O tema do pavilhão argentino é “A rebelião da forma” ， Criado pelo artista Juan Carlos Distéfano. O pavilhão tinha um conjunto de 29 esculturas do tamanho de seres humanos que foram alinhadas lindamente para compor a exposição La Rebeldía de la Forma (que significa A Revolta da Forma). Cada escultura representa uma variedade de experiências e condições humanas profundas; alguns foram suspensos no ar e outros suspensos no meio de uma queda. As esculturas pareciam ter expressões apáticas no rosto. O significado das obras de arte são representações de histórias da história da Argentina. Outros são um comentário sobre a condição humana e questões como violência e injustiça social.

Com o rosto erguido para o céu, La portadora da palabra segura Summa por Thomas Aquinas contra o peito enquanto levanta a palma da mão em um gesto de advertência e revelação. Inserido na carne dela, na própria matéria, ele carrega as marcas da história, a intensidade da memória. Talvez, porque, como observa Hannah Arendt, “as chances de que o amanhã seja como ontem sejam sempre impressionantes”, esse símbolo contemporâneo nos alerta solenemente sobre possíveis futuros. A arte de Juan Carlos Distéfano é, portanto, uma reflexão sobre a condição humana. Nele, o corpo / corpos são um terreno privilegiado de experiência. Suas figuras voam ou se amontoam em tensões e quedas, alterando sua relação com o espaço e a matéria. Em Kinderspelen, Distéfano parece ter admitido a densidade de corpos quando os jogadores daquela infância reviveram a trava na terra e se despedaçaram, apropriando-se do espaço estendido, projetando playgrounds em terrenos baldios enquanto o real – armas de fogo – está incorporado na matéria.

A primeira exposição de Distéfano foi realizada nos anos sessenta; seus trabalhos, na época, eram chamados de “expressões atuais que excedem os limites de sua disciplina”. Ele foi imediatamente selecionado para participar da IX Bienal de São Pablo, onde algumas de suas obras foram censuradas por razões “morais”; acabou sendo exibido apenas porque outros artistas protestaram em solidariedade. Suas obras fizeram parte da cena artística latino-americana em momentos históricos caracterizados pelo que o filósofo argentino Oscar Terán chamou as quatro almas do período: “a alma sem sentido de Beckett, a alma Kennedy da Alliance for Progress, a alma de flores de Lennon” poder, a alma Che Guevara do levante revolucionário “.

Das ilusões transformadoras dos anos sessenta e setenta, seguidas de um dos períodos mais sangrentos da história argentina, iniciados em 1976 e do retorno posterior da democracia em 1984, a arte de Distéfano constantemente envolve questões de história e memória. História e memória argentinas, certamente, mas sabemos também que a questão do trauma – o holocausto é a medida universal do trauma histórico – é precisamente o ponto em que os povos do mundo se reconhecem e / ou ativam, com base da arte, suas próprias experiências, contaminando a referência original que passa a atuar como metáfora para outros traumas históricos e suas memórias. Talvez, voltando a Arendt, eles façam isso para ativar as operações que possibilitam o envolvimento com o futuro.

Biografia
Juan Carlos Distéfano (nascido em 29 de agosto de 1933 em Buenos Aires) é um escultor argentino, vencedor do prêmio Konex Platinum 1982 de escultura figurativa e marido de Griselda Gambaro. Em 1992, ele recebeu o Konex de Brillante como a personalidade mais relevante das artes visuais na última década na Argentina.

A vida dele
Nasceu em Villa Celina, Buenos Aires, em 29 de agosto de 1933. Estudou na Escola Nacional de Artes Gráficas №9 e na Escola Nacional de Belas Artes Manuel Belgrano, em Buenos Aires.

Entre 1960 e 1970, é diretor gráfico do Centro de Artes Visuais do Instituto Di Tella. Desde 1968, dedicou-se à escultura com uma articulação acentuada entre suas obras esculturais e suas pinturas.

Ele ganhou a bolsa de estudos Francisco Romero, concedida pela Fundação Nacional para as Artes e a Embaixada da Itália na Argentina em 1970. Em 1976, abandonou o design gráfico para se dedicar exclusivamente à escultura.

Em 1977 (após o golpe militar na Argentina), ele se estabeleceu na Espanha.

Casado desde 1955 com Griselda Gambaro, ele deve se exilar devido à proibição do romance de sua esposa “Winning Death” pela ditadura militar argentina. Ele viveu na Espanha entre 1977 e 1980.

Em 1982, ele merece o Prêmio Konex Platinum de Escultura Figurativa e, em 1992, o Konex of Brilliant for the Visual Arts.

Suas obras
Distéfano, juntamente com Rubén Fontana, definiu a imagem gráfica do Instituto Di Tella na década de 1960, quando estava localizado em um ponto central da cultura argentina.

O crítico Fabián Lebenglik mencionou sobre Distéfano:

O centro de suas reflexões é o cruzamento entre corpo e violência. Em suas obras, o corpo humano modula reviravoltas, exaustões, alongamentos, contratos, expande e se confunde com objetos, forçados por diferentes classes e graus de violência. São corpos cruzados (e inscritos) pela dor da violência social e política que caracteriza a história facciosa e sangrenta da Argentina.

Ele é o autor de pouca produção devido ao tipo de procedimento técnico utilizado, dividido em diferentes etapas lentas e complicadas. No começo, ele era um pintor e permanecia na neofiguração, respondendo aos padrões baconianos. De acordo com Hugo Monzón:

Em nosso artista, as formas habitadas, como o pintor inglês, espaços de natureza quase abismal, beirando o vazio, eram predominantemente curvas, com tendência a envolver a figura dentro de limites líquidos e plásticos, apenas no seu caso esses contornos correspondiam a uma modelagem interior escultural à qual a cor estava subordinada

Foi outro resultado da nova figuração da época, amante de relacionamentos incomuns, de cortes bruscos, de misturas explosivas

Tem influências da arte latino-americana, especialmente as esculturas coloniais de estilo europeu renascentista e arte egípcia, etrusca, asteca e artistas como Lorenzetti, Brueghel, Signorelli e Van Gogh.

Ele reconhece influências do grupo CoBrA, do inglês Alan Davie e desse movimento neo-figurativo de Ernesto Deira, Rómulo Macció, Luis Felipe Noé e Jorge de la Vega, mas sempre trabalhou sozinho, sem se casar com nenhum grupo ou tendência. Seu neo-figurativismo não é surreal.
Os temas das esculturas do Distéfano são a dor física provocada pelos outros, a violência, a animalidade do homem predador, a tortura – em clara alusão à ditadura argentina entre 1976 e 1983 -, histórias bíblicas sobre espíritos malignos torturados, crucificação, formas ignominiosas de tortura, a descida da alma torturada ao inferno, destinos trágicos, o drama dos condenados sem causa.

Todas as suas obras transmitem uma sensação sufocante, um estado opressivo, um efeito de compressão.

Destruição e horror, desprezo e degradação, ferocidade e terror prevalecem neles. Mas não é o caos que reina, muito pelo contrário: uma ordem geométrica rigorosa com alterações na distância, posição e escala.

A figura humana nua, sujeita a estruturas que a esmagam e comprimem, carrega tensões brutais ao rasgo. Essa figura deprimida, sofrendo, ajoelhada, humilhada e nunca de pé é protagonista dessas obras de beleza? convulsivo e revulsivo.

Personagens contorcidos com expressões dolorosas, posições dilaceradas, fetais, desconfortáveis ​​e traumáticas, figuras encolhidas, patéticas, aterrorizantes e aterrorizadas, caindo, deitado, suspenso, sentado e amarrado com total ausência de liberdade. Corpos esfolados, desmembrados, explodidos e desintegrados.
Seres humanos que perderam sua identidade, olhos que não olham, seres que sofrem dores que vêm do exterior e estão em estado de alerta permanente.

Figuras se contorcendo, mentindo, torcendo, desprotegidas, vulneráveis ​​e expostas a intempéries e homens: água impenetrável e pantanosa e fumaça rígida que se afoga, viscosidades de líquidos perturbadores, degraus de escadas que se abrem para o abismo.

Entre seus temas aparecem brigas ferozes, tumultos raciais, máscaras da morte, massacres, assassinatos, desastres, iniqüidades, estupros e genocídios.

Seus trabalhos exibidos permanentemente em:

Parque da Memória de Buenos Aires
MALBA
Museu Nacional de Belas Artes
Embaixada da Itália
Fundação Nacional para as Artes nos Estados Unidos
Museu de Arte Moderna do Chile
Coleções particulares na Suíça

Técnica de arte
Primeiro molde em argila, obtenha o molde de gesso e depois passe-o para poliéster pintando-o com esmalte epóxi. Segundo Jorge Glusberg, diretor do Museu Nacional de Belas Artes de Buenos Aires em 1998, a materialização de uma obra de Distéfano consiste em três etapas:

“Primeiramente, as pinturas em relevo, feitas de poliéster reforçado com lã de vidro, sobre tela, madeira prensada ou suporte de aço inoxidável; o tipo de tinta utilizada era tempera oleosa ou acrílica. Em seguida, as esculturas iniciais, feitas de poliéster de cor uniforme, reforçadas com lã de vidro, parcialmente pintada com tinta à base de resina epóxi, o que significava adicionar a tinta. Finalmente, as esculturas finais, um produto de uma solução mais significativa – segundo o artista – do que o método de adição de tinta. Agora a cor, que é a resina de poliéster é a primeira coisa que é aplicada no molde, pintando para trás, como se estivesse pintando um copo; ou seja, é pintado no início o que aparecerá na frente, depois o que segue atrás e assim por diante, dando tantas camadas quanto as tonalidades da escultura, até uma ou duas tonalidades de base; em seguida, o laminado é executado. Assim, a forma inclui a cor. O sistema expressivo do Distéfano é, portanto, resolvido em uma amálgama de pintura e escultura; artista w das pinturas esculpidas às esculturas pintadas, do volume incipiente ao volume declarado, do espaço pictórico ao espaço geral. ”

Nas palavras do próprio Distéfano:
“Acho que a arte tem a ver fundamentalmente com o desejo, e mais ainda, eu diria com o erótico. Fazer uma obra de arte é responder a um impulso erótico. Em mim, o trabalho nunca é um processo especulativo; não há programa para realizar o trabalho. Trabalho por impulso, por paixão “.

Mais:
“O virtuosismo não me interessa, no mínimo, nada. É apenas uma demonstração de habilidade, e a habilidade, em relação à arte, é reduzida à categoria de exercício circense”.

Ele é um dos poucos escultores que permite ao público tocar em suas esculturas para se conectar com elas, acariciando os contornos.

A exibição:

Trabalhos expostos:

Telaraña II, 1974 (Spider Web II)
Ícaro I (1978)
Para um certo ponto II
O Iluminado II
Ação Ininterrupta III (1998)
A terra mergulhou em Buenos Aires. Homenagem a Gómez Cornet II (2008)

Bienal de Veneza 2015
A Bienal de Arte de 2015 encerra uma espécie de trilogia que começou com a exposição com curadoria de Bice Curiger em 2011, Illuminations, e continuou com o Palácio Enciclopédico de Massimiliano Gioni (2013). Com o All The Futures do mundo, a La Biennale continua sua pesquisa sobre referências úteis para fazer julgamentos estéticos sobre a arte contemporânea, uma questão “crítica” após o final da arte de vanguarda e “não-arte”.

Por meio da exposição com curadoria de Okwui Enwezor, a Bienal volta a observar a relação entre arte e o desenvolvimento da realidade humana, social e política, na prensagem de forças e fenômenos externos: as maneiras pelas quais, ou seja, as tensões do exterior o mundo solicita as sensibilidades, as energias vitais e expressivas dos artistas, seus desejos, os movimentos da alma (sua canção interior).

La Biennale di Venezia foi fundada em 1895. Paolo Baratta é seu presidente desde 2008 e antes de 1998 a 2001. La Biennale, que está na vanguarda da pesquisa e promoção de novas tendências da arte contemporânea, organiza exposições, festivais e pesquisas em todos os seus setores específicos: Artes (1895), Arquitetura (1980), Cinema (1932), Dança (1999), Música (1930) e Teatro (1934). Suas atividades estão documentadas nos Arquivos Históricos de Artes Contemporâneas (ASAC), que recentemente foram completamente reformados.

O relacionamento com a comunidade local foi fortalecido por meio de atividades educacionais e visitas guiadas, com a participação de um número crescente de escolas da região de Veneto e além. Isso espalha a criatividade na nova geração (3.000 professores e 30.000 alunos envolvidos em 2014). Essas atividades foram apoiadas pela Câmara de Comércio de Veneza. Também foi estabelecida uma cooperação com universidades e institutos de pesquisa que fazem passeios e estadias especiais nas exposições. Nos três anos de 2012 a 2014, 227 universidades (79 italianas e 148 internacionais) aderiram ao projeto Sessões da Bienal.

Em todos os setores, houve mais oportunidades de pesquisa e produção dirigidas à geração mais jovem de artistas, diretamente em contato com professores de renome; isso se tornou mais sistemático e contínuo através do projeto internacional Biennale College, agora em execução nas seções de dança, teatro, música e cinema.