afrescos de figuras no trabalho ou jogar em frente a um fundo de árvores densas no Palácio dos Papas, Avignon são provavelmente uma sobrevivência única do que era um assunto comum. Vários afrescos de jardins sobreviveram de casas romanas como a Villa de Livia.

Durante o século 14, Giotto di Bondone e seus seguidores começaram a reconhecer a natureza em seus trabalhos, introduzindo cada vez mais elementos da paisagem como cenário de fundo para a ação das figuras em suas pinturas. No início do século XV, a pintura de paisagem foi estabelecida como um gênero na Europa, como um cenário para a atividade humana, muitas vezes expresso em um assunto religioso, como os temas do Resto no Vento para o Egito, a Jornada dos Magos, ou São Jerônimo no deserto. Os manuscritos iluminados de luxo foram muito importantes no desenvolvimento precoce da paisagem, especialmente séries dos Labores dos Meses, como as da Très Riches Heures du Duc de Berry, que convencionalmente mostraram pequenas figuras de gênero em configurações de paisagem cada vez maiores. Um avanço particular é mostrado nas horas menos conhecidas de Turim-Milão, agora destruídas em grande parte pelo fogo, cujos desenvolvimentos se refletiram na pintura holandesa precoce para o resto do século. O artista conhecido como “Hand G”, provavelmente um dos irmãos Van Eyck, foi especialmente bem sucedido na reprodução de efeitos da luz e em uma progressão natural do primeiro plano para a visão distante. Isso era algo que outros artistas deveriam encontrar difícil por um século ou mais, muitas vezes resolvendo o problema, mostrando um cenário de paisagem de cima de um parapeito ou batente de janela, como se de uma altura considerável.

Pintura de paisagem renascentista
Os fundos de paisagem para vários tipos de pintura tornaram-se cada vez mais proeminentes e hábeis durante o século XV. O período em torno do final do século 15 viu desenhos de paisagem pura e aquarelas de Leonardo da Vinci, Albrecht Dürer, Fra Bartolomeo e outros, mas temas de paisagem pura em pintura e gravura, ainda pequenos, foram produzidos pela primeira vez por Albrecht Altdorfer e outros da Escola alemã do Danúbio no início do século XVI. Ao mesmo tempo, Joachim Patinir na Holanda desenvolveu a “paisagem mundial” como um estilo de paisagem panorâmica com figuras pequenas e usando um ponto de vista aéreo alto, que permaneceu influente por um século, sendo usado e aperfeiçoado por Pieter Brueghel the Elder. O desenvolvimento italiano de um sistema completo de perspectiva gráfica era agora conhecido em toda a Europa, o que permitiu que pinturas muito grandes e complexas fossem pintadas de forma muito eficaz.

Nesta época, a paisagem serviu para expressar as utopias urbanas e as políticas emergentes. Muitas vezes, “percebido” através do quadro das janelas nas imagens que representavam cenas interiores, estava obtendo um papel cada vez mais importante, até ocupar toda a superfície da tela. Ao mesmo tempo, os personagens das cenas religiosas lá fora estavam “encolhendo” até serem apenas simbolizados pelos elementos da paisagem (por exemplo, Jesus de Nazaré para uma montanha). Mas, em síntese, a paisagem ainda era apenas uma parte da imagem da história ou um retrato.

As paisagens foram idealizadas, refletindo principalmente um ideal pastoral tirado da poesia clássica, que foi primeiramente expresso pela Giorgione e pelo jovem titiano, e permaneceu associado, acima de tudo, à paisagem italiana arborizada e montanhosa, representada por artistas do norte da Europa que nunca visitaram a Itália, Assim como os literatos de planície na China e no Japão pintaram montanhas vertiginosas. Embora muitas vezes jovens artistas foram encorajados a visitar a Itália para experimentar a luz italiana, muitos artistas do norte da Europa poderiam ganhar a vida vendendo paisagens italianas sem se preocuparem em fazer a viagem. Na verdade, certos estilos eram tão populares que se tornaram fórmulas que poderiam ser copiadas repetidas vezes.

A publicação em Antuérpia, em 1559 e 1561, de duas séries de um total de 48 impressões (as Paisagens Pequenas), após desenhos de um artista anônimo referido como o Mestre das Paisagens Pequenas, sinalizou uma mudança para as paisagens imaginárias e distantes com conteúdo religioso da paisagem mundial para renderizações em close-up ao nível dos olhos de propriedades e aldeias identificáveis ​​povoadas com figuras envolvidas em atividades diárias. Ao abandonar o ponto de vista panorâmico da paisagem mundial e se concentrar nas humildes, rurais e até topográficas, as Pequenas Paisagens prepararam o cenário para a pintura de paisagem neerlandesa no século XVII. Após a publicação das Pequenas Paisagens, os paisagistas nos Países Baixos continuaram com a paisagem mundial ou seguiram o novo modo apresentado pelas Paisagens Pequenas.

Pintura de paisagem barroca
No início da era baroque, a paisagem ainda era pouco cultivada. Somente o alemão Adam Elsheimer se destaca pelo tratamento de histórias, geralmente sagradas, como paisagens autênticas em que muitas vezes faz estudos espetaculares sobre efeitos atmosféricos, luzes ou amanhecer e estudos do anoitecer.

Foi no barroco que a pintura de paisagem foi definitivamente estabelecida como um gênero na Europa, com o desenvolvimento da coleta, como distração para a atividade humana. É um fenômeno típico do norte da Europa que é atribuído, em larga medida, à reforma protestante e ao desenvolvimento do capitalismo na Holanda. A nobreza e o clero, até então os principais clientes dos pintores, perderam relevância, sendo substituídos pela burguesia mercante. As preferências desta não foram para as pinturas complexas da história, com temas da clássica Antiguidade, a mitologia ou a História Sagrada, nem para as alegorias complexas, mas preferem assuntos simples e diários, pelo que alcançaram a independência até então secundária gêneros como a natureza morta, a paisagem ou a cena do gênero. Havia tal especialização que cada pintor estava dedicado a um tipo específico de paisagem. Assim, houve pintores que tomaram como sujeito os “países baixos”, isto é, as terras que estavam abaixo do nível do mar, com seus canais, polders e moinhos de vento; se destacaram neste cara Van Goyen, Jacob Ruysdael e Meindert Hobbema. Hendrick Avercamp especializou-se em estampas de inverno, com lagoas congeladas e patinadores.

Enquanto todos os tipos de paisagens puras estavam sendo desenvolvidos no norte da Europa, uma anedota religiosa, mítica ou histórica ainda era necessária no sul como pretexto para pintar paisagens. Era uma paisagem chamada «clássico», «classicista» ou «heróica», de caráter idílico, que não correspondia a nenhum concreto que realmente existisse, mas construído a partir de diferentes elementos (árvores, ruínas, arquiteturas, montanhas …). O título da pintura e os pequenos personagens perdidos na natureza dão a chave para a história representada no que a primeira vista parece apenas uma paisagem. Este tipo foi criado pelo classicismo romano-bolonhesa e, em particular, pelo mais destacado de seus pintores, Annibale Carracci, em cujo vôo para o Egito, os personagens sagrados têm menos importância do que a paisagem que os rodeia.

Pintura dos paises dos séculos XVII e XVIII
A popularidade das cenas da paisagem exótica pode ser vista no sucesso do pintor Frans Post, que passou o resto da vida pintando paisagens brasileiras depois de uma viagem lá em 1636-1644. Outros pintores que nunca atravessaram os Alpes poderiam ganhar dinheiro vendendo paisagens da Renânia e outros para a construção de cenas de fantasia para uma comissão específica, como a visão de Cornelis de Man de Smeerenburg em 1639.

Foram desenvolvidas fórmulas de composição utilizando elementos como o repoussoir, que continuam influentes na fotografia e na pintura modernas, nomeadamente por Poussin e Claude Lorrain, artistas franceses que vivem no século XVII e pintando material em grande parte clássico ou cenas bíblicas nas mesmas paisagens. Ao contrário de seus contemporâneos holandeses, os artistas de paisagem italianos e franceses ainda mais freqüentemente queriam manter sua classificação dentro da hierarquia de gêneros como pintura de história ao incluir pequenas figuras para representar uma cena da mitologia clássica ou da Bíblia. Salvator Rosa deu emoção pitoresca para suas paisagens mostrando um país do sul do país mais selvagem, muitas vezes povoado por banditi.

A pintura holandesa da Era de Ouro do século XVII viu o crescimento dramático da pintura de paisagem, em que muitos artistas se especializaram e o desenvolvimento de técnicas realistas extremamente sutis para descrever luz e clima. Existem diferentes estilos e períodos, e subgêneros de pintura marinha e animal, bem como um estilo distinto de paisagem italiana. A maioria das paisagens holandesas eram relativamente pequenas, mas as paisagens da pintura barroca flamenga, que ainda eram povoadas, muitas vezes eram muito grandes, sobretudo na série de obras que Peter Paul Rubens pintou para suas próprias casas. As impressões de paisagem também eram populares, com as de Rembrandt e os trabalhos experimentais de Hercules Seghers geralmente considerados os melhores.

Os holandeses tendiam a fazer pinturas menores para casas menores. Algumas especialidades de paisagem holandesas nomeadas em inventários de período incluem o Batalje, ou cena de batalha; Maneschijntje, ou cena da luz do luar; o Bosjes, ou cenário da floresta; o Boederijtje, ou cena de fazenda, e o Dorpje ou cena da vila. Embora não tenha sido nomeado na época como um gênero específico, a popularidade das ruínas romanas inspirou muitos paisagistas holandeses do período a pintar as ruínas de sua própria região, como mosteiros e igrejas arruinadas após o Beeldenstorm.

Na Inglaterra, as paisagens inicialmente eram principalmente fundos para retratos, tipicamente sugerindo os parques ou propriedades de um terrateniente, embora principalmente pintado em Londres por um artista que nunca havia visitado os acres que passavam de seu pai. A tradição inglesa foi fundada por Anthony van Dyck e outros artistas principalmente flamengos que trabalhavam na Inglaterra, mas no século XVIII as obras de Claude Lorrain foram profundamente coletadas e influenciadas não apenas em pinturas de paisagens, mas também em jardins ingleses de Capability Brown e outros.

O século 18 também foi uma ótima idade para a impressão topográfica, representando mais ou menos precisamente uma visão real de uma forma que a pintura de paisagem raramente fazia. Inicialmente, estes eram principalmente centrados em um edifício, mas ao longo do século, com o crescimento do movimento romântico, as paisagens puras tornaram-se mais comuns. A impressão topográfica, muitas vezes destinada a ser enquadrada e pendurada em uma parede, permaneceu um meio muito popular no século 20, mas foi freqüentemente classificada como uma forma inferior de arte do que uma paisagem imaginada.

As paisagens em aquarela em papel tornaram-se uma especialidade distinta, acima de tudo na Inglaterra, onde uma tradição particular de artistas talentosos que, apenas ou quase inteiramente, pintaram aquarelas de paisagem desenvolvidas, como não aconteceu em outros países. Estas eram muitas vezes vistas reais, embora às vezes as composições fossem ajustadas por efeito artístico. As pinturas vendidas eram relativamente baratas, mas eram muito mais rápidas para produzir. Esses profissionais poderiam aumentar suas receitas treinando os “exércitos de amadores” que também pintaram.

Pintura de paisagem dos séculos 19 e 20
O movimento romântico intensificou o interesse existente na arte da paisagem, e as paisagens remotas e selvagens, que haviam sido um elemento recorrente na arte anterior da paisagem, agora se tornaram mais proeminentes. O alemão Caspar David Friedrich teve um estilo distintivo, influenciado pelo treinamento dinamarquês, onde se desenvolveu um estilo nacional distinto, baseado no exemplo holandês do século XVII. Para isso, ele acrescentou um romantismo quase-místico. Os pintores franceses foram mais lentos para desenvolver a pintura de paisagem, mas a partir de 1830, Jean-Baptiste-Camille Corot e outros pintores da Escola de Barbizon estabeleceram uma tradição de paisagem francesa que se tornaria a mais influente na Europa por um século, com os impressionistas e pós- Impressionistas pela primeira vez tornando a paisagem a ser a principal fonte de inovação estilística geral em todos os tipos de pintura.

Tudo conduz necessariamente à paisagem, a pintura de paisagem foi a grande criação artística do século XIX. As pessoas foram “capazes de assumir que a apreciação da beleza natural e da pintura de paisagem é uma parte normal e permanente de nossa atividade espiritual. As formas europeias subjacentes de converter a complexidade da paisagem em uma idéia foram quatro abordagens fundamentais: aceitação de símbolos descritivos, por curiosidade sobre os fatos da natureza, pela criação de fantasias para aliviar sonhos de raízes profundas na natureza e pela crença em uma Era de Ouro, de harmonia e ordem, que poderiam ser recuperadas.

Na era romântica, a paisagem torna-se um ator ou produtor de emoções e experiências subjetivas. O pitoresco e o sublime aparecem então como duas maneiras de ver a paisagem. Os primeiros guias turísticos da História colecionam esses pontos de vista para fazer uma memória popular sobre os sites e suas paisagens. O inglês John Constable abriu o caminho, dedicado a pintar as paisagens da Inglaterra rural, não afetada pela Revolução Industrial, incluindo os lugares conhecidos por ele desde a infância, como o Vale Dedham. Ele fez isso com uma técnica de decomposição de cores em pequenos traços que o torna um precursor do impressionismo; Ele estudou fenômenos atmosféricos, particularmente nuvens. A exibição de suas obras no Salão de Paris de 1824 foi muito bem sucedida entre os artistas franceses, começando com Delacroix. O inglês William Turner, seu contemporâneo, mas com uma vida artística mais longa, refletiu a modernidade, como em seu trabalho mais famoso: chuva, vapor e velocidade, em que apareceu um assunto verdadeiramente novo, a ferrovia e a ponte de Maidenhead, um prodígio de engenharia na época. Com Turner as formas da paisagem dissolvidas em vortices de cor que nem sempre permitiram reconhecer o que se reflete na pintura.

Na Alemanha, a Blechen continuou a refletir a paisagem tradicional por excelência, italiana, mas de maneira muito diferente dos tempos anteriores. Ele apresentou uma Itália que não era muito pitoresca, nem idílica, que foi criticada. Philipp Otto Runge e Caspar David Friedrich, os dois artistas mais destacados da pintura romântica alemã, dedicaram-se à paisagem de seu país. Encorajados por um espírito pietista, eles tentaram criar pinturas religiosas, mas não representando cenas com tal tema, mas refletindo a grandeza das paisagens de tal maneira que se mudaram para a piedade.

A passagem da “paisagem clássica” para a paisagem realista é dada por Camille Corot que, como Blechen ou Turner, passou seu palco de formação na Itália. Com ele começou outra maneira de tratar a paisagem, diferente da dos românticos. Como fez depois da escola de Barbizon e, mais tarde, o impressionismo, ele deu à paisagem um papel muito diferente do dos românticos. Eles observaram isso de forma meticulosa e relativa em termos de luz e cor, com o objetivo de criar uma representação fiel à percepção que um observador pode ter. Essa fidelidade, que é experimentada, por exemplo, em contrastes e toques de forma “vibrante”.

A paixão do pós-impressionista Vincent van Gogh pelo trabalho de seus predecessores levou-o a pintar a paisagem provençal a partir do ano de 1888. Seu trabalho, de cores intensas, em que as figuras são deformadas e curvadas, afastando-se do realismo, é um precedente de tendências expressionistas.

Na América do Norte, as escolas nacionais de pintura surgiram, em grande medida, através de paisagistas que pintaram a Terra. Nos Estados Unidos, a igreja de Frederick Edwin, pintora de grandes panoramas, fez extensas composições que simbolizam a grandeza e a imensidão do continente americano (Niagara Falls, 1857). A escola do rio Hudson, na segunda metade do século XIX, é provavelmente a manifestação indígena mais conhecida. Seus pintores criaram obras de tamanho colossal tentando capturar o alcance épico das paisagens que os inspiraram. O trabalho de Thomas Cole, que geralmente é reconhecido como o fundador da escola, tem muito em comum com os ideais filosóficos da pintura de paisagem europeia, uma espécie de fé secular nos benefícios espirituais que podem ser obtidos a partir da contemplação da beleza. natural. Alguns dos últimos artistas da Hudson River School, como Albert Bierstadt, criaram obras de natureza romântica, que enfatizaram os poderes mais duros e até terríveis da natureza.

O nacionalismo das novas províncias unidas tem sido um fator na popularidade da pintura de paisagem holandesa do século XVII e no século XIX, já que outras nações tentaram desenvolver escolas nacionais distintivas de pintura, a tentativa de expressar a natureza especial da paisagem de a pátria tornou-se uma tendência geral. Na Rússia, como na América, o tamanho gigantesco das pinturas era em si uma declaração nacionalista.

Nos Estados Unidos, a Hudson River School, proeminente no meio do final do século 19, é provavelmente o desenvolvimento nativo mais conhecido da arte da paisagem. Esses pintores criaram obras de escala gigantesca que tentaram capturar o alcance épico das paisagens que os inspiraram. O trabalho de Thomas Cole, o fundador geralmente reconhecido da escola, tem muito em comum com os ideais filosóficos das pinturas de paisagens europeias – uma espécie de fé secular nos benefícios espirituais a serem obtidos com a contemplação da beleza natural. Alguns dos mais recentes artistas da Escola do Rio Hudson, como Albert Bierstadt, criaram obras menos reconfortantes que colocaram maior ênfase (com grande exagero romântico) no poder cru e até aterrorizante da natureza. Os melhores exemplos de arte de paisagem canadense podem ser encontrados nos trabalhos do Grupo dos Sete, proeminente na década de 1920.

Os exploradores, naturalistas, marinheiros, comerciantes que colonizaram as costas do Canadá Atlântico deixaram uma série de observações, às vezes científicas, às vezes fantásticas ou extravagantes, documentadas em seus mapas e pinturas.

Embora certamente menos dominante no período após a Primeira Guerra Mundial, muitos artistas importantes ainda pintaram paisagens na grande variedade de estilos exemplificados por Charles E. Burchfield, Neil Welliver, Alex Katz, Milton Avery, Peter Doig, Andrew Wyeth, David Hockney e Sidney Nolan.

Pintura de paisagem contemporânea
A pintura de paisagem contemporânea dissolveu a existência de gêneros, mas dentro dos diferentes “ismos” de vanguarda podemos distinguir pinturas em que o representado é uma paisagem, sempre com o próprio estilo do autor. Cézanne, o “pai da pintura moderna”, dedicou toda uma série de pinturas à montanha Sainte-Victoire. Derain, Dufy, Vlaminck e Marquet pintaram paisagens fovistas, e Braque, um dos fundadores do cubismo, tentou repetidamente a paisagem de L’Estaque. Em Viena, no início do século, obras desse tipo foram produzidas pelo modernista Gustav Klimt e pelo expressionista Egon Schiele.

Os expressionistas transmitiram seus sentimentos e sensações cromáticas também através de paisagens, assim como Erich Heckel ou Karl Schmidt-Rottluff em suas pinturas pintadas na vila piscatória de Dangast.

As diferentes formas de abstração acabaram suprimindo a importância da paisagem, limitando o alcance do realismo e da representação. No entanto, o termo “pintura de paisagem abstrata” é freqüentemente usado em relação a vários pintores não figurativos (Bazaine, Le Moal ou Manessier). A paisagem siciliana inspirou o trabalho do pintor expressionista social Renato Guttuso.

Nos últimos anos, o artista argentino Helmut Ditsch destacou-se com pinturas inspiradas em pontos extremos da natureza. Seu trabalho é chamado de Realismo vívido, alegando que a pintura de Ditsch não está sujeita a nenhuma concepção pictórica, naturalista ou realista, mas nasce da experiência vitalista e mística da natureza.

Pintura de paisagem de Oriente:

Pintura de paisagem da China
A pintura de paisagem tem sido chamada de “maior contribuição da China para a arte do mundo” e deve seu caráter especial à tradição taoísta (Daoista) na cultura chinesa. William Watson observa que “foi dito que o papel da arte paisagística na pintura chinesa corresponde ao do nu no oeste, como um tema invariável em si mesmo, mas fez o veículo de infinitas nuances de visão e sentimento”.

Há paisagens de paisagem cada vez mais sofisticadas para incluir assuntos que mostram caça, agricultura ou animais da dinastia Han, com exemplos sobreviventes principalmente em relevo de pedra ou argila de túmulos, que se supõe seguir os estilos predominantes na pintura, sem dúvida sem capturar o pleno efeito das pinturas originais. O status exato das cópias posteriores de obras de renome de pintores famosos (muitos dos quais são gravados na literatura) antes do século X não está claro. Um exemplo é uma famosa pintura do século 8 da coleção Imperial, intitulada O Imperador Ming Huang viajando em Shu. Isso mostra que a comitiva anda através de montanhas vertiginosas do tipo típico de pinturas posteriores, mas está em cores “produzindo um padrão geral que é quase persa”, no que era evidentemente um estilo de corte popular e elegante.

A mudança decisiva para um estilo de paisagem monocromática, quase desprovida de figuras, é atribuída a Wang Wei (699-759), também famoso como poeta; principalmente, apenas cópias de seus trabalhos sobrevivem. A partir do século 10, um número crescente de pinturas originais sobrevive, e os melhores trabalhos da Dinastia Song (960-1279) Southern School continuam a ser os mais conceituados no que tem sido uma tradição ininterrupta no presente. A convenção chinesa valorizava as pinturas do cavalheiro amador, muitas vezes também um poeta, sobre as produzidas por profissionais, embora a situação fosse mais complexa do que isso. Se eles incluem quaisquer figuras, são muitas vezes essas pessoas, ou sábios, contemplando as montanhas. As obras famosas acumularam um número de “focas de apreciação” vermelhas e, muitas vezes, poemas adicionados por proprietários posteriores – o Imperador de Qianlong (1711-1799) era um adepto prolífico de seus próprios poemas, seguindo imperadores anteriores.

A tradição shan shui nunca teve como objetivo representar locais reais, mesmo quando nomeados após eles, como na convenção dos Oito Vistas. Um estilo diferente, produzido por oficinas de artistas profissionais da corte, pintou vistas oficiais de passeios e cerimônias imperiais, com a ênfase principal em cenas altamente detalhadas de cidades lotadas e grandes cerimônias de um ponto de vista alto. Estes foram pintados em rolos de enorme comprimento em cores brilhantes.

A escultura chinesa também alcança o difícil feito de criar paisagens efetivas em três dimensões. Há uma longa tradição de apreciação das “pedras de visão” – pedras naturalmente formadas, tipicamente calcárias dos bancos de rios de montanha que foram corroídos em formas fantásticas, foram transportadas para os pátios e jardins do literati. Provavelmente associado a isso é a tradição de esculpir pedras muito pequenas de jade ou alguma outra pedra semi-preciosa na forma de uma montanha, incluindo pequenas figuras de monges ou sábios. Os jardins chineses também desenvolveram uma estética altamente sofisticada muito mais cedo do que as do Ocidente; O karensansui ou o jardim japonês seco do Budismo Zen leva o jardim ainda mais perto de ser uma obra de escultura, representando uma paisagem altamente abstraída.

Pintura de paisagem japonesa
A arte japonesa inicialmente adaptou os estilos chineses para refletir seu interesse em temas narrativos na arte, com cenas configuradas em paisagens misturando-se com as que mostram palácios ou cenas da cidade usando o mesmo ponto de vista alto, cortando telhados, conforme necessário. Estes apareceram nos muito longos pergaminhos yamato-e de cenas que ilustram o Conto de Genji e outros assuntos, principalmente dos séculos XII e XIII. O conceito do pintor amador-amador teve pouca ressonância no Japão feudal, onde os artistas eram geralmente profissionais com um forte vínculo com seu mestre e sua escola, em vez de artistas clássicos do passado distante, dos quais os pintores chineses tendiam a inspirar-se . A pintura foi inicialmente totalmente colorida, muitas vezes brilhantemente, e a paisagem nunca sobrepõe as figuras que geralmente são bastante dimensionadas.

Muitos mais assuntos de paisagem pura sobrevivem a partir do século 15 em diante; vários artistas-chave são o clero budista zen, e trabalharam em um estilo monocromático com maior ênfase nos pinceladas da maneira chinesa. Algumas escolas adotaram um estilo menos refinado, com visões menores dando maior ênfase ao primeiro plano. Um tipo de imagem que teve um apelo duradouro para artistas japoneses, e passou a ser chamado de “estilo japonês”, é, de fato, encontrado pela China. Isso combina um ou mais grandes pássaros, animais ou árvores em primeiro plano, tipicamente para um lado em uma composição horizontal, com uma paisagem mais ampla além, muitas vezes apenas cobrindo partes do fundo. Versões posteriores deste estilo, muitas vezes, dispensaram um fundo de paisagem completamente.

O estilo ukiyo-e que se desenvolveu a partir do século 16 em diante, primeiro na pintura e, em seguida, em impressões coloridas em madeira que eram baratas e amplamente disponíveis, inicialmente concentradas na figura humana, individualmente e em grupos. Mas a partir do final do século 18, a paisagem ukiyo-e desenvolvida sob Hokusai e Hiroshige para se tornar muito o tipo de arte de paisagem japonesa mais conhecida.

Técnicas de pintura de paisagem
A maioria das paisagens iniciais são claramente imaginárias, embora desde muito cedo as vistas da cidade se destinem claramente a representar cidades reais, com diferentes graus de precisão. Várias técnicas foram usadas para simular a aleatoriedade de formas naturais em composições inventadas: o conselho medieval de Cennino Cennini para copiar trapos irregulares de pequenas rochas ásperas foi seguido por Poussin e Thomas Gainsborough, enquanto Degas copiou formas de nuvem de um lenço amarrotado levantado contra a luz. O sistema de Alexander Cozens usou manchas de tinta aleatórias para dar a forma básica de uma paisagem inventada, a ser elaborada pelo artista.

A visão distintiva do fundo do Lago de Genebra para o pico Le Môle em The Miraculous Draft of Fishes de Konrad Witz (1444) é freqüentemente citada como a primeira paisagem rural ocidental a mostrar uma cena específica. Os estudos de paisagem de Dürer representam claramente as cenas reais, que podem ser identificadas em muitos casos, e foram feitas pelo menos parcialmente no local; Os desenhos de Fra Bartolomeo também parecem claramente esboçados da natureza. As obras terminadas de Dürer parecem geralmente usar paisagens inventadas, embora a espetacular visão de pássaro em sua Nêtese de gravura mostre uma visão real nos Alpes, com elementos adicionais. Vários paisagistas são conhecidos por ter feito desenhos e esboços de aquarela da natureza, mas a evidência de que a pintura a óleo inicial seja feita fora é limitada. A Irmandade Pré-Raphaelita fez esforços especiais nessa direção, mas não foi até a introdução de pinturas a óleo prontas em tubos nos anos 1870, seguido do “cavalete de caixa” portátil, que a pintura em pleno ar tornou-se amplamente praticada.

Uma cortina de montanhas na parte de trás da paisagem é padrão em vistas romanas amplas e ainda mais em paisagens chinesas. Pouco espaço é dado ao céu em obras iniciais em qualquer tradição; os chineses costumavam usar névoa ou nuvens entre as montanhas, e também às vezes mostram nuvens no céu muito mais cedo do que os artistas ocidentais, que inicialmente usam principalmente nuvens como suportes ou capas para figuras divinas ou para o céu. Tanto as pinturas de painéis quanto as miniaturas em manuscritos geralmente tinham um “céu” ou fundo de padrão acima do horizonte até 1400, mas afrescos de Giotto e outros artistas italianos há muito tempo mostravam céus azuis lisos. O único retábulo sobrevivente de Melchior Broederlam, completado para Champmol em 1399, tem um céu de ouro povoado não só por Deus e anjos, mas também por um pássaro voador. Uma cena costeira nas Horas de Turim-Milão tem um céu nublado com nuvens cuidadosamente observadas. Em gravuras em madeira, um grande espaço em branco pode fazer com que o papel cai durante a impressão, então Dürer e outros artistas geralmente incluem nuvens ou squiggles representando pássaros para evitar isso.

A tradição chinesa monocromática usou tinta sobre seda ou papel desde a sua criação, com uma grande ênfase na pincelada individual para definir o ts’un ou “rugas” nos lados da montanha e as outras características da paisagem. A aguarela ocidental é um meio mais tonal, mesmo com sub-desenho visível.