Alta Renascença é um termo que geralmente é usado para se referir à arte produzida na Itália nas primeiras décadas do século 16, quando as carreiras dos grandes mestres da Renascença, Leonardo da Vinci, Rafael e Michelangelo se sobrepunham. O domínio técnico e a graciosa harmonia que alcançaram em seu trabalho foram considerados ideais por escritores como Vasari.
Na história da arte, a Alta Renascença é o período que denota o apogeu das artes visuais no Renascimento italiano. O período é tradicionalmente iniciado nos anos 1490, com o afresco de Leonardo da Última Ceia em Milão e a morte de Lorenzo de ‘Medici em Florença, e terminou em 1527 com o saque de Roma pelas tropas do imperador Carlos V. O termo foi usado pela primeira vez em alemão (Hochrenaissance) no início do século 19 e tem suas origens no “High Style” de pintura e escultura descrito por Johann Joachim Winckelmann. Nos últimos vinte anos, o uso do termo tem sido freqüentemente criticado pelos historiadores da arte acadêmica por simplificar excessivamente os desenvolvimentos artísticos, ignorando o contexto histórico e focando apenas alguns trabalhos icônicos.
A Alta Renascença refere-se à arte da Roma papal, Florença e da República de Veneza de 1500 a 1530. Com a pintura da Alta Renascença, a arte ocidental atinge o seu pico e traz obras de arte de âmbito universal.
Mestres deste período incluem Leonardo da Vinci (1452-1519), Michelangelo (1475-1564) e Rafael (1483-1520).
Leonardo da Vinci traz a técnica do sfumato à virtuosidade em suas pinturas.
Visão geral
Desde o final do século XVIII, a Alta Renascença foi tomada para se referir a um período curto (c. 30 anos) de produção artística excepcional nos estados italianos, principalmente Roma, capital dos Estados Pontifícios, sob o papa Júlio II. As afirmações sobre onde e quando o período começa e termina variam, mas em geral os mais conhecidos expoentes da pintura do Alto Renascimento incluem Leonardo da Vinci, Michelangelo e Rafael. Estendendo a rubrica geral da cultura da Renascença, as artes visuais da Alta Renascença foram marcadas por uma ênfase renovada na tradição clássica, a expansão de redes de patrocínio e uma gradual atenuação de formas figurativas no estilo mais tarde denominado maneirismo.
As pinturas no Vaticano de Michelangelo e Rafael são ditas por alguns estudiosos como Stephen Freedberg para representar a culminação do estilo da Alta Renascença na pintura, por causa da ambiciosa escala dessas obras, juntamente com a complexidade de sua composição, observadas de perto figuras humanas , e apontou referências iconográficas e decorativas para a antiguidade clássica, pode ser visto como emblemático da Alta Renascença. Em anos mais recentes, os historiadores da arte caracterizaram a Alta Renascença como um movimento em oposição a um período, uma entre várias atitudes experimentais diferentes em relação à arte no final do século XV e início do século XVI. Esse movimento é diferentemente caracterizado como conservador; como refletindo novas atitudes em relação à beleza; um processo deliberado de sintetizar modelos ecléticos, ligados a modas na cultura literária; e refletindo novas preocupações com interpretação e significado.
O período que o precede é o da Renascença inicial ou inicial; e o que continua é o renascimento tardio ou final. O termo Under Renaissance é enganoso em seu uso, mesmo na bibliografia especializada, designando um e outro. Às vezes, a segunda expressão da Renascença é usada como equivalente a “alta” (sendo aquela Renascença inicial uma “primeira Renascença”).
Alta Renascença na Itália
No renascimento italiano, há a substituição de Florença por Roma como o centro artístico de maior prestígio (é comum usar a expressão renascimento florentino-romano). 3 Florence foi abalada por violentos movimentos sociais e políticos, que incluíram a ascensão e queda de Savonarola e a expulsão dos Medici. Em Roma, o ambicioso programa artístico do Vaticano (Basílica de São Pedro, Capela Sistina, Estancias de Rafael) atraiu uma constelação de artistas de primeira linha: Bramante, Sangallo, o já citado Rafael e Miguel Ángel; Entre eles estão aqueles que se destacarão no período seguinte, considerados maneiristas (Giulio Romano, Benvenuto Cellini, etc.). Entre os outros centros artísticos da Itália, só Veneza consegue igualar isto em importância, devido às características sem igual da escola de pintura veneziana que nesses anos assistiu a melhor parte da produção do Bellini, Giorgione e Titian.
O resto da Europa já estava sendo influenciado pela revolução artística do Primeiro Renascimento ou quattrocento (anos [mil] quatrocentos em italiano), mas na realidade não foi até o período posterior, o fim do cinquecento (anos [mil] quinhentos em italiano), denominados Baixo Renascimento ou Manierismo, quando o impacto da arte da fase classicista do Renascimento atingiu toda sua dimensão; e isso deveu-se em grande parte ao extraordinário prestígio que estudiosos como Vasari, autor do Vite (1550), deram aos gênios da geração anterior à sua, até mesmo quase divinizá-los (na verdade, Rafael foi chamado de divo – “O divino” -).
Em relação ao Renascimento de meados do século XV, caracterizado pela experimentação na perspectiva linear, o Alto Renascimento foi caracterizado pela maturidade e equilíbrio encontrados no sfumato de Leonardo; nos volumes de mármore do Michelangelesque terribilitá; nas cores, texturas e no chiaroscuro dos venezianos ou das Madonas de Rafael, que dão luz e sombras uma nova proeminência; em ultrapassar o braço nos retratos (como no Gioconda); na composiçãoclaro, especialmente o triangular, marcado pela relação das figuras com olhares e posturas, particularmente nas mãos.
O maneirismo, embora no momento a historiografia o define como um estilo autônomo por si só, 6 inicialmente foi um termo pejorativo para designar artistas sem originalidade, que pintaram ou esculpiram a cara di Miguel Ángel ou Rafael. Certamente, o prestígio que os artistas do Alto Renascimento conseguiram fez com que todos quisessem se comparar com eles: um artista de personalidade tão marcante quanto Tintoretto, proclamado para usar “a cor de Ticiano e o desenho de Michelangelo”.
Durante o século XVII, presidido pela estética ruptista do barroco, manteve-se uma tendência classicista (classicismo francês, escola bolonhesa, pintura classicista), que continuou até o século XVIII através do trabalho das academias e do estilo neoclássico (este mais bem focado na recuperação arqueológica da pureza das formas da arte antiga) e na arte contemporânea através do academicismo, que até a primeira metade do século XX era o paradigma oficial da arte que resistia às inovações de vanguarda. Em meados do século XIX, o movimento Pré-rafaelita pretendia voltar à pureza artesanal da pintura diante de Rafael.
Alta Renascença no resto da Europa
A recepção das formas renascentistas italianas foi lenta e não homogênea ao longo do século XV; mas em meados do século XVI a disseminação generalizada das obras da Alta Renascença, graças à gravura e aos textos, os tratadores (Vasari, Serlio, Vignola, Palladio) fizeram deles um cânone clássico.
O renascimento nórdico (especialmente o renascimento flamengo – primitivos flamengos – e o renascimento alemão – Dürer, Altdorfer, Grünewald, escola Danúbio -) desenvolveu-se como um foco autônomo, embora em relação fluida com o italiano, e também marcou um período clássico que, graças a A verdadeira revolução social e intelectual permitida pela imprensa (Gutenberg, 1453), converteu a última década do século XV e as duas primeiras do século XVI (dominadas politicamente tanto na Flandres-Borgonha como na Alemanha pela ascensão de Maximiliano I Habsburgo) no cenário de mudanças sociais, políticas e ideológicas transcendentais que culminam na Reforma Protestante (Tese de Lutero, 1517).
Para a monarquia dos monarcas católicos e os dois primeiros Habsburgos da Espanha (Filipe, a Feira, e Charles I, o Imperador Carlos V-), a historiografia geralmente se refere ao último quartel do século XV e aos dois primeiros terços do século XVI como Alta Renascença na Espanha, enquanto que no último terço do século XVI, dominado pelo ambicioso programa artístico de Filipe II, reserva o termo “Sob o Renascimento” na Espanha. 7 Todos os campos da produção intelectual espanhola entraram em uma verdadeira Idade de Ouro.
Veja também: Renascimento espanhol, literatura renascentista espanhola, história da ciência e tecnologia na Espanha e história do cristianismo na Espanha.
O Renascimento Francês e o Renascimento Inglês também tiveram suas características peculiares.
Arquitetura
O estilo da Alta Renascença na arquitetura começa convencionalmente com Donato Bramante, cujo Tempietto em S. Pietro in Montorio em Roma foi iniciado em 1510. O Tempietto, significa um renascimento em escala da antiga arquitetura comemorativa romana. David Watkin escreve que o Tempietto, assim como as obras de Rafael no Vaticano (1509-11), “é uma tentativa de conciliar os ideais cristãos e humanistas”.
Pintura
O Alto Renascimento era tradicionalmente visto como uma grande explosão de gênio criativo, seguindo um modelo de história da arte proposto pela primeira vez pelo florentino Giorgio Vasari. Mesmo pintores relativamente pequenos do período, como Fra Bartolomeo e Mariotto Albertinelli, produziram obras que ainda são elogiadas pela harmonia de seu design e de sua técnica. As proporções alongadas e poses exageradas nos últimos trabalhos de Michelangelo, Andrea del Sarto e Correggio prefiguram o chamado maneirismo, como o estilo do renascimento posterior é referido na história da arte.
O humor sereno e as cores luminosas das pinturas de Giorgione e do início de Ticiano exemplificam o estilo da Alta Renascença como praticado em Veneza. Outras peças reconhecíveis deste período incluem a Mona Lisa de Leonardo da Vinci e a Escola de Atenas de Rafael. O afresco de Rafael, colocado sob um arco, é um trabalho virtuoso de perspectiva, composição e disegno.
Escultura
A escultura da Alta Renascença, exemplificada pela Pietà de Michelangelo e pelo icônico David, é caracterizada por um equilíbrio “ideal” entre quietude e movimento. A escultura da Alta Renascença era normalmente encomendada pelo público e pelo estado, tornando-se mais popular para a escultura, uma forma de arte dispendiosa. A escultura era frequentemente usada para decorar ou embelezar a arquitetura, normalmente dentro de pátios onde outros pudessem estudar e admirar o trabalho de arte encomendado. Indivíduos ricos, como cardeais, governantes e banqueiros, eram os patronos privados mais prováveis, junto com famílias muito ricas; O Papa Júlio II também patrocinou muitos artistas. Durante o Alto Renascimento houve o desenvolvimento de estatuetas de pequena escala para patronos privados, a criação de bustos e túmulos também em desenvolvimento. O assunto relacionado à escultura era principalmente religioso, mas também com uma vertente significativa de indivíduos clássicos na forma de esculturas e pinturas de tumbas, assim como tetos de catedrais.